Carlos Maciá, premio mardel de artes visuales

Markers, de Carlos Maciá
Premio mardel de artes visuales 2018
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 4 de noviembre de 2018

El artista gallego Carlos Maciá (Lugo, 1977) obtiene el premio mardel de artes visuales 2018 con una instalación pictórica de su serie ‘Markers’. Su obra se exhibe en el Centre del Carme Cultura Contemporània junto al resto de piezas seleccionadas en una muestra que se podrá ver hasta el próximo 4 de noviembre.

En su sexta edición, el premio mardel de artes visuales sigue creciendo y ha logrado reunir más de 350 obras presentadas, procedentes de distintos puntos de la geografía española, convirtiéndose en una de las convocatorias de esta índole con más participación. El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, acompañado por los fundadores del proyecto mardel, Amparo Martínez y Juan Manuel del Pino, presentaron la exposición de las obras seleccionas compuesta por un total de 26 piezas. A la presentación asistieron asimismo Bea Espejo, crítica de arte, Iñaki Martínez Antelo, comisario independiente, miembros del jurado de mardel.

Vista de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Pérez Pont ha destacó la evolución de este premio que “en seis años ha pasado de ser un premio de pintura a constituirse en un reconocimiento que abarque a todas las artes visuales y sin límite de edad de forma que cualquier creador nacido o residente en el Estado español pueda participar”. También subrayó la importancia de “respaldar estos proyectos de mecenazgo que surgen de la iniciativa privada para impulsar la creación actual y en este sentido exponer en el Centre del Carme ha sido también, en los últimos tres años, un aliciente que ha animado a los artistas a presentar sus propuestas”.

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es promocionar el arte contemporáneo como signo de compromiso desde la iniciativa privada. Conscientes de las dificultades que actualmente se presentan para trazar nuevas trayectorias artísticas, con este premio se pretende brindar apoyo y oportunidades a creadores actuales. Mardel concede un premio dotado con 6.000 euros y tres accésits. Los accésits de este año han recaído en las obras de Irma Álvarez-Laviada, Itziar Barrio y Ernesto Casero.

Obras de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obras de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El jurado compuesto por Bea Espejo, Iñaki Martínez Antelo y José Luis Pérez Pont destacó el alto nivel de las propuestas presentadas, obra de artistas con una trayectoria ya formada y con proyectos que han sido reconocidos tanto dentro como fuera del país, así como la diversidad de lenguajes empleados: instalación, pintura, escultura, videoarte, dibujo… etc. Precisamente entre las obras premiadas hay una instalación pictórica, un libro/objeto, un proyecto multimedia y un trabajo sobre papel.

El resto de piezas seleccionadas y que se pueden visitar en la exposición son obra de Marla Jacarilla, Antònia del Rio, Llorenç Ugas, Gabriela Bettini, Rosendo Cid, Almalé y Bondía, Diana Larrea, Saskia Rodríguez, Marta Pujades, Rosell Meseguer, Pablo Barreiro, Begoña Zubero, Carlos Rodríguez-Méndez, Ana H. del Amo, Mercedes Mangrané, Nicolas Combarro, Enric Fort, Aurelio Ayela, Christian García, David Trujillo, Fernando Romero y Jorge Yeregui.

Obra de la serie 'Markers', de Carlos Maciá. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de la serie ‘Markers’, de Carlos Maciá. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premio mardel 2018

Carlos Maciá (Lugo, 1977). ‘Sin título’ (n.114) Serie ‘Markers’Sus últimas exposiciones individuales, A necesidade da cor. Fundación Luis Seoane. A Coruña (2017), Brea Flúor. Galería Luis Adelantado. Valencia (2016), muestras que tienen su eco en la obra presentada para mardel, de la misma serie ‘Markers’. El trabajo de Carlos Maciá se mueve entre la pintura, la fotografía y la instalación como soportes usados para indagar en el campo de la experiencia.

Arrepentimientos, de Irma Álvarez-Laviada. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Arrepentimientos, de Irma Álvarez-Laviada. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Accésit
Irma Álvarez-Laviada (Gijón, 1978). Arrepentimientos (libro/objeto)

La pieza que se presenta forma parte de su proyecto ‘Reversibilidad y Utopía’. La publicación consiste en un inventario de todas las obras pictóricas de la historia del arte que ha ido encontrando en las que consta algún tipo de «arrepentimiento». Dado que sus autores han decidido dejar tapada, mediante sucesivas capas de pintura, dicha enmienda en la composición, la propuesta juega conscientemente a ocultar, a no mostrar ni el arrepentimiento ni la obra en su estado final.

There is nothing to be scared of, de Itziar Barrio. Imagen cortesía del Centre del Carme.

There is nothing to be scared of, de Itziar Barrio. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Accésit
Itziar Barrio (Bilbao, 1976). ‘There is Nothing to Be Scared of. They are Crazy about Each Other’. Vídeo de 3 canales Este vídeo de tres canales forma parte del proyecto The Perils of Obedience, una exploración en curso sobre la mecánica del poder.

Un equipo actoral interpreta y trabaja una escena de ‘Un tranvía llamado Deseo’ (Tenesse Williams, 1947) bajo la dirección de Charlotte Brathwaite. Esta escena icónica en la que Stanley grita ´Stella´ como fórmula para que ella vuelva después de una disputa, se entremezcla con otras de películas así como las descripciones históricas del Astor Place Riot, revuelta que ocurrió en NYC en 1849. En este transcurso de textos y gestos se van haciendo visibles las dinámicas envueltas en el proceso laboral a la vez que van mostrando narrativas personales de las actrices y actores.

Obra de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The posthuman protests, de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Accésit
Ernesto Casero (València, 1976). The posthuman protests (conjunto de dibujos)

La pieza se enmarca dentro del proyecto ‘The posthuman protests’, que gira en torno al concepto de posthumanismo, que considera que el paradigma del Humanismo conlleva implícitos ciertos valores eurocentristas, colonialistas y especistas, de modo que lo que se propone es un desplazamiento del ser humano desde el centro de la naturaleza a una posición de verdadera igualdad con el resto de seres vivos. Para hacer referencia a estas ideas se propone una serie de piezas basadas en protestas fake, mediante dibujos, stencils o pancartas, apropiándose de la estética de la protesta y generando así una ficción especulativa desde la que reflexionar sobre la posición del ser humano en un momento de crisis ecológica sin precedentes, aunque sin renunciar al humor.

20 anys de Mostra art públic / universitat pública

XX Mostra art públic / universitat pública
Campus de Burjassot-Paterna
Universitat de València
Fins al 27 d’octubre de 2017

El Campus de Burjassot-Paterna acull, per segon any, la Mostra art públic / universitat pública, que tindrà lloc fins al 27 d’octubre. Aquesta iniciativa, que està comissariada per Alba Braza, arriba enguany a la vintena edició i exhibeix obres d’Anaisa Franco, Cristian Gil Gil, Ernesto Casero, Laura Palau, Ainhoa Salas i Guillermo Lechón. La Mostra està organitzada pel Servei d’Informació i Dinamització (Sedi) amb la col·laboració del Vicerectorat de Cultura i Igualtat.

Amb Art públic / universitat pública, la Universitat de València pretén transformar el campus de Burjassot-Paterna en un espai d’intervenció artística. Aquesta activitat, que nasqué el curs 1997-1998, incorpora enguany la novetat de promoure la reflexió sobre el binomi art i ciència. La mostra exposa les cinc obres escollides en una convocatòria dirigida a artistes visuals, sense límit d’edat, interessats a crear una obra site specific a la qual es presentaren 56 propostes.

