Alondra Bentley, en La Marina de València

Amstel Art
La Marina de València
Programación de enero de 2019

Amstel Art arranca el miércoles 9 de enero su programación del año entrante, con un nuevo cartel integrado por cerca de una veintena de propuestas enmarcadas en un plan cultural que sigue la marcada línea de diversidad musical con su apuesta habitual por los grupos emergentes valencianos.

La novedad del mes viene representada por la proyección de clásicos cinematográficos junto a la interpretación de música en directo, además de encuentros cinéfilos con juegos, visionados y premios organizados por Moradores de Tejados y Versillos a la mar. La poesía de la mano de la iniciativa cultural Versat i Fet continúa reservada a las mañanas de los domingos, mientras que los miércoles tienen como protagonista de nuevo a los Laboratoris Artístics, un experimento cultural que sirve de plataforma para nuevas creaciones musicales y artísticas que poco a poco se introducen en el cartel habitual de la programación de sala.

Doctor Lobo. Imagen cortesía de Amstel Art.

Doctor Lobo. Imagen cortesía de La Marina de València.

Los tres primeros miércoles del mes estarán destinados a los ensayos de Laboratori Artístic, capitaneados por Hermes Mas y Sergio Devece, expertos en producción musical, y que durante los días 9, 16 y 23 dirigirán las propuestas presentadas. Con sesiones de una hora y media que comenzarán a las 20h, prepararán a los participantes para la gran exposición final que tendrá lugar el día 30 de enero.

El jueves día 10 de enero (20h), y como inicio de la programación de los jueves, tendrá lugar una proyección cinematográfica dentro del ciclo Cine mudo + música en vivo con el visionado de  ‘20.000 leguas de viaje submarino’ (Stuart Paton, 1916), y la música en directo interpretada por profesionales provenientes de la empresa de producción musical Valmúsica. Los músicos, acompañados por instrumentos clásicos como el violín o el violoncello y la integración de los sonidos más contemporáneos de música electrónica, interpretarán este primer pase con temas originales que centrarán la atención en recuperar costumbres de las proyecciones de cine de principio de siglo XX.

Yambú. Imagen cortesía de Amstel Art.

Yambú. Imagen cortesía de La Marina de València.

La Escuela Berklee Valencia vuelve a la programación habitual de la sala con la celebración de su X Showcase. El 17 de enero (20h) tendrá lugar un encuentro entre alumnos y profesores de la prestigiosa escuela, que se presenta como una oportunidad tanto para los músicos, público, como para los promotores locales, de descubrir y disfrutar del talento que se desarrolla en el campus de Berklee College of Music en Valencia.

El jueves 24 de enero (20h) Ministry Underground Sound ofrecerá en directo y emitirá en streaming la mejor música electrónica valenciana con varias sesiones de Dj´s, mientras que el jueves 31 de enero (23h) finaliza la programación mensual de los jueves el encuentro Duelo de Pianos 4.0. Pianistas de referencia de la escena valenciana como Josep Vidal o Federico Mahiques, a los que se han ido sumando músicos como Nacho Nacher o Hermes Mas en la incorporación de nuevos instrumentos de acompañamiento como la guitarra, el sintes o el violoncello. Improvisación combinada con la música más clásica y el sonido electrónico conforman increíbles atmósferas que cada mes hacen las delicias de los asistentes.

Lanuca. Imagen cortesía de La Marina de València.

Lanuca. Imagen cortesía de La Marina de València.

La programación nocturna de los viernes se inicia el día 11 de enero (23.30h) con la actuación del grupo valenciano Yambú con referencias musicales de artistas y grupos como Los Delinqüentes, Kiko Veneno o Ketama. El viernes 18 (23.30h) llega el paso de Black Money y su marcado estilo musical de referencia al rock de la década de los 70’s. El rock y pop también será la propuesta de las tres bandas valencianas Oh No!, Family Gringo y Black Coffee que actuarán en un triple concierto el día 25 de enero (23h).

La programación nocturna de los sábados se inicia el día 12 de enero (22.30h) con el concierto estrella del mes y la actuación de Alondra Bentley, que presentará su cuarto y último trabajo ‘Solar System’. La artista británica de orígenes españoles y con una marcada influencia musical basada en el folk más intimista, compartirá cartel con Ela Vin, que interpretará sus temas de folk, pop minimalista y la chanson francesa como artista invitada. El 19 de enero (20h) llegará la música electrónica a la sala Amstel Art de la mano de Lanuca, un proyecto de Ángela Bonet que presentará su trabajo Rémora. Al finalizar la actuación de Lanuca, tendrá lugar un doble concierto (23.30h) de la mano de La navaja de Ockham y The Phantoms. El último sábado del mes 26 de enero (23.30h), centra la actuación musical de la sala el grupo valenciano Doctor Lobo.

Versat i Fet. Imagen cortesía de La Marina de València.

Versat i Fet. Imagen cortesía de La Marina de València.

Los domingos de enero, continúan con una programación familiar, destinada al disfrute de todos los públicos. El 13 de enero la poesía vuelve con el colectivo Versat i Fet, impulsado por Sara y Yasmina Olivas, que ya forma parte de la programación habitual de Amstel Art. El 20 de enero (12h) una nueva propuesta cinematográfica, con Cinepluf. Un concurso temático cinéfilo con visionados y premios donde el público podrá demostrar toda su sabiduría sobre el séptimo arte. El domingo 27 de enero (12h) nueva entrega del show Operación Verso impulsado como un talent show y encuentro poético en un evento distendido y participativo.

Con estas propuestas, Amstel Art completa la programación para el mes de enero llena de novedades y adaptada a todos los públicos  con el propósito de llevar a La Marina un concepto de cultura valenciana multidisciplinar, contemporánea, abierta e interrelacionada con la gastronomía de la mano de HEINEKEN España.

Alondra Bentley. Imagen cortesía de La Marina de València.

Alondra Bentley. Imagen cortesía de La Marina de València.

Sala Russafa inicia su octava temporada

VIII temporada de Sala Russafa
Avance de programación
Sala Russafa
Denia 55, València
Octubre de 2018

Sala Russafa abre temporada bajando el telón. El Teatro de Ruzafa acoge la despedida de los escenarios de ‘Matar al Rey’, uno de los últimos espectáculos de la formación valenciana Arden Producciones, que ha vivido una larga gira de cuatro años que recientemente la ha llevado a Oporto y Braga.

