Primeras seis autoras del Laboratorio de Dramaturgia Insula

Laboratorio de Dramaturgia Insula Dramataria Josep Lluís Sirera 2018
Primera promoción
Institut Valencià de Cultura
Miércoles 12 de diciembre de 2018

El Institut Valencià de Cultura ha presentado la publicación de las obras de las seis autoras de la primera promoción del Laboratorio de Dramaturgia Insula Dramataria Josep Lluís Sirera 2018, que ha editado el Centro de Documentación del Institut Valencià de Cultura. Las obras son ‘Tórtola’, de Begoña Tena; ‘L’orquestra del silenci’, de Maribel Bayona; ‘Los que comen tierra’, de Mafalda Bellido; ‘Cor de xiquet’, de Laura Sanchis; ‘El farol de Mandinga’, de María Cárdenas, y ‘Tiempo de argán y naranjas’, de Antonia Bueno.

Todas ellas han coincidido en la complicidad que se ha creado entre todos durante el proceso gracias a la generosidad de cada uno de sus compañeros y en el “placer que ha supuesto poder escribir con total libertad desde el interior de cada una de nosotras”. Asimismo, han agradecido el apoyo del IVC a la dramaturgia.

El objetivo de este laboratorio, que ha creado el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, Roberto García, es potenciar la dramaturgia viva valenciana y estimular la escritura teatral que genera unas condiciones dignas de trabajo a través de reuniones conjuntas, contacto con otros profesionales escénicos, lecturas dramatizadas de las obras escritas, así como la publicación y, finalmente, la producción y la exhibición de alguno de los textos.

Estas publicaciones estarán disponibles en la librería LLIG de la Generalitat, así como en otras librerías especializadas, con el objetivo de hacer perdurar estas obras, así como dar a conocer al público y especialmente a los profesionales de artes escénicas los textos teatrales de autores valencianos. Ha coordinado esta primera promoción Paco Zarzoso, prestigioso dramaturgo valenciano de trayectoria reconocida, tanto dentro como fuera de nuestro territorio.

Él será el encargado de coordinar la segunda promoción del Laboratorio de Dramaturgia Insula Dramataria Josep Lluís Sirera, de la que se ha hecho público el nombre de sus componentes para la edición de 2019: Jorge Picó y Alfonso Amador, Javier Sahuquillo, Toni Agustí, Sònia Alejo, Isabel Caballero y Jéssica Martínez.

En esta segunda convocatoria se han presentado 41 proyectos. Para hacer la selección final se ha tenido en cuenta la valoración de las seis autoras de la primera edición, la del coordinador del laboratorio, Paco Zarzoso, y un informe externo especializado que ha aportado Victoria Szpunberg, autora teatral con una sólida trayectoria y actual profesora de Dramaturgia del Institut del Teatre de Barcelona.

Ganadores del Laboratorio

Ganadores del Laboratorio de Dramaturgia Insula Dramataria Josep Lluís Sirera 2018.

#Identidad para la nueva temporada del IVC

Avance de programación 2018-2019 de los teatros Principal y Rialto de València

El Institut Valencià de Cultura (IVC) ha presentado el avance de la programación de artes escénicas para la temporada 2018-2019 en el teatro Principal y en el teatro Rialto de València, bajo el lema #Identidad. Al acto han asistido el director general del IVC, Abel Guarinos, y el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, Roberto García.

El director general del Institut Valencià de Cultura, Abel Guarinos, ha explicado que “con el lema #Identidad queremos dar un paso adelante después del cambio de filosofía que ha significado la temporada 17-18 respecto de las temporadas pasadas. Profundizamos en la apuesta por la coherencia de la programación y por una marca pública de calidad. De este modo, esta temporada 18-19 busca la identidad de los teatros Rialto y Principal de València, es decir, busca singularizar las salas y ponerlas en valor”.

“Además, la producción propia reflexionará sobre las múltiples caras de este concepto de identidad: la identidad de barrio, la identidad digital, la identidad europea, la identidad emocional, la identidad cultural o la identidad de clase”, ha concluido Guarinos.

El Teatro Rialto se convierte esta temporada en un centro que programará producciones propias. Un proyecto que supone un cambio de paradigma trascendental y que tendrá el objetivo de conectarse con la sociedad, gracias al Plan de desarrollo de audiencias ‘Habitamos el teatro’.

El Teatro Principal, por su parte, se ratifica como un centro de exhibición de referencia en artes escénicas por la calidad de sus propuestas y donde se estrenarán también producciones de gran formato. Una nueva programación que lleva el lema “Un TEATRO PRINCIPALmente para ti”.

Como señala el director adjunto de Artes Escénicas, Roberto García, “tenemos como objetivo fundamental esta temporada la captación y la fidelización de públicos para conseguir el acceso de toda la sociedad a nuestra actividad cultural y, especialmente, del público joven que, en estos momentos, se siente alejado de la oferta cultural general”.

Asimismo, desde el IVC se continúa trabajando para fomentar la creación e impulsar las industrias escénicas. La apuesta por la producción propia se duplica en la temporada 2018-2019 y pasamos de 4 a 9 producciones propias de teatro y de 1 a 3 producciones de danza.

Esta temporada también significa la recuperación de los Premios de las Artes Escénicas Valencianas, con los que el IVC quiere reconocer el trabajo y la excelencia de los profesionales valencianos. La gala de entrega será retransmitida por À Punt televisión y, a partir de septiembre, se darán detalles de esta.

Teatro Principal de València

Según Roberto García: “El Teatro Principal tendrá una programación de lujo con algunos de los nombres de referencia de las artes escénicas en el ámbito valenciano, estatal e internacional”.

Un instante de la representación de 'Cronología de las bestias', protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

La temporada empezará con el estreno mundial de ‘Santos, i ara què’, creación de Ximo Solano, un homenaje al genial pianista, compositor, pintor, escultor y ‘performer’ de Vinaròs Carles Santos y a su obra. En octubre se podrá ver ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi, una comedia negra de suspense que reflexiona sobre la mentira.