Els projectes, que palesen les possibilitats que ofereix la relació entre la creació artística i la ciència, estan situats en diversos espais del campus. Frustración, d’Anaisa Franco, està localitzada en l’Escola Tècnica Superior d’Enginyeria; l’obra d’Ernesto Casero, titulada For the Birds, està al mur frontal del Museu de Ciències Naturals; Cámara oscura, de Laura Palau, s’ha instal·lat en l’espai contigu a la Cafeteria del campus; l’artista Cristian Gil Gil ha muntat la seua peça, Cau de coneixement, al jardí lateral de la Biblioteca de Ciències; i Ainhoa Sala i Guillermo Lechón exhibeixen Flexivídeo a la Facultat de Física.

Anaisa Franco. Frustración, de la sèrie Pscicosomático, 2012

Anaisa Franco. Frustración, de la sèrie Pscicosomático, 2012

El Servei d’Informació i Dinamització (Sedi), amb la col·laboració del Vicerectorat de Cultura i Igualtat, és l’impulsor i gestor d’aquesta proposta d’art públic que representa una ocasió per acostar la ciència a la reflexió artística i comporta una aproximació del conceptualisme de l’art contemporani a la metodologia científica.

Les obres que s’exhibeixen al campus de Burjasot-Paterna són les següents:
Anaisa Franco: Frustración, de la sèrie Psicosomático, 2012. TV LCD, ordinador, càmera Kinect, software electrònic (50 x 40 x 100 cm).
Cristian Gil Gil: Cau de coneixement, 2017. Arrels de taronger (320 x 85 cm).
Ernesto Casero: For the Birds, 2017. Vinil sobre paret (mesures variables).
Laura Palau: Cámara oscura, 2017. Contenidor marítim d’acer (260 x 600 x 244 cm).
Ainhoa Sala i Guillermo Lechón: Flexivídeo, 2015. Pure Data, sensors de flexió, silicona (mesures variables).

Més informació
Imatge de portada: For the Birds, 2017, d´Ernesto Casero

Art Públic ya tiene sus cinco ganadores

XX Mostra Art Públic / Universitat Pública de la Universitat de València
Artistas seleccionados: Ernesto Casero, Anaisa Franco, Cristian Gil, Laura Palau y Ainhoa
Salas
Campus de Burjassot-Paterna (Valencia)
Inauguración: 2 de octubre de 2017

Ernesto Casero, Anaisa Franco, Cristian Gil, Laura Palau y Ainhoa Salas + Guillermo Lechón son los artistas seleccionados para la XX Muestra Arte público / Universidad pública de la Universitat de València de entre las 56 propuestas presentadas. La muestra se inaugurará en el campus de Burjassot-Paterna el 2 de octubre y podrá visitarse hasta el viernes 27 del mismo mes.

La vigésima edición de la muestra estará comisariada por Alba Braza que, junto con Salomé Cuesta, directora del departamento de Escultura de la Universitat Politècnica de Valencia, el artista plástico Carlos Domingo, Maite Ibáñez, del vicerrectorado de Cultura de la Universitat de València, Charo Álvarez, directora del Sedi, y Jordi Caparrós, delegado de Estudiantes de la Universitat de València han sido las personas encargadas de hacer la selección de las obras, premiadas con 2.000 euros cada una.

El Servicio de Información y Dinamización (SEDI), con la colaboración del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, organizan esta actividad que nació el curso 1997-1998 y que ha sido comisariada, desde entonces y hasta la decimoctava edición, por el actual gerente del Consorcio de Museos, José Luis Pérez Pont.

Este año, la muestra cumple veinte años e incorpora, entre otros cambios, la novedad de promover la reflexión sobre el binomio arte y ciencia y, de acuerdo con las bases de la convocatoria, las obras deben manifestar una de las múltiples posibilidades que ofrece la relación entre la creación artística y la ciencia.

La imagen que acompaña esta nota corresponde a la propuesta del artista Ernesto Casero. La pieza lleva como título For the birds y es una de las cinco seleccionadas para la Mostra Art públic / Universitat pública 2017.

Ernesto Casero.

For the birds, de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Art Públic.

Dar voz a los invisibles

Día Internacional de las Personas con Discapacidad
Galería pazYcomedias, Valencia

El 3 de diciembre, coincidiendo con el Día Internacional de las Personas con Discapacidad, finaliza la muestra realizada en el Espacio Glass Wall de la Galería pazYcomedias con el resultado del proyecto didáctico «Dar voz a los invisibles», llevado a cabo por Sin Sin Creativos con motivo de la exposición Better Humans Tomorrow! de Ernesto Casero, comisariada por José Luis Pérez Pont.

Dar voz a los invisibles. Proyecto didáctico. Foto: Juan Peiró. Cortesía Galería pazYcomedias.

Dar voz a los invisibles. Proyecto didáctico. Foto: Juan Peiró. Cortesía Galería pazYcomedias.

“Dar voz a los invisibles” muestra los deseos más íntimos de 36 personas que, padeciendo alguna enfermedad mental y en algunos casos también física, se expresan a modo de denuncia. Algunos de estos deseos no difieren mucho de los que podemos anhelar el resto de las personas que no tenemos estas barreras pero para muchos de ellos, por condicionantes sociales o porque la legalidad no se lo permite, les puede resultar realmente difícil alcanzarlos.

Aceptación es el deseo de una persona que padece un trastorno de conducta y se siente culpable por ello. Es como un estigma, algo que tienen que ocultar y busca la aceptación en los demás. Las enfermedades mentales las viven los enfermos y las familias como algo que hay que ocultar.

Aceptación es el deseo de una persona que padece un trastorno de conducta y se siente culpable por ello. Es como un estigma, algo que tienen que ocultar y busca la aceptación en los demás.
Las enfermedades mentales las viven los enfermos y las familias como algo que hay que ocultar.

Un proyecto de vida bastante común a todos y que desean con todas sus fuerzas es el de Tener novia, Independizarse con sus parejas y Formar una familia. Algo que la sociedad no les ponemos nada fácil.

Un proyecto de vida bastante común a todos y que desean con todas sus fuerzas es el de Tener novia, Independizarse con sus parejas y Formar una familia. Algo que la sociedad no les ponemos nada fácil.

Como resultado del proyecto se han realizado tres encuentros/diálogos en pazYcomedias, entre el artista y las personas participantes, a la vez que en el escaparate de la propia Galería se muestran las obras realizadas a través del proyecto didáctico. Para el último de estos diálogos se ha contado con la participación de Consol Castillo, Regidora del Ajuntament de València, responsable del Área de Desarrollo Humano, para contribuir a dar visibilidad a la problemática de este colectivo social.

Ernesto Casero, José Vicente Santaemilia y Consol Castillo con los participantes en el proyecto didáctico "Dar voz a los invisibles", de Sin Sin Creativos. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero, José Vicente Santaemilia y Consol Castillo con los participantes en el proyecto didáctico «Dar voz a los invisibles», de Sin Sin Creativos. Cortesía Galería pazYcomedias.

Consol Castillo, Regidora del Ajuntament de València, responsable del Área de Desarrollo Humano, con algunos participantes en el proyecto didáctico "Dar voz a los invisibles". Cortesía Galería pazYcomedias.

Consol Castillo, Regidora del Ajuntament de València, responsable del Área de Desarrollo Humano, con algunos participantes en el proyecto didáctico «Dar voz a los invisibles». Cortesía Galería pazYcomedias.

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El Grup Instrumental de València en pazYcomedias

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Concierto del Grup Instrumental de València
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
31 de octubre de 2015, 20.30 h.