Tras cerca de 80 funciones en las que ha visitado gran parte de la Comunidad Valenciana (Alicante, Alzira, Sagunto, Santa Pola, Mostra de Teatre d’Alcoi, Vila Real…) y España, con temporadas en Barcelona, Sevilla y Vitoria, además de participar en programaciones de destacadas citas como el Festival Internacional de Teatro de Málaga, la Muestra de Teatro Clásico de Lugo o el Festival de Teatro Clásico de Cáceres.

Una larga vida para la historia de un rey que aparece muerto sin motivos aparentes de salud ni nuestras de violencia. Basada en la biografía de Enrique IV, tachado de impotente y al que acechaban su hermana Isabel (futura Isabel I de Castilla, La Católica); su mujer, la portuguesa Juana de Avis y Aragón; junto al amante de ésta y valido de rey, Beltrán de la Cueva. Una cohorte que conspira alrededor de su muerte y un médico judío que trata de impedirla.

Un instante de la representación de 'Matar al Rey', de de la formación valenciana Arden Producciones. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

Un instante de la representación de ‘Matar al Rey’, de de la formación valenciana Arden Producciones. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

Personajes reales, referencias históricas y ficción componen un potente texto de aire negro, escrito y dirigido por Chema Cardeña, quien también forma parte del reparto con Juan Carlos Garés, Iria Márquez, Rosa López y Jaime Vicedo.

La pieza tendrá sus últimas cuatro funciones del 11 al 14 de octubre. Y el día 13 también podrá verse la versión cinematográfica de ‘Matar al Rey’, dirigida por Vicente Monsonís. El realizador valenciano llevó al cine la obra de teatro con algunas adaptaciones, rodándola en el Castillo de Benissanó, que aportó localizaciones interiores y exteriores reales. Una nueva dimensión para esta apasionante trama, que recrea una de las caras más ocultas del pasado, origen de la creación del hoy tan discutido estado español.

Igualmente, el teatro de Ruzafa ha programado en el mes de octubre una serie de funciones que permitirán el encuentro de propuestas dramáticas venidas de España y Portugal.

El 19 de octubre arranca el VIII Ciclo de Compañías Nacionales de Sala Russafa que este año reúne hasta principios del mes de diciembre a siete compañías de cinco comunidades autónomas: Madrid, Castilla La Mancha, Extremadura, Andalucía y Aragón.

‘Moscú (3.442 km)’, de la formación madrileña La Trapecista Autónoma, será el punto de partida de VIII Ciclo de Compañías Nacionales de Sala Russafa. Fotografía cortesía del teatro.

‘Moscú (3.442 km)’, de la formación madrileña La Trapecista Autónoma, será el punto de partida de VIII Ciclo de Compañías Nacionales de Sala Russafa. Fotografía cortesía del teatro.

Del 19 al 21 de octubre, el teatro valenciano estrena en la Comunitat, ‘Moscú (3.442 km)’, de la formación madrileña La Trapecista Autónoma (anteriormente, Ambigú). La pieza toma su título de la cantidad de kilómetros que separan Madrid de la capital rusa, tal vez la misma que nos distancia de la felicidad. Inspirado por ‘Las Tres Hermanas’, de Chéjov, nace este paisaje escénico que habla de la inmovilidad y que reafirma la vida como un acto de rebeldía, frente a las oportunidades que se dejan marchitar. Patricia Benedicto dirige esta sensible y hermosa pieza, interpretada por Irina Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo, que incita al público a dejar de ser un espectador de los días para ponerse en marcha y actuar.

Del 26 al 28 de octubre será el turno de ‘Fresa y chocolate’, firmada por la compañía albaceteña Lulo Producciones. Sala Russafa acoge el estreno absoluto de la versión teatral de la popular película, nominada al Óscar al Mejor Filme Extranjero y ganadora del Premio Goya en esta misma categoría en 1995. El encuentro entre un estudiante comunista de sociología y un artista homosexual centra esta deliciosa historia sobre la libertad, los prejuicios y la capacidad de abrir la mente, permitiendo el acercamiento entre polos opuestos. Alberto Alfaro adapta y dirige la pieza, con ligeros cambios respecto al filme para su paso a las tablas, que interpretan Manuel Menárguez, José Francisco Ramos y Alejandro Valenciano.

Junto a este ciclo dedicado al teatro nacional, durante el mes de septiembre, Sala Russafa pone en marcha la segunda edición de su Ciclo de Teatro Portugués. Una iniciativa enmarcada en el Circuito Ibérico de las Artes que conforman quince centros de creación españoles y portugueses, cuyo objetivo intercambiar de piezas teatrales entre los dos países para enriquecer y acercar ambas escenas. En versión original con sobretítulos proyectados en el escenario llega la primera propuesta lusa de una programación que irá salpicando la temporada. Desde Oporto llega Teatro Art’Imagem, que la temporada pasada ya visitó el teatro de Ruzafa con el montaje ‘Um punhado de terra’, y ahora estrena en la Comunitat ‘A maior flor do mundo’ (25 sept), una pieza para todos los públicos que toma como base la obra infantil de José Saramago con título homónimo. Sin embargo, se van añadiendo otros personajes y pasajes creados por el Premio Nobel en libros como ‘El Ensayo sobre la Ceguera’, ‘Cuaderno de Lanzarote’ o ‘De este mundo y del otro’. Un homenaje a una de las figuras intelectuales más destacadas del país vecino, dando un nuevo aire a su legado mediante el encuentro entre la literatura y el teatro.

Un instante de la escenificación de la obra ‘La caverna del fuego’, de Dinamo Producció Teatral. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

Un instante de la escenificación de la obra ‘La caverna del fuego’, de Dinamo Producció Teatral. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

Octubre también marca el arranque de la oferta teatral para los más pequeños en Sala Russafa. El centro cultural cuenta con una programación familiar los fines de semana, que esta temporada  inaugura el estreno absoluto de ‘La caverna del fuego’, la nueva propuesta de la formación valenciana Dinamo Producció Teatral.

El 20 y 21 de octubre puede verse esta propuesta, escrita y dirigida por Ernest Sendín, que retrocede en la línea del tiempo hasta los primeros pobladores de la Tierra, contando la historia de una joven Homo Sapiens que tendrá que enfrentarse a una terrible maldición y, sorpresivamente, encontrará un aliado en el último neandertal. Una aventura llena de acción, misterio y amor, que apuesta por la integración y el trabajo en común como elemento clave para construir el futuro.