‘Antígona’, coproducción del IVC con la Compañía Ferroviaria de Elche, estrenada en Sagunt a Escena, se podrá disfrutar durante el mes de noviembre. Una versión libre inspirada en el clásico de Sófocles con las posibilidades que ofrecen los nuevos lenguajes expresivos. El mejor teatro balear llegará a finales de noviembre con dos producciones del Teatro Principal de Mallorca: ‘La nit de Catalina Homar’ y ‘Les darreres paraules’, que giran alrededor del personaje del archiduque Lluís Salvador. Para acabar noviembre asistiremos al estreno de la producción del IVC ‘Sorra blava’, de Alejandro Tortajada y Laura Sanchís, proyecto ganador de la convocatoria abierta “Cinc elevat a cinc”. En diciembre se programará el último espectáculo del actor Alberto San Juan, ‘Mundo obrero’, producida por Teatro del Barrio y Teatro Español, una obra sobre la lucha obrera que alcanza desde finales del siglo XIX hasta los nuestros días. En Navidad se repondrá ‘Tic-Tac’, la producción propia premiada como mejor espectáculo musical en la última edición de los Premios MAX de artes escénicas. Después será el turno de la deliciosa comedia ‘La valentía’, la última obra del prestigioso dramaturgo Alfredo Sanzol.

‘El preu’, un texto de uno de los más grandes dramaturgos del siglo XX, Arthur Miller, se podrá ver en el Principal el mes de febrero. Pere Arquillué y Ramón Madaula interpretan, bajo la dirección de Sílvia Munt, a dos hermanos que se reencuentran en el desván de la casa familiar después de 16 años sin hablarse. Igualmente, el mes de febrero estará dedicado a un ciclo de espectáculos internacionales. Se podrán ver el circo de la compañía francesa The Rata Pack con ‘Speakeasy’, obra que recrea en el escenario los bares clandestinos que surgieron en Estados Unidos durante la ley seca, y el teatro físico de la compañía británica Ghecko, con ‘Missing’.

El musical vuelve en marzo de la mano de la compañía Dagoll Dagom, que hacía 13 años que no pasaba por València, con su último espectáculo,‘Maremar’, una adaptación de ‘Pericles, príncep de Tiro’, de William Shakespeare, con música inspirada en la obra de Lluís Llach.

Recreación escénica de los etílicos sótanos clandestinos durante la ley seca, en ‘Speakeasy’, de The Rata Pack.

Recreación escénica de los etílicos sótanos clandestinos durante la ley seca, en ‘Speakeasy’, de The Rata Pack.

La programación se completa con tres estrenos mundiales que llenarán el teatro Principal hasta el final de la temporada. Se trata de ‘El Muro’, de la compañía valenciana La Teta Calva, creación de Maria Cárdenas y Xavo Giménez con música de Carles Chiner; la nueva producción de danza del IVC, dirigida por la prestigiosa coreógrafa alcoyana Sol Picó, y una coproducción del IVC, la Diputació de València y el Festival Griego de Barcelona, escrita y dirigida por Jordi Casanovas, sobre el cambio de ciclo histórico que se inició el año 92, con el declive de la Ruta del Bakalao, los crímenes de Alcàsser y una nueva manera de hacer política tan personal como irresponsable. Un espectáculo que lleva por título ‘Valenciana (la realitat no és suficient)’.

Teatro Rialto

“El Teatro Rialto estrena su nuevo proyecto «Habitamos el Rialto», que tiene como objetivo crear una comunidad de espectadores y espectadoras vinculada de manera profunda a los procesos de creación y exhibición de las producciones propias. Un plan de desarrollo de audiencias destinado a la captación y la fidelización de nuevos públicos, especialmente los espectadores y espectadoras jóvenes”, ha explicado Roberto García.

El Teatro Rialto trabajará con una red de institutos de Secundaria que colaborarán con este nuevo proyecto. Se trabajará conjuntamente con el alumnado y el profesorado para desarrollar experiencias físicas y emocionales con los montajes que pasarán por la sala.

De esta manera, participarán en las obras asistiendo a los ensayos, llevando los equipos artísticos a los centros, organizando coloquios, elaborando los programas de mano, creando un club de espectadores, convirtiéndose en reporteros de los procesos, trabajando con profesionales para aprender a crear contenidos y a usar las herramientas digitales. Con todo eso aprenderán a entender y a amar a las artes escénicas. En definitiva, conseguir que el alumnado se sienta cocreador y corresponsable, y así construir espectadores activos, críticos y no estandarizados.

Imagen del cartel de la obra '‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, realizado por la artista Po Poy.

Imagen del cartel de la obra ‘‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, realizado por la artista Po Poy.

También se crearán sinergias con otras instituciones como la Universitat de València, el Institut Valencià de la Juventut y las escuelas de arte dramático para implicar a todas estas comunidades en el proyecto del Teatro Rialto. Todo relacionado a una apuesta sin precedentes por la producción propia.

La temporada en el Rialto empezará con la coproducción ‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, un espectáculo que nace de las conversaciones con los vecinos y vecinas del barrio del Cabañal y que reflexionará sobre la identidad de barrio. Noviembre será el mes de la obra ‘Alexandria’, de Guadalupe Sáez y Mertxe Aguilar, un espectáculo sobre la identidad digital que mezcla teatro, música y videomapping, y que nos habla de cómo la huella digital que dejamos en manos de las grandes corporaciones y las redes sociales han cambiado radicalmente nuestra identidad y la manera de relacionarnos.

En diciembre podremos disfrutar de ‘Faust’, de Arturo Sánchez Velasco y Jaume Policarpo, una revisión del clásico de Goethe desde una óptica contemporánea y con una seductora estética que mezcla actores con títeres de tamaño natural y una escenografía cautivadora, que reflexionará sobre la identidad europea.

