La ceremonia mística de Rafael Amorós

Evanescència fixada, de Rafael Amorós
Galería Thema
Plaza de América, 4. València
Del 16 de febrero al 9 de marzo de 2018

La Galería Thema acoge la exposición  ’Evanescència fixada’, dedicada a la obra del artista Rafael Amorós. Dos años después de su exposición individual ‘De Gest a Sacra Flor’, Rafael Amorós vuelve para mostrarnos su nueva producción artística a través de las series de esculturas únicas místic y acull, y nueve obras originales sobre papel de distinto formato, del roig al negre, del groc al negre y del blau al negre.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Rafael Amorós (Albaida, 1964), muestra en su primera serie místic un trabajo más introspectivo en el cual predominan las formas más cerradas y cóncavas. Los materiales que utiliza contrastan y se complementan, el hierro oxidado como símbolo de lo humano, y el latón, como símbolo de lo sagrado, la luminosidad divina. Estamos, pues, en una ceremonia mística plena de simbolismo y sutilidades, en la que cada elemento escultórico flota entre misterio e indicación, ocultación y evocación.

Acull es un trabajo de acogimiento, lleno de libertad creativa, en el que las formas interactúan con el espacio abierto. En la serie acull, el artista utiliza el aluminio como superficie y soporte, que tiñe con pigmentos de color en rojo, negro o blanco, que aíslan el interior y exterior de la obra. La doble dualidad de fuerzas opuestas pero iguales, verticalidad y horizontalidad, la idea del pasado y el presente, que conviven en un mismo lugar, nos hacen confiar en lo positivo de lo eterno.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

En del roig al negre, del groc al negre y del blau al negre, Amorós muestra la pintura como un gesto más concluido. Los tres colores primarios, el rojo, el amarillo y azul, se mezclan con pigmentos de color negro, potenciando su intensidad y permanencia. En una expresión del poeta Stéphane Mallarmé: “El azar al fin ha sido fijado”.

En esta exposición, Amorós, corre velos sobre la luz del alma humana con un trabajo de carácter intimista, que destaca por un exquisito dominio de la interacción de las formas y el color, que no se exponen, sino que insinúan, y que nos obligan a reflexionar sobre esos momentos efímeros que transcienden toda una vida.

Místic, de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Místic, de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Del Sol Negro al oscuro misterio femenino

Sol Negro, de Rubenimichi, y Similar Soul, de Seven Moods
Plastic Murs
C / Denia, 45. Valencia
Del 3 de junio al 29 de julio

Sol Negro es uno de los múltiples nombres que recibe Saturno, dios de la cosecha que representa los ciclos de la vida, pero también el paso implacable del tiempo y, por lo tanto, la muerte. Conocerlo es intentar entender nuestro significado y nuestro fin, y buscar su influjo es abrazar el conocimiento, aunque sea atravesando la oscuridad.

Lo saturniano nos rodea. Existen miles de símbolos que nos indican el camino, tratan de darnos las respuestas. Y aunque no queramos verlos, todos responden a un lenguaje único. Todo: lo referente a lo bueno y a la luz, y lo que representa lo malo y la oscuridad.

Sol Negro. Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Titan, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Sobre este planteamiento Rubenimichi consiguen acercarse a ese lenguaje cósmico, rastreando los símbolos, asumiéndolos como propios y jugando con su misterio. Porque si algo fascina a Michi, Rubén y Luisjo, es lo oculto, lo secreto, lo oscuro o lo mágico, que mueve y domina una buena parte de su trabajo. Y también todos sus ritos, aplicados incluso al propio proceso creativo. A nadie se le escapa. Algo hay de brujos en esta oscura y, en apariencia, simpática trinidad.

En sus cuadros, Rubenimichi se dejan llevar por una audaz intuición que parte del asombro por ciertas realidades cotidianas y que culmina en la asimilación de cualquier fenómeno que se presente como indescifrable. Según sus planteamientos ahí es donde está el poder, la energía o la magia. Y es ahí donde encuentran su espacio, uno en el que especular a través de la pintura, buscando las respuestas, ofreciendo una documentación exahustiva de su fascinación. Hay que añadir aquí, aunque suene excesivo, que su trabajo es un fiel reflejo de sus dogmas e ideales.