Además, Sala Russafa dispone de funciones concertadas para centros educativos. Durante los meses de octubre, noviembre y diciembre esta programación contará con la última propuesta de Arden Producciones para los más pequeños. Chema Cardeña escribe y dirige ‘El viatge d’Alicia’, divertida propuesta cuya protagonista es niña que encuentra un ejemplar quemado de su libro favorito, ‘Alicia en el País de las Maravillas’, al que le faltan páginas. De repente, se le aparecen personajes del cuento pidiéndole ayuda para regresar a su historia en una aventura acompañada por versiones en directo de The Beatles. Una oportunidad para integrar en la formación de los pequeños la experiencia teatral como generadora de vivencias y una manera distendida de acercarse a nuevos conocimientos.

Sala Russafa arranca su octava temporada con las últimas funciones de 'Matar al Rey', que se despide de los escenarios tras cuatro años de gira. Fotografía cortesía del teatro.

Sala Russafa arranca su octava temporada con las últimas funciones de ‘Matar al Rey’, que se despide de los escenarios tras cuatro años de gira. Fotografía cortesía del teatro.

 

Russafa Escènica, menos y mejor

Russafa Escènica
Bajo el lema ‘Caminos’
Del 14 al 24 de septiembre de 2017

Faltan apenas tres meses para que el festival de las artes escénicas de Valencia, Russafa Escènica, celebre su séptima edición, que se desarrollara del 14 al 24 de septiembre bajo el lema ‘Caminos’. Este año serán 18 las piezas escénicas que compondrán el cartel del festival (divididas entre El Invernadero, 13 Viveros y 4 Bosques) cuya singularidad, según destacan desde la organización, es la fusión entre profesionales consolidados y nombres emergentes, entre compañías con una larga trayectoria y jóvenes talentos.

Bienvenido a casa, de Dacsa Produccions. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Bienvenido a casa, de Dacsa Produccions. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Destaca, además, la mezcla generacional en el elenco de actores de las distintas propuestas. Como ejemplo de ello, una de las obras, ‘Bienvenido a casa’, dirigida por Eva Zapico -nacida como pieza breve en el festival Cabanyal Íntim y transformada en pieza larga para Russafa Escènica- que pone frente a frente en el escenario, junto a Manu Valls, a Juan Mandli y Alejandra Mandli, padre e hija en la realidad y en la ficción.

En esta séptima edición continúa la tendencia que Russafa Escènica inició el pasado año: reducir el número de propuestas en cartel. Una decisión que viene motivada, en primer lugar, para respetar la propia singularidad del festival que, en palabras de Jerónimo Cornelles, director artístico de Russafa Escènica, no es otra que “la posibilidad que tiene el público de abarcarlo todo, gracias a la duración de las obras y a lo reducido de sus precios”. Y, en segundo lugar, para premiar la calidad por encima de la cantidad.

La dislexia de los conejos. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

La dislexia de los conejos. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

Russafa Escènica, que llegó a programar 30 estrenos absolutos en su cuarta edición recupera ahora, tras una minuciosa selección, la misma cifra de espectáculos que presentó en su segunda cita, en el año 2012. Todo ello al mismo tiempo que aumenta de forma destacable el número de proyectos que se han presentado este año al festival, alrededor de 170, de lugares tan diversos como Madrid, Barcelona, Baleares, México o Argentina.

En esta séptima edición Russafa Escènica se convierte en el primer festival de su categoría que remunera económicamente con un caché fijo a las compañías participantes, lo que supone la consecución de un objetivo que el festival tenía desde que comenzó su andadura en 2011 y que simboliza la dedicación y el esfuerzo por crecer y mejorar. Esta remuneración, que facilita la contratación de los intérpretes, se sumará al porcentaje correspondiente de la taquilla al finalizar el festival, hasta ahora el único pago que percibían las compañías.

Foto de equipo de Russafa Escènica. Imagen cortesía de la organización.

Foto de equipo de Russafa Escènica. Imagen cortesía de la organización.

Este es uno de los motivos por los que casi la totalidad de la programación -exceptuando una propuesta de circo cuya compañía está formada en Barcelona con intérpretes de Francia y Chile- la forman compañías valencianas, quienes han confiado en Russafa Escènica desde el momento de su creación y hacia quienes el festival dirigirá sus recursos en la presente edición.

En cuanto a los formatos repiten teatro textual, danza, performance y circo, entre otros, y destacan nombres como Carla Chillida, un referente en el teatro político, Eva Bertomeu, reconocida profesional en danza, o Pepa Juan y Laura Useleti, actrices de gran recorrido profesional. Los espacios de representación tanto de Viveros como Bosques se seguirán realizando en espacios no convencionales y privados del barrio.

El proyecto El Invernadero es un taller de creación e investigación gratuito para jóvenes actores y actrices guiado por un profesional de las artes escénicas valencianas. En esta séptima edición será la actriz y directora María José Peris quien dirigirá la propuesta, una metáfora de la situación escénica actual a través de un formato musical abordando cuestiones como el deber de la administración pública ante la cultura, el respaldo de la crítica, el apoyo del público y, en general, la condición de artista.

Tras el taller de creación, la obra pasará a formar parte de la programación oficial del festival como producción propia y se representará, un año más, en la Sala Russafa.

Mare Mortis.

Mare Mortis. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

El Musical, con la danza

Programación del TEM
Trimestre abril-junio 2017
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia

El Teatre El Musical ha presentado su programación para el próximo trimestre en el que la danza, el teatro, la música y los festivales van a ser los protagonistas. Por el escenario del TEM pasarán la actriz Blanca Portillo que llegará a Valencia a finales de junio con su trabajo ‘El Cartógrafo’, las Premio Nacional de Danza Ana Laguna y Rocío Molina que actuarán el 12 y 13 de mayo respectivamente y el grupo de pop catalán Els Amics de les Arts. Además, las diferentes instalaciones del TEM acogerán la programación de varios festivales como Cabanyal Íntim, 10 sentidos, Tenderetes o Encontres PICUV.

La nueva programación arrancará el próximo 29 de abril con la celebración del Día Internacional de la Danza. Para conmemorarlo se está trabajando en un proyecto dirigido y protagonizado por las vecinas y los vecinos de Poblats Marítims. Bajo la supervisión de los coreógrafos Vicente Arlandis, Sandra Gómez y Santiago Ribelles se han planteado tres recorridos que saldrán desde diferentes lugares y que confluirán a la vez en la plaza del Rosario  donde se realizará una coreografía conjunta.

