‘No words’ en PHotoespaña 2016

‘No words’ del grupo Contemporáneos
Festival PHotoespaña 2016
Galería BAT Alberto Cornejo
C / María de Guzmán 61, Madrid.
Inauguración 9 de junio
Hasta el 23 de junio de 2016

‘No words’ es la exposición colectiva con la que la Galería BAT Alberto Cornejo participa en el Festival Off de PHotoEspaña 2016. La muestra reúne 29 obras donde el potencial comunicativo de las imágenes prescinde del uso de palabras para explicar su sentido al espectador sagaz. Los trabajos seleccionados corresponden a los veintinueve fotógrafos internacionales del grupo Contemporáneos: Marta Areces, Javier Ayuso, César Blay, Álvaro Calvo, Cristina Calvo, Alejandra CarlesTolrá, Carlos Folgoso, Pedro Galisteo, Rubén García, Nicolás Haro, Oliver Haupt, Andrejs Kovalovs, Jesús Labandeira, Diambra Mariani, Veronika Marquez, Georges Pacheco, Robert Harding Pittman, Rubén Plasencia, Manel Quiros, Fernanda Ramos, Juan Rodríguez, Emilio Roselló, Ely Sánchez, Juan Sande, Gabri Solera, Óscar Vázquez Chambó, Lucia Ybarra, Manuel Zamora y Alfonso Zubiaga.

Este grupo de fotógrafos emergentes lleva a cabo su labor desde 2013, caracterizándose por el espíritu colectivo y la mirada plural. Estos veintinueve autores que unidos por el veneno de la fotografía han realizado en este año seis exposiciones colectivas, tres publicaciones y encontrado galería que los representa en el Festival OFF de PHE16. Sus componentes son la mayoría españoles, pero también europeos y americanos, procedentes de países como Alemania, Italia, Portugal, Letonia, Uruguay, Brasil, Venezuela o Estados Unidos. De la Comunidad Valenciana participan: Cesar Blai, Emilio Roselló, Oscar Vazquez Chambó y Pedro Galisteo.

Javier Ayuso, 2016, 'Subvertising #1'. Imagen cortesía Grupo Contemporáneos.

Javier Ayuso, 2016, ‘Subvertising #1′. Imagen cortesía Grupo Contemporáneos.

‘No words’ es una muestra donde la fuerza de las imágenes hace superfluo el uso de palabras para explicar su sentido. Desde estampas intimistas hasta retratos sociales, ‘No words’ es la expresión de un sentir individual, del fotógrafo con su obra y de esta con el espectador. Pasear por esta galería de imágenes transporta a lugares insospechados de la mente, a parajes in­sólitos de la conducta, a rincones desconocidos del mundo y a paisajes nostálgicos de la memoria.

Fernando Sánchez Fernández, fotógrafo madrileño, dice sobre la muestra: “‘No words’ es el proyecto expositivo de veintinueve fotógrafos que buscan expresarse con la complicada gramática visual de la imagen. Algo que siempre se olvida y que podemos recordar viendo sus trabajos es que la buena fotografía es aquella que no requiere explicación, que te entra por los ojos y no necesita apoyo literario alguno para saber qué estás viendo. Las palabras pueden venir después pero siempre se sostienen aquellas que no precisan el lenguaje de los hombres.

Es algo que cuesta entender. Incluso cuando se presentó el invento, en el ya lejano 1839, Frances Aragó -una de las personalidades más excepcionales que promovió, entre otras cosas, la limitación de las horas de trabajo o la abolición de la esclavitud- leyó, ante las academias de las Ciencias y de Bellas Artes de París, un discurso en el que daba a la fotografía el carácter servil ante las demás manifestaciones y dependiente de la palabra.

’No words‘ demuestra que no es así, que la fotografía tiene su propia semántica y un discurso enriquecido por la mirada del fotógrafo, veintinueve formas de explicarse en esta exposición. Los veintinueve autores son herederos de Eugene Atget, August Sander, Walker Evans, Robert Frank y todos aquellos que demostraron la independencia de la fotografía del lenguaje escrito (…)”.

Nos encontramos ante una exposición que representa varios géneros fotográficos, desde la fotografía paisajista y de retrato hasta el fotoperiodismo, con una visión plenamente fresca y actual.

Verónika Márquez, 2008, 'Mujer-Planta, autorretrato'. Imagen cortesía Grupo Contemporáneos.

