María García Ibáñez: origen, territorio, pertenencia

María García Ibáñez. Cóncavo
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29.  Madrid
Inauguración: jueves 10 de septiembre a las 20 horas
Hasta el 31 de octubre de 2015

La galería Paula Alonso en Madrid inaugura la exposición individual de la artista María García Ibañez, que continúa en la línea de trabajo de la artista en torno al territorio, el origen y la pertenencia. El catálogo que acompañará la exposición esta vez ha contado con la colaboración del escritor Juan Cárdenas, uno de los jóvenes escritores latinoamericanos con más proyección del momento.

maria garcia ibanez cartel

El punto de partida en proyectos anteriores de María Garcia Ibañez es lo que considera la unidad mínima de una posible vivienda nómada, de ‘posesión’ de la tierra, reducida al máximo, a la propia escala humana y se sirve para ello de la figura del petate centroamericano, una alfombra de palma tejida que se pliega en sí misma, se enrolla y se usa para protegerse de la inclemencia del suelo, para comer, para parir y en otro tiempo como sudario al morir.

Entonces el dibujo y el tejido se vinculan con la tierra desde la línea que se traza en el suelo, resultando una demarcación, un límite y también una huella, que resuelve mediante métodos de captura similares a los utilizados en arqueología, como el frottage o los moldes directos, que permiten obtener las impresiones de la forma y paso del tiempo.

En esta ocasión la proyección de esa escala humana se abrirá hacia el plano tridimensional, pero a la vez sigue manteniendo el interés de la artista porque el trabajo vaya desde y a través del dibujo. Con este fin, la artista se sirve de la forma esquemática de la excavación, de una cata en una superficie figurada, por medio de una geometría sintética, concreta, dejando a la vista un subsuelo que muestra los horizontes geológicos, los estratos acumulados de un terreno seccionado.

De esta porción extraída resulta un hueco y formas reversibles que son a veces vacío y otras relleno, como ocurre en el díptico «Hole» o de una manera muy distinta, en la serie de dibujos a lápiz «Cestas», un muestrario de las diferentes formas de comenzar a tejer cestas, tejidos de palma que serán contenedores.

Dibujos “Cestas”, 2015. Grafito y acuarela sobre cartulina. Mosaico de 9 dibujos. 41X31 cm/obra. Cortesía de la artista.

Dibujos “Cestas”, 2015. Grafito y acuarela sobre cartulina. Mosaico de 9 dibujos. 41X31 cm/obra. Cortesía de la artista.

Dibujos “Cestas”, 2015. Grafito y acuarela sobre cartulina. Mosaico de 9 dibujos. 41X31 cm/obra. Cortesía de la artista.

Dibujos “Cestas”, 2015. Grafito y acuarela sobre cartulina. Mosaico de 9 dibujos. 41X31 cm/obra. Cortesía de la artista.

María García Ibañez nació en Madrid en 1978 y vive hoy en día entre Mexico y Madrid. Ha participado en distintos proyectos culturales y expuesto de forma colectiva e individual, entre los últimos destacan: Arada (Individual en Guijarro de Pablo, México, 2015), Fühlst du nicht an meinen liedern dass ich eins und doppelt bin (Colectiva en Galeria Peter Kilchmann, Suiza, 2015), Tierras Continuas (Individual en AJG Gallery, Sevilla, 2014), The prehistory of the Image (STUK Center, Bélgica, 2014), Recollective (Galeria Puerta Roja, Hong Kong, 2014), Ruta Mística (Museo MARCO, Monterrey, México, 2013) Micrographia (Individual en Puerta Roja & Cat Street Gallery. Hong Kong, 2013), Apuntes para una madriguera (Individual en Miscelánea, México DF, 2012). Becas y ayudas para la producción de sus proyectos que ha obtenido son entre otros: la C12 (Secretaria de Cultura de Oaxaca, México), Ayuda para creadores en el extranjero (Ministerio de Cultura, España, 2012), Beca para producción C11(Oaxaca, México, 2011), Residencia para creadores de Iberoamérica en México (AECID, CONACULTA, FONCA, 2009), la beca de movilidad para creadores (Matadero, Centro de arte, Madrid, 2008) y la beca internacional para artistas del Ministerio de Asuntos Exteriores.