Este concierto del Grup Instrumental de València, en colaboración con la Galería pazYcomedias, forma parte del ciclo Arts Happens comisariado por Carlota Rodríguez y Rafa Martínez. Un concierto que se formula como una referencia directa a la exposición del artista Ernesto Casero en pazYcomedias, comisariada por José Luis Pérez Pont, presentando una suerte de imágenes paralelas, en este caso sonidos similares, a la reflexión visual: la eugenesia musical. Varias preguntas pues son posibles: ¿existe una vinculación política y social de la cultura en relación a una idea de una sociedad mejor?; esta sociedad resultante y vinculante ¿qué música escucharía?, ¿es la música pues transmisora de valores e ideas?, etc. sin duda un arduo camino musicológico que nosotros no podemos, ni debemos, discutir en este sencillo foro, en este concierto, cuya misión es principalmente entretener, al cual podemos añadir, como misión estimulante, reflexionar in sieme, conjugándolas con las imágenes del artista, sobre la función del arte, sobre la sociedad y sobre sus formas de comunicarse. Podemos, en resumen, vivir la música como un espacio de reflexión, de comunicación y también como entretenimiento.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70x100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70×100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

 

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Programa:

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 – París, 1764) Rigaudon (de Dardanus) (1739) ( 3’)
para violín y violonchelo

Ulysses Kay (Arizona 1917 – New Jersey, 1995) Prelude W14 (1943) ( 3’)
para flauta

Anónimo Lichtenburger Lagerleid (c. 1933) ( 3’)
Joan Cerveró (Arr.)
para ensemble y banda sonora

Igor Stravinsky (1882-1971) Trois Pièces (1918) ( 4′)
para clarinete

Joseph Boulogne L’Amant Anonyme (G 75) / Ouverture ( 4’)
(Chevalier de Saint-Georges, 1745 – 1799) para ensemble

Anthony Braxton (Chicago, Illinois, 1945) Composition No 358 ( 8’)
para ensemble

Ernst Krenek Sonata No. 2 Op.115 (1948) ( 9′)
para violín

Rudi Goguel (Melodía) Börgermoorlied (1933) ( 5’)
Johannes Esser (Texto) para ensemble y banda sonora
Joan Cerveró (Arr.)

Joan Cerveró (Valencia, 1961) Waltz und Tango (1993) de Wozzeck ( 5´)
para ensemble

Joan Cerveró, director/acordeón
José Mª Sáez Ferríz, flauta
José Cerveró, clarinete
Mª Carmen Antequera, violín
Mayte García, violonchelo
Comisarios del ciclo Arts Happens Carlota Rodríguez/Rafael Martínez

Grup Instrumental de València.

El Grup Instrumental de València enfoca así los contenidos del concierto, enunciados en el programa:

En el prefacio del Tratado de Contrapunto del afamado y reverenciado teórico de la música alemana Heinrich Schenker (1868 – 1935) se puede leer: «… el hombre es superior a la mujer, el productor es superior al comerciante o al peón, la cabeza prevalece sobre los pies,…», etc. Esta afirmación, que en nuestros días sería considerada como menos «políticamente incorrecta», es una muestra más de como la idea de orden piramidal, de organicidad y de estructura normativa se ha venido utilizando para justificar y explicar, maliciosamente según nuestra opinión, la supremacía del orden «armónico» de la música frente a todo aquellos que sonase a diferente, alejado de la norma, demonizando con ello la disonancia y la experimentación, es decir la diferencia.

Esta idea de «ideal normativo» , en la cual se ha invertido mucho dinero, tiempo y energía no es ajena a los deseos hegemónicos de las fuerzas políticas y económicas que dominaron (y siguen dominando) nuestro viejo continente europeo e incluso el norteamericano como un fiel reflejo de occidente. Esta fuerzas políticas son las mismas f que anteriormente apoyaron, como un caso extremo, la eliminación de todo lo anormal, lo diferente, lo impuro, apoyándose y justificándose en una locura eugenésica llevada a los extremos del paroxismo ideológico. Y esto que se dio en la sociedad y en la cultura también afecto al arte y, por supuesto, a la música, fiel reflejo de los valores espirituales de los pueblos. Es en el arte sonoro donde los afectos y las emociones se vinculaban más directamente con «el alma del pueblo».

Las piezas que os proponemos escuchar en este concierto tratan todas de un mismo tema, central o lateralmente, todas tienen una relación con la exposición propuesta. Y los comentarios de Schenker apuntados al inicio de estas notas, nos ponen en el camino de nuestras especulaciones. Shenker, quién fue el impulsor teórico e ideológico de una música alemana sobria, consolidada, orgánica, basada en la tradición, asoció de manera tácita la consonancia al orden y a la salud corporal, mientras que la disonancia era representativa de la anormalidad, la deformación y la parálisis. Apoyados en una tradición occidental, (políticamente manipulada), buscaron y apoyaron argumentos para alejar al demonio de la disonancia negando y despreciando a autores que propusieron tolerancia y apertura estilística, como lo fueron en su época Jean-Philippe Rameau (1683 – 1764), posiblemente el músico y teórico francés más importante hasta el siglo XIX, quien en su «Démonstration du principe de l’harmonie» escribió: «… De la sola resonancia del cuerpo sonoro, acaban de ver nacer la armonía, la base fundamental, el modo, sus relaciones en sus adjuntos, el orden o el género diatónico(…) sin hablar del modo menor, ni de la disonancia, siempre emanadas del mismo principio, (…)». La disonancia era parte ya de la música para Rameau y no había pues necesidad de eliminarla, al contrario de adoptarla y tolerarla.

La idea de eliminar lo diferente, (-Delete where not like- es como hemos titulado a nuestra concierto), lo que se aparta del orden (político, económico y social, por supuesto) perduró muchos años tanto a partir de las teorías de Schenker, quien criticaba y deploraba los, según él, experimentos y excentricidades de Schönberg o Stravinski (este último también presentado en este concierto). Se interpretan pues en este concierto obras de autores que de una manera u otra han sido postergados, silenciados, anulados o, en el peor de los casos, aniquilados. Autores que como muy apropiadamente señala Alex Ross en su imprescindible libro El ruido eterno (Seix Barral, 2009) donde sólo se les da una opción: Fuga o muerte. Tal es el caso del checo Ernst Krenek, nacionalizado posteriormente estadounidense, quien tuvo que huir de la alemania nazi de una muerte segura por dos razones, la primera por ser judío y la segunda por haber escrito una ópera que utilizaba técnicas contemporáneas y se apoyaba en el jazz, a lo que habría que añadir que en su obra principal, la ópera Jonny spielt auf («Johnny empieza a tocar», 1926) personaje principal era de color. Debido a esta circunstancia fue incluido en la lista de la llamada Entartete Musik o música degenerada, lista de autores corrompidos que se apartaban de la ortodoxia y que había que prohibir, silenciar o eliminar. Hoy se interpreta en este concierto su exigente y bella Sonata No. 2 Op.115 para violín solo. Como ilustración y acompañamiento también se interpretaran dos obras que pertenecen al imaginario sonoro de los campos de exterminio nazi, donde la música, a pesar de todo fue una válvula de escape y de esperanza para alejarse de una muerte segura.

Dentro de los casos extremos de alienación y eugenesia es posiblemente en los casos de músicos de color donde ha existido una relación más conflictiva, a parte de la barbarie contra el pueblo y los artistas judíos como ya hemos dicho, ya que músicos de color son prácticamente  inexistentes en la música clásica.