La danza será la protagonista en enero con ‘Més a prop’, de Noèlia Liñana, un montaje que tiene el objetivo de acercar la danza al público adolescente y joven a través del reconocimiento y la identificación de las emociones. El gran clásico valenciano y universal ‘Tirant lo Blanch’, de Joanot Martorell, sube al escenario los meses de febrero y marzo con una coproducción del IVC con la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El espectáculo, llamado ‘Tirant’, escrito y dirigido por Paula Llorens y Eva Zapico, planteará una nueva y sorprendente versión que mezcla la palabra y el teatro físico para hablar de identidad cultural.

‘Tot explota’, creación de Carla Chillida, es la propuesta para los meses de marzo y abril. Un espectáculo comprometido socialmente que nos habla de identidad de clase en los tiempos actuales y de las nuevas y sutiles maneras de explotación de las personas. La última producción del IVC en mayo será ‘Tórtola’, texto de Begoña Tena, nacida en el primer Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’ Josep Lluís Sirera, que será dirigida por Rafa Calatayud.

Además, el Rialto continuará como una de las sedes del festival Danza València durante el mes de abril y, ya para cerrar la temporada, se podrán ver las lecturas dramatizadas de textos del segundo Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’.

Un instante de la representación de 'Cronología de las bestias', protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

 

 

Esos drones que nos sobrevuelan

En Tierra, de Sigfrid Monleón e Isabelle Stoffel
Teatro Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 27 de abril al 6 de mayo de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta el espectáculo ‘En Tierra’ (Grounded), dirigido por Sigfrid Monleón e Isabelle Stoffel (recién nominada a los Premios Mihura) que también protagoniza la obra. Según Roberto García, director adjunto de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura, “es una obra de éxito internacional, de George Brant, con elementos plenos de modernidad de la mano de un director valenciano de prestigio como es Sigfrid Monleón y una interpretación poderosa de Isabelle Stoffel».

Un texto interesante e imprescindible que aún no se ha estrenado en España, aunque desde su estreno en el festival de Edimburgo en 2013 ya ha sido representado en medio mundo, desde Etiopía hasta Broadway con Anne Hathaway.

Escena de 'En Tierra'. Imagen cortesía del IVC.

Escena de ‘En Tierra’. Imagen cortesía del IVC.

En la obra, un embarazo imprevisto termina con la carrera en el aire de la piloto de caza. Ahora vuela drones teledirigidos. De día vigila a terroristas a 8.000 km de distancia y mata a golpe de botón. De noche vuelve a casa a cenar con su marido y a jugar con su hija. Pero cada día le resulta más difícil distinguir entre su vida cotidiana y el trabajo, entre el desierto de Nevada y el de Afganistán.

Ganadora del Smith Prize de teatro político, está concebida como un poema épico contemporáneo, la obra aborda desde una perspectiva de género las implicaciones destructivas, morales y éticas, de la moderna guerra de drones y su papel, como instrumento de poder, en la sociedad de la vigilancia.

Sigfrid Monleón, Isabelle Stofel y Roberto García. Imagen cortesía del IVC.

De izda a dcha, Sigfrid Monleón, Isabelle Stoffel y Roberto García. Imagen cortesía del IVC.

Isabelle Stoffel (actriz, versión y codirección) crea la compañía Recycled Illusions en colaboración con artistas de diferentes disciplinas y lugares. Actúa en teatros de Suiza, Alemania, Bélgica y España, en películas de Gonzalo López-Gallego, Carlos Iglesias, Sigfrid Monleón y Jonás Trueba. Escribe e interpreta la adaptación teatral de las memorias de Toni Bentley, ‘La rendición’. También actúa en ‘Invernadero’, dirigida por M. Gas y Festen, dirigida por M. Mira. En Basilea ha dirigido ‘Jimmy, criatura de un sueño’, ‘Paseo por los recuerdos’ y ‘Eco en la frontera’.

Sigfrid Monleón (director) ha dirigido los filmes ‘La isla del holandés’ (2001), ‘La bicicleta’ (2006) y ‘El cónsul de Sodoma’ (2010), el telefilme ‘Síndrome laboral’ (2004) y los documentales ‘Karlitos’ (2004), ‘El último truco’ (2009), ‘Ciudadano Negrín’ (2011) y ‘Cántico’ (2017). Su última película, ‘El pintor de calaveras’, inauguró el festival de Las Palmas el pasado 6 de abril. En 2012 debuta en el teatro con la dirección de ‘La rendición’. En teatro también ha dirigido ‘Un cielo’ (Jean Genet), ‘Suite Nupcial’ (Carlos Iglesias) y ‘Teatro’ (Mariano Peyrou).

Isabelle Stoffel en 'En Tierra'. Imagen cortesía del IVC.

Isabelle Stoffel en ‘En Tierra’. Imagen cortesía del IVC.

Maestros de la palabra

Ligeros de lenguaje, de Gerardo Esteve (1-4 febrero)
La estancia, de Chema Cardeña (8-11)
Ultramarinos, de Paco Zarzoso (15-18)
Teatro Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 1 al 18 de febrero de 2018

Autores muy diferentes y en cierta forma complementarios que forman parte del boom de la dramaturgia valenciana de los años noventa, se mantienen en activo y han formados sus propias compañías. Es el denominador común de los que integran el ciclo ‘Maestros de la palabra’, organizado por Instituto Valenciano de Cultura (IVC). A lo largo de este mes el Teatro Rialto ofrecerá tres obras: ‘Ligeros de lenguaje’ de Gerardo Esteve, ‘La Estancia’ de Chema Cardeña y ‘Ultramarinos’ de Paco Zarzoso.

Ligeros de lenguaje, de Gerardo Esteve, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

Ligeros de lenguaje, de Gerardo Esteve, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

Abrió el ciclo ‘Ligeros de lenguaje’, un texto escrito y dirigido por Gerardo Esteve y representado por él mismo junto con Miguel Ángel Montilla, de la compañía Esteve y Montilla. Este  artefacto teatral es fruto del encuentro de Esteve y Montilla, ‘dos pájaros de cuidado’, que comparten escenario en un espectáculo donde el lenguaje, el humor, la poética y el juego son los instrumentos para transmitir la emoción al espectador. Esteve sorprende otra vez al público con su humor latente que aflora en función de la actitud del espectador. Una vez más indaga en el lenguaje, pues en sus espectáculos no existe una historia convencional con planteamiento, nudo y desenlace, sino que es el lenguaje mismo quien genera la teatralidad, a través de giros coloquiales y un estilo propio que apela a la inteligencia del espectador.