Juan Cárdenas nació en Popayán, Colombia, en 1978; vive actualmente entre Colombia y Ecuador. El autor del libro de relatos ‘Carreras delictivas’ (2008) y de la novela corta ‘Zumbido’ (2010), ha traducido a autores como William Faulkner, Gordon Lish, Muriel Spark, Norman Mailer, Nathaniel Hawthorne, Thomas Wolfe, Eça de Queirós o Machado de Assis y entre 2008 y 2010 gozó de una beca de creación en la prestigiosa Residencia de Estudiantes de Madrid. En 2013 publicó en Periférica su primera novela extensa, ‘Los estratos’, que fue recibida con elogios por la crítica de España y América y obtuvo en 2014 el Premio Otras Voces, Otros Ámbitos a la mejor novela de culto (escrita en castellano y publicada en España el año anterior). Acaba de publicar su última novela ‘Ornamento’ en la editorial Periférica.

 

Blackcelona, fotografía introspectiva de la ciudad

Blackcelona
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Inauguración: 3 de junio, 20 h.
Hasta el 31 de julio de 2015

La galería Paula Alonso presenta la exposición individual Blackcelona del artista barcelonés Salvi Danés, con la colaboración de Jenn Díaz en el texto.

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Salvi Danés. Sin título, 2014. PhotoRag HAHNEMÜHLE, 308gr. Cortesía galería Paula Alonso.

Blackcelona es un canto a la ciudad, a su aspecto morfológico más convencional, a todo su entramado, su polimorfismo, su policromía, a sus diversos aspectos y sus múltiples tentáculos que de alguna manera se cierran sobre los seres que la habitan: para su seguridad, su cobijo, su andar cotidiano, su trabajo y su ocio, también para su aislamiento, sus angustias, su soledad, su fracaso.

Hablar de la ciudad en cualquier aspecto, es hablar del hombre que la habita, definitivamente. Cada ámbito de su jerarquizada estructura imprime carácter a sus habitantes con un registro singular. Sin embargo, las imágenes de uno u otro lugar, de una ciudad u otra, valen, en esencia, para establecer un paradigma único, para determinar y establecer las constantes de una realidad. La realidad se repite y las imágenes son fácilmente transferibles, hablando de una dinámica social urbana más que de una ciudad concreta.

El interés de Salvi Danés hacia la fotografía nace de la búsqueda de un medio de expresión plástico que sea a su vez un medio de representación de la realidad. Entendido como una herramienta que se adecue a la captación no sólo de lo palpable y por lo tanto físico, sino de aquello que es intangible, de difícil captación por su naturaleza sutil e inmediata, la captura de instantes irrebatibles de manera concisa.

Danés hace uso de una herramienta narrativa para interpretar y sugerir a través de fracciones de la propia mirada. Es sabido que cualquier método de expresión, artístico o no, es también una herramienta introspectiva y de posterior análisis de un contenido a menudo más íntimo del que el propio creador cree. En este sentido, su fotografía consigue establecer un alto grado de intimidad, un estrecho vínculo entre fotógrafo, aquello fotografiado y un posible espectador.

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Salvi Danés. Sin título, 2014. PhotoRag HAHNEMÜHLE, 308gr. Cortesía galería Paula Alonso

Salvi Danés (Barcelona, 1985). Cursa sus estudios en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, centrando su interés por la fotografía con un marcado carácter documental, jugando con las bases del reportaje periodístico y la fotografía conceptual. Centra su objetivo en escenas que explican fragmentos de diversas situaciones sociales con un estilo directo y subjetivo. Con los clásicos del reportaje como referente, utiliza la narrativa del género con el fin de encontrar un lenguaje expresivo propio para dar sentido a sus historias.

Ha sido reconocido en certámenes nacionales e internacionales, tales como: «Sony World Photography Awards 2009», «Nuevo Talento FNAC de fotografía», «Foam Talent 2013» o «College Photographer of the year 2001» de la Universidad de Missouri, Columbia, entre otros. Acaba de publicar Transmontanus (Ediciones Anómalas, 2014), después de Extra‐Blackcelona con Standard Book y haber sido finalista en el MACK First book Award de la prestigiosa editorial londinense con su maqueta Blackcelona.