Dione, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Dione, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Las respuestas están más cerca de lo que creemos y posiblemente jamás permitirán que las descubramos. Sin embargo, y mientras tanto, podemos comenzar a observar estos símbolos como lo han hecho Rubenimichi, con curiosidad y delicadeza, con placer persuasivo.

En ‘Sol Negro’ comulgamos con este conocimiento oscuro, diferente y atractivo, seductor, cercano a la frivolidad o a lo sádico, pero también a lo poético, a lo luminoso y a lo inspirador. Es un poder contradictorio y fascinante colmado de claroscuros en los que encontramos ritos y diosas, jóvenes vírgenes y sacerdotisas en Misas Negras o Saturnalias, envueltas en una voluptuosidad romántica…

Hermandad, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Hermandad, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

En estos cuadros fluye como un torrente la imaginería de lo oculto: el velo que cubre y esconde. La hoz, el estramonio, los altarcillos, los huesos y todo lo mortuorio. El hexágono, como el triple seis satánico o como el hexagrama o estrella de seis puntas, que se transforma en cubo en su perspectiva caballera. Pero también el hexágono como la celdilla de la abeja, representación de las sociedades secretas. Es un juego acumulativo, sí pero… ¿sólo un juego? ¿O más bien un lenguaje?

Si hay algo después de la muerte, sólo Saturno nos lo puede explicar. Ése es el poder del Sol Negro: la oscuridad total que nos deslumbrará a la vez que nos dará las respuestas.

Texto sobre Rubenimichi, de Roberto Salas

Por su parte, las nuevas obras de Seven Moods nacen evidentemente de varios elementos recurrentes que, al entrelazarse entre sí, dan origen a una serie de obras de arte que cuentan un secreto, una historia misteriosa y altamente sugerente que se ocupa de la representación de las mujeres y de sus alter egos. El elemento principal de cada composición es de hecho la figura femenina: las mujeres están en el centro de cada pieza, ocupando casi toda la configuración. Estas parecen acabadas de aterrizar del futuro, o desde el espacio exterior.

Kinoly, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Kinoly, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Según el artista, las mujeres poseen múltiples expresiones; pueden ser madres, amantes, santas, o por el contrario, demonias. Así pues, la figura femenina se convierte en una forma viva, una esencia que respira, un símbolo de una dimensión humana universal, así como de una sensibilidad intelectual individual. Sus miradas fuertemente emocionales nos dicen que están enfocadas en algún pensamiento muy personal.

Casi todas las mujeres representadas, por otra parte, están llorando. Las lágrimas que caen por sus caras actúan como un medio de interacción para conectar al artista con los seres en sus obras. Sin embargo, estos llantos no son causados por el sufrimiento, sino más bien por una conmoción fuerte frente a la belleza -en particular la belleza de la naturaleza-; alternativamente, son causadas por una necesidad de purificar y liberarse de negatividad.

Make me laugh, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Make me laugh, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Tal tensión emotiva habita en cada escena y también gira alrededor de los otros elementos principales de la composición: las formas geométricas y los animales.

La geometría está siempre presente en las creaciones de Seven Moods, pero especialmente estas nuevas obras representan una selección de formas que le concede un cierto carácter a los escenarios. Maestros del pasado como Salvador Dalí han comentado, que la geometría es esencial y se tiene que seguir durante la composición la obra de uno; pero aquí, la geometría va incluso más allá; se convierte en los medios y el objeto de las piezas.

Las formas se utilizan no sólo para definir el espacio, pero sobre todo para la adquisición de nuevos significados, fluctuando en torno a las figuras y emanando toda esa belleza intrínseca que existe en la naturaleza, que demasiado a menudo es invisible al ojo humano. La tarea de los artistas es, por lo tanto, dejar que su belleza salga de las formas geométricas que organiza cuidadosamente en sus obras de arte.