La música clásica debido a sus altas necesidades técnicas y económicas ha sido patrimonio de las clases altas y estas siempre han protegido y defendido este atributo de clase (que se ha consolidado a través calificativos alienantes como: «la música culta», » la alta cultura» o términos altamente sectarios que lo único que proponían, y aún proponen, es una utilización de la estética como diferencia, la pertenencia «al grupo de los elegidos». Tres músicos negros son propuestos como punto de referencia de esta reflexión, por una parte el primer compositor cuyas raíces son origen africano, el conocido como «el Mozart negro» Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges (1745 -1799) nacido en la colonia francesa de Guadalupe.  Los dos compositores que también se presenta en este concierto tienen orígenes e influencias del jazz, aunque cada uno de ellos evolucionó de manera diversa, incluso divergente. Por un lado Ulysses Kay (1917 – 1995)   compositor estadounidense de origen afro-americano que después de estudiar con Luenig y Hindemith optó por un lenguaje neoclasicismo. Su Preludio para flauta es un compendio de recursos técnicos y expresivos que intentan aportar otras visiones de la música sin apartarse de la tradición. Caso contrario es el de Anthony Braxton (1945) quien desde sus orígenes como músico de jazz y como colega y participante en proyectos con grandes nombres de la historia del género como violinista Leroy Jenkins, el trompetista Wadada Leo Smith o en el proyecto de la Association for the Advancement of Creative Musicians, fundada en Chicago. Sus influencias van desde Ornette Coleman, John Coltrane, Paul Desmond o Eric Dolphy hasta  artistas «no de jazz» como John Cage o Karlheinz Stockhausen. De este carismático autor se va a interpretar un fragmento de su obra Composición #358, última de sus composiciones de lo que él titula con el distintivo de Ghost Trance Music. En esta obra se ven reflejadas todas la influencias históricas y estéticas de un periodo que va desde los años 50 a la actualidad, donde convergen el free-jazz, el fluxus, John Cage, la improvisación , la música ritual y la protesta política sobre la opresión estética e ideológica de la música blanca.

Para finalizar el concierto hemos elegido un fragmento de la música de escena de la obra teatral del dramaturgo y médico alemán George Büchner, compuesta por Joan Cerveró (Valencia, 1961) para la producción homónima dirigida por Carles Alfaro en 1993. En esta obra, además de muchos otros dramáticos sucesos se narran, se presentan los experimentos realizados por los médicos con «voluntarios» quienes a cambio de dinero ofrecían sus cuerpos a la experimentación, a estas prácticas antinaturales, donde la persona se convertía en un producto, un medio para conocer los efectos de las drogas y las medicinas para así producir nuevos productos para una futura sociedad mejor (que es el título de esta exposición de Ernesto Casero: Better humans tomorrow!). El dramático y espasmódico vals , donde se inocula la droga al soldado Woyzec y el decadente y despiadado tango que baila este joven soldado cuando asesina a su amante María junto al lago iluminado por la luna, un lago teñido de sangre y locura. Música que nos habla de la vida y vida que nos lleva hacia la música.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

El fantasma ideológico de la pureza

«Better humans tomorrow!», Ernesto Casero
Galería pazYcomedias
Pl. Colegio del Patriarca, 5. bajo-dcha
Comisario: José Luis Pérez Pont
Hasta el 31 de octubre de 2015

De la higiene victoriana al fantasma ideológico de la pureza.

Una vez más, lo que se nos presenta bajo la mística apariencia
de ciencia pura y conocimiento objetivo de la naturalez
en el fondo se revela como ideología política, económica y social.
Richard C. Lewontin

Desde que Charles Darwin publicara en 1859 Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural o la preservación de las razas favorecidas en la lucha por la vida, título que acortó en la segunda edición, han surgido múltiples defensores de una visión de la naturaleza que implica, por un lado, la competición por la supervivencia constituida como el principal mecanismo de evolución de las especies, y por otro, una visión individualista y jerárquica de las poblaciones en la que los individuos considerados “aptos” acaban eliminando y sustituyendo a los “no aptos”, interpretación que, pese a contradecir datos empíricos como las evidencias del registro fósil o los descubrimientos en genética como los genes Hox, sigue constituyendo el paradigma dominante en Biología.

Uno de los primeros pensadores que aplicó estas ideas a las sociedades humanas fue Francis Galton, primo de Darwin, conocido, entre otras cosas, por acuñar el término eugenesia. Para Galton, como para tantos otros preeminentes hombres de ciencia de la Inglaterra victoriana, era importante que, al igual que los ganaderos seleccionan a sus mejores animales para la cría y la reproducción, en las sociedades humanas se siguieran mecanismos de selección similares, para así conseguir sociedades cada vez más perfectas. Otro influyente pensador de la época, Herbert Spencer, autor de la expresión la supervivencia del más apto, abogaba por la supresión de los servicios públicos, como atención médica, educación o subsidios a los desfavorecidos, puesto que para él estas medidas constituían un obstáculo para que la selección natural eliminara a los individuos “no aptos”, contribuyendo así a una progresiva degeneración de la especie en las sociedades occidentales, lo que para Spencer las llevaría inevitablemente hasta su colapso.

Ideas como éstas y derivaciones más radicales, basadas en un supuesto cientifismo pero cargadas de ideología, y en las que bajo una pátina de argumentos pretendidamente biológicos se perseguían objetivos basados en la productividad y el mantenimiento del statu quo, saltaron rápidamente al continente europeo y a Norteamérica. En el primer tercio del siglo XX, y financiadas por fortunas como las de los Carnegie, Rockefeller, Harriman o Kellogg, surgieron en Estados Unidos diversas organizaciones para la promoción de medidas eugenésicas, constituyendo importantes grupos de presión que conducirían a la implementación de leyes de esterilización forzosa en diversos estados. Más de 60.000 personas fueron esterilizadas en este país por ser consideradas portadoras de “rasgos genéticos indeseables”, entre las que se incluían a los llamados “débiles mentales”, delincuentes, inmigrantes y mujeres de etnias minoritarias como los nativos americanos, hispanos o afroamericanos, principalmente. Similares programas de esterilización forzosa fueron llevados a cabo en países como Dinamarca, Islandia, Noruega o Suiza; en algunos, como Canadá o Suecia, estas prácticas se mantuvieron hasta los años 70.

Ernesto Casero, ''Better humans tomorrow!". Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero, »Better humans tomorrow!». Cortesía Galería pazYcomedias. Foto: Juan Peiró.

La eugenesia como movimiento no sólo abogaba por la mayor tasa de reproducción de los individuos considerados más aptos (eugenesia positiva) o la esterilización de los considerados menos aptos (eugenesia negativa), sino que constituía un conjunto de prácticas relativas a la conducta sexual, la alimentación, la salud, la llamada “higiene racial” y, en definitiva, la implementación de los códigos morales y sociales del pensamiento puritano anglosajón. Constituyó un movimiento del patriciado orientado a evitar la disolución de los valores morales y la estructura social que los legitimaba, patriarcal y racista, amparándose en argumentaciones pseudocientíficas para proveer de una explicación de tintes biológicos a cuestiones de estructura social, como la delincuencia, la pobreza o la segregación racial. Para los eugenistas las personas que ocupaban los puestos más bajos de la pirámide social se encontraban en esa situación porque eran biológicamente inferiores, la estructura social únicamente reflejaba la realidad genética, y para evitar la degeneración de la especie humana la eugenesia proveía de un conjunto de técnicas y medidas gubernamentales orientadas a la mejora del pool genético.