Jenn Díaz (Barcelona, 1988). Publicó su primera novela a los 22 años, Belfondo (Principal de los Libros, 2011) y fue traducida al italiano por Edizioni La Linea. Colabora en diversas revistas como Jot Down, con el blog Mujeres de El País, publica semanalmente cuentos en catalán en Catorze.cat y tiene una columna mensual en El Periódico. Además, ha publicado El duelo y la fiesta (Principal de los Libros, 2012), Mujer sin hijo (Jot Down Books, 2013) y Es un decir (Lumen, 2014). Sus relatos han aparecido en Antología Última Temporada. Nuevos Narradores españoles 1980‐1989 (Lengua de Trapo) y Antología Bajo treinta (Salto de Página). www.jenndiaz.com

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Salvi Danés. Sin título, 2014. PhotoRag HAHNEMÜHLE, 308gr. Cortesía galería Paula Alonso

«Vidas cruzadas» en la galería Paula Alonso

Vidas Cruzadas. Festival de Videocreación
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29. Madrid
Inauguración: 27 de mayo, 20 h.
Del 27 al 30 de mayo de 2015

Vidas Cruzadas –nombre homenaje a la película de Robert Altman‐ se propone mostrar de manera acotada (no puede ser infinito…) las relaciones humanas, los vínculos que se
establecen en la esfera artística, principalmente entre artistas y entre artistas y teóricos. Un mapa orgánico de los lazos personales y profesionales que se generan en el ámbito artístico.Para ello la galería ha hecho participe a los artistas y comisarios que han colaborado durante estos dos años –les llamaremos 1º generación‐ y ellos son los que han implicado a los siguientes artistas y comisarios ‐2º generación‐.

El planteamiento de Vidas Cruzadas es vincular a esa primera generación de contacto con la segunda generación y la segunda con la tercera y así progresivamente.
La galería sólo tenía tres premisas que determinaban el proceso de selección por parte de
todos los implicados:

‐ La elección del artista o comisario debía ser una persona con la que se mantuviese un
estrecho vínculo personal o profesional, donde existiese una empatía en la forma de
entender procesos y metodologías de trabajo, una afinidad a la hora de comprender el
mundo del arte.
‐ Los artistas seleccionaban sus propias obras.
‐ Los artistas podían nominar a 2 personas (artista y comisario o artistas) y los
comisarios sólo a un artista

El resultado es un gran árbol genealógico donde se vislumbra ese mapa emocional del
panorama artístico actual.

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Pepa L. Poquet. 365» De Pel·lícula, Positiu-Negatiu, 2015 (7′ 27»). Imagen cortesía galería Paula Alonso

Vidas Cruzadas es un Festival de videocreación en el que han participado en su proceso 58 artistas y 22 comisarios (teóricos).

1ª Generación: Haritz Guisasola (a), Joseba Eskubi (a), Paula Rubio Infante (a), Ángel Masip (a), Chema López (a), CIRIA (a), Marta Soul (a), Manolo Bautista (a), Antonio Barea (a), Suso Basterrechea (a), Mar Solís (a), Nacho Martín Silva (a), Carlos Delgado (c), Bruno Leiato (c), Javier Martín-Jiménez (c), Montse Badia (c).

2ª Generación: Iván Pérez (a), Michico (c), Yolanda de los Blueis (a), Raisa Maudit (a), Nerea Ubieto (c), Alberto Feijo (a), Diana Guijarro (c), Pilar Beltrán (a), Álvaro de los Ángeles (c), Aurelio Ayela (a), Eduardo Infante (a), Arantxa Boyero (a), Diana Larrea (a), Fernando Clemente (a), Ángel Luís Pérez Villén (c), Juan Jesús Torres (c), Mercedes Peón (a), Ouka Leele (a), Angel Calvo Ulloa (c), Misha Bies Golas (a), Ana Esteve Reig (a), Marlon de Azambuja (a), Pedro Luís Címbranos (a), Andreas M. Kaufman (a).

3ª Generación: Libres para siempre –colectivo- (a), Cristina Ramos (c), Pablo A. Padilla Jargstorf (a), Félix Fernández (a), Semiramis González (c), Olalla Gómez (a), José Gómez Isla (c), Rosana Antolí (a), Pepa L. Poquet (a), Diego López Bueno (a), Juan Fuster Selva (a), Javier Romero Vera (c), Delphine Delas (a), Antonio Blanco –Don Lindyhomer- (c), David Crespo (a), Carmen Dalmau (c), Angela Cuadra (a), Guillermo Espinosa (c), Miki Leal / Juan del Junco (a), Jesús Reina Palazón (c), Fernando M. Romero (a), Carlos Martín (a), Rosendo Cid (a), Manuel Eirís (a), Jorge Varela (c), Julia Llerena Iniesta (a), Marta Ramos-Yzquierdo (c), Javier Casado (a), Iciar Sagarminaga (c), Raúl Díaz Reyes (a), David Armengol (c), Antonio Ortega (a).