La estancia, de Chema Cardeña, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

La estancia, de Chema Cardeña, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

El siguiente montaje, del 8 al 11 de febrero, es uno de los primeros textos de Chema Cardeña, ‘La Estancia’ dirigido por Jesús Castejón, producido por la compañía de Salvador Collado y protagonizada por Javier Collado y José Manuel Seda. Esta obra recibió el Premio de la crítica valenciana y el de la Asociación de espectadores de Alicante (AITA) al mejor texto. En el marco de la Inglaterra isabelina y, a través de la especial relación entre Shakespeare y Marlowe, Cardeña plantea el tema de la identidad personal, del otro, del espejo, del fingimiento y la impostura, de la ambición, la traición y el deseo. También de las reglas del arte, de sus limitaciones, de la imposibilidad de decir la verdad.

Ultramarinos, de Paco Zarzoso, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

Ultramarinos, de Paco Zarzoso, en el Teatro Rialto. Imagen cortesía del IVC.

El tercer y último espectáculo, del 15 al 18 de febrero, es ‘Ultramarinos’ un texto escrito y dirigido por Paco Zarzoso para su compañía habitual Húngara de Teatro, interpretado por Pep Ricart, Lola López y Miguel Lázaro. Un padre y una hija peregrinan por los pueblos del interior de la España de los años cincuenta con una carpa en la que ofrecen un espectáculo que trata del mar y sus maravillas. En uno de sus destinos, cuyos habitantes nunca han visto el mar, la existencia de esos dos personajes registra un gran cambio tras conocer a un vendedor ambulante que se aloja en su misma pensión.

De izda a dcha y de arriba abajo, Gerardo Esteve, Roberto García, Paco Zarzoso y Chema Cardeña. Imagen cortesía del IVC.

De izda a dcha y de arriba abajo, Gerardo Esteve, Roberto García, Paco Zarzoso y Chema Cardeña. Imagen cortesía del IVC.

Bel Carrasco

Nace el Aula d’Arts Escèniques

Aula d’Arts Escèniques
Universitat de València
Martes 6 de junio de 2017

La Universitat de València ha presentado la nueva Aula d’Arts Escèniques. Si hasta ahora, la Universitat ha ofrecido una programación teatral semanal por la que fue distinguida con el Premi Micalet de Teatre de la Generalitat Valenciana a través del Aula de Teatre en 1998, a partir de ahora el Aula de Arts Escèniques amplía la oferta con programación regular de danza y desde la vertiente formativa mediante talleres, cursos y seminarios.

En el ámbito formativo, el Aula d’Arts Escèniques se ha materializado gracias en parte a la colaboración del Institut Valencià de Cultura, que cederá parte de sus instalaciones en el edificio Rialto para acoger las clases de danza para el alumnado de la Universitat. La presentación del Aula se celebró en la Sala Gonzalo Montiel del Centre Cultural La Nau en una rueda de prensa con las intervenciones del vicerrector de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, Antonio Ariño; Laura Monrós directora del Aula de Artes Escénicas de la Universitat y Roberto García, dirección adjunta de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura.

Con plena voluntad de trabajar en el mundo de la danza de manera continuada y de dar a conocer la danza no solo como un arte y un espectáculo, sino también como un medio de crecimiento, surge esta nueva área de danza de la Universitat.

La actividad del Aula d’Arts Escèniques se estructura en talleres impartidos por maestros y coreógrafos profesionales -para los próximos dos años Yoshua Cienfuegos y Maynor Chaves-, que además de impartir danza al alumnado de la Universitat de València, profundizarán en cuestiones más técnicas como la creación de espectáculos, producción y gestión de artes escénicas, creación de vestuario, escenografía, dramaturgia de danza… En este punto, el área de danza colaborará con alumnos de otros departamentos de la Universitat y otras escuelas en estas disciplinas, como la ESAD, la Escuela de Diseño o el Conservatorio Superior de Música de Valencia.

Aparte de los talleres y las muestras, el Àrea de Dansa promocionará la danza en la Universitat más allá de la vertiente formativa, ya sea a través de charlas, conferencias, programación de espectáculos de danza y video-danza en la Sala Matilde Salvador de la Nau abiertas para todos los públicos.

Tanto Antonio Ariño como Roberto García se felicitaron por que la Universitat haya dado el paso de constituir una sección de danza propia, porque si bien la institución ya programaba espectáculos y apoyaba festivales, estimular la creatividad artística es una de las funciones insoslayables de las universidades, que son también, según recordó el vicerrector “laboratorios de innovación cultural además de estimular la razón crítica y la divulgación científica”. “La apuesta por la danza se convierte en una actuación para crear ciudadanos sensibles, además de críticos, otra de las grandes misiones de la Universidad”, añadió García.

De izda a dcha, Maynor Chaves, Antonio Ariño, Roberto García, Laura Monrós y Yoshua Cienfuegos, en el claustro de La Nau. Imagen cortesía de la Universitat de València.

De izda a dcha, Maynor Chaves, Antonio Ariño, Roberto García, Laura Monrós y Yoshua Cienfuegos, en el claustro de La Nau. Imagen cortesía de la Universitat de València.

El Rialto, como espacio de danza

La colaboración con el Institut Valencià de Cultura se formalizó este martes 6 de junio, por la que desde la Dirección Adjunta de Artes Escénicas se ha establecido que se cede un aula del edificio del Rialto, para la realización de las clases de danza del Aula d’Arts Escèniques de la Universitat en horario de 18 a 20 horas, los martes y los jueves, del 17 de octubre de 2017 hasta mayo de 2018.