Parte de estas ideas racistas, sexistas, clasistas y discriminatorias han serpenteado a lo largo del siglo XX y han llegado, si bien transformadas en muchos casos en la forma aunque no en el fondo, hasta nuestros días. El determinismo genético o la perspectiva racial del CI continúan siendo caballo de batalla de ideólogos conservadores en todo el mundo, y la utilización mercantilista de la ingeniería genética, producto de una visión utilitarista de la naturaleza, constituye no sólo una importante amenaza a la biodiversidad sino a nuestra propia supervivencia como especie. Un creciente número de científicos reclaman un cambio de paradigma en biología que sea respetuoso no sólo con los seres humanos sino con nuestro planeta, desechando planteamientos simplistas y reduccionistas e integrando los conocimientos de la paleontología, la genética, la biología molecular y la microbiología en un sistema coherente basado en la investigación empírica, no en pre-conceptos e ideologías propios de épocas pasadas, como, por ejemplo, el fantasma ideológico de la pureza.

Durante el siglo pasado, la organización social de las condiciones normativas tendía a situar la pureza en el punto álgido de los valores culturales, permaneciendo así la contaminación en el último eslabón o incluso, en ocasiones, en el eslabón perdido. Esta concepción jerárquica de los valores culturales en torno a la pureza es, en parte, consecuencia de las categorías /trascendentes/ de pureza y contaminación, Dios y la Naturaleza.

En los códigos primarios, la pureza es una subcategoría positiva asociada a la legitimidad, bondad y autoridad, por tanto una categoría asociada un ser supremo. Aunque inalcanzable para el ser humano, éste debe esmerarse por aproximarse a la categoría máxima, estando así, cada vez más cerca de la perfección y la eficiencia. Esto es, presentándose como un abanderado fenomenológico del fantasma ideológico de la pureza.

Muestra del conjunto de obras de la exposición ''Better humans tomorrow!" del artista Ernesto Casero. Cortesía del artista.

Ernesto Casero, »Better humans tomorrow!». Cortesía Galería pazYcomedias. Foto: Juan Peiró.

La obsesión que muestra la sociedad, en el contexto occidental, por la pureza, en términos de limpieza, de desinfección, por lo impoluto, deriva, dicho a modo muy rápido y general, no únicamente de los códigos primarios, sino también de acontecimientos históricos como la revolución industrial. Los hacinamientos de los trabajadores en las ciudades, junto con la falta de recursos, dieron lugar a grandes plagas, al miedo a caer enfermo, al peligro del contagio, y a la necesidad de buscar un remedio para estos riesgos y plagas, lo que supuso para el capitalismo la oportunidad de apropiarse de los remedios, y así explotar los nuevos conocimientos.1 En la búsqueda de soluciones para las grandes epidemias, empezó una lucha contra los gérmenes, una lucha por la desinfección. Comenzó a articularse una lucha por el anhelo del cuerpo desinfectado, íntimamente ligado a las condiciones materiales de los primeros años del capitalismo. Esta lucha, alcanzó su clímax en la época victoriana, con el desarrollo de lo que el colectivo artístico Critical Art Ensemble llaman una disciplina de lo doméstico, una disciplina articulada que genera necesidad y garantía de que los valores patriarcales no serán disueltos, generando una necesidad de la desinfección surge también la necesidad por los productos que la pueden llevar a cabo, los productos de limpieza, unos productos que, por tanto, se vuelven deseables. Por lo que este deseo, como apunta el colectivo, no supone simplemente algo funcional, sino que acontece a modo de neutralizador de la ansiedad provocada por unas biopolíticas hiper-reales.

 Lo que nos interesa retomar de los trabajos desarrollados por el colectivo, junto con profesionales de distintas áreas de conocimiento, entre ellos biólogos, es exponer cómo el miedo y el peligro se llevaron, intencionalmente, al extremo por intereses económicos y de poder, puesto que esta lucha contra los gérmenes suponía, y supone, grandes beneficios para el capitalismo, así como supuso su posterior institucionalización.

Es de especial interés para abordar cuestiones relacionadas a la pureza como valor que debe guiar la existencia, prestar atención a las dos últimas décadas del siglo XIX en las que tanto médicos como científicos identificaron que uno de los focos de enfermedad, los gérmenes, podía residir en el polvo. La conocida empresa Bissell, activa en la actualidad, ofreció entonces una primera solución: las limpiadoras de vapor, un producto que aseguraba la limpieza total, un producto que surge de la lucha contra los gérmenes. Esta intensa lucha, y la aparición de productos para facilitarnos la victoria, convirtió a la higiene en un asunto social, doméstico y personal, lo que generaba, a su vez, el correspondiente miedo a fracasar y caer enfermo. Por tanto, los fabricantes vieron cuan beneficiosa resultaba la bioparanoia: “the great the fear, the better for the household sanitation and disinfectant industries.” Por tanto, la empresa feroz por la pureza ya no permanecía en el desarrollo de los marcos teóricos de ideólogos del capitalismo, sino que se asentaba directamente en la cotidianidad, convirtiendo la lucha contra lo impuro en el emblema de la victoria del fantasma ideológico de la pureza.

Estas estrategias nos enfrentan al constructo de un cuerpo desinfectado de un cuerpo desinfectado, puro, que forma parte de nuestro ideario social, pero que, paradójicamente, es imposible, es un cuerpo inalcanzable, tomando la potencialidad de la metáfora del cuerpo desinfectado en relación a las tesis eugenésicas. No puede existir un cuerpo desinfectado porque sin gérmenes moriríamos, los necesitamos para desarrollar múltiples funciones, y aunque muchos resultan peligrosos para nuestra salud, con otros co-existimos en una relación simbiótica. Pero en cambio, nos dedicamos a fulminar a todas esas bacterias que la publicidad nos ha mostrado como potencialmente peligrosas, ofreciéndonos, a su vez, la solución para acabar con ellas, el producto mediante el cual conseguir un cuerpo desinfectado. Esta búsqueda por la desinfección genera una relación histérica con las bacterias, y también unos beneficios para la industria. Unos beneficios que provienen del constructo artificial del sentirse seguro frente a estos enemigos. De asumir que un cuerpo desinfectado es la única garantía para mantenerse a salvo, la empresa fracasada para combatir una bioparanoia diseñada con un cuerpo ideal imposible, reduciendo la condición humana al ámbito de la biología, fomentando que vivamos bajo la amenaza constante de aquellos impuros que pueden alterar nuestro índice de pureza, y por tanto, legitimando que deban ser erradicados o modificados hasta encontrarse dentro de los parámetros establecidos de pureza y contaminación, promocionando la necesidad de pureza como promoción del bien común.

En el contexto contemporáneo, un contexto híbrido, son diversas las voces que, desde distintos ámbitos del conocimiento, proponen la necesidad de abrir un espacio de reflexión colectiva sobre la necesidad de combatir el paradigma mecanicista-reduccionista del determinismo biológico pasando a una concepción dialéctica que problematiza con una perspectiva utilitarista tanto de los seres humanos como de la naturaleza y el resto de especies con las que convivimos, ya que entendemos que las posibilidades que nos brindan las biotecnologías han evidenciado una concepción errónea de las mismas: confundir el uso de la tecnología como extensión de las facultades humanas, para re-pensarnos, con una voluntad correctiva que no deje margen al error. La obsesión por la corrección y restauración, por la determinación, significa desterrar la incertidumbre en favor de la búsqueda de una certeza, pero esta búsqueda de la certeza no parece ajustarse demasiado a nuestro contexto contemporáneo, cambiante y lleno de incógnitas, donde los seres humanos somos los primeros que navegamos por una existencia dicotómica. Por tanto, si cedemos a la voluntad por corregir toda perturbación, si cedemos al determinismo biológico, entonces deberemos aceptar que en el camino hacia la búsqueda de la certeza absoluta, probablemente perdamos parcelas de libertad, fortaleciendo las bases de un fantasma ideológico que articula las narrativas hegemónicas, que parten de concepciones jerárquicas de los valores culturales y establecen las bases de argumentaciones racistas, sexistas, clasistas y especistas. En contraposición, biólogos, teóricos y artistas apuestan por una concepción dialógica y transversal que aúne todos los conocimientos recabados y que sirva como herramienta para seguir abordando la complejidad de los sistemas desde la integración del error como posibilidad de apertura.

