‘Las amazonas’ expugnan Sagunt a Escena

‘Las amazonas’, de Magüi Mira
Sagunt a Escena
Teatro Romano de Sagunto
Viernes 17 y sábado 18 de agosto de 2018

El festival Sagunt a Escena continúa este fin de semana con uno de los platos fuertes de su programación, ‘Las amazonas’, que se verá en el Teatro Romano de Sagunto los días 17 y 18 de agosto de 2018.

‘Las amazonas’ ha sido dirigida y adaptada por Magüi Mira, a partir de la obra ‘Pentesilea’, de Von Kleist, y está interpretada por Silvia Abascal, Loles León, Maxi Iglesias, Xabi Murua, Antonio Hortelano, Olivia Molina, Laura Pamplona y Karina Garantivá, y un coro de diez amazonas. El espectáculo cuenta también con la coreografía de Yoshua Cienfuegos y el vestuario de Lorenzo Caprile.

La actriz Silvia Abascal protagoniza 'Las amazonas', de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

La actriz Silvia Abascal protagoniza ‘Las amazonas’, de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Estos personajes, las amazonas, han sido fuente de inspiración desde la ‘Ilíada’ de Homero hasta nuestros días. Nos sigue apasionando el mito fascinante de mujeres guerreras que se rebelan ante el abuso físico de los hombres.

Esas mujeres se hartaron de ser botín de guerra, decidieron vivir sin hombres y llegaron a amputarse para dejar de ser el sexo débil. Se quitaban un pecho para poder manejarse mejor con el arco. Cazaban a los hombres y los sometían. Los obligaban a procrear y, si parían una niña, se la quedaban; si era un niño, lo pasaban a cuchillo.

De entre las duras guerreras aparece Pentesilea, que transgrede el orden de la comunidad al enamorarse de Aquiles, lo que enciende la pasión y desata la tragedia.

Un instante de la representación de 'Las amazonas', de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘Las amazonas’, de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

El gran acierto de la versión del mito de las amazonas que nos ofrece Magüi Mira es su mirada crítica sobre esa perversión lógica que puede llevar a entender que la liberación femenina pasa por la asimilación de los comportamientos y valores masculinos.

Superado el romanticismo de la ‘Pentesilea’, de Von Kleis, la directora ha metido sus dedos y su inteligencia en las profundidades de la mujer enamorada para lanzar un grito de guerra; un grito descarnado contra el amor que destruye, que se convierte en sangre derramada, que siempre provoca víctimas. Así, muestra cómo el amor puede ser un veneno, algo posesivo y destructor.

El espectáculo viene de ser representado en el Festival de Mérida, donde ha cosechado un gran éxito.

La próxima representación del festival será, dentro de la programación Off Romà, la función ‘Classe’, de Guillermo Calderón, adaptada y dirigida por Xavier Puchades, que se podrá ver en el Centro Cultural Mario Monreal el miércoles 22 de agosto a las 20.30 horas.

Un instante de la representación de 'Las amazonas', de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘Las amazonas’, de Magüi Mira. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

 

Las escénicas delicias del Bosco en Sagunt a Escena

‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard
Sagunt a Escena
Teatro Romano de Sagunto
Jueves 9 de agosto de 2018 a las 22:30

Sagunt a Escena continúa su programación con un espectáculo de la mejor danza internacional, ‘El jardín de las delicias’, creación de la coreógrafa canadiense Marie Chouinard para su compañía, realizada en coproducción con la Jheronimus Bosch 500 Foundation de Holanda, con motivo del quinto centenario de la muerte del pintor.

La propuesta está dividida en tres actos: ‘El jardín de las delicias’, ‘Infierno’ y ‘Paraíso’, inspirada en el famoso tríptico del Bosco, la misma división de la obra expuesta en el Museo del Prado. Chouinard no ha querido reproducir las mismas escenas en la coreografía, pero se postulan algunas imágenes que nos recuerdan a las del cuadro.

La coreógrafa afirma que “no ha intentado representar la obra original”, pero los que acudan al espectáculo presenciarán un “reflejo” del cuadro, en tanto que no se ha concebido de un modo independiente del concepto original de Jerónimo Bosco, desarrollándose en simbiosis conceptual con la ínclita obra del pintor oriundo del extinto Dudaco de Brabante. En cuanto a la forma de llevarlo a escena el espectáculo está formada por gestos sencillos de los bailarines que se dejan llevar por la posición de sus cuerpos.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

La reputación internacional de esta compañía, fundada en 1990, tiene sus raíces en la primera creación de Chouinard en 1978, un solo titulado ‘Cristalización’. Este trabajo demostró inmediatamente su originalidad e integridad y fue seguido por medio centenar de trabajos que incluían espectáculos de acción, trabajos vocales, instalaciones y películas, en las que perfeccionó su interés por la investigación formal y los misterios del cuerpo humano en todos sus aspectos.

De 1978 a 1990, Marie Chouinard actuó sola en el escenario, viajando alrededor del mundo, absorbiendo varias culturas, técnicas y filosofías, que transformaría en un lenguaje personal con una resonancia universal. Desde entonces la coreógrafa explora la poética del cuerpo en directas, inteligibles y siempre sorprendentes maneras. Cada pieza es una odisea a través de la historia de la humanidad, mientras evita la cronología o la linealidad de una narrativa.