Verónika Márquez, 2008, ‘Mujer-Planta, autorretrato’. Imagen cortesía Grupo Contemporáneos.

30 fotógrafos de hoy, en Railowsky

Contemporáneos. 30 fotógrafos de hoy
Presentación del libro a cargo de Emilio Roselló, Óscar Vázquez Chambó y José Luis Pérez Pont
Librería Railowsky
C/ Grabador Esteve, 34. Valencia
15 de julio de 2015, 20.00 h.

Alfonso Zubiaga. Arnastapi, Islandia. 2013. Cortesía del artista.

Alfonso Zubiaga. Arnastapi, Islandia. 2013. Cortesía del artista.

El libro “Contemporáneos. 30 fotógrafos de hoy” nace de la obsesión de Rubén García. La idea se inicia cuando varios autores coinciden en el Festival PHotoEspaña 2013 y el mismo Rubén siente la necesidad de compartir su proyecto con ellos. Junto a estos fotógrafos Rubén asume el papel de editor y va seleccionando a otros autores bajo su criterio hasta llegar al famoso número 30. Coordina e involucra a todos ellos para realizar un volumen que abarca los distintos géneros fotográficos cómo el paisaje ,el retrato, el documental, etc. Un libro donde los autores presentan sus trabajos como si de una abecedario se tratara. Desde el número 1 abriendo el libro la autora Marta Areces pasando por otros cómo Javier Ayuso, César Blay, Álvaro Calvo, Cristina Calvo, Alejandra Carles-Tolrá, Carlos Folgoso, Pedro Galisteo, Rubén García, Nicolás Haro, Oliver Haupt, Andrejs Kovalovs, Jesús Labandeira, Diambra Mariani, Veronika Marquez, Vittorio Mortarotti, Georges Pacheco, Robert Harding Pittman, Rubén Plasencia, Manel Quiros, Fernanda Ramos, Juan Rodríguez, Emilio Roselló, Ely Sánchez, Juan Sande, Gabri Solera, Óscar Vázquez Chambó, Lucia Ybarra, Manuel Zamora hasta llegar al último autor Alfonso Zubiaga, el número 30.

Emilio Roselló. Serie Formar de un error. Cortesía del artista.

Emilio Roselló. Serie Formar de un error. Cortesía del artista.

El libro se presenta con la fotografía de Javier Ayuso en portada y con el nombre de Contemporáneos en español e inglés ya que se trata de una edición bilingüe con 202 páginas y más de 208 fotografías acompañadas con un texto enriquecedor sobre el trabajo y con un formato vertical de 21,5 cm x 16 cm. Son obras de fotógrafos españoles, pero también europeos y americanos, procedentes de países como Alemania, Italia, Portugal, Letonia, Uruguay, Brasil, Venezuela o Estados Unidos.

Óscar Vázquez Chambó. Sunset evening on the beach. 2014. Cortesía del artista.

Óscar Vázquez Chambó. Sunset evening on the beach. 2014. Cortesía del artista.

Este volumen supone una refrescante novedad editorial que descubre y, al mismo tiempo, consolida a una nueva generación de destacados fotógrafos que, en continuo movimiento, ha dado lugar a nuevos planteamientos estéticos. Palabras recogidas sobre el texto de María Isabel Fernández que encabeza el libro acompañado de otro texto de Jose María Diaz-Maroto en el que hace una valoración sobre la fotografía en sí. Afirmando que la fotografía no conoce fronteras, es universal y, a través de esfuerzos como el de este libro, puede alcanzarse el anhelo universal de comprender y conocer al ser humano.

Rubén García. Víctor Rodríguez. Serie Especialistas del viejo Oeste. 2013. Cortesía del artista.

Rubén García. Víctor Rodríguez. Serie Especialistas del viejo Oeste. 2013. Cortesía del artista.

El libro es un paso más dentro del proyecto “Nueva fotografía internacional en el siglo XXI” en el que actualmente se incluye una exposición itinerante por toda España y en la que tiene un soporte web www.30fotografos.com  diseñada por Fernanda Ramos en colaboración con Estudio Lumen y en la que muestra el trabajo de los 30 fotógrafos.

El libro bajo el sello de la editorial LA FABRICA fue presentado el pasado 13 de Junio dentro del marco aún vigente de PHotoEspaña 2015, en la semana dedicada al foto-libro Photo Book Week que desarrollo La Fabrica.