Ernesto Casero / Laura Benítez

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1Para más detalle sobre los diferentes remedios adoptados en las epidemias europeas de la época industrial véase Critical Art Ensemble, “Bioparanoia and the Culture of Control”, 415.

Nuevo programa de actividades en pazYcomedias

Ernesto Casero, Better Humans Tomorrow!
Toni Signes, Gran moment de celebració
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Programa de actividades paralelas, hasta el 31 de octubre de 2015

Con motivo de la exposición de Ernesto Casero y Toni Signes, comisariado por José Luis Pérez Pont, la Galería pazYcomedias de Valencia ha preparado un completo programa de actividades paralelas como parte del proyecto, con conferencias, un ciclo de poesía, un proyecto didáctico destinado a personas con capacidades diferentes y un concierto a cargo del Grup Instrumental de València.

Ernesto Casero. Love in its anatomical connections, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Love in its anatomical connections, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Programa:

-25 septiembre / 19,30h. DARWINISMO: EL LADO OSCURO DE LA CIENCIA
Conferencia de Máximo Sandín
«En el proceso de civilización, hemos perdido ciertos mecanismos innatos de liberación que normalmente persisten con objeto de mantener la pureza de la raza: alguna institución humana debe seleccionar la fortaleza, el heroísmo, la utilidad social, (…) si es que el sino de la humanidad, carente de factores selectivos naturales, no va a ser la destrucción por la degeneración que el proceso de domesticación lleva consigo. La idea de raza como base del estado ya ha obtenido buenos resultados a este respecto». Konrad Lorenz (1940). Premio Nobel de Fisiología y Medicina, 1973.
Máximo Sandín es Licenciado en Ciencias Biológicas por la Universidad Complutense de Madrid y Doctor en Bioantropología por la Universidad Autónoma de Madrid, en la que ha ejercido su labor docente e investigadora desde 1977, en el Departamento de Biología, en el que tuvo a su cargo la docencia de Evolución humana y Ecología humana. Su labor investigadora estuvo centrada durante veinte años en el estudio de la influencia de los factores ambientales en  el crecimiento y desarrollo infantil, así como investigaciones sobre nutrición y salud pública, línea que abandonó a partir de 1995 para dedicarse por entero al estudio de la evolución. Actualmente está jubilado.

-14 octubre / 19,30h. EL FANTASMA IDEOLÓGICO DE LA PUREZA, HOY
Mesa redonda con Laura Benítez y Vicente Bellver
Desde que Charles Darwin publicara en 1859 Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural o la preservación de las razas favorecidas en la lucha por la vida, título que acortó en la segunda edición, han surgido múltiples defensores de una visión de la naturaleza que implica, por un lado, la competición por la supervivencia constituida como el principal mecanismo de evolución de las especies, y por otro, una visión individualista y jerárquica de las poblaciones en la que los individuos considerados “aptos” acaban eliminando y sustituyendo a los “no aptos”, interpretación que, pese a contradecir datos empíricos como las evidencias del registro fósil o los descubrimientos en genética como los genes Hox, sigue constituyendo el paradigma dominante en Biología.

Laura Benítez (Barcelona, 1981) es Doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona con especialidad en Estética y Filosofía del Arte. Máster en Filosofía Contemporánea y Máster en Estética y Teorías del Arte Contemporáneo, ambos por UAB. Durante los últimos cuatro años ha trabajado como profesora universitaria e investigadora, siendo miembro de varios proyectos de i+D. Ha realizado diversas estancias de investigación en Ars Electronica. Comisaria independiente y miembro del colectivo Leland Palmer, con quien ha trabajado en: ‘Primer Intento’ (Sala d’art Jove); ‘Lo tengo, no lo tengo’ (Espai Zero1); ‘Todo en parte’ de Maite Muñoz y Araceli Corbo (MUSAC), Milano Radicale de Aria Spinelli (Fundació Tàpies/Homesesion/ Sala d’Art Jove).

Vicente Bellver es Profesor Titular de Filosofía del Derecho y Filosofía Política en la Universitat de València. Acreditado para Catedrático de Universidad desde 2011. En la actualidad es director del Departamento de  Filosofía del Derecho,  moral y Política de la Universitat de València. Es miembro del Comité de Bioética deEspaña, de la Pontificia Academia per la Vita, Comité de Ética de la Investigación Clínica del Centro Superior de Investigación en Salud Pública (CSISP) y de la Dirección General de Salud Pública de la Generalitat Valenciana, Comisión de Consentimiento Informado de la Conselleria de Sanitat de la Generalitat Valenciana, y Comisión de Ética del Consejo Valenciano de Enfermería (CECOVA). Es autor de tres libros y editor de otros cinco. Ha escrito capítulos en más de 60 libros colectivos y ha publicado más de 120 artículos en revistas científicas sobre derechos humanos, bioética, bioderecho y ecología política.

Ernesto Casero. Legislative status, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Legislative status, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

-21, 22 y 23 octubre. 8 HORIZONTAL
Ciclo de poesía
Coordinación: Antonio Méndez Rubio

“8 Horizontal” reúne algunas de las poéticas más destacadas en la poesía actual, desde un criterio de exigencia e innovación en el lenguaje y la vivencia de lo real. Cada poeta intervendrá con una lectura de poemas, en mesas de diálogo, y un espacio posterior de reflexión y coloquio sobre cuestiones relevantes relacionadas con su concepción poética. “8 Horizontal” juega con la disparidad y la singularidad de las propuestas, abriendo un lugar de encuentro entre trayectorias ya avanzadas y nuevas trayectorias más recientes pero igualmente ilustrativas, sintomáticas, de cara a entender mejor el tiempo presente. Desde esos cruces, estas jornadas buscan esbozar líneas de horizonte, puntos de horizontalidad, intersecciones desde donde repensar un lugar para la poesía dentro de un mundo en crisis: durante dos días, reunir miradas, palabras que tiendan quizá al infinito.

Programa y horarios:

Miercoles, 21 de octubre. SOLLOZO TERRESTRE/PAISAJE SONORO
Recital de Miguel Labordeta y Carlos Fernández López
a cargo de Paula Miralles.
Música de David Alarcón interpretada por Esther Vidal (violín) y Pilar Parreño (viola)

Jueves 22 octubre
Mesa I: 17.30h. PEDRO PROVENCIO / ÁNGELA SEGOVIA
Mesa II: 19.30h. NONI BENEGAS / PABLO LÓPEZ CARBALLO

Viernes 23 octubre
Mesa I: 17.30h. ILDEFONSO RODRÍGUEZ / MARÍA SALGADO
Mesa II: 19.30h. GUADALUPE GRANDE / JESÚS AGUADO

Ernesto Casero. Ottmar Von Verschuer's eyes, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Ottmar Von Verschuer’s eyes, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

-31 octubre / 20.30 h. Concierto de clausura a cargo del Grup Instrumental de València
Programa:

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 – París, 1764) Rigaudon (de Dardanus) (1739)                      (3’)
                                                                         para violín y violonchelo

Ulysses Kay (Arizona 1917 – New Jersey, 1995)    Prelude  W14 (1943)                                   (3’)
                                                                          para flauta

Anónimo                                                             Lichtenburger Lagerleid (c. 1933)                 (3’)
Joan Cerveró (Arr.)                                              para ensemble y banda sonora

Igor Stravinsky (1882-1971)                                 Trois Pièces (1918)                                    (4′)                                                                            para clarinete

Joseph Boulogne                                    L’Amant Anonyme (G 75)/ Ouverture                        (4’)(Chevalier de Saint-Georges, 1745 – 1799)            para ensemble

Anthony Braxton (Chicago, Illinois, 1945)              Composition No 358                                   (8’)                                                                              para ensemble

Ernst Krenek                                                      Sonata No. 2 Op.115 (1948)                        (9′)                                                                              para violín

Rudi Goguel (Melodía)                                     Börgermoorlied (1933)                                    (5’)
Johannes Esser (Texto)                                       para ensemble y banda sonora
Joan Cerveró (Arr.)   