La bailarina Rocío Molina, en la programación del Teatre El Musical.

La bailarina Rocío Molina, en la programación del Teatre El Musical.

La danza precisamente seguirá siendo protagonista con la visita de dos Premios Nacionales de Danza como Ana Laguna y Rocío Molina. La primera actuará acompañada por Ek Mats y por Dafi Dance Company dentro del Festival 10 Sentidos. Molina lo hará solo un día después, el 13 de mayo, tras tener que suspender por problemas médicos la función el pasado 4 de marzo.

El TEM servirá también de escenario de la celebración de varios festivales. El Cabanyal Íntim mostrará varios trabajos de Performance el 20 de mayo. Una semana después y dentro del mismo festival se estrenará la producción teatral ‘I tornarem a sopar al carrer’ que tiene como protagonistas a los vecinos y vecinas del barrio.

El 9, 10 y 11 de junio el TEM y la plaza del Rosari acogerán los ‘Encontres Cultura als Barris per a fer ciutat’ un proyecto organizado e impulsado por PICUV Plataforma de Iniciativas Culturales Urbanas. Serán tres días de debate y reivindicación sobre los nuevos retos que plantean las dinámicas participativas en la creación y gestión cultural desde los barrios.

Otra de las propuestas en forma de festival será Tenderete que este año cumplirá su 14 edición. Una cita clave en la autoedición gráfica y sonora que reunirá a ilustradores, dibujantes de cómics y artistas gráficos del panorama internacional. Un lugar donde intercambiar experiencias e ideas y con un programa formado por talleres, charlas, mesas redondas, exposiciones y la feria de publicaciones, además de conciertos en la plaza del Rosario en los dos días de festival.

Els amics de les arts presentarán su nuevo disco en el Teatre El Musical.

Els amics de les arts presentarán su nuevo disco en el Teatre El Musical.

La propuesta musical del trimestre correrá a cargo del grupo catalán Els Amics de les Arts que presentará en el TEM su nuevo trabajo ‘Un poder estrany’. Tras más de 10 años en el panorama musical con este disco dan un salto hacia adelante con la colaboración con Tony Doogan en la producción, grabación y mezcla. Doogan es responsable sonoro de grupos tan importantes como Belle & Sebastian, Mogwai, David Byrne, Russian Red o Supersubmarina.

La otra apuesta musical del trimestre es la del Proyecto Singa. Un programa  dirigido a los niños y niñas del barrio del Cabanyal que ha abierto un espacio a través de la música donde se intentan romper las barreras sociales que existen entre la población gitana, no gitana e inmigrante que convive en el barrio. Será el 3 de mayo cuando presentarán su nueva creación en el escenario del TEM.

La programación del trimestre finalizará el 23 y 24 de junio con la representación de la obra de teatro ‘El Cartógrafo’, escrita y dirigida por Juan Mayorga, uno de los dramaturgos contemporáneos más reconocidos y que tiene como protagonistas a Blanca Portillo y José Luis García-Pérez.

La coordinadora artística del Teatre El Musical Olga Álvarez señaló que la programación ofrece en líneas generales una serie de propuestas artísticas donde “la calidad, pluralidad y la diversidad de géneros definen la línea del proyecto del TEM en varias de sus vertientes: la artística, la social, la reflexiva y la colaborativa”. “Nuestro compromiso con proyectos de índole social que atañen al barrio, el apoyo a iniciativas culturales urbanas y festivales autogestionados, nuestra apuesta por la escena contemporánea y por el trabajo con y desde el barrio son la seña de identidad de este trimestre”, concluyó.

El cartógrafo, de Juan Mayorga. Fotografía de Ceferino López. Teatre El Musical.

El cartógrafo, de Juan Mayorga. Fotografía de Ceferino López. Teatre El Musical.

Arte enchufado

Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio
Sala Josep Renau
Facultat de Belles Arts
Universitat Politècnica de València
Del 27 de octubre de 2016 al 3 de marzo de 2017

El pasado mes de septiembre, durante la rueda de prensa anterior al acto de investidura como Doctor Honoris Causa UPV 2016, el investigador norteamericano Roger Malina recordó el trabajo de su padre como el de un pionero en la década de 1950 citando alguna de las críticas que recibió entonces. Una de ellas decía: “Si hay que enchufarlo, no puede ser arte”. El trabajo de Frank J. Malina entonces, como el de Roger Malina ahora, están detrás de esta exposición donde casi la totalidad de las obras que se muestran necesitan ser enchufadas.

Fruto del convenio de colaboración firmado este año por la UPV y la Colección BEEP de Arte Electrónico, gracias al interés del Máster Oficial en Artes Visuales y Multimedia y a la colaboración de LaAgencia, la exposición ‘Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio’ se plantea como un ejercicio expositivo que pretende mostrar la mejor colección de arte electrónico contemporáneo de nuestro país (colección que surgió en el contexto de la feria de arte contemporáneo ARCO en 2006) en el ámbito de la Universidad para su estudio e investigación, coincidiendo con su décimo aniversario. Este programa se encuadra dentro de los esfuerzos de responsabilidad social corporativa del grupo Ticnova en apoyo de la Universidad Pública, dando a los alumnos la oportunidad de trabajar con casos reales, poniendo a su servicio la Colección Beep de Arte Electrónico.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Se trata de un proyecto expositivo que reúne obras realizadas con nuevos medios y que abarcan desde el llamado net art, la robótica, la electrónica, el bioarte y lo digital hasta el arte interactivo, cubriendo todas las facetas que permite la tecnología contemporánea y siendo un fiel reflejo de los nuevos modos de reflexionar sobre nuestra realidad en plena era tecnológica.

Uno de los aspectos más importantes de la muestra es el enfoque como “caso de estudio”, lo que permitirá que los estudiantes y el profesorado de la Universidad trabajen directamente en el montaje, la documentación y la preservación de las obras, conociendo de primera mano la complejidad tecnológica que configura las obras contada por sus protagonistas, los artistas y técnicos que impartirán a los estudiantes sesiones de trabajo para explicar tanto sus propias metodologías de trabajo como los protocolos necesarios para la preservación de estas obras. La propuesta, aunando práctica artística y tecnología, promueve una alianza innovadora en la intersección Arte, Ciencia y Tecnología, buscando el encuentro y la convergencia entre métodos científicos y artísticos.