La presentación en Valencia tiene lugar en la Librería Railowsky con la intervención del crítico José Luis Pérez Pont, como autor de uno de los textos del libro, y los fotógrafos Emilio Roselló y Óscar Vázquez Chambó.

Pedro Galisteo. Tejedora. Serie Crisis textil en la Comunidad Valenciana. 2013. Cortesía del artista.

Pedro Galisteo. Tejedora. Serie Crisis textil en la Comunidad Valenciana. 2013. Cortesía del artista.

Cristina de Middel: Esto es lo que hizo el odio

This is what hatered did, Cristina de Middel
PhotoEspaña 2015
La New Gallery
Inauguración: 3 de junio, 20 h.
Hasta el 18 de julio de 2015

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cedida por la autora.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

El título de la exposición de la fotógrafa Cristina de Middel, “This is what hatred did” (Esto es lo que hizo el odio) hace referencia a las últimas palabras que forman el libro titulado Mi vida en la maleza de los fantasmas escrito por Amos Tutuola el año 1964.

Este personaje enigmático vio como a los 5 años su pueblo era atacado por soldados, y tuvo que escapar hacia la Maleza sin su madre. Este lugar se caracterizaba por el misticismo y la magia que desprendía, poblado por espíritus yoruba. Amos Tutola estuvo aquí durante treinta años en los que vivó una aventura sin parangón, casado en dos ocasiones, coronado rey e idolatrado como un Dios.

A partir de este personaje y su increíble historia, la fotógrafa presenta la realidad de la Nigeria de hoy en día, con sus personajes, entornos y ambientes. Cambia la Maleza por Makoko, una barriada de la ciudad de Lagos, donde el conocimiento y la lógica no son relevantes, con acceso prohibido a extranjeros como pasa en la Maleza, donde el acceso al ser humano corriente parece estar prohibido por los fantasmas, creando así una metáfora perfecta.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

Cristina de Middel incluye el punto de vista, las tradiciones, los miedos y las esperanzas de las personas a las que se dispone retratar, documentando la realidad de estas personas que viven en uno de los barrios más peligrosos de unos de los países más icónicos. Aun con esto, demuestra cierta ironía y sentido del humor con la utilización de máscaras o bigotes postizos.

La fotografía poética de Ricky Dávila

Ibérica, de Ricky Dávila
12 Star Gallery
32 Smith Square. Londres

Con 20 retratos y 4 paisajes desembarcó en la 12 Star Gallery, en el 32 de Smith Square, ‘Ibérica’, la exposición del fotógrafo bilbaíno Ricky Dávila. En colaboración con PhotoEspaña, la propuesta forma parte del 6º festival de arte y cultura contemporánea SPAIN NOW! encabezado por el Director Artístico Antonio Molina Vázquez, con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y la oficina de turismo de Londres.

Como nos comentaba Ricky Dávila, “Ibérica nació en el 2007, cuando la cosa se presenta al público en la forma de un libro y una exposición. Ambos han tenido un recorrido itinerante a nivel internacional, que empezó en Latinoamérica, luego ha estado en Francia, en España hasta llegar a Londres.” Según el fotógrafo, “es un proyecto que ha quedado a medio camino entre una aproximación personal y algo con fundamento documental, en el fondo no tiene pretensiones de tesis, ni de ilustrar una sociedad que es para mí inabarcable e inexplicable en muchos sentidos. Si es cierto que lo acometí con la ilusión de poder hacer algo utilizando este territorio, esta geografía peninsular como escenario de acción, y luego tiene un fundamento de paisaje de retrato que al final es apelable al clasicismo de los géneros.”

Exposición 'Ibérica', de Ricky Dávila, en 12 Star Gallery de Londres. Imagen cortesía del autor.

Exposición ‘Ibérica’, de Ricky Dávila, en 12 Star Gallery de Londres. Imagen cortesía del autor.

Este proyecto, que el retratista califica de orgánico, no sigue un corpus claro de trabajo. “A mí me encanta adaptar la exposición a distintos escenarios. Ha tenido muchos destinos internacionales y lo que me gusta muchísimo es adaptar el trabajo a cada una de las situaciones. Estar aquí en Londres en un evento como este es un privilegio y estoy feliz además.”