Dorian, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Dorian, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Los animales, también, constituyen uno de los elementos principales de las composiciones. Ellos son el gran misterio, una fuerza iconográfica que posee también una cierta función esotérica. Estos animales, que crecen junto con las mujeres representadas, están fuertemente entrelazados con estas figuras femeninas y representan una clave para interpretar la pintura a la manera personal de cada uno.

La relación entre los animales y las niñas representadas es misteriosa, pero muy profundamente arraigada. La presencia de estos seres representa la terminación de la estructura de las piezas, que se hace eco de la misma integridad nata que existe entre los seres humanos y los animales. Por otra parte, la unión entre las mujeres y los animales se convierte en paralelo a la conexión establecida entre las figuras de las obras de arte y los espectadores.

Esta sensación de plenitud, la atmósfera misteriosa y la complicidad entre todos estos factores es lo que hace que estas obras destaquen como una excepcional nueva serie que puede hablar en silencio a los corazones de los espectadores. Al invitar a los espectadores a encontrar su propia interpretación de cada obra, el artista también les anima a pasar por una experiencia catártica y purificante, con el fin de escapar, aunque sólo sea por unos minutos, su realidad.

Texto sobre Seven Moods, de Alessandra Manzanatti

Rea, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Rea, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

 

Las estructuras anímicas de Rafa de Corral

Persistencia del vacío, de Rafa de Corral
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Hasta noviembre de 2015

¿A qué vacío se refiere Rafa de Corral cuando lo alude en una de las cuatro piezas inéditas que muestra en la galería Alba Cabrera? Para responder a esta pregunta, sin duda clave en su obra, se hace necesario desprenderse de la seguridad con la que habitualmente nos manejamos. Porque al hacerlo, descubrimos precisamente el lugar hacia el que los artistas (y Rafa de Corral lo es en alto grado) nos convocan. Lugar que no es otro que ese vacío aludido, en torno al cual los creadores van generando formas que hagan soportable la angustia de quien se arriesga a vivir próximo al caos.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Por eso Rafa de Corral combina en su obra estructuras pesadas que parecen unas veces flotar y otras alejarse de su condición sólida para evocar tumultuosos estados de ánimo. La firmeza y la fragilidad van dialogando en su obra, mostrando la tensión de la vida bajo múltiples formas. Todo empieza así: “Tengo sensaciones, veo formas y colores y los dibujo”, dice el artista. Diríase que del fondo oscuro, ése que algunas noches de infancia llegó a provocar la angustia de la que se nutre el vacío, van surgiendo esas formas y colores que, a base de inspiración y mucha transpiración, permiten alcanzar la plétora del sentido.

Rafa de Corral confiesa que a veces se pasa más de ocho horas seguidas intentando domesticar esas estructuras que parecen figuras. Porque la suya es una abstracción con los pies en el suelo, aunque sienta cómo cada vez más huye del referente. “Me impone mucho respeto la abstracción geométrica”, comenta. Esa sensación de perder pie, de alejarse por completo de la realidad, hasta caer en ese vacío que, no obstante, se muestra persistente en su obra. No sólo porque lo evoca una de sus últimas piezas (Persistencia del vacío), sino porque es su forma de trabajar.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

El vacío en la obra de Rafa de Corral se intuye en esas “estructuras con vida dentro”, según expresión del propio artista, que sin duda sirven de guía de su trabajo. Estructuras y formas que sin retorcerse, porque la línea nunca pierde su compostura, destilan una energía desbordante. Como si esas formas arquitectónicas, pesadas y firmes, perdieran precisamente su firmeza en medio de la nada. Como si la orgánica naturaleza del fondo mantuviera un pulso con esas formas próximas a derrumbarse, a pesar de su energía, de su mayestática presencia.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

“Yo lo veo como estados de ánimo, siempre bajo el signo de la dualidad, entre una parte orgánica y otra parte estructural; en lucha ambas partes”. Rafa de Corral dice trabajar con muchos bocetos previos, como si él mismo luchara por contener el vacío. Esto es, por dotarlo de contenido que amortigüe la angustia del fondo magmático, y por literalmente contenerlo a base de formas que casen con esa luz propiciada por el trabajo con los colores. “Trabajo por capas: del oscuro al claro”, dice. Y añade: “Trabajo con acrílico, pero la plasticidad me lo da el óleo”.