4ª Generación: David Price (a), Sylvia Peceño (a), Ana Soler (a), Máximo Pisani (a), Sonia Carballo –Socatoba- (a), Ana Galán (a), Jimena Kato (a), Daniel Silvo (a), Ignacio García (a), Theo Firmo (a), Irene de Andrés (a), Samuel Labadie (a).

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Diana Larrea. Equibrio, Geofagia O La Dieta Del Artista, 2008 (Vídeo-Performance, 2′ 44»). Cortesía galería Paula Alonso.

Se llevará a cabo una charla entre artistas y comisarios de las diferentes generaciones. Se tratarán temas como las relaciones actuales entre los propios artistas y entre los artistas y los diferentes agente, así como la capacidad de estos mismos para entender y vincularse con los procesos creativos.

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Marta Soul. Equilibrio, 2015 (7’47»). Cortesía galería Paula Alonso.

Madrid se rinde a los Mind Maps

Mind Maps
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 21 de mayo de 2015

Situada en la galería Paula Alonso y perteneciente al Festival “A 3 Bandas” se encuentra la exposición Mind Maps, con los trabajos de seis artistas de nacionalidades diferentes como son Jeremy Deller de Londres, Raimond Chaves de Bogotá, Gilda Mantilla de Los Ángeles, Gonzalo Elvira de la Patagonia, Patricia Esquivas de Caracas, Clara Montoya de Madrid, y Mark Lombardi de Nueva York, con Montse Badía al cargo del comisariado.

La peculiaridad de esta exposición reside en la técnica utilizada, el mind map, que hace referencia a aquellos mapas mentales que se realizan para la orientación de la información que se nos brinda.

Exposición Mind Map

Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Es común encontrar en el centro de este mapa el término de mayor importancia y a su alrededor se encuentran dispuestos los términos a los que se vinculan, que tanto pueden ser palabras, como imágenes. Este es un sistema utilizado por muchos artistas para estructurar sus obras, por ejemplo, pero que ahora ocupa un lugar primordial como obra de arte como el mismo Jeremy Deller dice “Dibujé este diagrama sobre las conexiones sociales, políticas y musicales entre la música house y las brass bands- que muestra un proceso de pensamiento en acción”, lo que no era más que un esquema se convierte en arte.

Pero estos mapas informativos pueden contener características diferentes según en manos de quien se encuentren. Cada artista utiliza este modo de crear arte de modo diferente, y con soportes diferentes, como pude observarse con la obra «Folkloew IV» de Patricia Esquivas, con un soporte característico como es el videoarte. También pueden encontrarse diferentes temáticas como son la sociedad de la época o la música, sin dejar de lado el carácter esquemático de la exposición.

Patricia Esquivas. Folklore IV. Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Patricia Esquivas. Folklore IV. Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Pincha aquí para ver el catálogo.

 

Ejecución en efigie de Chema López

Ejecución en efigie de Chema López
Galería Paula Alonso
Hasta el 28 de marzo de 2015

«Oye, Havermeyer, ¿tengo moscas en los ojos?»,  pregunta Appleby. «¿Roscas?», se sorprende Havermeyer.  «No, moscas»,le corrige Appleby. «¿Moscas?», vuelve a parpadear Havermeyer. «Sí, en los ojos», insiste Appleby. «Debes de estar loco», le responde el otro. «No, no estoy loco. El que está loco es Yossarian. Sencillamente dime  si tengo o no moscas en los ojos. Vamos. No voy a  desmayarme del susto»,le ruega Appleby.

– Patricio Pron

Menino de Chema López

Menino de Chema López. Cortesía del artista.

La galería Paula Alonso presenta por primera vez una muestra individual del artista Chema López, bajo el título «Ejecución en efigie», y en ella, el artista se acerca a la violencia de la imagen, a la pulsión entre la representación y el significante –lo real-.

La obra reflexiona sobre la construcción de lo ideológico basado en el principio de reversibilidad entre el bien y el mal y su propia legitimación del poder.
López demuestra que no hay nada «despejado» en nuestra mirada, que mirar una imagen es ya, por sí mismo, participar en unas relaciones de poder específicas y en un régimenescópico determinado, así como una cita; o, mejor dicho, una actividad que se presta a la cita, que convoca (al modo de los «fantasmas» que presidían su última exhibición en Valencia, en 2014) presencias, una serie de ecos en los que el espectador puede indagar para asumir la actitud de alerta y de sospecha que están implícitas en la idea de una estética de la resistencia.

El límite de Chema López

El límite de Chema López. Cortesía del artista.