De acuerdo con Laura Monrós, el objetivo es incorporar la danza en la Universitat como hay de otras disciplines artísticas (teatro y música) entre el alumnado de la institución. La proximidad del edificio Rialto y el Centre Cultural de la Nau de la Universitat de València es de vital importancia para el buen desarrollo del trabajo y el surgimiento de sinergias entre los dos organismos.

El fandango de Marx con banda sinfónica

El fandango de Marx, de Patrícia Pardo
Teatre Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 26 al 30 de abril de 2017

“Es una de las creadoras escénicas contemporáneas más singulares y con voz más poderosa”, destacó Roberto García, director adjunto de Artes Escénicas del Institut Valencià de Cultura (IVC). Se refería a Patrícia Pardo, premio a la Mejor Interpretación en el Festival Internacional Cumbre de las Américas (2012), que dice de sí misma: “Trabajo una media de 10 horas diarias, soy más obrera que un descampado de los 80” y, por si fuera poco, señala haber “dormido, comido y actuado en más países que Ringo Starr pero solo reconozco València como mi casa”.

Y es en su casa de Valencia donde celebra ahora los diez años de su compañía con el montaje en el Teatre Rialto de ‘El fandango de Marx’. Un fandango más musical que nunca puesto que contará con la colaboración de la Banda Sinfónica de la Unió Musical d’Alaquàs dirigida por Enric Parreño. Un total de 30 músicos por función que, como dijo el propio director, “sobredimensionará el aspecto sonoro de la obra”. Música tradicional valenciana (cant d’estill, jotas, malagueñas y fandangos) interpretada en escena por Begoña Tena.

El fandango de Marx, de Patrícia Pardo. Imagen cortesía de la compañía.

El fandango de Marx, de Patrícia Pardo. Fotografía de Jorge Bellver por cortesía de la compañía.

‘El fandango de Marx’, que estará en el Rialto del 26 al 30 de abril, combina el teatro, el circo y la música para poner el acento en una serie de temas que parecen tristemente renovarse cada cierto tiempo. “Es una obra coral con cuatro personajes en torno a la migración y la desigualdad”, explicó Pardo, quien también subrayó el carácter de “homenaje a nuestros padres”. Un homenaje que pasa por mostrar las contradicciones de aquellos que lucharon por una serie de valores, ahora olvidados. “Esa mirada utópica que ellos defendieron se ha vuelto ahora más conservadora”, apuntó la artista.

Mezclando la gestualidad del clown, la acrobacia circense, las caídas, accidentes y guantazos típicos del slapstick, Patrícia Pardo conjuga la seriedad del discurso de fondo con lo que ella denomina diálogos o monólogos-delirio más de superficie. Por ejemplo, estos extraídos del dossier del espectáculo: “De esos conozco yo una familia entera que era tan pobre, tan pobre, que comía carne cuando se mordía la lengua. ¿Y aquellos que cuando pasa el camión de la basura, piden dos bolsas?” Por eso, preguntada por el título del montaje, subrayó la combinación del fandango con ambos Marx, el marxista Karl y los alocados Hermanos Marx.

El fandango de Marx, de Patrícia Pardo. Fotografía de Jorge Bellver por cortesía de la compañía.

El fandango de Marx, de Patrícia Pardo. Fotografía de Jorge Bellver por cortesía de la compañía.

El dramaturgo Josep Lluís Sirera se hizo eco de ambas tendencias marxistas en la obra de Pardo, aludiendo al “fantasma que un día Marx (Karl) lanzó a recorrer el mundo”, junto a los “momentos también en que la crisis moral, social, económica y política que nos azota nos transporta a un mundo surrealista como la Libertonia de Marx (Groucho)”. El fandango que Patrícia Pardo propone se halla atravesado por esa mezcla de humor corrosivo y rabia expandida por el resquebrajamiento del discurso utópico venido a menos.

Será la primera vez que la artista valenciana actúe en el Rialto cuando, además de los diez años como compañía, ella celebra otros diez más como profesional de las artes escénicas. “Me gustaría que no fuera anecdótico y que se hiciera un plan sobre qué artistas y propuestas se deben fomentar en los espacios públicos”. Marga Landete, directora adjunta de Música y Cultura Popular del IVC, abundó en ello: “Las propuestas han de tener un por qué y evitar así las ocurrencias”. “Venimos de tiempos muy oscuros y el discurso de Patrícia ancla con el discurso que queremos transmitir ahora nosotros”, agregó García.

Para Enric Parreño, su colaboración en el montaje era un “reto muy ilusionante”, puesto que permitía ampliar la imagen de las bandas municipales y dar a conocer sus enormes posibilidades dentro del mundo de la cultura. “Es una ocasión ideal para sumar nuevos públicos en un solo espacio”, señaló la artista, encantada con esa fusión de música tradicional popular y teatro contemporáneo. “No es una transversalidad porque sí, un simple postureo”, apuntó Landete, sino que lo que cuenta “es la chicha del contenido”, apostilló García. Y ‘El fandango de Marx’ lo tiene, ahora subido de tono musical.

Patrícia Pardo en 'El fandango de Marx'. Fotografía de Jorge Bellver por cortesía de la compañía.

Patrícia Pardo en ‘El fandango de Marx’. Fotografía de Jorge Bellver por cortesía de la compañía.

Salva Torres

Hongaresa: dos décadas de perseverancia escénica

‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’ (editorial Episkenion)
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, Valencia
Presentación: martes 27 de septiembre, a las 19h

La Companyia Hongaresa de Teatre cumplió en 2015 dos décadas de existencia. Dos décadas durante las que el colectivo teatral, creado por Lola López, Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso, ha puesto en escena más de una veintena de obras y se ha consolidado como una de las compañías especializadas en nuevas dramaturgias más interesantes e imaginativas de la escena actual. El libro ‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’, en edición de Josep Lluís Sirera, repasa ahora toda esa trayectoria y, entre otros contenidos, incluye cinco obras inéditas.