A base de una “luz escenográfica que genera inquietud”, Rafa de Corral va creando esas estructuras anímicas que recorren su obra en dirección a una cada vez más depurada realidad. Como si ese vacío persistente (“los títulos en mi obra son pistas, partes del cuadro”) le obligara a afinar su  propuesta con vistas a ceñirlo mejor. A reconocerse digno de la verdad que ese vacío encierra. Porque el vacío al que Rafa de Corral insiste en acercarse es, más que sinónimo de angustia, la posibilidad última de afrontarla sin miedo a perderse.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres

Nadine Byrne en ‘The Ritual Box’

The Ritual Box
Performance ‘Merge’, de Nadine Byrne
Espai Rambleta
Bulebar Sur. Valencia
Sábado 2 de mayo (2015), a las 20.30h

‘The Ritual Box’ o caja de rituales (sala de exposiciones) donde vivir experiencias en torno a la idea de ritual postmoderno, acoge el sábado 2 de mayo en Espai Rambleta la performance ‘Merge’ de las artista Nadine Byrne. El proyecto comisariato por Johanna Caplliure y José Luis Giner  tendrá con posterioridad otras citas similares dedicadas al artista estadounidense Ben Russell.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en The Ritual Box. Espai Rambleta.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Hace un par de años, cuando ambos comisarios empezaron su investigación, descubrieron que había una importante tendencia en la moda, diseño de objeto y en la música (principalmente en los videoclips de Lady Gaga, Beyonce o Madonna) en los que la profusión de símbolos de distintos cultos se mostraban desactivados de su poder ritual. Esta primera evidencia les sugirió la idea de ahondar en la investigación de las artes visuales y en la creación de artistas contemporáneos en torno a la pervivencia de los rituales.

De ahí nació ‘The Ritual Box’ en la que cada semana la experiencia es distinta y gira sobre las figuras de los artistas Javi Moreno (España), Pil&Galia (Israel/Londres), Nadine Byrne (Suecia) y Ben Russell (USA). Una experiencia nunca presentada en ningún ámbito artístico por su formato, duración y muestra.

Proyección de la obra de Pil&Galia en The Ritual Box. Cortesía de Espai Rambleta.

Proyección de la obra de Pil&Galia Kollectiv en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Algunas semanas proyectan trabajos de los artistas y presentan algunas de sus piezas musicales o audiovisuales. Y el resto son los artistas los que proceden a actuar. Mediante performance, videodjaying, coreografía, sesiones de música experimental… avanzan sobre las formas del ritual postmoderno.

Finalmente la sala está albergando algunos de los objetos utilizados en las performances por los artistas.

Performance de Nadine Byrne.

Performance de Nadine Byrne, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

 

Fidel Sáez y sus ciudades ilustradas

Ciudades invisibles, de Fidel Sáez
Hat Gallery
C / Dénia, 37. Valencia
Hasta el 16 de mayo

Dibujar una ciudad invisible puede llegar a convertirse en una Odisea para cualquiera que se lo proponga, pero en este caso, y de la mano de Fidel Sáez (arquitecto en Sanahuja&Partners), nos encontramos con una exposición que nos invita a recorrer lugares a los que solamente podríamos llegar a través de la literatura.

Es un viaje por las ciudades que Italo Calvino describió en su obra ‘Las Ciudades Invisibles’, en las cuales las palabras crean edificios y los versos se materializan en calles, donde tras cada esquina esperan el deseo, la muerte, la memoria y los símbolos, acechándonos para convertirse en parte fundamental de los relatos.