Con un trabajo despojado de su desnuda esencia se consigue un efecto teatral casi operístico, los elementos del arte vivo son traídos a un primer plano a través de varias técnicas de composición y puesta en escena. Aunque sus obras puedan ser percibidas como provocadoras, son senderos hacia la libertad y la compasión, donde el humor es posible.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Además de directora de su compañía, Marie Chouinard es presidenta fundadora del Premio de la Danza de Montreal, artista de danza asociada del Centro nacional de Artes de Canadá y directora de danza de la Bienal de Venecia.

Desde su fundación en 1990, la Compañía Marie Chouinard ha actuado por todo el mundo y coproduce sus creaciones con socios como la Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional ImPulsTanz (Viena), el Théâtre de la Ville (París), el Festival TransAmériques (Montreal) y el Centro Nacional de Artes (Ottawa). La compañía tiene un gran repertorio de trabajos y la mayoría sigue representándose a nivel internacional. ‘La Consagración de la Primavera’ ha sido representada durante más de 25 años y se ha convertido en un clásico en la historia de la danza contemporánea.

Los trabajos de la coreógrafa también aparecen en los repertorios de grandes compañías de ballet como el Ballet Nacional de Canadá, São Paulo Companhia dance, Ballets de Monte-Carlo, el Göteborgs Operan y el Gulbenkian Ballet. Además, desde 2015, Marie Chouinard ha creado trabajos para otras compañías, como la Martha Graham Dance Company y los Ballets de Montecarlo.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

 

Yo, Calígula

Calígula, de Albert Camus
Traducción: Borja Sitjà
Dramaturgia y dirección: Mario Gas
Sagunt a Escena
Viernes 18 y sábado 19 de agosto de 2017

Demente, depravado, cruel, tiránico, incestuoso…La mala reputación de Calígula es tan compacta como un bloque de granito sin una grieta o resquicio ni a la bondad ni a la virtud. Pasó a la historia sobre un pedestal de vicios y perversidades que lo encumbran como uno de los gobernantes más nefastos de la antigua Roma junto a Tiberio o Nerón. En gran parte por méritos propios pero también por la tergiversación de historiadores como Suetonio que en su obra ‘Vida de los doce césares’ acentuó los rasgos más negativos de su personalidad para complacer a sus mecenas, Trajano y Adriano, enemigos acérrimos del dueño del veloz semental  Incitato.

Pero Calígula era algo más que un tirano colérico y caprichoso propenso a hacer correr la sangre de sus súbditos. Detrás del monstruo se ocultaba un hombre lleno de contradicciones y debilidades que Camus exhumó en los años cuarenta en una pieza dramática que llega este fin de semana (18 y 19 de agosto) al Teatro Romano de Sagunto en un montaje de Mario Gas protagonizado por el actor catalán Pablo Derqui con una puesta en escena nada historicista, sin togas pero sí con coronas de laurel, de Paco Azorín.

Calígula. Imagen cortesía de Focus Teatro

Calígula. Imagen cortesía de Focus Teatro

Tanto Azorín como Derqui subrayan las afinidades entre el emperador romano y el actual presidente de Estados Unidos. «La arbitrariedad de sus decisiones, la simplicidad de sus mensajes, la pobreza de sus planteamientos, lo caprichoso de sus deseos y lo arcaico de su agresividad recuerdan mucho a Donald Trump», declaró Azorín en una entrevista de El Cultural.

Por su parte, Derqui considera que el magnate americano es «una extraña mezcla de Calígula y Enrique IV de Castilla», en referencia al hermanastro de Isabel la Católica, un rey pusilánime y dubitativo que él mismo encarnó en la primera parte de la serie Isabel. El intérprete confiesa que nada de su personaje le repugna. «Si bien es atroz en sus acciones, lleva en su interior una gran angustia y desasosiego. Cuando uno pretende acercarse a un personaje y vestirse de él, debe tratar de quererle, de comprenderle. Los actores somos fingidores profesionales. Preparamos, durante meses, un disfraz que luego mostramos en público. Más que contaminarnos, nos encariñamos de él. En este caso, bajo la dirección de Mario Gas nos interesaba mucho más la humanidad de Calígula, su sensibilidad. La extrema lucidez del que asume el dolor humano. Ese era el punto que creíamos que hacía brillar mejor al personaje, a la obra. Así creíamos también que lo entendió el autor».

Calígula, de Mario Gas. Imagen cortesía de Focus Teatro

Calígula, de Mario Gas. Imagen cortesía de Focus Teatro

Junto a ‘El extranjero’ y ‘El mito de Sísifo’, ‘Calígula’ forma parte de lo que Camus denominó ‘trilogía del absurdo’ que culminó bajo el influjo de los horrores de la II Guerra Mundial que dejaron a la Humanidad huérfana de ideales, al borde del abismo. De ahí la angustia existencial y el nihilismo que destila un texto construido en torno al personaje atormentado, el poderoso emperador incapaz de ser feliz. «La de Calígula es la historia de un suicidio superior», escribió Camus. «Es la historia del más humano y más trágico de los errores. Infiel a los seres humanos a causa de su excesiva lealtad a sí mismo, Calígula consiente en morir después de darse cuenta de que no puede salvarse solo y que nadie puede ser libre en contra de otros». ¡Nada, siempre nada!, estalla con su último aliento cuando los conjurados le dan muerte.