Joan Cerveró (Valencia, 1961)                          Waltz und Tango (1993)  de Wozzeck            (5´)
                                                                          para ensemble

Joan Cerveró (director/acordeón), José Mª Sáez Ferríz (flauta), José Cerveró (clarinete), Mª Carmen Antequera (violín), Mayte García (violonchelo)
Comisarios del ciclo Art Happens: Carlota Rodríguez/Rafa Martínez
El Grup Instrumental de València es residente en ‘Las Naves, Espai d’innovació i creació’

 

Ernesto Casero. Internationale hygiene, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Internationale hygiene, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.


-“Dar voz a los invisibles”
Taller didáctico, realizado por Sin Sin Creativos, dirigido a personas con capacidades diferentes que se llevará a cabo durante la duración de la exposición.

Dar voz a los invisibles es un proyecto que nace con la pretensión de dar voz a todas las personas que forman parte de nuestra sociedad. A partir de la exposición de Ernesto Casero se realizarán unos talleres integrando a las personas con capacidades diferentes con el ánimo de que dialoguen a nivel plástico con la obra de Ernesto.También se creará un coloquio con el artista en la galería.

Espai Visor gana el Abierto Valencia 2015

Abierto Valencia 2015
Premio a la Mejor Exposición a Espai Visor
Diálogo entre Lothar Baumgarten y Bleda y Rosa

El jurado de Abierto Valencia 2015, Carlos Urroz, director de ARCO, Ricardo Forriols, Vicedecano de Cultura de la Facultad de Bellas Artes de la UPV, y Ramón Escrivà, conservador y responsable de exposiciones temporales de IVAM, decidió conceder el Premio a la Mejor Exposición, otorgado por la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana a la Galería Espai Visor por su exposición Lothar Baumgarten vs Bleda y Rosa.

Obra de Lothar Smetteleas, en Luis Adelantado, Premio Adquisición de la Fundación Hortensia Herrero.

Obra de Lothar Baumgarten, en Espai Visor, Premio a la Mejor Exposición de Abierto Valencia 2015.

El jurado, tras valorar muy positivamente la labor realizada por el conjunto de las galerías participantes en Abierto Valencia, acordó “por unanimidad” fallar el premio a favor de la galería Espai Visor por la muestra «Bleda y Rosa – Lothar Baumgarten». Asimismo, destacó “el formato de la exposición en el que dialogan un artista de la experiencia de Lothar Baumgarten (Rheinsberg, 1944) con la de la pareja Bleda y Rosa (Castellón, 1969 – Albacete, 1970) incluso en el montaje de la muestra que incluye una intervención específica en el escaparate. El trabajo sobre el lugar de los artistas Bleda y Rosa dialoga conceptualmente con el de Baumgarten originado también con América Latina”.

Obra de Bleda y Rosa, en Espai Visor, Premio a la Mejor Exposición.

Obra de Bleda y Rosa, en Espai Visor, Premio a la Mejor Exposición de Abierto Valencia 2015.

También se valoró “la labor continua realizada por la galería en los contenidos expositivos, la promoción de sus artistas tanto en las exposiciones de Valencia como en sus proyectos en el exterior”.

Obra de Morten Slettemeas, en Luis Adelantado, Premio Adquisición de la Fundación Hortensia Herrero.

Obra de Morten Slettemeas, en Luis Adelantado, Premio Adquisición de la Fundación Hortensia Herrero.

El Premio de Adquisición Fundación Hortensia Herrero se lo llevó la Galería Luis Adelantado por una obra de Morten Slettemeas (Noruega, 1975). Las pinturas de Slettemeås son orgánicas y sutiles, con intensos brochazos de color, que en su tercera exposición en la galería de Valencia presenta una reflexión sobre el paisaje a través de una mirada contemporánea cercana a la abstracción. Sus obras crecen restando elementos al cuadro en lugar de añadiendo. La escala de sus piezas, desde tres metros hasta pequeños formatos, genera también un diálogo físico entre el espectador y la obra.

Obra de Ernesto Casero, en pazYcomedias, Premio Adquisición de Colección DKV de Abierto Valencia 2015.

Obra de Ernesto Casero, en pazYcomedias, Premio Adquisición de Colección DKV de Abierto Valencia 2015.

El Premio de Adquisición DKV correspondió a las galerías pazYcomedias y Rosa Santos, con obras de Ernesto Casero y Juanli Carrión, respectivamente.

Ernesto Casero (1977) realiza por medio del dibujo un acercamiento a la historia del determinismo biológico y sus ramificaciones, como la eugenesia o el racismo científico. La exposición se estructura en varios grupos de dibujos, basados en imágenes publicitarias de sociedades eugenésicas de principios del siglo XX, ilustraciones de manuales de conducta conyugal, propaganda relativa a la higiene social y otro tipo de imágenes relacionadas con la influencia de ciertos argumentos que, desde la biología, persiguen disciplinar a las sociedades en base a los códigos éticos de las clases dominantes.

Obra de Juanli Carrión, en Rosa Santos, Premio Adquisición de Colección DKV de Abierto Valencia 2015.

Obra de Juanli Carrión, en Rosa Santos, Premio Adquisición de Colección DKV de Abierto Valencia 2015.

Juanli Carrión (Yecla, Murcia, 1982), que vive y trabaja en Nueva York, presenta una nueva serie de dibujos de gran formato, en la utiliza la reciente historia de inmigración de Valencia y su trazado geográfico como límites geopolíticos para la creación del jardín. Tras entrevistar a 19 inmigrantes (uno por cada barrio de la ciudad) acerca de su historia de adaptación e identidad cultural, cada uno de ellos eligió una planta; las cuales han sido plantadas según el lugar de residencia de cada uno de ellos en un parterre que representa, de forma esquematizada, la ciudad de Valencia.

El Premio Adquisición de Gandía Blasco recayó en el artista Hugo Martínez-Tormo de la Galería Punto.

Obras en diálogo de Lothar Baumgarten y Rosa y Bleda, en Espai Visor.

Obras en diálogo de Lothar Baumgarten y Rosa y Bleda, en Espai Visor.

 

Toni Signes, la extenuación del poder

Toni Signes. Les aventures de l’home magre
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: 18 de septiembre, 20h.
Hasta el 18 de octubre de 2015

La obra “Gran moment de celebració” (2015) del artista Toni Signes, ocupa el espacio Glass Wall de la galería pazYcomedias, en diálogo con la exposición Better humans tomorrow! de Ernesto Casero en la sala principal.

Toni Signes. Mut Zur Magro, 2015. Acuarela sobre papel, 190x200cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Mut Zur Magro, 2015. Acuarela sobre papel, 190x200cm. Cortesía del artista.