Toda esa derivación poética de Ricky Dávila ha concluido con un libro que salió el 13 de octubre y una exposición titulada ‘Todas las cosas del mundo, que se inauguró el 9 de Octubre en el MAC Fenosa de Barcelona, cuyo fundamento, intención y orden de inquietudes, según el autor, es puramente poética y personal. “Mi evolución personal es esa, hay una derivación de la prosa a la poesía, de la tercera persona a la primera, todo eso explica el último de los proyectos.”

En cualquiera de los casos, continúa argumentando, “si uno hace las cosas con un poco de voluntad poética y artística hace las cosas con independencia de la coyuntura del tiempo en el que están hechas. Quisiera pensar que el trabajo tiene distintas lecturas pero el mismo valor, da igual en el tiempo en el que se vea, incluso tengo una cierta sensación de que si en fotografía las cosas están bien orientadas, el tiempo es un gran aliado. Al final este tipo de imaginarios cobran un poso y una pátina que en su momento no tenían, o si la tenían era más de actualidad. A mí me gusta ver como este trabajo evoluciona con el paso de los años, y cobra un tinte menos coyuntural.”

Ricky Dávila (derecha) durante la inauguración de su exposición 'Ibérica', en 12 Star Gallery. Imagen cortesía del autor.

Ricky Dávila (derecha) durante la inauguración de su exposición ‘Ibérica’, en 12 Star Gallery. Imagen cortesía del autor.

En concreto,  indica que su mensaje “es una visión muy personal de un entramado social que yo mismo ni me explico, que no tiene pretensiones de tesis, por eso huyo de la responsabilidad de hacer de todo esto una declaración de principios o un trabajo social. Lo cierto es que algún valor documental queda, en este juego de aprehender la realidad que tiene la fotografía nunca la alcanza del todo, algo en el tiempo va quedando de documental. Todo esto, tiene mucho más de intención particular que de tesis. En el fondo a partir del milagro de que somos individuales cada uno, de cualquiera de los retratos los explicamos todos. La condición de un buen retrato creo que es la de la empatía, que tiene lugar cuando uno fotografía a una persona, pero también cuando el espectador llega a crear vínculos con los fotografiados.”

En la exposición se mostraron los retratos que orientan al espectador con la mirada, que se alternan a paisajes desenfocados y en movimiento, como un reflejo de ese viaje geográfico y poético. Esos paisajes participan como complemento, “es una cuestión de ritmo, de oxígeno: cuando iba a inventariar el trabajo y a darle forma al libro me di cuenta de que le faltaba un poco de pauta, de tránsito y de ritmo. Entonces acabé con el corpus de retratos y, con el trabajo ya concluido, decidí hacer estos paisajes para dar una cadencia casi a modo de soneto.”

Un gran amigo de Ricky Dávila es el fotógrafo Alberto García Alix, que fue uno de los finalistas del premio Deutsche Borse Photography prize 2014 en Londres con su serie de autorretratos. Al él le une un ligamen de amistad y admiración. Al hablar de Alberto argumenta que la herencia o relación fotográfica con el leonés “no es formal, sino acerca del porqué hacemos las fotografías. Hay cuestiones muy compartidas que tienen que ver, como el documentalismo contemporáneo, el humanismo de nuevo cuño, explicar el corazón de los demás a través de la fotografía pero con claves más modernas. Con ser fotógrafo realista, que de algún modo utiliza la realidad modelándola. Esos son los puentes, para mí es un maestro humanista en el sentido más clasicista de la palabra. Todo eso es una fuente de inspiración permanente. Lo que estoy haciendo ahora tiene más que ver con el trabajo de Alberto que esto, ya que la perspectiva es diferente.”

Obra de Ricky Dávila en la exposición 'Ibérica'. La 12 Star Gallery de Londres.

Obra de Ricky Dávila en la exposición ‘Ibérica’. La 12 Star Gallery de Londres.