Estrenada con gran éxito el pasado 12 de julio en el Teatro Romano de Mérida, Calígula recrea en su escenografía la racionalista arquitectura del fascismo italiano. En concreto la fachada del Palazzo della Civilttà del Lavoro en Roma máximo exponente de ese estilo propiciado por el Duce. «Mussolini rescató la iconografía del imperio romano para ornamentar su régimen, pero nosotros no hacemos historicismo ni documentalismo del fascismo», dice Azorín. «Tampoco utilizamos togas como sugirió el propio Camus, aunque en España, cuando se ha montado esta obra, casi siempre se ha recurrido a ellas». Completan el reparto: Borja Espinosa, Mónica López, Bernat Quintana, Xavi Ripoll, Pep Ferrer, Pep Molina, Anabel Moreno y Ricardo Moya.

Calígula, de Mario Gas. Imagen cortesía de Focus Teatro

Calígula, de Mario Gas. Imagen cortesía de Focus Teatro

Bel Carrasco

Hamlet ‘físico’

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro Laboratorio
Sagunt a Escèna
Teatre Romà de Sagunt (Valencia)
Sábado 12 de agosto de 2017

Al igual que las fronteras entre géneros se desvanecen en la literatura contemporánea, las artes escénicas borran los límites que separan sus distintas manifestaciones: teatro, danza, mimo, circo, magia… Un ejemplo muy patente de ese eclecticismo es la compañía sevillana Sennsa Teatro Laboratorio (International Physical Theatre Research Company) que presenta el 12 de agosto en Sagunt a Escena ‘Dead Hamlet’ una de las versiones más rompedoras de la tragedia de Shakespeare. Dirigida por José Manuel Mudarra, con una década de trayectoria y numerosos premios, está compuesta por artistas multidisciplinares que, dando protagonismo al cuerpo y al componente físico, componen  versátiles y contundentes montajes. Espectáculos impactantes como su versión de ‘Las bacantes’ de Eurípides alabada por la crítica.

Sennsa (de sensaciones) Teatro rompe las fronteras entre el texto y la expresión gestual, entre las palabras y el movimiento sobre el principio de que el cuerpo ha estado siempre presente en la historia del teatro. Ha hecho versiones para teatro físico de Sófocles, Eurípides, Ionesco, Shakespeare, Valle-Inclán, Lorca, Heiner Miller y otros autores. ‘Dead Hamlet¡  es una versión libre de la tragedia de Shakespeare que toma como referencia sus valores éticos y artísticos para expresarlos, metafóricamente, en un lenguaje escénico físico y poético.

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

«Nuestra versión es muy física y pasional, en la que los signos dramáticos están impregnados del lenguaje propio de la compañía que se caracteriza por la energía. Un teatro de la energía, de la fuerza, de la pasión», dice Mudarra. «Un lenguaje rebosante de signos escénicos creados por el trabajo de los actores y por las imágenes que proponemos. Hoy Hamlet nos habla y los temas de la obra están plenamente vigentes, como la corrupción, el abuso de poder, la mentira, la hipocresía religiosa, el desamor, la duda, las decisiones propias, la muerte. La cuestión esencial y vital de ser o no ser. ¿Cómo no expresar todo ello hoy en día con pasión, con desgarro y con dolor cuando el mundo sigue girando en medio de tanta injusticia?»

Uno de los elementos más impactantes de este montaje es el vestuario de la prestigiosa figurinista Carmen de Giles, que  colabora con Sennsa desde hace varios años. También ha diseñado el vestuario de La Cuadra de Salvador Távora, Atalaya y otros grandes creadores obteniendo multitud de premios como el Max. «Tenemos con ella una relación muy intensa y cercana», dice Mudarra. «Es brillante, muy honesta y comprometida en lo profesional y personal. El vestuario que ha creado, junto a Flores de Giles, para ‘Dead Hamlet’ es absolutamente maravilloso. Para nosotros es un honor contar con su trabajo, pues hace crecer el nuestro de manera impresionante. Nuestro lenguaje escénico, donde el símbolo y la metáfora adquieren tanto valor destaca mucho más gracias al trabajo de Carmen de Giles. Además, compartimos  su misma filosofía de trabajo, pues como ella sentencia: No todo vale, porque todo importa».

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

La formación de los componentes del grupo es variada y muy completa tanto en interpretación como en canto, danza, acrobacia, etcétera. «La trayectoria individual de cada artista, su propio currículo de trabajo, y la que hemos ido ampliando juntos se ha enriquecido con experiencias compartidas. Además, el entrenamiento de la compañía, que dura unas ocho horas al día favorece esta riqueza expresiva y técnica. Nuestro training diario se compone de ejercicios y dinámicas físicas, técnicas y creativas de distintas tradiciones y  disciplinas. Y también contamos con un Laboratorio propio por donde pasan grandes profesionales de la docencia que practican con nosotros y donde formamos a otros en estas técnicas. Todo ello ha configurado un elenco de amplia formación y experiencia», concluye Mudarra.

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

Dead Hamlet, de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de Sagunt a Escèna.