Así, esta exposición plantea un novedoso enfoque pedagógico al ofrecer a los estudiantes las obras como “casos de estudio”. Enfrentarse al estudio de obras de arte de base tecnológica implica una dificultad añadida: la necesidad de comprender las transformaciones tecnológicas y entender la conceptualización de las propuestas. Al llevar a cabo el montaje junto a los artistas y técnicos, los estudiantes de la UPV conocerán de primera mano los procesos creativos de los artistas.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Toda la documentación generada durante la exposición por los estudiantes en torno a la colección (instrucciones de montaje, fichas de mantenimiento, protocolos de preservación ante la obsolescencia de los componentes, recopilación de lenguajes de programación y mantenimiento informático, etc.) constituirá a su vez una información relevante tanto para los investigadores, los gestores culturales como para los mismos conservadores de la colección BEEP, ofreciendo un conocimiento en profundidad de las obras y una sistematización de sus requisitos de exposición.

Para que esto sea posible, el espacio de la Sala Josep Renau se ha ajustado a un diseño expositivo a modo de stands de feria, ya que la muestra se plantea como un work in progress, como un ensayo que se desarrolla en el tiempo y donde las piezas irán cambiando, actualizándose, cada tres semanas, de manera que al final todas las que integran la colección serán revisadas, exhibidas y documentadas.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

La Colección BEEP de Arte Electrónico: 12 años dedicados al Arte tecnológico

La Colección BEEP de Arte Electrónico es el fruto del objetivo del grupo TICNOVA de potenciar la creación artística vinculada a la tecnología, favorecer la comunicación entre los desarrolladores/creadores de tecnología y los creadores artistas. Una colaboración natural que beneficia y enriquece a ambos mundos.

Vinculada desde sus inicios a la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO a través del Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico, ha generado en 10 años una de las colecciones de Arte Electrónico más importantes de Europa. 16 obras resumen de forma ecléctica las tendencias de los medios tecnológicos en el campo de las prácticas artísticas.

En una metáfora sobre el funcionamiento de la sociedad y el uso de la internet se sitúa la obra de Davide Grassi, Christophe Bruno, el colectivo Ubermorgen, Julius Von Bismarck & Benjamin Maus, Manuel Fernández o Daniel Canogar. Trabajando con programas informáticos destaca el caso de las instalaciones de Charles Sandison, jugando bajo la metáfora recurrente del espejo encontramos las obras de Christa Sommerer Laurent Mignonneau y de Rafael Lozano-Hemmer y en la conjunción de arte sonoro y nuevos medios las piezas de José Antonio Orts. Por su parte, Eduardo Kac reflexiona a través del conocido como bioarte en torno al sujeto en el mundo postdigital mientras que Andrés Pachón y Manu Arregui nos exponen una nueva realidad social valiéndose de la tecnología 3D.

En el campo de la robótica, nos encontramos con las esculturas interactivas de Anaisa Franco que conectan lo físico y lo digital, y de Marcel·lí Antunez en la que un tronco de madera esconde un sistema robótico empático; con nuevas formas de comunicación entre elementos mecánicos en las instalaciones de Ricardo Iglesias y Gerard Kloger; con una búsqueda de un sistema auto-organizativo en mímesis con la naturaleza en las piezas de José Manuel Berenguer; y, en la obra de Marcela Armas, como canal para investigar los conceptos de energía y sostenibilidad.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

“Valencia lleva décadas fuera del circuito teatral”

Cinco años de la Sala Russafa
Balance del cumpleaños
Julio de 2016

La Sala Russafa de Valencia acaba de cumplir cinco años. Un cumpleaños feliz si tenemos en cuenta la dura travesía realizada, justamente durante el periodo de mayor azote de la crisis económica, pero en ningún caso complaciente. “No podemos ser triunfalistas. La situación ha remontado un poquito, pero después de años de película de miedo”, comenta Juan Carlos Garés, director del Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques que nació en octubre de 2011 de la mano de Arden Producciones, que Garés comparte con Chema Cardeña y David Campillos.

Su voluntad inicial de “desafiar a los malos tiempos”, según reconocieron aquel año de salida, se ha satisfecho con creces. Han luchado contra el cierre “en varias ocasiones”, merced a su “espíritu vocacional” y a lo que han dado en llamar “cultura de resistencia”. Y ahora, con la perspectiva que da el tiempo, se afirman en una sola cosa: su reivindicación de la cultura de base que quieren exportar, por seguir a Celaya, como un arma cargada de futuro.

Alicia, de Thomas Noone Dance. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Alicia, de Thomas Noone Dance. Imagen cortesía de Sala Russafa.

“Hay que incentivar al público y trasvasarlo de unas salas a otras”

Y, en ese futuro, Garés apuesta por la coordinación de programaciones culturales entre las diferentes salas de Valencia. Va incluso más allá, advirtiendo de la necesidad de una política cultural interterritorial. “Cada espacio tiene su propio estilo, pero nosotros creemos que se puede incentivar al público y trasvasarlo de unas salas a otras mediante promociones conjuntas, como carnets con descuentos si acudes a distintos espacios a ver diferentes espectáculos”, explica Garés, quien aboga por una “sentada” entre responsables teatrales: “Creemos que saldría ganando todo el mundo”.

Las producciones valencianas han ido creciendo de forma progresiva en su sala de teatro, cuya ocupación media es de 105 espectadores para un espacio con 178 butacas. Eso refleja, según Garés, que hay muchas funciones que están llenas, “pero otras son minoritarias”. Y aquí es donde pone el acento: “Hay excelentes trabajos de tamaño medio y pequeño, como los nuestros cuando vamos de gira, que no pasan por Valencia porque nadie apuesta por ellos”. Con esa política de coordinación cultural, se podría traer a esas compañías ofreciendo diversos espacios donde actuar, abaratando costes e incrementando las oportunidades de exhibición.

Moby Dick, de Marta Alonso, en Sala Russafa.

Moby Dick, de Marta Alonso, en Sala Russafa.

“Programar trabajos arriesgados obliga a intensificar la promoción, porque si no pasan desapercibidos”

Sala Russafa lo viene haciendo desde el principio, a pesar del riesgo que supone: “No podemos dejar de hacerlo porque creemos en la calidad de esos trabajos, pero lo cierto es que nos obliga a intensificar la promoción y publicidad, porque si no pasa desapercibido”. En este sentido, Garés asume que están cumpliendo la función del teatro público. De ahí que insista en la necesidad de crear una política cultural común, entre salas privadas y públicas, tanto de una misma ciudad como vinculada con otros municipios de Alicante y Castellón, con el fin de reducir costes y facilitar la exhibición de los espectáculos. En su caso, ya tienen programadas otras seis compañías nacionales para el próximo otoño.