El volumen se presentará el martes 27 de septiembre, a las 19 horas, en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia (C/Blanquerías, 6). El acto, cuya entrada es gratuita, contará con las intervenciones de dos de los miembros fundadores de la Companyia Hongaresa de Teatre, Lola López y Paco Zarzoso, además de Roberto García (dramaturgo y miembro del Consejo Territorial de la SGAE de la Comunidad Valenciana), José Manuel Rambla (periodista), Pedro Luis Alonso (profesor), Xavier Puchades (dramaturgo y director de escena), Jordi Pla (fotógrafo), y las responsables de la editorial Episkenion, Rosa Sanmartín y Remei Miralles.

Imagen de portada de ‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’, de la editorial Episkenion. Fotografía cortesía de la editorial.

Imagen de portada de ‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’, de la editorial Episkenion. Fotografía cortesía de la editorial.

Publicado por Episkenion, editorial valenciana especializada en textos dramáticos y de investigación teatral, el libro ‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’ ha contado con una ayuda para su edición de la Fundación SGAE.

Las fronteras de la imaginación

El volumen ‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’ consta de dos apartados. Por un lado, ‘En las fronteras del tiempo’, en el que se repasa la trayectoria de la Companyia Hongaresa de Teatre a lo largo de estos veinte años que se celebran con esta edición. El capítulo incluye, entre otros contenidos, la colección de programas de las obras representadas y cinco obras inéditas.

Por otra parte, el siguiente apartado, titulado ‘En las fronteras del sueño’, está dedicado a quienes han acompañado a la compañía durante su ya largo trayecto. Se incluyen, por ejemplo, los textos de homenaje en celebraciones realizadas en Barcelona y Sagunto, los poemas inspirados en las fotografías de Jordi Pla y más de un centenar de imágenes que acercan al lector a las magníficas fronteras configuradas desde la creatividad y la innovación.

Diferentes instantes de una las representaciones de Companyia Hongaresa de Teatre. Fotografía cortesía de la compañía.

Diferentes instantes de una las representaciones de Companyia Hongaresa de Teatre. Fotografía cortesía de la compañía.

Las fronteras de la realidad

Con sede en Puerto de Sagunto, la Companyia Hongaresa de Teatre fue fundada en 1995 por Lola López, Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso. Durante todos estos años, su seña de identidad ha sido la palabra como motor de la creación escénica. Han producido más de una veintena de espectáculos (tragicomedias, cabarés políticos, westerns crepusculares, vodeviles metafísicos…) con textos firmados, en la mayoría de los casos, por los propios fundadores de la compañía. Sus montajes se han podido disfrutar en numerosas salas de teatro alternativo, pero también en algunos de los más importantes festivales y recintos escénicos de España y Latinoamérica; por ejemplo, en la Sala Valle-Inclán de Madrid (Centro Dramático Nacional), en el Teatre Lliure de Barcelona o en el Teatro San Martín de Buenos Aires.

En estos veinte años de carrera profesional, “hemos trabajado la tragedia (con, por ejemplo, ‘Aquel aire infinito’, obra de Lluïsa Cunillé que obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2010), la comedia (con ‘Umbral’, pieza de Paco Zarzoso que ha viajado por Argentina, Chile, Uruguay, Colombia…) o, entre otros géneros, el teatro de la memoria ( ‘María la Jabalina’, escrita e interpretada por Lola López). Es decir, textos muy diferentes que nos han servido de excusa para hablar de la complejidad del ser humano”, explican los artífices de la Hongaresa.

Un instante de la obra 'La cantat calva al McDonald's', de Companyia Hongaresa de Teatre. Fotografía cortesía de la compañía.

Un instante de la obra ‘La cantat calva al McDonald’s’, de Companyia Hongaresa de Teatre. Fotografía cortesía de la compañía.

 

Las trampas de la memoria

Dystopia, de PanicMap
Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Del 16 al 18 de septiembre de 2016

La tecnología siempre es un arma de doble filo, especialmente en el mundo del arte. Igual ayuda a potenciar la expresividad del artista que puede contribuir a anularla, como ocurre en tantos filmes que son una mera sucesión de trucos y efectos especiales sin apenas sustancia. Cuando se trata de las artes escénicas lograr una armoniosa conjunción entre arte y tecnología es un asunto delicado. Un osado experimento que muy pocos se arriesgan afrontar. La compañía valenciana PanicMap, creada por Juan Pablo Mendiola y Margarita Burbano en 2012, ha demostrado estar muy capacitada para ello. Pero siempre desde el pánico, el vértigo, el miedo a la página en blanco, de ahí su nombre. “Un pánico que hay que solventar a base de trazar un mapa, una hoja de ruta”, dice Mendiola.

Tras el éxito obtenido con su primer montaje, Harket y tras cuatro años de intenso trabajo regresan a los escenarios con Dystopia protagonizada por Cristina Fernández y Ángel Fígols que inicia mañana la nueva temporada de Las Naves.  Tres únicas funciones hasta el domingo. Tres ocasiones de ver algo diferente sobre el escenario.

Cartel de Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Cartel de Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

“Dystopia es un viaje emocional de dos personajes en el que nada es lo que parece”, dice Mendiola. “Un laberinto de espejos en el que se ven atrapados y que distorsiona su identidad. La obra reflexiona sobre la memoria. Sobre la necesidad que a veces tenemos de crear una realidad paralela a la auténtica cuando no estamos satisfechos con nuestros propios recuerdos, cuando aquello que nos rodea se descompone a trozos, cuando nuestro presente nos parece un futuro distópico de nuestro pasado. El protagonista se adentra en un laberinto de espejos emocional, en el que le cuesta reconocerse”.

El resultado es un teatro radicalmente contemporáneo que indaga en nuevos lenguajes, sin dejar por ello de buscar la emoción y la reflexión del espectador. Con técnicas innovadoras  construye sobre el escenario historias e imágenes  atractivas y sorprendentes.

A la escenografía convencional se suman proyecciones de mapping 3D y vídeo en directo “que permite transformar el espacio tanto a nivel plástico como emocional”, señala Mendiola. “Mi objetivo es buscar un diálogo entre tecnología y emociones. Lo tecnológico es frío y son los actores los que calientan el ambiente. En este caso, tanto Cristina como Ángel se desdoblan en un auténtico tour de force. Se puede decir que los he exprimido a fondo”, bromea el director.