En la actualidad sorprende el ascenso al poder (o puestos de responsabilidad) por gente poco preparada, con dudosas dotes de gestión y poco carisma. Aunque esto sea aplicable a la gestión privada, el caso más sangrante se reproduce en el entorno público y es más llamativo a mayor responsabilidad, hablando claro, el tema es preocupante en la presidencia del gobierno español, donde vemos que, legislatura tras legislatura, la capacidad, conocimientos y apariencia del presidente de turno va mermando en pro de una total falta de preparación y carisma. La prensa es, en parte, cómplice directa en la perpetuación de esta situación al encargarse de difundir ideología mediante sus imágenes. Ésta genera una iconografía que normaliza y fija las carencias institucionales a favor de unos supuestos valores comunes a la ciudadanía como puede ser la simpatía o las dotes familiares y sociales de nuestros presidentes. Para ridiculizar esta situación, e inspirado en el mundo del cómic, se ha creado un personaje ficticio cuya piel tiene aspecto de chóped: l’home magre. Este personaje consigue, a pesar de su desagradable aspecto y gracias a la repetición hasta la extenuación de su imagen en todos los soportes posibles, llegar a presidente/rey/empresario triunfador de su país imaginario.

Toni Signes. Papà i mamà amb les filles, 2015. Acuarela sobre papel, 94x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Papà i mamà amb les filles, 2015. Acuarela sobre papel, 94×150 cm. Cortesía del artista.

El proyecto está compuesto por acuarelas de gran formato que copian fotografías de la prensa modificando al personaje central de la imagen por la figura del hombre magro. Con todas estas imágenes se genera un cronograma en el que se narra el ascenso y caída de este personaje nacido por y para los media.

Toni Signes. Caminar és un plaer, 2014. Acuarela sobre papel, 81x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Caminar és un plaer, 2014. Acuarela sobre papel, 81×150 cm. Cortesía del artista.

Considerando el espacio Glass Wall, se interviene con una única pieza, Gran moment de celebració, cuya imagen reproduce un congreso de diputados en la que los representantes llevan una máscara con la cara del hombre magro y aplauden a la derecha, donde reposa un chorizo troceado sobre una tabla de corte.

Toni Signes. Gran moment de celebració, 2015. Acuarela sobre papel, 83x150 cm. Cortesía del artista.

Toni Signes. Gran moment de celebració, 2015. Acuarela sobre papel, 83×150 cm. Cortesía del artista.

Este proyecto forma parte del programa sobre cuestionamiento y actitud crítica en el arte comisariado por José Luis Pérez Pont para pazYcomedias, por el que ya han pasado los artistas Yara El-Sherbini (artista participante en la Bienal de Venecia 2015), Isidro López-Aparicio, Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Bellas Artes), Fermín Jiménez Landa y Escif. Tras esta exposición prosigue la programación con Rogelio López Cuenca, Antoni Abad y Nuria Güell, entre otros.

Valencia recupera el aliento…artístico

Abierto Valencia 2015
Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Valencia LaVAC
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Viernes 18 de septiembre de 2015, a las 22.30h

Hubo dos o tres cosas que se repitieron en la presentación, por primera vez en el IVAM, del Abierto Valencia con el que celebran las galerías su apertura conjunta de la nueva temporada expositiva. Una fue la satisfacción con que recibieron ambas partes su mutua colaboración: “Valencia está recuperando el aliento (artístico), destacó José Miguel Cortés, director del museo valenciano. Y lo hace gracias a la “complementariedad entre instituciones públicas y organismos privados”, sin cuyo empuje orquestado, vino a decir, ese aliento no podría tomar cuerpo.

Presentación de Abierto Valencia en el IVAM. En la mesa, de izquierda a derecha, Carlos Puerta, José Miguel Cortés, Olga Adelantado, Carlos Urroz y Alicia Ventura. Imagen cortesía de LaVac.

Presentación de Abierto Valencia en el IVAM. En la mesa, de izquierda a derecha, Carlos Puerta, José Miguel Cortés, Olga Adelantado, Carlos Urroz y Alicia Ventura. Imagen cortesía de LaVac.

Otro aspecto que se encargó de destacar Olga Adelantado, presidenta de LaVAC, asociación que agrupa a las galerías, es que la apertura de la temporada en Valencia es distinta a la de otras ciudades: “Nos distingue del resto nuestros premios a los artistas y las galerías; cuatro premios que se mantienen y refuerzan”. El premio a la mejor exposición otorgado por la Conselleria de Cultura, más los otros tres premios de adquisición de obra por parte de Colección DKV, Gandía Blasco y Fundación Hortensia Herrero. Y quién sabe si, de cara al próximo año, un nuevo premio del IVAM: “Lo valoraremos”, avanzó Cortés.

Y un último aspecto que destacaron al unísono, IVAM, galerías y hasta el director de ARCO, Carlos Urroz, presente como jurado de Abierto Valencia, es que la ciudadanía debía “perder el miedo” a entrar en las galerías. “Que la gente se anime a hacerlo”, instó Urroz. “Que no tengan miedo, que lo hagan de modo natural”, abundó José Miguel Cortés.

Obra de Rafa de Corral en Alba Cabrera. Abierto Valencia 2015.

Obra de Rafa de Corral en Alba Cabrera. Abierto Valencia 2015.

Las alrededor de 300 obras expuestas en las 18 galerías que integran LaVAC constituyen el mejor reclamo. Aunque el por qué a la gente le cuesta tanto acercarse con naturalidad al arte sea otro aspecto a explorar. La mesa redonda sobre coleccionismo, que el sábado se celebra en el IVAM como parte del programa de Abierto Valencia, quizás debiera contemplar otro año ese enigma. Alicia Ventura, en representación de la Colección DKV, animó no sólo a entrar a las galerías, sino a comprar, “que obras por 1.000€ hay y es muchas veces el gasto de un viaje de fin de semana”.

Carlos Puerta, al frente de la Asociación de Coleccionistas 9915, agradeció a las galerías su labor con los artistas y las facilidades de financiación que daban a quienes precisamente se decidían, como él, a comprar obras de arte. Y para ir fomentando esa curiosidad del público, se vuelve a celebrar la ARCO Gallery Walk, actividad coordinada por AVALEM, asociación de educadores de museos, con el apoyo de la Fundación ARCO, pensada como encuentro entre el público y las galerías mediante una serie de rutas programadas para viernes y sábado.

Obra de Ernesto Casero en pazYcomedias. Abierto Valencia 2015.

Obra de Ernesto Casero en pazYcomedias. Abierto Valencia 2015.

Las propuestas expositivas son múltiples y variadas. Desde las arquitecturas depuradas de Rafa de Corral, en Alba Cabrera, hasta el trabajo crítico de Ernesto Casero sobre el determinismo biológico en pazYcomedias, pasando por Rosa y Bleda en Espai Visor, el apego a la tierra de Juanli Carrión en Rosa Santos o la reunión de obras en torno a las nuevas tecnologías que Galería Punto / Área 72 acoge en su exposición ANT (Arte y Naturalezas Tecnológicas). En esta última, Solimán López presentará en primicia su Harddiskmuseum, realizado en la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia. Todo ello antes de que el IVAM, a las 22.30, celebre en su hall la entrega de premios y la puesta de largo de quienes parecen dispuestos, como destacó Urroz, a que Valencia “recupere su lugar de referencia en el arte contemporáneo a nivel nacional”.

Obra de Noé Sendas en Set Espai d'Art. Abierto Valencia 2015.

Obra de Noé Sendas en Set Espai d’Art. Abierto Valencia 2015.

Salva Torres