Esto es algo que ya han empezado a hacer el Festival Tercera Setmana, cuya primera edición se celebró el pasado mes de junio en Valencia, y Sagunt a Escena: coproducciones y coordinación con otros festivales de teatro. “Hacia principios de los 90, la Feria de Julio cogía espectáculos importantes, de manera que Valencia se convertía en ciudad de paso dentro de esas giras teatrales, pero eso dejó de existir y Tercera Setmana nace en cierto modo para tomar ese relevo, al igual que Sagunt a Escena”. A este respecto, Garés se muestra contundente: “Valencia lleva décadas excluida de los grandes circuitos teatrales”. Y quien dice Valencia dice la Comunidad Valenciana en su conjunto.

Esa inercia de vivir al margen de los grandes festivales tipo Mérida o el Grec de Barcelona penaliza a las grandes producciones del teatro valenciano. Pero si volvemos a las medianas y pequeñas, otro tanto de lo mismo. “Nosotros planteamos crear nuevos públicos para los pequeños grandes trabajos, haciendo paquetes con otros municipios y conexiones interterritoriales”, subraya Garés. Para ello, “los programadores culturales son el puente”, de manera que se puedan hacer “estrenos a dos o tres bandas” que animen a las compañías.

Imagen de los últimos premiados por la Sala Russafa.

Imagen de los últimos premiados por la Sala Russafa.

“Seguimos echando de menos a nuestros dirigentes en las salas de teatro”

Como anima Garés a los dirigentes políticos a consumir cultura. “La mejor promoción de la cultura es que nuestros dirigentes la consuman; que además de a las ruedas de prensa, vengan al teatro”. Y en esto se muestra crítico: “Seguimos echándoles de menos en nuestras salas teatrales”. Al igual que se echa de menos la cultura en los debates electorales y en los programas de los partidos. En el Acord del Botànic, sin ir más lejos, no hay una sola línea dedicada a la cultura. “Sí, lo triste es que sigue estando excluida de sus programas”.

En ese contexto de abulia cultural, Garés reconoce que no queda otra: “Vamos a tener que seguir reivindicando el teatro de base”, porque a su juicio “Shakespeare, por citar un ejemplo, abre la mente de las personas”. Cultura de base por la que el nuevo equipo de gobierno parece haber mostrado un mayor interés: “Ahora sí, al menos de palabra, falta que lo pongan en práctica”. Y puestos a poner en práctica, no estaría de más tampoco la aprobación tantas veces postergada de una ley de mecenazgo y la rebaja del sangrante IVA cultural.

“Todos los teatros hemos sufrido y tenido que absorber los sucesivos machaques financieros”, lamenta Garés. Aunque atisba cierta mejoría: “El síndrome del bolsillo vacío parece haber remitido”. Él, por si acaso, sigue apelando a la “cultura de la resistencia” y al “espíritu vocacional” para seguir dando alas a su apuesta por la coordinación entre salas y entre espacios de otros municipios. Ahí parece estar escondida el “arma carga de futuro” que para Juan Carlos Garés y la Sala Russafa sigue siento el teatro.

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De izquierda a derecha, Juan Carlos Garés, Chema Cardeña y David Campillos, responsables de la Sala Russafa. Fotografía: Juan Terol.

De izquierda a derecha, Juan Carlos Garés, Chema Cardeña y David Campillos, responsables de la Sala Russafa. Fotografía: Juan Terol.

Salva Torres

Las Naves seguirá apostando por la innovación

Espai Mutant de Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Programación 2016 / 2017

El Espai Mutant de Las Naves ha presentado la programación de la que será su tercera temporada de artes escénicas con la filosofía de todo el centro de innovación y creación, caracterizado por apostar por la innovación cultural, social y tecnológica. Su objetivo: dar a conocer a artistas emergentes y compañías locales, acercar propuestas arriesgadas a nivel nacional, redefinir el “teatro público” e invertir esfuerzos en la innovación cultural aplicada a la escena.

Según su director de programación, Guillermo Arazo, l’Espai Mutant es “un lugar abierto, en constante transformación, que debe hacer visible el desarrollo de la sociedad. En este sentido, es necesario transformar y reinventar el espacio destinado a las artes escénicas en Las Naves”.

“Este año tendremos un discurso abierto más allá de las cuatro paredes de un teatro, que mire a la ciudad y a los barrios de Valencia y con una programación contemporánea de calidad, con un carácter plural y multidisciplinar, que genere una identidad ciudadana y que se convierta en un referente nacional“, explica Arazo.

La Tristura. Imagen cortesía de Las Naves.

La Tristura. Imagen cortesía de Las Naves.

La Tristura, PanicMap, Cris Blanco, Malditos Compañía, Bramant Teatre, Patricia Pardo, CanallaCo Teatre, La Joven Compañía, Taiat Dansa, Divergences o el Pont Flotant son algunas de las compañías que pasarán por Las Naves la próxima temporada que dará comienzo el mes de septiembre.

A lo largo de este nuevo ejercicio Las Naves apuesta por la producción propia con dos montajes escénicos relacionados con teatro comunitario, además de una revisión de su ya clásico ‘Poblats en Dansa’, que durante la pasada temporada ejerció de nexo de unión dancística de los vecinos de los Poblats Marítims. Asimismo, Las Naves estrenará las coproducciones ‘Bad Translation’, de Cris Blanco, y ‘Still Life’, de Taiat Dansa, junto a otras coproducciones con las compañías CanallaCo y La Teta Calva.

Dystopia. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia. Imagen cortesía de Las Naves.

Esta nueva temporada arranca con ‘Dystopia’, de PanicMap, el 16, 17 y 18 de septiembre. Este montaje continúa con la línea de investigación del anterior proyecto de la compañía, profundizando en la búsqueda de un lenguaje multidisciplinar propio que se alimenta de diferentes lenguajes: dramático, plástico, coreográfico y tecnológico.

‘Pájaros azules’, de Bramant Teatre, llegará al espacio mutante el 24 de septiembre. Este proyecto se centra en el conflicto afgano, habla de la emigración de la mujer, el abandono, la soledad y de cómo el amor puede cambiar la manera de enfrentarse a algunas guerras.