Imagen cortesía de Hat Gallery.

Imagen cortesía de Hat Gallery.

En el libro ‘Las Ciudades Invisibles’, de Italo Calvino, no se encuentran ciudades reconocibles. Son todas inventadas y cada una de ellas lleva un nombre de mujer; el libro consta de capítulos breves, cada uno de los cuales da origen a una ilustración y a una reflexión sobre la ciudad.

Por ejemplo, en el capítulo ‘Las ciudades y los signos’ dice: “La ciudad es redundante: se repite para que algo llegue a fijarse en la mente”. O en ‘Las ciudades y la memoria’: “Al hombre que cabalga largamente por tierras selváticas le acomete el deseo de una ciudad”.

“Pero la ciudad no dice su pasado, lo contiene como las líneas de una mano, escrito en los ángulos de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, surcado a su vez cada segmento por raspaduras, muescas, incisiones, cañonazos”.

De todo ello y más da cuenta la exposición que hasta el 16 de mayo acoge Hat Gallery en torno a la obra de Fidel Sáez ligada a esas ciudades invisibles de Calvino.

Obra de Fidel Sáez en la exposición 'Ciudades invisibles'. Imagen cortesía de Hat Gallery.

Obra de Fidel Sáez en la exposición ‘Ciudades invisibles’. Imagen cortesía de Hat Gallery.

 

Nuno Nunes-Ferreira. Tiempo arrasado

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles
Galería Paz y Comedias
Plaza Colegio del Patriarca, 5. Valencia

Símbolos arrasadores, tiempo arrasado

“Existe en todos los sentimientos humanos una flor primitiva, engendrada por un noble entusiasmo que no deja de menguar hasta que la dicha no es más que un recuerdo y la gloria una mentira (…)”[1].

El poder de la palabra es grande, puede que por eso los dictadores dediquen su empeño por igual a la censura que a la propaganda. Ambas son herramientas de fuerza destinadas a vencer y a convencer, a las que los dirigentes totalitarios destinan variados esfuerzos de representación en el espacio público, para construir una suerte de mitomanía icónica que los envuelva y legitime. “Un hombre con más razón que sus conciudadanos ya constituye una mayoría de uno (…)”[2], aunque seguramente esta lógica autoafirmativa de Thoreau sigue sin ser entendida en nuestro tiempo, pues el individuo tiende a buscar el refuerzo de la razón que otorga la masa, por equivocada que esta pudiera estar. Las sociedades han demostrado su debilidad por el poder arrasador de los símbolos, convertidos en elementos de arrastre colectivo con los que sintetizar ideologías e identidades por las que matar y morir. Con el paso del tiempo los lugares van quedando cubiertos por capas que componen cortes de memoria.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014, vista de sala. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014, vista de sala. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nuno Nunes-Ferreira (Lisboa, 1976) ha realizado una investigación acerca de los signos conmemorativos y de exaltación con los que la dictadura franquista cubrió los pueblos y ciudades del Estado español durante cuarenta años, tolerados otros treinta años más por el “régimen del 78”, hasta que en 2007 fue aprobada la conocida popularmente como Ley de Memoria Histórica, “por la que se reconocen y amplían derechos y se establecen medidas a favor de quienes padecieron persecución o violencia durante la guerra civil y la dictadura”. La controvertida retirada de la simbología y ornamentación franquista del espacio público activa en el artista la interrogación acerca de los procedimientos humanos de borrado de memoria. Hasta el momento, la democracia española no ha sido capaz de depurar ese episodio de la historia, anclándose en fórmulas de silencio institucional que encontraron su punto de ruptura con la aprobación de la mencionada ley.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014, detalle. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014, detalle. Cortesía Galería Paz y Comedias.