Bel Carrasco

La voz de las vencidas

Troyanas, de Carme Portaceli
Sagunt a Escena
Teatre Romà de Sagunt (Valencia)
Jueves 3 y viernes 4 de agosto de 2017

Dar voz a las mujeres de los pueblos vencidos a lo largo de las innumerables guerras de la historia. Expresar sus lamentos y también su resistencia ante las pérdidas y el dolor. La plena vigencia de los clásicos se muestra en la pieza ‘Troyanas’, dirigida por la valenciana Carme Portaceli y protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón, Ernesto Alterio, Maggie Civantos, Alba Flores, Gabriela Flores, Miriam Iscla y Pepa López. Tras su estreno en el Grec y Mérida con gran éxito se representa el 3 y 4 de agosto en Sagunt a Escena sobre una versión de Alberto Conejero de la obra de Eurípides.

“En Troyanas damos voz a todas esas mujeres míticas que los ganadores se repartieron después de la guerra de Troya como un botín, decidiendo impunemente sobre su vida y su futuro”, dice Portaceli. “Les pedimos que se expliquen, porque, además de sufrir un trato violento e injusto,  pasaron a la Historia como si ellas hubieran elegido su destino con gusto y placer, o con maldad.  Queremos darles la oportunidad de que nos expliquen qué pasó de verdad, qué sintieron. Y después de haberlas escuchado, tendremos, finalmente, la oportunidad de juzgarlas».

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesia de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesia de Sagunt a Escena.

La obra comienza tras el saqueo de Troya, cuando los vencedores están a punto de partir y las troyanas están siendo sorteadas. Hécuba muestra la desesperación de los vencidos y pregunta por el destino de cada troyana que no puede ser otro que ser malcasada con uno de los vencedores. Casandra, Helena, Andrómaca, Hécuba, Políxena, Clitemnestra, Ifigenia, Hermione, las mujeres del pueblo aterrorizadas ante el destino que les aguarda. Y Taltibio, el pobre mensajero que recibió las órdenes y el dolor que producían.

Es la tercera vez que Portaceli dirige en el Teatro Romano. Muy joven presentó un Shakespeare y el año pasado estuvo con ‘Només són dones’,  ganadora este año de dos Max, a la Mejor Dirección (la segunda vez en 20 años que lo recibe una mujer) y al Mejor Espectáculo.  Entre sus proyectos para la próxima temporada,  ‘Frankenstein’ un montaje del Teatre Nacional de Catalunya (TNC), versión de la novela de Mary Shelley de Guillem Morales y ella misma, y una zarzuela estreno mundial, ‘Policías y ladrones’, de Alvaro del Amo con música de Tomás Marco.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Tras más de sesenta montajes a su espalda Portaceli reconoce que “cada obra es un reto especial, como si nunca hubieras hecho otra en la vida, casi como si fuera la primera vez. En este caso era un reto complicado cómo transmitir el texto de forma directa al corazón, transmitiendo la actualidad que tiene hoy, dejando salir únicamente la esencia y, a la vez, crear un escenario lleno de imágenes que representen el mundo en el que vivimos”.

De Sánchez-Gijón, con quien ya ha trabajado en otras ocasiones, destaca que “es una gran actriz, una mujer que ha dedicado su vida entera a esta profesión arriesgándose cada momento, tirándose de cabeza a cualquier lenguaje nuevo, llena de sentido común, de vida y de inteligencia. Me encanta trabajar con ella. Tiene una especie de bicho en el pecho que ves cómo sale y piensas: ahí está.

La escenografía de Paco Azorín se inspira en imágenes de ciudades sirias como Alepo o Hula asoladas por la guerra, ¿Qué es lo que no ha cambiado desde tiempos de Troya? “El trato a las mujeres como botín de guerra, como esclavas sexuales, las violaciones masivas, etcétera, son cosas que, desgraciadamente, siguen existiendo”. responde Portaceli. “Hoy se sabe aunque no se hace mucho eco de ello. Pero ya hay muchas voces que se levantan contra esto y muchas mujeres que hablan de la injusticia y la ilegalidad de este comportamiento indeseable. Hoy hablamos de los refugiados, pero nadie nombra siquiera que las mujeres sirias están sufriendo violaciones y violencia en este éxodo vergonzoso que vemos cada día, como si ese fuera un problema menor ante el hambre de los niños, la injusticia hacia un pueblo desgraciado que tiene que huir de su país. ¡Las mujeres y las niñas no pueden ni ir al baño por la noche en los campos de refugiados! Hay mujeres a las que queman vivas por no querer tener sexo con los yihadistas y no se dice en las noticias”.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Del cúmulo de discriminaciones y vejaciones que todavía sufre la mujer los que más le irritan  son los que tienen que ver con los abusos sexuales, “esas actitudes en las que, después de sufrir la violencia, siempre queda en el aire la pregunta de si ella quería, si le apetecía. También me irrita lo enfadados que están algunos señores porque salgamos a los espacios públicos, que nos digan qué tenemos que hacer, por qué tenemos que luchar, de qué manera,  para poder acercarnos a la ‘verdad’”.