Pero además de grandes apuestas innovadoras, Las Naves repite montaje tras el éxito de su coproducción ‘Cine’, de La Tristura. El 29 y 30 de octubre esta compañía, considerada una de las más transgresoras del teatro contemporáneo español, volverá con la road movie de un joven en busca de su identidad.

Cul Kombat, de Patricia Pardo. Imagen cortesía de Las Naves.

Cul Combat, de Patricia Pardo. Imagen cortesía de Las Naves.

Patricia Pardo vendrá al Espai Mutant con un alegato por la eliminación de los géneros, como horizonte. Pero, a la vez, reivindicando la categoría impuesta, la de ser mujer, porque hay que ser consciente de la invisibilidad, de la violencia y del control ejercido bajo esa etiqueta-mujer. ‘Cul Combat’ se representará el 5 de noviembre.

El 6 de noviembre se estrenará en Las Naves la coproducción ‘Bad Translation’, de Cris Blanco. ‘Bad Translation’ es una batalla en la que lo analógico vence a lo digital, poniendo el foco en lo que se pierde en la traducción.

Esta nueva temporada también contaremos con el Premio Max al Mejor Espectáculo Revelación 2016: ‘Danzad Malditos’, de Malditos Compañía. Este montaje será el encargado de cerrar el mes de noviembre en la programación. En la época de la Gran Depresión, en Estados Unidos se organizaban concursos donde parejas bailaban de manera continuada, día y noche, hasta acabar extenuados. Ganaban los que más resistían y recibían dinero en metálico. Basado en la célebre película de Sydney Pollack, esta propuesta reproduce aquellos maratones de resistencia donde los bailarines eran auténticos espectáculos de la miseria.

Ya en diciembre, Divergences ofrecerá en el Espai Mutant de Las Naves su ‘Boys don’t cry’. Este montaje cortocircuita los estereotipos masculinos y representaciones típicas utilizadas hasta la saciedad en la cultura actual; una estrategia para sacudir las representaciones tradicionales y atacar a los tratamientos intelectuales de los temas.

El fill que vull tindre, de El Pont Flotant. Imagen cortesía de Las Naves.

El fill que vull tindre, de El Pont Flotant. Imagen cortesía de Las Naves.

Del 16 al 18 de diciembre, vuelve otro de los éxitos de la pasada temporada y producción propia de Las Naves: ‘El fill que vull tindre’, de El Pont Flotant. En él abordan el tema de la educación, la preocupación por el sistema de enseñanza, la manera en la cual se transmiten conocimientos o la influencia de lo aprendido en nuestra vida.

Para abrir el año 2017, Las Naves y su espacio mutante albergarán ‘Punk Rock’, de La Joven Compañía. Es la historia de siete jóvenes de Stockport (Inglaterra) en un momento clave de sus vidas: se enfrentan a los exámenes que les abrirán las puertas de la Universidad y les permitirán huir del suburbio industrial en el que han crecido. La presión es máxima y cada uno deberá lidiar con ella a su manera. Pero no todos están preparados para soportarla.

Y el 4 y 5 de febrero, la compañía valenciana Taiat Dansa presentará su ‘Still Life’, cuya investigación coreográfica y dramatúrgica ya se pudo disfrutar en formato work in progress el año pasado en Las Naves.

Malditos. Las Naves

Malditos Compañía. Imagen cortesía de Las Naves.

 

El IVAM se abre al cine y al cómic

Programación del IVAM 2016

“Son lenguajes artísticos que casi no tienen cabida en los museos de arte contemporáneo… te hablo de España”. José Miguel Cortés, director del IVAM, se refiere al cine y al cómic, que en la programación para 2016 tendrán sendas y destacadas exposiciones. De hecho, el museo valenciano arrancará el próximo año con una muestra dedicada al cineasta experimental alemán Harun Farocki, menos conocido para el gran público que Werner Herzog o Alexander Kluge, pero de igual o más sorprendente trayectoria. “Es una oportunidad única”, subraya Cortés, para conocer su arriesgada y provocadora obra.

La otra gran muestra, en este caso dedicada al cómic, tendrá lugar en verano. Se trata de la exposición VLC. Valencia Línea Clara comisariada por Álvaro Pons, que reunirá más de 200 originales de ilustradores valencianos. Será “la más grande dedicada al cómic que se ha hecho en un museo de arte contemporáneo en España”. Aunque luego Cortés matiza: “No se trata de hablar de si son las más grandes o las mejores, sino de subrayar el mensaje que esto lleva”. Y el mensaje, como enseguida aclara, pasa por destacar que “el cine y el cómic tienen que estar en el museo”.

Videos de Harun Farocki. Imagen cortesía del IVAM.

Videos de Harun Farocki. Imagen cortesía del IVAM.

La de Harun Farocki, fallecido en julio del pasado año, está comisariada por su viuda Antje Ehmann y Carles Guerra, nuevo director de la Fundación Tàpies. La exposición reúne un conjunto de instalaciones, entre las que destacan ‘Machine and Eye’, ‘The Creators of Shopping Worlds’ o ‘Serious Games’, todas ellas relacionadas con los modos en que los sujetos son reducidos a objetos de vigilancia, consumidores o simples participantes en video juegos al modo en que son instruidos virtualmente los militares en acciones bélicas.

Farocki, que perteneció al grupo Agitrop de propaganda revolucionaria, basa la mayoría de sus trabajos en esa agitación de la realidad que él entiende manipulada por ciertos poderes fácticos. Más próximo al cine experimental de Jean Luc Godard, que al “comercial” de Fassbinder o Wenders, Cortés reivindica su propuesta como modelo del cine que se expone en museos y galerías “dislocando lo que se entiende por cine”.

Mique Beltrán, portada de Cairo. Imagen cortesía del IVAM.

Mique Beltrán, portada de Cairo. Imagen cortesía del IVAM.

Con respecto a VLC. Valencia Línea Clara, el director del IVAM destaca el “reto” que supone exhibir ilustraciones destinadas a formar parte de revistas y tebeos. Y hacerlo “sin avergonzarse de que el cómic es tebeo”. Esa lucha, mantenida por muchos de los brillantes ilustradores con que cuenta Valencia, se decanta del lado de estos con la simple observación de sus trabajos. Cortés subraya que se trata de “ilustraciones originales cedidas por los propios artistas nunca antes exhibidas”, de la talla de Miguel Calatayud, Sento Llobell, Marsical, Micharmut, Daniel Torres o las más jóvenes Ana Juan o Ana Miralles. También estarán los ya tradicionales Equipo Crónica y Equipo Realidad.