La poética del negro, como así lo llama Carlos Delgado Mayordomo en “Chema López y la estrategia del robo visible en toda su producción se asocia a la idea de lo obscuro y del miedo, es en Ejecución en efigie donde el mal como representación del poder toma forma a través de la hoguera, fuego que condena al hombre en ausencia su representación como sustituto.

En Ejecución en efigie se acerca a la dualidad (ambigüedad) del arte y no solo nos obliga a construir una narración paralela, sino que nos apela a quitarnos las moscas de los ojos.

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Doctor por la Universidad Politécnica de Valencia (premio extraordinario de tesis doctoral 2002) y Profesor Contratado del Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes. Habitual de la feria ARCO desde 1999, también ha participado en las feries internacionales de arte contemporáneo Art Basel (Suiza), Art Cologne (Alemania), Zona Maco (México) y Volta (Suiza). Desde 1991 ha realizado casi una treintena de exposiciones individuales, entre las que destacan Pensar mal (2001, Fundació Espais d’Art Contemporani, Girona), La triste mirada de Mr. Arkadín (Contemporánea Centro de Arte, Granada), Sobre héroes y tumbas (2010, galería Valle Ortí, Valencia).
Recientemente ha realizado en FRancia su primera exposición individual a nivel internacional Black Soul Choir (2012, Fundación ACMDCM, Perpignan). Tiene obra en el Museo de ARte Conemporánea de Vitoria ARTIUM y e el Centro Atlántico de Arte Moderno en las Palmas de Gran Canaria (CAAM), entre otras instituciones y fundaciones de prestigio.

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Autoretrato de Ada con extra de Chema Lopez. Cortesía del artista.

A3bandas: Narrativas Culturales

Festival “A3bandas”: Narrativas Culturales
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 25 de mayo de 2014

La galería Paula Alonso presenta dentro del Festival “A3bandas” la exposición Narrativas culturales comisariada por Bruno Leitao, y que recoge el trabajo de cuatro artistas Carlos Amorales (México, 1970), Marlon de Azambuja (Brasil, 1978), Miguel Palma (Lisboa, 1964) y Sara Ramo (Madrid, 1975).

Entre 1738 y 1742, J. S. Bach compuso Die Kunst der Fugue (El Arte de la Fuga); esta obra, publicada después de su muerte, quedó inconclusa. Musicólogos de diferentes épocas se acercaron a ella para finalizarla. Los resultados obtenidos en su aproximación fueron dispares y reveladores. Algunos señalan que la “ausencia de fin” –al igual que la Columna Infinita de Constantin Brancusi– fue deliberada, como si Bach hubiese querido impregnar a Die Kunst der Fugue de esa capacidad que muy pocas obras poseen, la de escapar al tiempo.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Narrativas Culturales es una exposición cuyo punto de partida ha sido la obra Ámsterdam de Carlos Amorales. Ámsterdam plantea como “la destrucción” forma parte de lo inesperado en el devenir de una cultura. La forma perversa en la que algunas veces es usado este proceso y en la manera en que actuara sobre los individuos produciendo la disociación de los mismos es uno de los pilares sobre los que se ha construido la muestra. Las metáforas que incorpora esta obra sirven de detonante para establecer diálogos imposibles con las otras piezas de la exposición. Así Antes, Después, Ahora de Sara Ramo, Up and Down de Miguel Palma y las plantillas de Marlon de Azambuja conversan de forma transversal en el espacio expositivo.

Narrativas Culturales aborda la capacidad inherente humana en la construcción de sistemas organizativos para una posterior sistematización de sus procesos de creación determinando el surgimiento de una idea hegemónica u otra. Precisamente, de entre las construcciones humanas, las metanarrativas son las que permanentemente han estado cuestionadas. En la actualidad, éstas siguen bajo sospecha, y a traves de sus construcciones, basadas en la razon, siguen siendo discutidas mediante discursos paralelos donde realidad y ficción coexisten para formar parte del imaginario colectivo. Carlos Amorales, Sara Ramo, Miguel Palma y Marlon de Azambuja establecen una dicotomía entre la idea Iluminista como desarrollo de una sociedad y el pensamiento mediante el cual el individuo se desarrolla desde sus orígenes.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Es Sara Ramo quien nos introduce a través de Antes, Después, Ahora en el caos organizado que acontece en los procesos creativos. La confusión como herramienta de trabajo. El taller de la artista sirve como alegoría del sistema de construcción de una Cultura.