Que las mujeres también vayan a la guerra como soldados y pilotos le  parece “una película de ciencia a ficción”. “Todo el mundo puede hacerlo todo pero hay cosas que no valen la pena para nadie, ni hombres ni mujeres. De todas maneras, creo que la presencia de mujeres en el mundo de los hombres siempre es buena porque, por una cuestión de educación, podemos ayudar a humanizar las cosas, a ponernos en el lugar del otro, a mirar un poco más a largo plazo, a imprimir otra escala de valores que creo que harían más feliz a los seres humanos. Y eso también limará el exceso de testosterona, que como ya hemos visto no tiene consecuencias muy positivas”, concluye la directora valenciana.

Carme Portaceli

Carme Portaceli. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Clásicos y héroes

Sagunt a Escena
Teatro Romano de Sagunto y otros espacios
Del 18 de julio al 8 de septiembre de 2017

La ciudad que se ganó a sangre y fuego la reputación de heroica se llena este verano de clásicos, de héroes y de antihéroes, lema de la 34 edición del festival que cubre los meses más cálidos del año. “Estamos en un momento en el que deberíamos reflexionar cómo creamos a nuestros héroes y antihéroes”, dice Juan Vicente Martínez Luciano, director del evento. “Y los clásicos nos ayudan a pensar en ello. Nuestro propósito es mostrarlos con nuevos lenguajes escénicos”.

Con un sustancioso cóctel de grandes figuras que incluye a Carme Portaceli, Aitana Sánchez Gijón, Silvia Pérez Cruz, Mario Gas, Joan Amèric o Ximo Tébar, entre otros artistas, Sagunt a Escena ofrece más de 50 días repletos de propuestas, 32 espectáculos de teatro, danza, música y circo, entre el 18 de julio y el 8 de septiembre. Con una trayectoria consolidada en torno al relato, el festival aspira, en palabras de su director, “a ser más que un escaparate de grandes espectáculos y generar conocimientos y reflexión”. Mérida, Almagro o el Grec son los ejemplos a seguir.

Escena de Sukei a Naima. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Escena de Sukei a Naima. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Se inició con una serie de piezas protagonizadas por mujeres. De Sukei a Naima, coproducción del Institut Valenciá de Cultura y La Dependent, un texto de la dramaturga alcoyana Gemma Miralles, dirigido por Cristina Lügstenmann, que  profundiza en la pérdida de la identidad y la cultura de los moriscos tras su expulsión y aborda diversas temáticas relacionadas con las migraciones, los desplazados, la integración y el perdón.   Siguió Silvia Pérez Cruz, Vestida de nit, y el ballet Man Ray inspirado en el fotógrafo surrealista, que fue también bailarín, y su relación con sus  modelos. Como muestra de espectáculos fronterizos entre el teatro, la danza y otras disciplinas, Amazonas de la compañía Andanzas, dirigida por Juana Casado, que se presenta con carácter de estreno absoluto el 26 de julio.

Tras un intervalo musical, la Jove Orquestra de la Generalitat  y el flamenco de  Israel Galván, La Fiesta, llega a principios de agosto el plato fuerte del menú: Troyanas, Calígula, Dead Hamlet y Tao Dance Theatre con 6 y 7 máximo exponente de la danza minimalista.

Troyanas. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Troyanas. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Víctimas y verdugos

Las mujeres no iban a luchar pero el destino que esperaba a las del pueblo vencido era incluso peor que el de los hombres. Convertidas en botín de guerra, las derrotadas acababan sometidas y ultrajadas como esclavas sexuales. El grito de las troyanas viaja a través de los siglos hasta la ciudad siria de Alepo en el montaje dirigido por la valenciana Carme Portaceli y protagonizado por Aitana Sánchez-Gijón en el papel de Hécuba, que se estrenó en Mérida y estará en Sagunto el 3 y 4 de agosto.

Con escenografía de Paco Azorín inspirada en una dramática imagen de Hula, otra ciudad siria arrasada por la guerra, y sobre un texto de Alberto Conejero, la pieza da voz a esas mujeres vencidas que claman por sus hijos, maridos y padres muertos. Sobre su dolor se alza la fortaleza de Hécuba que las insta a la resistencia dándoles un aliento de esperanza.

Cartel de Calígula. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Cartel de Calígula. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

El Calígula nihilista de Albert Camus dirigido por Mario Gas y protagonizado por Pablo Derqui es otro peso pesado del festival, el 18 y 19 de agosto. Camus se inspiró en la compilación de biografías de Suetonio, Vida de los doce césares, pero sin cargar las tintas en la figura del emperador famoso por su locura y depravación. Su texto ahonda en el absurdo existencial, la enajenación metafísica, el sufrimiento y la lógica del poder. Tras la muerte de su hermana y amante, Drusila, el caprichoso tirano somete a sus súbditos a una serie de aterradoras demostraciones de lo que él considera su verdad absoluta.

Dead Hamlet. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Dead Hamlet. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Entre ambos títulos, el 12 de agosto, aterriza una vistosa versión libre de Hamlet para teatro físico y danza a cargo de Sennse Teatro Laboratorio, Dead Hamlet. Ataviados con un impresionante vestuario, los intérpretes encarnan la venganza, la traición, la hipocresía, la locura…Son fantasmas en una oscura pesadilla en la que todos están muertos o agonizando, pero anhelando una vida auténtica.