En su afán por perdurar en el tiempo, “(…) Franco no dudó en imitar las técnicas arquitectónicas de la Alemania de Hitler para glorificar su régimen”[3], haciendo uso de la piedra como fenómeno que garantizase la preservación de su memoria fosilizada. El artista recupera esos “Fósiles”, con los que elabora la narración de un modo de comunicación icónica que implícitamente ha influido en la configuración del modelo de sociedad que, llegados a este punto, pugna al borde de la asfixia por realizar una segunda transición.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nunes-Ferreira opta por el lienzo y la escultura para reproducir escudos y placas que exaltan el franquismo, pero también otros formatos de memoria repartidos por la geografía española que representan placas conmemorativas, que señalan el lugar de nacimiento de personajes ilustres o el nivel alcanzado por el agua a causa de catastróficas inundaciones o riadas sucedidas en Valencia. La acumulación de esos registros es el resultado de un exhaustivo trabajo de campo, que persigue poner de manifiesto la voluntad humana de pervivencia como práctica constante que se remonta a las distintas culturas y civilizaciones.

“La muerte es difícil de entender; el ser humano se resigna siempre de mala gana a hacerse una idea exacta de ella (…)”[4].

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014. Cortesía Galería Paz y Comedias.

Nuno Nunes-Ferreira. Fósiles, 2014. Cortesía Galería Paz y Comedias.

José Luis Pérez Pont


[1] BALZAC, Honoré. La obra maestra desconocida. Mondadori, Barcelona, 2013.
[2] THOREAU, Henry D. Desobediencia civil y otros escritos. Alianza, Madrid, 2005.
[3] SUDJIC, Deyan. La arquitectura del poder. Cómo los ricos y poderosos dan forma a nuestro mundo. Ariel, Barcelona, 2007.
[4] HOUELLEBECQ, Michel. Las partículas elementales. Anagrama, Barcelona, 1999.

Ariño, Palma Académica por el gobierno francés

Atonio Ariño, condecorado con la Orden de las Palmas Académicas
Ministerio de Cultura de Francia
Institut Français de València
C / Moro Zeit, 6. Valencia
Lunes 7 de julio de 2014

El vicerrector de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, Antonio Ariño, ha sido condecorado con la Orden de las Palmas Académicas por el Ministerio de Cultura francés, en un acto que tuvo lugar este pasado lunes (7 de julio) en la sede del Instituto Francés de Valencia (calle Moro Zeit, 6). Se trata de un reconocimiento a la colaboración de la institución académica valenciana con el Instituto Francés.

La condecoración del vicerrector Antonio Ariño, vicepresidente ejecutivo de la Fundació General de la Universitat de València, es la expresión del esfuerzo colectivo y en equipo, por parte de la Universitat, a través del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad, para acercar lo mejor de la cultura francesa tanto a la institución académica como a la sociedad, desde el compromiso con una cultura crítica e ilustrada.

Las Palmas Académicas son una condecoración civil francesa que creó Napoleón en 1808. En su origen, solo constituían un título honorífico reservado a la universidad (a los liceos), si bien ahora son una condecoración extendida a otros sectores del mundo docente.

La condecoración de Antonio Ariño constituye un reconocimiento del gobierno de la República francesa por el trabajo desarrollado, a través del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad, el cual ha permitido fortalecer lazos entre Francia y la Universitat de València.

El vicerrector recibió una medalla con dos olivos y una cinta de color violeta, símbolo de las Palmas Académicas. Estos árboles representan la autoridad, la fuerza, el honor y la dedicación, mientras que el color de la cinta se asocia al conocimiento y la sabiduría.

Antonio Ariño es catedrático de Sociología en la Facultat de Ciències Socials de la Universitat de València. Su investigación se centra en el ámbito de la Sociología de la Cultura, Políticas de Bienestar y Teoría Sociológica. Recibió el premio Nacional de Investigación con ‘La ciudad ritual’ (Anthropos). Actualmente, es director del Observatorio de la Participación y Condiciones de Vida de los Estudiantes Universitarios (ECoViPEU).