La investigación de Miguel Palma plantea una mirada sospechosa de la tecnología y la manera en que ésta se circunscribe en el sistema de valores dentro de la morfología social. En la visión no‐utópica de Palma subyace una ironía casi constante que revela los sueños –irrealizables‐ que esconden las máquinas modernas y las promesas que las encierran.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Marlon de Azambuja indaga en la historia del arte para desvelarnos las líneas maestras que se articulan en la evolución de la naturaleza humana. En Narrativas Culturales Azambuja busca la huella del objeto como registro único de su propia existencia. Standardgraph 1310, Faber Castell 172601, Standardgraph 7343… son las pinturas supervivientes que han conseguido escapar a la rigidez y el control de la forma contenida en la plantilla.

Nos gusta pensar en J.S. Bach y en la infinidad de Die Kunst der Fugue o en J.S.Bach y Die Kunst der Fugue conclusa, sea como fuere, Bach nos adentra en una polisemia propia que se recoge en esta muestra a través de los múltiples procesos interculturales. Herramientas que aplican los artistas seleccionados para reconstruir la oralidad, la escritura y la ideología. Ya sea un proceso de deconstrucción o creación, todos ellos nos hacen cuestionar los métodos que sustentan el conflicto entre lo cotidiano –como narrativa individual– y lo hegemónico.

Bruno Leitão

Fotografía de una de las salas de la Galería Paula Alonso en la que vemos una obra de Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Ríen los Dioses en la Galería Paula Alonso

Ríen los Dioses de Paula Rubio Infante
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29. Madrid
Inauguración: el 23 de enero a las 20h
Hasta el 26 de marzo 2014

Todo lo que estamos viviendo es un sueño, un sueño sobre una pesadilla. Nada más. Y cuando ese sueño se acabe, seremos ceniza” – M.D.Villegas.

La Galería Paula Alonso presenta «Ríen los dioses» exposición individual de Paula Rubio Infante, Premio ARCO 2010 de la Comunidad de Madrid.

El origen del proyecto radica en una serie de dibujos que realizó Manuel Delgado Villegas, “el Arropiero” (1943‐1998), entre los años 70 y 80 durante su confinamiento en el madrileño Centro Asistencial Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel.

Manuel Delgado Villegas fue conocido como “el mayor asesino en serie de la historia española”. Detenido en 1971, se declaró autor de más de 40 homicidios. Estuvo preso 26 años, hasta su muerte de una EPOC. Es el reo que más tiempo ha estado en prisión preventiva, seis años y medio, y el primero al que se le conoce portador de entonces llamado “síndrome del superhombre”, el cromosoma “xyy”.

Manuel Delgado Villegas custodiado por la policía.Pto. de Santamaría, Cádiz, hacia 1971

Manuel Delgado Villegas custodiado
por la policía.Pto. de Santamaría, Cádiz, hacia 1971

Declarado preso “inimputable”, su expediente se perdió y nunca fue juzgado. De todos esos crímenes, la policía solo encontró indicios de que participara en ocho, basándose fundamentalmente en sus propias declaraciones. Por motivos personales y de proximidad sus dibujos pasaron a formar parte constitutiva del imaginario visual de la infancia de la artista y su historia biográfica, en íntimo relato familiar.  El padre de la artista trabajó como funcionario de prisiones en el Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel desde el año 1973 hasta el cierre definitivo del centro en 1985. Percatándose del interés que Manuel Delgado Villegas tenía por la creación visual, el funcionario, también sensible a la práctica artística, le facilitó clandestinamente material de bellas artes. Fruto de esa relación y del intercambio de intereses, Manuel Delgado Villegas le regaló un cuaderno con 17 dibujos y una escultura de yeso. Estas obras de arte han estado desde entonces y hasta el momento en el salón de la casa familiar. El caso de M.D. Villegas, “el Arropiero” es un hito en la historia criminológica española. Se le han dedicado documentales, programas, entrevistas y extensos estudios. Sin embargo, la existencia y el contenido del cuaderno de dibujos del que parte este proyecto, es inédito.

Sobre el telón de fondo que constituye la biografía de Manuel Delgado Villegas, el proyecto Ríen los Dioses es ante todo un intento de acercamiento al “art brut”, “arte marginal” o “arte psicótico”. Estas prácticas artísticas, por las características mentales de sus creadores, están dotadas de una gran carga emocional y los resultados brotan ajenos al orden y preceptos que rigen el “arte integrado”. El proyecto propone, además, una reflexión sobre el contexto donde estos dibujos se realizaron: el Centro Asistencial Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel.