Tao Dance Theatre. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Tao Dance Theatre. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Como muestra de espectáculos internacionales, la mencionada danza china de Tao Dance Theatre y el estreno de la ópera La Brecha (3 de septiembre), una apuesta por la internacionalización que se quiere consolidar en futuras ediciones. Dirigida por Paco Azorín, esta ópera cuenta  con patrocinios públicos y privados de  relevancia como la del Parlamento Europeo o la Fundación Hulencourt.

Bel Carrasco

Sagunt a Escena arranca haciendo equilibrios

Circant, de la compañía Cuncurulla
Sagunt a Escena
Centre Cívic del Port de Sagunt
C / Doctor Fleming, 2. Port de Sagunt (València)
Martes 18 de julio, 2017, a las 20.30h

El festival Sagunt a Escena comienza el martes 18 de julio con un espectáculo gratuito dirigido a todos los públicos: ‘Circant’ un espectáculo de circo, música y equilibrios de la compañía Cuncurulla patrocinado por Saggas. Con la cultura mediterránea como telón de fondo. Tres personajes –Maria Camats, Jaume Declós y Laura Morales- se necesitan, se rechazan, se ayudan y se unen mediante el sonido y la música, bailando entre fronteras reales e imaginarias.

El espectáculo comenzará a las 20.30 horas en el Centre Cívic del Port de Sagunt y forma parte de los 15 espectáculos que componen el Off Romà, de los que 12 son gratuitos. El Off Romà incluye teatro de calle, teatro gestual, música, danza, circo y arte con arena en diferentes puntos de Sagunto.

Escena de 'De Sukei a Naima'. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

De Sukei a Naima. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

A parte de la subida al castillo, la Glorieta y el Centro Cívico del Puerto de Sagunto, este año el Off Romano dobla espacios de programación con la incorporación de la Casa de los Berenguer, el Antiguo Casino del Puerto de Sagunto y el Centro Cultural Mario Monreal que tendrá una programación en valenciano con las obras ‘Hamlet canalla’, ‘Odisseu’ y ‘El verí del teatre’.

La programación en el Teatro Romano de Sagunto se inaugurará el miércoles 19 de julio con la coproducción del Teatre del Poble Valencià con la compañía La Dependent titulada ‘De Sukei a Naima’, de la dramaturga alcoyana Gemma Miralles, dirigida por Cristina Lügstenmann.

La programación en el Romano contará con grandes títulos como ‘Troyanas’, que se estrena el 18 de julio en el Festival de Mérida, dirigido por Carme Portaceli y protagonizado por Aitana Sánchez-Gijón y Ernesto Alterio; ‘Calígula’ de Albert Camus dirigida por Mario Gas que ha obtenido grades elogios de la prensa desde su estreno en Mérida la semana pasada; y una nueva versión de la obra de Calderón de la Barca ‘La vida es sueño’ de Teatro del Temple con música en directo.

Tao Dance Theatre. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Tao Dance Theatre. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Sagunt a Escena cuenta con dos espectáculos internacionales en el Teatro Romano, la danza china de Tao Dance Theatre y el estreno de la ópera ‘La Brecha’, dirigida por Paco Azorín, que ha contado con patrocinios públicos y privados de la relevancia del Parlamento Europeo o la Fundación Hulencourt. Contará también con estrenos como ‘Man Ray’, una coproducción de Taiat Dansa con el Institut Valencià de Cultura y el Festival GREC y otros espectáculos de danza como el último espectáculo de Israel Galván ‘La Fiesta’ y el flamenco de la compañía Marea Danza con el espectáculo ‘Relieves del mito a la danza’.

Veremos espectáculos fronterizos entre el teatro, la danza y otras disciplinas como ‘Amazonas’ de la compañía Andanzas, que se presenta con carácter de estreno absoluto, el 26 de julio, dirigida por Juana Casado, o ‘Dead Hamlet’, de Sennsa Teatro Laboratorio, que se verá el 12 de agosto una versión libre del Hamlet de Shakespeare dirigida por M. Mudarra.

La música estará también presente con voces como las de Silvia Pérez Cruz, Joan Amèric, Ximo Tébar y la Jove Orquestra de la Generalitat. Más de 50 días llenos de propuestas comprendidas en 32 espectáculos de teatro, danza, música y circo. Empezará el 18 de julio y finalizará el 8 de septiembre con artistas como Sílvia Pérez Cruz, Israel Galván, Aitana Sánchez Gijón, Ernesto Alterio, Carmen Portaceli, Mario Gas Joan Amèric o Ximo Tébar.

Cuncurulla. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Cuncurulla. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Héroes y antihéroes en Sagunt a Escena

XXXIV Festival Sagunt a Escena
‘Héroes y antihéroes’
Del 19 de julio al 3 de septiembre de 2017

La XXXIV edición del Festival Sagunt a Escena se celebrará este año entre el 19 de julio y el 3 de septiembre y, aunque el programa definitivo no está cerrado todavía, desde la dirección artística del Festival confirman que uno de los platos fuertes será el concierto ‘Vestida de nit’, de Silvia Pérez Cruz.

Asimismo, y entre otros espectáculos de danza, el Festival presentará a la compañía china Tao Dance Theatre, en una de las dos únicas actuaciones que realizará este año en España, así como el nuevo espectáculo, ‘Fiesta’, del reconocido Israel Galván, referente del baile flamenco actual.