Sillas en la playa, de Gabriel Cualladó. Imagen cortesía del IVAM.

Sillas en la playa, de Gabriel Cualladó. Imagen cortesía del IVAM.

El propio José Miguel Cortés comisaría Entre el mito y el espanto. El Mediterráneo como conflicto. Una exposición que cuestiona la entidad cultural, política o social de ese Mediterráneo fluctuante entre la “arcadia perdida” y la “zona conflicto” actual debido a la desigualdad y los problemas migratorios. “No pretendo ofrecer una respuesta, sino incitar al debate”. Debate promovido mediante fotografías y videos de artistas como Gabriel Cualladó, Sergio Belinchón, Yto Barrada, Zinedine Bessai o Herbert List, cuyas imágenes ilustran actualmente la programación del Palau de Les Arts.

Hay más, mucho más, en el IVAM de 2016. Perdidos en la ciudad, reflexión en torno al espacio urbano desde la pintura, la escultura, la arquitectura o el video, con obras de la colección del museo. Exposiciones de Christian Boltanski, Mario Merz o Ignacio Pinazo y sus contemporáneos. No es verdad no es mentira. El arte del fake, sobre los camuflajes y sabotajes realizados por artistas, desde que Orson Welles estremeciera al mundo simulando por la radio un ataque extraterrestre. Además de los casos de estudio dedicados a la fotografía social americana de los años 30 y a Richard Hamilton, hasta completar un total de 13 exposiciones.

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Videos de Harun Farocki. Imagen cortesía del IVAM.

Videos de Harun Farocki. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

La Cabina, cada vez más grande

La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Del 5 al 15 de noviembre de 2015

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, organizado por el Aula de Cine de la Universitat de València y con la colaboración de CulturArts-IVAC, vuelve del 5 al 15 de noviembre para ofrecer al público el mejor cine narrado entre 30 y 60 minutos en versión original. En esta octava edición se han superado los números de años anteriores llegando a recibir más de 330 mediometrajes (100 más que en la edición pasada) y se ha pasado de los 24 seleccionados a 25 de 13 nacionalidades diferentes. Comedia absurda, drama, acción o humor negro son algunos de los géneros que los espectadores podrán ver en la Sala Luis García Berlanga de la Filmoteca.

Otro de los récords históricos que se han conseguido este año es que España es el cuarto país con más producciones dentro de la Sección Oficial, empatada con Dinamarca. Ambos países presentan dos producciones propias y una en régimen de coproducción. Sólo por delante de ellos están Francia (8), que sigue siendo el país con mayor producción de mediometrajes, Alemania (4) y Reino Unido (4). Dinamarca entra por primera vez en la Sección Oficial al igual que Senegal o Irak (ambas como coproductoras en dos filmes). Además, cabe destacar el mediometraje Uranes (España, 2013), del ilicitano Chema García Ibarra, único mediometraje en Sección Oficial producido en la Comunidad Valenciana.

Fotograma de A running jump, de Mike Leigh. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de A running jump, de Mike Leigh. Imagen cortesía de La Cabina.

En cuanto a géneros hay una gran variedad de ellos: desde el drama histórico de H (Lluís Galter, España, 2014), el humor absurdo de Uranes y Kung Fury, la acción de Nocebo (Lennart Ruff, Alemania, 2014) o el conflicto de la inmigración e identidades que encontramos en Terremere (Aliou Sow, Senegal-Francia, 2014). El mediometraje La isla a medio día (Philippe Prouff, Francia, 2014) adapta el relato homónimo de Cortázar que “consigue plasmar la misma sensación que el escritor pretendió con el relato”, afirma Carlos Madrid, director de La Cabina.

El Festival sigue fiel a su filosofía: historias de ficción de calidad que muestran una manera de narrar no sujeta al imperativo comercial del tiempo. A este respecto, Carlos Madrid destaca el mediometraje de Mike Leigh, director y guionista nominado en varias ocasiones al Oscar por películas como Secretos y mentiras (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes; Topsy-Turvy (1999); El secreto de Vera Drake (2004); Happy-Go-Lucky (2010); o Another Year (2010) y cuya película más reciente es Mr. Turner de 2014. “Tener en la Sección Oficial el mediometraje Carrera de obstáculos (Reino Unido, 2012) de Mike Leigh confirma que los directores no utilizan este formato necesariamente como plataforma de nada y que lo importante es rodar una historia tenga la duración que la historia requiera”, asegura Madrid.

Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.

Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.

También destaca Kung Fury (David Sandberg, Suecia, 2015), presentada en el Festival de Cannes de 2015 en la Quincena de Realizadores. El film se ha convertido en uno de los fenómenos virales de este año alcanzando los 21 millones de reproducciones en Youtube. Ésta será una oportunidad única de ver esta película hilarante en pantalla de cine, mezcla de géneros y parodia, a la vez que homenaje, de los años ochenta. La película “aúna una gran calidad en la producción y efectos especiales a la vez que se ríe de sí misma”, afirma el director del Festival.

Asimismo, Madrid se siente satisfecho por la selección de este año y asegura que hay propuestas “más atrevidas en cuanto a su lenguaje”. Por ejemplo Sólo me deseas a mí (Dag Johan Haugerud, Noruega, 2014), “en la que la actriz principal se enfrenta ‘cara a cara’ a la cámara”; el lenguaje atrevido de Kung Fury; la intensidad dramática -“cercana al thriller”- de Todo irá bien (Patrick Vollrath, Alemania-Austria, 2015), que participó en la Semana de la Crítica de Cannes 2015; o la “gran personalidad” de Teenland (Maria Gratho Sorensen, Dinamarca, 2014), que “juega con imágenes y momentos musicales que potencian la liberación de los instintos juveniles”.

Fotograma de Todo irá bien. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de Todo irá bien, de Patrick Vollrath. Imagen cortesía de La Cabina.

La calidad de los mediometrajes que conforman la Selección Oficial de La Cabina 2015 viene avalada, además, por cineastas como Abbas Kiarostami o Michael Haneke que dijeron de Todo irá bien (Patrick Vollrath, Alemania y Austria, 2015) que es una película “impactante” e “intensa y bien contada. Excepcionalmente bien interpretada. Una película conmovedora que cautiva desde el primero hasta el último segundo”.

Fotograma de Kung Fury. La Cabina.

Fotograma de Kung Fury, de David Sandberg. Imagen cortesía de La Cabina.