Ríen los Dioses consta hasta el momento de 4 instalaciones de gran formato basadas en diferentes elementos representados por Manuel Delgado Villegas en sendos dibujos originales. El proyecto se completa con una amplia serie de dibujos y maquetas a escala 1:10. Se suma como material de documentación adicional: el cuaderno de dibujos original de Manuel Delgado Villegas y dos extensas entrevistas al funcionario de prisiones D. Jesús Rubio Sarabia y al psiquiatra D. Enrique González Duro ‐realizadas en 2013‐ donde desarrollan una aproximación al tema que nos ocupa desde sus respectivas experiencias profesionales. Para el catálogo se contará con la colaboración del escritor Isaac Rosa, ganador en el 2005 del Premio Rómulo Gallegos por su novela El vano ayer .

Dibujo original de M.D. Villegas, titulado “Ríen los dioses” y realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80.

Dibujo original de M.D. Villegas, titulado “Ríen los dioses” realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80. Cortesía de la galería

El objetivo del proyecto es expandir las imágenes bidimensionales realizadas por M. Delgado Villegas hacia las tres dimensiones, en un deseo de reflexionar sobre el contraste entre lo que el resto normalizado denominaríamos “la realidad” y la personal y subjetiva concepción que él tenía de su psique y su entorno, capturada en sus dibujos. Una de estas imágenes da título al proyecto. En ella ilustra una extraña embarcación azul en el centro de un mar de grandes dimensiones. Es muy probable que Manuel tomara el título de este dibujo (“Ríen los dioses”) de la colección de relatos de Jack London “Cuando los dioses ríen”. Su afición al boxeo quizás también nació de la lectura de esta novela, donde se narran las aventuras de un púgil fracasado que, junto con el resto de marineros, intenta sobrevivir en un barco a la deriva. La desesperación hace que se conviertan en auténticos animales salvajes.

Dibujo original de M.D. Villegas realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80 y esquema/ boceto de la artista. Técnica mixta sobre papel. 29x21 cm

Dibujo original de M.D. Villegas realizado en el Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70/80 y esquema/ boceto de la artista. Técnica mixta sobre papel. 29×21 cm

Dinámicas de vuelo: la conquista del cielo

Dinámicas de Vuelo. Antonio Barea
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 17 de enero 2014

Maniobras aéreas perfectamente orquestadas, sometidas a la tensión de la elipsis y a la ineludible fuerza de interacción gravitatoria. Una suerte de coreografías geométricas  suspendidas en el aire que aluden a esa cíclica demostración, por parte del hombre, de la conquista del cielo, de la vista aérea, de la escala y como no del paisaje.

A través de estas instantáneas -Elipsis- que silencian los motores a reacción detienen el movimiento  lineal e inhabilitan la gravedad, despega Dinámicas de vuelo, un proyecto en el que Antonio Barea (Jaén, 1985) profundiza en el estudio de las relaciones intrínsecas existentes entre el objeto (el avión), la acción (el vuelo) y la consecuencia (la escala). Todo ello a través de una propuesta expositiva de carácter interdisciplinar que toma forma en la Galería Paula Alonso.

Decía Borges que el cometido del hombre era simbolizar lo aprendido, es decir, codificar  nuestra propia arqueología y que para ello necesitaríamos una guía y una mesa en la que establecer coordenadas. Pues bien, dentro del proyecto de Antonio Barea encontramos la mesa -Bergamo- en la que diseccionar el territorio y reiterar la escala. Y la guía -737-300-  con la que obtener imágenes aéreas que modulen y  dilaten la escala.  Una guía que se torna vectorial, infinita, errónea e incesantemente móvil, -X-45C y X-47B- que de algún modo nos traslada a un lugar cercano a lo que podríamos denominar, salvando las distancias, un Sehnsucht actual.

La imagen aérea que a menudo obtenemos, ya sea en pleno vuelo o a través de la imagen cenital que ofrece Google Earth, permanece inerte, pausada, sin vida aparente. En Dinámicas de vuelo  las esculturas parecen haber quedado suspendidas, apoyadas, privadas de su acción principal, la propulsión. Sin embargo, ese aparente stop en pleno éxtasis de liberación de energía se ve truncado por la modulación de su estructura, génesis de una posible experiencia gravitacional que, de forma evidente, ocasiona la dinamización de las estructuras dispuestas en el espacio reubicándolas en coordenadas aleatorias.

vista exposicion dinamicas de vuelo

Vista de la exposición Dinámicas de Vuelo en la Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Desdoblamiento y fuga

Joseba Eskubi. Hipnosia
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29, Madrid
Inauguración: 19 de septiembre, 20 h.
Hasta el 7 de noviembre de 2013