Fue director del Departamento de Sociología y Antropología Social (1997-2003), vicerrector de Estudios y Organización Académica (2003-1998), vicerrector de Convergencia Europea y Calidad (2006-2010), y vicerrector de Planificación e Igualdad (2010-2012). También fue vicepresidente de la Federación Española de Sociología.

 

Antonio Ariño, condecorado con la Orden de las Palmas Académicas por el Ministerio de Cultura francés. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Antonio Ariño, condecorado con la Orden de las Palmas Académicas por el Ministerio de Cultura francés. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Walden Contemporary, una galería sobre papel

Walden Contemporary
Juan Cuéllar
C / Denia, 74. Valencia
Inauguración: viernes 9 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 7 de junio

Walden Contemporary es un nuevo espacio ubicado en el barrio de Ruzafa que abre por primera vez sus puertas este viernes 9 de mayo, para dedicar su actividad a la exposición de obras de arte sobre papel y a la edición de obra gráfica. Dedicado a la difusión, exposición y edición de obras de arte sobre papel, Walden es una nueva propuesta que presenta la evolución de un material para realizar exposiciones de collages, esculturas, instalaciones, ilustraciones, libros, ambientaciones, e incluso híbridos entre nuevas tecnologías y otras manifestaciones artísticas.

'Father' de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary.

‘Father’ de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary.

Walden inaugura con una amplia muestra de dibujos del artista Juan Cuéllar (Valencia, 1967) que podrá contemplarse hasta el 7 de junio. Cuéllar es uno de los artistas valencianos con mayor proyección desde la década de los 90. Su obra ha girado siempre en torno a la imaginería popular, utilizando el mass media y el cine a través de la figuración, mostrando un especial interés en la década de los cincuenta, fecha que toma como principio y fin de la modernidad. Heredero de la estética pop valenciana, a lo largo de toda su trayectoria encontramos una depurada y minuciosa técnica, en donde tanto a través del trazo en el dibujo como en las tintas planas de la pintura ha evolucionado hacia una riqueza tonal muy sutil.

'To Walden' de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary

‘To Walden’ de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary

La muestra presenta principalmente la serie de dibujos titulada 1959 que realizó para la publicación homónima de la editorial Krausse. Bajo la esencia del grafito, Cuéllar nos transporta no sólo a una América que se despide de la década de los 50, sino también a un mundo repleto de símbolos que perfectamente podrían contextualizarse en nuestra época.

La narración entrelaza escenas de la vida cotidiana, el American way of life y unas historias que a través de un ritmo cinematográfico lento, propio del cine de mediados del siglo XX, describe el mundo de la mafia. Entre las obras expuestas podemos encontrar una serie de trabajos sobre el icono popular de Mickey Mouse; una suerte de personaje democrático que transita a lo largo de toda su producción. De igual modo, arquitecturas e interiores familiares americanos, así como el ahora abandonado Ariston Hotel diseñado en el año 1948 por el arquitecto húngaro Marcel Breuer, representante del Movimiento Moderno.

'Fredo and me' de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary

‘Fredo and me’ de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary

La obra de Juan Cuéllar se encuentra presente en numerosas colecciones y museos como el ARTIUM, IVAM, Academia de España en Roma, Fundación Coca Cola o el Museo Municipal de Madrid. Además ha participado en ferias nacionales e internacionales como ARCO, Scope Basilea y NY, Art Chicago y ArteLisboa, entre otras.

La propuesta expositiva se complementará con la edición de una obra en serigrafía extraída de la serie de dibujos que el artista llevó a cabo en un proyecto colectivo junto a otros colegas como Joel Mestre, Teresa Tomás o Roberto Mollá, inspirados precisamente en Walden, la obra de Henry David Thoreau. La edición de obra gráfica a precios asequibles es uno de los pilares fundamentales de este nuevo proyecto que hace del papel, de la obra de arte sobre papel, su razón de ser. Una apuesta clara y contundente por el soporte que distinguió a las vanguardias históricas del siglo XX.

'American woman' de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary

‘American woman’ de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de Walden Contemporary