Ambos mantienen un intenso duelo interpretativo en escena, proyectándose  en unos papeles de gran exigencia emocional y física. Los protagonistas se trasladan a diferentes lugares y momentos interactuando con los elementos visuales que los envuelven en el escenario y descubriendo poco a poco los límites de su propia realidad. En suma, Dystopia profundiza en la búsqueda de un lenguaje multidisciplinar en el que se entrelazan dramaturgia, danza, live cinema y video mapping para dar forma a un rompecabezas escénico.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Mendiola se inició en Teatre de l’Horta con Roberto García y más tarde montó un par de obras para Maduixa. PanicMap nació en plena crisis y a partir de ahí todo ha ido si no a mejor, sí al menos no a peor. “La sensación que tenemos es que la crisis va remitiendo, aunque tampoco se acaba de ver el sol”, comenta. “Nos encontramos en un impase, esperando a Godot. Hay esperanza pero también cierto recelo. El cambio de gobierno se ha traducido en un diálogo más abierto, lo que se podría llamar ‘escucha activa’ por parte de las instituciones y somos conscientes de que se han dado pasos hacia delante.  Se ha incrementado el presupuesto que apoya la cultura pero todavía hay que mejorar su formulación y distribución”.

Una vez estrenada en Valencia Dystopia seguirá el circuito habitual de festivales como Harket. Con su primer montaje PanicMap recorrió parte de la geografía nacional pasando por varios festivales.  Estuvo en Fira Tàrrega, TAC de Valladoli, Burgos Escena Abierta, MADferia, Danza Xixón y Mostra de Teatre d’Alcoi. Tambien recibó el Premio BBVA de Teatro al mejor espectáculo y a la mejor actriz, Cristina Fernández.

“Cuando actuamos en teatros de gran aforo como El Principal de Valladolid hicimos subir el público a escena, unas 150 personas para crear mayor intimidad y proximidad ”, recuerda Mendiola, que también recibió el Premio Max al mejor espectáculo infantil de 2015 por Dot, de Maduixa Teatre, y la candidatura como mejor autor revelación por Harket.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Inmersión en ‘Dystopia’

“Sé lo que necesitas. Un leve balanceo. Un pequeño impulso que te ponga en movimiento.” Se abre el telón y aparece un fragmento del rincón de una habitación inacabada en medio de ninguna parte. Los espectadores se adentran en un bucle emocional en el que memoria, realidad y ficción están en constante lucha. Los personajes también en continua construcción. ¿Qué haces cuando crees vivir en un presente que no es el que te pertenece?

Transformamos los recuerdos y construimos una realidad propia, alternativa.  Al transformar nuestra memoria alteramos también nuestra identidad. ¿Qué margen de error hay entre la realidad y lo que recordamos de ella? “No tienes una grabadora sobre los hombros. Lo siento. No eliges un cassette, le das al play y reproduces exactamente lo que has vivido.”

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Bel Carrasco

Un reino de Liliput a lo grande

Lil.liput, de Roberto García. L’Horta Teatre
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Sábado 18 y domingo 19 de junio de 2016

Lil·liput es una isla, un pequeño mundo sospechosamente parecido al nuestro, que observan desde lo alto dos nubes, madre e hija. Éste es el punto de partida de un espectáculo de trama sencilla, pero con una innovadora puesta en escena y aura mágica, que L’Horta Teatre estrena en Valencia este fin de semana. El próximo 18 y 19 de junio Sala Russafa acoge dos pases (el primero en valenciano y el segundo en castellano), dentro de la programación del Festival Tercera Setmana.

La veterana compañía valenciana, con más de 40 años de trayectoria, continúa su línea de investigación de nuevos lenguajes escénicos en Lil·liput, una propuesta para público familiar que incluye un concierto participativo, un laboratorio sonoro y música electrónica en directo porque no todo va a ser nanas y canciones tradicionales cuando nos dirigimos a los niños.

Escena de Lil.liput, de Roberto García. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Lil.liput, de Roberto García. Imagen cortesía de Sala Russafa.

“Queríamos romper algunas convenciones respecto al teatro familiar. Nos apetecía jugar con la electrónica para ofrecer una música actual, divertida y llena de ritmo, que encaja perfectamente con los chavales. No siempre hemos de tirar por melodías dulces e instrumentos convencionales cuando trabajas con los niños porque, precisamente ellos, tienen la mente muy abierta”, afirma Roberto García creador, director y parte del equipo artístico de la pieza donde ha podido conjugar dos de sus pasiones: el teatro y la música.

Otro recelo que rompe este espectáculo es que los pequeños no pueden subir al escenario porque son incontrolables. Nada más arrancar la función, sus intérpretes, Pau Blanco y el propio García, completan el elenco escogiendo entre el público a 15 ó 20 personas que se sumarán a la puesta en escena. Ellos serán los encargados de conformar una improvisada orquesta que echará mano de instrumentos reciclados, como vasos de plástico o botellas de detergente. “Resulta curioso ver cómo los chavales se lo toman absolutamente en serio, son muy responsables con su papel, mientras que a los adultos se les pone cara de niños y disfrutan tanto o más que los pequeños”, comenta García.

Uno de los grandes atractivos de Lil·liput es que durante la representación se genera un divertido concierto participativo en el que la orquesta, formada por los propios espectadores, va aportando la percusión, mientras que los intérpretes Pau Blanco y Roberto García generan una base musical electrónica, recurriendo a la tecnología.

Cartel de Lil.liput, de l'Horta Teatre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cartel de Lil.liput, de l’Horta Teatre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Juntos componen (en directo y sobre la marcha) la banda sonora de este espectáculo que, inevitablemente, es distinta en cada representación. “Lil·liput tiene lo más genuino del teatro, el vértigo de salir a escena sabiendo que cada función va a ser completamente diferente”, afirma el director artístico de L’Horta Teatre, compañía caracterizada por incorporar innovaciones técnicas y tecnológicas en sus espectáculos. Pero siempre integradas en dramaturgia, no como un fin en sí mismas, sino como un medio para contar la historia.