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Las obras de Joseba Eskubi (Bilbao, 1967) están en un latente desdoblamiento y fuga. A través de su énfasis en la materialidad pictórica de sus piezas y su capacidad evocativa metamorfosea y deviene un universo orgánico y fragmentario inscrito en las leyes del claroscuro y la dualidad figura‐fondo. La masa central ambigua e indeterminada situada sobre la línea de tierra delimita las diferentes zonas y permite establecer la legibilidad de las figuras. La pulsión gestual y los choques de color van construyendo una compleja geografía de matices y sensaciones que desvelan el andamiaje real de la imagen creando un extraño mundo.
Eskubi acompaña este trabajo obsesivo con reproducciones intervenidas de los grandes clásicos de la pintura a modo de collages que descontextualizan las imágenes originales y provocan una relectura de la iconografía clásica.

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Joseba Eskubi. Imagen cortesía Galería Paula Alonso

Tiempo suspendido

La Galería Paula Alonso participa en el Programa Off de PHotoEspaña con la exposición «El tiempo suspendido».

Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega 29, Madrid
Hasta el 31 de julio de 2013

"Hot Body Contest. Winter", Jordi Madriñán. Edición 5+2PA. 90x72cm. Imagen cortesía de Galería Paula Alonso.

«Hot Body Contest. Winter», Jordi Madriñán. Edición 5+2PA. 90x72cm. Imagen cortesía de Galería Paula Alonso.

El tiempo suspendido aborda como la fotografía contemporánea se acerca a la sobremodernidad y es capaz, en algunos casos, de dotar al momento de un presente, de un pasado y un futuro. Según Mumford es el reloj y no la máquina de vapor la máquina clave de la edad moderna. El proceso de desidentificación que acontece actualmente viene determinado por la sensación de pérdida o ausencia y cuya expresión culminante de ese proceso es el sentimiento del tiempo como un estrecho espejo sin apenas reflejo. Recuperar la densidad del tiempo, dotar al presente con la consistencia del recuerdo y el estímulo del futuro, supone ganar espacios donde habitar los sentidos de la existencia * (José Jiménez, la vida como azar).

Ese “lugar” donde morar puede ser “Case Famiglia” (Centro de acogida para menores) donde adolescentes extranjeros intentan sobrevivir a una de las fases más importantes de la vida: el paso de la infancia a la edad adulta. Álvaro Deprit fotografía un periodo suspendido entre el pasado y el futuro, con cambios sustanciales en su entorno, en el cual se concentran tensiones y reflexiones. Es curioso, como también, los Menonitas de Bolivia se enfrentan a una nueva era. Jordi Ruiz Cirera nos habla de una comunidad que busca su nuevo espacio entre las jóvenes generaciones y sus ancestros, como adaptar el “camino trazado” a un tiempo sobredimensionado y en conflicto permanente con sus costumbres.

Tanto Tomás Miñambres como Jesús Madriñán exploran una etapa de transformación del individuo, de la fijación de los recuerdos y la formación de la identidad. Miñambres se aproxima a ese tiempo de la infancia en la que el niño empieza a construir su yo. Imágenes de la cotidianidad que reflexionan sobre lo “real”, un tiempo suspendido en el que todo es presente. Sin embargo, la obra de Madriñán, más pausada e inmóvil, nos advierte de que el tiempo se desliza imperturbable, materializa recuerdos para que podamos acariciarlos antes de que se desvanezcan en el olvido. Ventanas a través de las cuales acceder a los recuerdos endulzados por la mentira de la memoria: lo peor de los finales no suelen ser ellos mismos sino su anticipación* (J.Madriñan, breve fragmento).

La serie “Entreacto” de Marta Soul, expone a sus personajes a un final dramático y enigmático, la propia incertidumbre representada por sus parejas hace de su presencia el arma que indica que algo ha ocurrido o que algo está por ocurrir.

Álvaro Deprit, Jesús Madriñán, Tomás Miñambres, Jordi Ruiz Cirera y Marta Soul son creadores de itinerarios, de “lugares” donde la mirada no se pierde y el horizonte no es un tren en movimiento, en definitiva, un espacio en el que el reflejo del espejo es capturado para que se tome el tiempo que haga falta…

"Mennonites 04", Jordi Ruiz Cirera. Edición 5+2PA. 80x110cm. Imagen cortesía de Galería Paula Alonso.

«Mennonites 04», Jordi Ruiz Cirera. Edición 5+2PA. 80x110cm. Imagen cortesía de Galería Paula Alonso.