Por lo que se refiere a las representaciones teatrales, los ‘héroes y antihéroes’, lema en torno al cual gira la presente edición del Festival, aparecerán en los montajes de ‘Las Troyanas’, de Carmen Portaceli -con Aitana Sánchez Gijón y Ernesto Alterio, entre otros intérpretes-, y en ‘Calígula’, dirigido por Mario Gas, espectáculos ambos que visitarán el Teatro Romano en agosto.

Además, el Off-Romà, parte fundamental del Festival incluirá, como ya hizo en la edición anterior, distintos espacios urbanos que permitirán acoger una veintena de espectáculos de música, teatro y danza.

Sagunt a Escena 2016

Sagunt a Escena 2016

Broche de oro de Sagunt a Escena

La Valencia Big Band & Pedro Iturralde
Sagunt a Escena 2016
Teatro Romano de Sagunto (Valencia)
Sábado 10 de septiembre 2016, a las 22.30h

La noche y la música se funden para clausurar el festival Sagunt a Escena 2016 con el concierto de La Valencia Big Band & Pedro Iturralde que tendrá lugar el sábado 10 de septiembre, a partir de las 22.30 en el Teatro Romano.

La Valencia Big Band actuando en la Filmoteca d'estiu.

La Valencia Big Band actuando en la Filmoteca d’estiu.

La Valencia Big Band es una formación de 18 músicos profesionales del panorama del jazz valenciano compuesta por: cinco saxos (Pepe Caballer, José Luis Granell, José Morillo, Pascual Trenco, Paco Alcaina), cuatro trompetas (José Antonio Panzuela, Toni Tornero, Manolo Díaz, Toni Porcel), cuatro trombones (Elías Zanón, José Miguel Ramírez, Juan Andrés González, Félix García), piano (Mario Fiero), contrabajos (Pep Oriola y Richi Ferrer) bajo, batería (Pascual Monleón), guitarra (Josep Tallada), percusión latina (Manel Chust) y voz (Eva Romero).

Cartel del concierto de La Valencia Big Band & Pedro Iturralde que cierra Sagunt a Escena 2016.

Cartel del concierto de La Valencia Big Band & Pedro Iturralde que cierra Sagunt a Escena 2016.

Además, La valencia Big Band este año tiene el privilegio de acompañar a uno de los iconos del jazz nacional e internacional como es el saxofonista y compositor Pedro Iturralde. Es el único español, junto con Tete Montoliu, incluido en el Diccionario de Jazz de Larousse. Durante el concierto serán interpretadas composiciones suyas para gran orquesta de jazz como: “Recordando a Turina” o “Elegy” y también tocará algunos temas propuestas por la Big Band como “We’ll be toguether again” y “Almost like being in love”.

Para este concierto también se ha contado de nuevo con una de las voces de jazz femeninas más solicitadas en el país con un amplio curriculum en el mundo del jazz, Eva Romero, que nos deleitará con varias canciones.

Pedro Iturralde se inició muy pronto en los estudios musicales, de modo que debutó como saxofonista con 9 años de edad. Su formación autodidacta incluye saxofón, clarinete, piano y guitarra, aunque más tarde también comenzó con el violín.

A los 18 años realizó una gira por el extranjero y a su regreso a España decidió obtener el título superior de Saxofón, examinándose, en un año, de la carrera completa en el Conservatorio Superior de Madrid (1964). Después formó el “Pedro Iturralde Quartet”.

Con 20 años compuso “La pequeña Czarda”, para saxofón y piano acompañante. Más adelante publicó versiones de dicha obra para cuarteto de saxos y de clarinetes, quinteto de viento, orquesta de cuerda y banda sinfónica.

El saxofonista Pedro Iturralde cierra junto a La Valencia Big Band el Sagunt a Escena 2016.

El saxofonista Pedro Iturralde cierra junto a La Valencia Big Band el Sagunt a Escena 2016.

 

“Valencia lleva décadas fuera del circuito teatral”

Cinco años de la Sala Russafa
Balance del cumpleaños
Julio de 2016

La Sala Russafa de Valencia acaba de cumplir cinco años. Un cumpleaños feliz si tenemos en cuenta la dura travesía realizada, justamente durante el periodo de mayor azote de la crisis económica, pero en ningún caso complaciente. “No podemos ser triunfalistas. La situación ha remontado un poquito, pero después de años de película de miedo”, comenta Juan Carlos Garés, director del Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques que nació en octubre de 2011 de la mano de Arden Producciones, que Garés comparte con Chema Cardeña y David Campillos.

Su voluntad inicial de “desafiar a los malos tiempos”, según reconocieron aquel año de salida, se ha satisfecho con creces. Han luchado contra el cierre “en varias ocasiones”, merced a su “espíritu vocacional” y a lo que han dado en llamar “cultura de resistencia”. Y ahora, con la perspectiva que da el tiempo, se afirman en una sola cosa: su reivindicación de la cultura de base que quieren exportar, por seguir a Celaya, como un arma cargada de futuro.

Alicia, de Thomas Noone Dance. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Alicia, de Thomas Noone Dance. Imagen cortesía de Sala Russafa.