“En esta ocasión, queríamos hablar de la conciencia ecológica, de la relación con nuestro entorno. Pero no desde el tono paternalista y aleccionador que se suele emplear en los espectáculos familiares, sino desde la emoción, la empatía, la diversión, la interacción  y el juego”, apunta García.

Tanto su enfoque poco convencional como las innovaciones técnicas y escénicas que propone han hecho que Lil·liput se integre en el nuevo festival de artes escénicas Tercera Setmana. Una nueva cita que nace impulsada por AVETID (Asociació d’Empreses d’Arts Escèniques del País Valencià) y con la colaboración de CulturArts, Turisme València, Diputació de València y el Ayuntamiento de Valencia, entre otras instituciones.

La compañía valora muy positivamente que esta programación, centrada en la innovación y vanguardia escénica, haya incluido propuestas dirigidas al público familiar. “Los niños son una audiencia muy inteligente, con muchos referentes y con una gran capacidad de abrirse a nuevos lenguajes escénicos porque aún no ha desarrollado los prejuicios que, a veces inconscientemente, vamos asumiendo conforme crecemos”, señala García quien destaca que en Lil·liput los espectadores tienen un papel activo porque no es espectáculo para el público, sino con el público.

Escena de Liliput. Sala Russafa.

Escena de Liliput, de Roberto García. Imagen cortesía de Sala Russafa.

 

Teatro por pura vocación

Miss Ceuta (1 de abril), Amant a sou (2) y Medea (3)
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Viernes 1 (20.30h), sábado 2 (20.30) y domingo 3 (19.00) de abril de 2016

Existe una creciente escena amateur que se desarrolla más allá del ámbito fallero valenciano, en paralelo a la profesional y apoyada por numerosos certámenes organizados por los ayuntamientos de municipios como Mislata, Benetússer, Cocentàina, Xilxes o Canet d’Enberenguer, entre otros muchos. Dentro de su ciclo de Compañías Valencianas, Sala Russafa presenta como anexo una pequeña muestra de este panorama no profesional “porque también dan una idea de lo que está ocurriendo en la Comunitat en cuanto a Artes Escénicas”, explica Juan Carlos Garés, director del centro. “Es innegable que, igual que la proliferación de bandas de música, el desarrollo del teatro es una realidad cultural valenciana característica y la queríamos reivindicar”, comenta Garés.

Del 1 al 3 de abril el teatro de Ruzafa programará una selección de tres piezas para la que han contado con el asesoramiento del programador Salva Ferriol, gran conocedor de este ámbito. Se incluyen tres formaciones de amplia trayectoria y múltiples reconocimientos, con propuestas escénicas muy variadas y de calidad.  “Hemos optado por mostrar la diversidad de esta escena programando el montaje del texto de un autor valenciano contemporáneo, de una autora internacional y una versión de un clásico grecolatino”, señala el director de Sala Russafa.

Desde el centro cultural señalan que, aunque muchos de los grupos que se mueven en este ámbito llevan 10 o 15 años sobre los escenarios, se les sigue llamando ‘amateur’ porque las conforman gente que pueden sentir el teatro como su vocación, pero no es su sustento. “Esto les hace trabajar con unos tiempos de producción diferentes a los de una compañía al uso, pero también les permite tener un acercamiento a las artes escénicas más fresco, menos ‘contaminado’ por la profesión”, concluye Garés.

Miss Ceuta. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Miss Ceuta, de Fil per Randa. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Roberto García, Julie de Grandy y Eurípides

La primera de las compañías programadas es Fil per Randa, una formación que ha pisado los escenarios del Teatro Principal de Valencia y salas como La Rambleta, La Protectora o Zircó, entre otros. Dentro de la muestra programada por Sala Russafa, el 1 de abril (20.30h) realizará una función de ‘Miss Ceuta’, obra firmada por Roberto García que la compañía L’Horta Teatre estrenó en 2002. Ambientada con la música de los Beatles, esta comedia quijotesca sobre ganadores y perdedores cuenta con dos personajes pluriempleados y un tercero, que se desdobla en múltiples caracteres para llevar a las tablas situaciones en las que se recrea el anhelo general de cambiar de vida; de, con un golpe de suerte, alcanzar el paraíso.

Amant a sou. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Amant a sou, de Pànic Escènic. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La segunda propuesta llega de la mano de la formación Pànic Escènic, con más de 8 años de trabajo y 10 obras que han obtenido numerosos premios. El 2 de abril (20.30h) realizarán una función de la pieza ‘Amant a Sou’, una versión del texto de la autora cubana Julie De Grandy que ha tenido numerosos montajes de varios países de Latinoamérica y en EE.UU. El punto de partida es el encuentro de una mujer con un gigoló, regalo de una amiga que quiere poner fin al ostracismo sexual y sentimental en que se halla la protagonista desde hace 10 años. La comedia llega cuando el amante profesional resulta ser un divorciado en paro que, en busca ingresos, acaba en una agencia que le ofrece este encargo para el que no está muy seguro de poder dar la talla.

Medea. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Medea, de la compañía Komos. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Por último, la muestra de teatro amateur de Sala Russafa se completa con la formación Komos, compañía con 13 años de trayectoria y escuela de teatro por la que han pasado más de 450 alumnos. Especializada en el teatro grecolatino, el 3 de abril (19h) realizarán una función  de su montaje de ‘Medea’. Un total de 25 intérpretes (7 protagonistas y un coro con 18 miembros) dan vida al clásico de Eurípides protagonizado por una mujer despechada tras descubrir que el hombre por el que lo dejó todo va a casarse con otra persona. La venganza es el eje de esta pieza con fuerte contenido psicológico en la que la magia, las intrigas y hasta el asesinato serán los medios a los que recurra la protagonista para conseguir su fin.