“Hay que incentivar al público y trasvasarlo de unas salas a otras”

Y, en ese futuro, Garés apuesta por la coordinación de programaciones culturales entre las diferentes salas de Valencia. Va incluso más allá, advirtiendo de la necesidad de una política cultural interterritorial. “Cada espacio tiene su propio estilo, pero nosotros creemos que se puede incentivar al público y trasvasarlo de unas salas a otras mediante promociones conjuntas, como carnets con descuentos si acudes a distintos espacios a ver diferentes espectáculos”, explica Garés, quien aboga por una “sentada” entre responsables teatrales: “Creemos que saldría ganando todo el mundo”.

Las producciones valencianas han ido creciendo de forma progresiva en su sala de teatro, cuya ocupación media es de 105 espectadores para un espacio con 178 butacas. Eso refleja, según Garés, que hay muchas funciones que están llenas, “pero otras son minoritarias”. Y aquí es donde pone el acento: “Hay excelentes trabajos de tamaño medio y pequeño, como los nuestros cuando vamos de gira, que no pasan por Valencia porque nadie apuesta por ellos”. Con esa política de coordinación cultural, se podría traer a esas compañías ofreciendo diversos espacios donde actuar, abaratando costes e incrementando las oportunidades de exhibición.

Moby Dick, de Marta Alonso, en Sala Russafa.

Moby Dick, de Marta Alonso, en Sala Russafa.

“Programar trabajos arriesgados obliga a intensificar la promoción, porque si no pasan desapercibidos”

Sala Russafa lo viene haciendo desde el principio, a pesar del riesgo que supone: “No podemos dejar de hacerlo porque creemos en la calidad de esos trabajos, pero lo cierto es que nos obliga a intensificar la promoción y publicidad, porque si no pasa desapercibido”. En este sentido, Garés asume que están cumpliendo la función del teatro público. De ahí que insista en la necesidad de crear una política cultural común, entre salas privadas y públicas, tanto de una misma ciudad como vinculada con otros municipios de Alicante y Castellón, con el fin de reducir costes y facilitar la exhibición de los espectáculos. En su caso, ya tienen programadas otras seis compañías nacionales para el próximo otoño.

Esto es algo que ya han empezado a hacer el Festival Tercera Setmana, cuya primera edición se celebró el pasado mes de junio en Valencia, y Sagunt a Escena: coproducciones y coordinación con otros festivales de teatro. “Hacia principios de los 90, la Feria de Julio cogía espectáculos importantes, de manera que Valencia se convertía en ciudad de paso dentro de esas giras teatrales, pero eso dejó de existir y Tercera Setmana nace en cierto modo para tomar ese relevo, al igual que Sagunt a Escena”. A este respecto, Garés se muestra contundente: “Valencia lleva décadas excluida de los grandes circuitos teatrales”. Y quien dice Valencia dice la Comunidad Valenciana en su conjunto.

Esa inercia de vivir al margen de los grandes festivales tipo Mérida o el Grec de Barcelona penaliza a las grandes producciones del teatro valenciano. Pero si volvemos a las medianas y pequeñas, otro tanto de lo mismo. “Nosotros planteamos crear nuevos públicos para los pequeños grandes trabajos, haciendo paquetes con otros municipios y conexiones interterritoriales”, subraya Garés. Para ello, “los programadores culturales son el puente”, de manera que se puedan hacer “estrenos a dos o tres bandas” que animen a las compañías.

Imagen de los últimos premiados por la Sala Russafa.

Imagen de los últimos premiados por la Sala Russafa.

“Seguimos echando de menos a nuestros dirigentes en las salas de teatro”

Como anima Garés a los dirigentes políticos a consumir cultura. “La mejor promoción de la cultura es que nuestros dirigentes la consuman; que además de a las ruedas de prensa, vengan al teatro”. Y en esto se muestra crítico: “Seguimos echándoles de menos en nuestras salas teatrales”. Al igual que se echa de menos la cultura en los debates electorales y en los programas de los partidos. En el Acord del Botànic, sin ir más lejos, no hay una sola línea dedicada a la cultura. “Sí, lo triste es que sigue estando excluida de sus programas”.

En ese contexto de abulia cultural, Garés reconoce que no queda otra: “Vamos a tener que seguir reivindicando el teatro de base”, porque a su juicio “Shakespeare, por citar un ejemplo, abre la mente de las personas”. Cultura de base por la que el nuevo equipo de gobierno parece haber mostrado un mayor interés: “Ahora sí, al menos de palabra, falta que lo pongan en práctica”. Y puestos a poner en práctica, no estaría de más tampoco la aprobación tantas veces postergada de una ley de mecenazgo y la rebaja del sangrante IVA cultural.

“Todos los teatros hemos sufrido y tenido que absorber los sucesivos machaques financieros”, lamenta Garés. Aunque atisba cierta mejoría: “El síndrome del bolsillo vacío parece haber remitido”. Él, por si acaso, sigue apelando a la “cultura de la resistencia” y al “espíritu vocacional” para seguir dando alas a su apuesta por la coordinación entre salas y entre espacios de otros municipios. Ahí parece estar escondida el “arma carga de futuro” que para Juan Carlos Garés y la Sala Russafa sigue siento el teatro.

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De izquierda a derecha, Juan Carlos Garés, Chema Cardeña y David Campillos, responsables de la Sala Russafa. Fotografía: Juan Terol.

De izquierda a derecha, Juan Carlos Garés, Chema Cardeña y David Campillos, responsables de la Sala Russafa. Fotografía: Juan Terol.

Salva Torres