Miguel Mallol

Emilio Roselló. Desretratos postfotográficos

Atribuir a las imágenes fotográficas el estatus incondicional de “verdad” conduce al fracaso de cualquier expectativa. En general el público cree entender aquello que reconoce formalmente, seguramente por eso existe una resistencia considerable hacia expresiones artísticas abstractas o conceptuales, pues la ausencia de figuración dificulta al observador obtener mediante la mirada una información que requiere siempre de un mayor análisis.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

La superabundancia de imágenes, con su creación constante por parte de los usuarios de cualquier dispositivo  de comunicación personal conectado a la red, hace que debamos reflexionar acerca del crecimiento exponencial de las mismas. La tendencia de autorepresentación da signos acerca de la construcción de un “yo” social paupérrimo, que reclama de forma constante la aprobación y el feedback de terceros para sustentarse. Habrá que comenzar a interesarse por una “ecología visual” que administre este creciente exceso.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Por otra parte se encuentran las imágenes captadas indiscriminadamente y almacenadas por sistemas de prospección en las que no interviene la voluntad de los individuos, convertidos en sujetos pasivos. Emilio Roselló (Valencia, 1960) aborda con su proyecto “Formar de un error” esa categoría de imágenes que se engrosa con capturas en las que los individuos son literalmente cazados, como meros elementos del decorado urbano. Roselló centra su atención en Street View de Google, “donde una cámara con nueve ojos registra mecánicamente desde 2007 porciones esferizadas de las calles” de casi cincuenta países. De entre ese volumen ingente de imágenes el artista se apropia de aquellas en las que el error de un algoritmo ha desposeído al individuo de su identidad, al engullir parte de su imagen. El resultado son “desretratos” de personas cuya imagen ha sido decapitada, propiciando la representación certera de un mundo veloz que tritura sin cesar, inserto en una dinámica que perpetua su movimiento.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

El sistema global escupe simbólicamente en estas imágenes los despojos del individuo, que sirven de base para esta colección en la que Emilio Roselló desarrolla una mirada postfotográfica que no solo se apropia de ellas, sino que las interviene de un modo analógico superponiendo sencillos elementos sobre la pantalla que las retroproyecta, para inmediatamente fotografiarlas digitalmente. En este gesto se contiene la distancia de espacio y tiempo que nos separa de la metarealidad virtual con la que convivimos, una distancia que no siempre sabemos medir y que con frecuencia genera la ilusión de acercarnos a lo remoto mientras nos aleja de lo tangible, desvalorizando lo real, lo próximo.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

Emilio Roselló. Formar de un error. Imagen cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

Fotografías de arquitectura moderna

Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965
Fundación ICO, Madrid
Hasta el 7 de septiembre
Comisario: Iñaki Bergera

De acuerdo con Thérèse Evette, existen dos tipos de fotografías de arquitectura: las que expresan y las que describen. La tensión entre ambos registros es continua aún cuando, en opinión de Alberto Martín, el primero suele aventajar al segundo como fiel suministrador de iconos inmutables y atemporales de la obra arquitectónica. Establecer las relaciones entre arquitectura y fotografía en España a lo largo de cuatro décadas, las que transcurren desde las vanguardias de los años veinte hasta las soluciones derivadas de la crisis del Estilo Internacional en los sesenta del siglo XX, es el propósito que guía el proyecto de investigación Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965 a cargo de Iñaki Bergera, arquitecto, fotógrafo y profesor de arquitectura en la Universidad de Zaragoza. De su equipo forman parte investigadores de las universidades de Burgos, Coruña, Madrid, Navarra, Sevilla, Zaragoza y Valencia (Universidad Politécnica y Universidad Europea), quienes durante los últimos años han estudiado numerosos archivos públicos y privados para recopilar el material fotográfico que da testimonio de la arquitectura moderna en España.

Señala Bergera que uno de los propósitos que dirigen la investigación es acometer el estudio de la modernidad arquitectónica a través de sus fotografías, con el ánimo conciliar su “arquitecturalidad” con el registro indicial propio de la mirada de cada fotógrafo que, en ocasiones, es la del propio arquitecto: como autor o como responsable del encargo y, casi siempre, de la selección de imágenes para su archivo y difusión en publicaciones de arquitectura. El progresivo cambio en los códigos de representación de la arquitectura, acorde con la irrupción de los lenguajes de vanguardia que afectaron a todas las disciplinas, así como la atención creciente de los medios de difusión ilustrados por la arquitectura, explican que numerosos fotógrafos se especializaran en arquitectura. Atender a todas estas cuestiones, con las que elaborar una base de datos que actúe como “condensador documental” y sea el origen de reflexiones teóricas de carácter interdisciplinar, es el objetivo que este proyecto se plantea a largo plazo.

Uno de los primeros resultados de la investigación es la exposición que con el mismo título se presenta en la sede de la Fundación ICO en Madrid, incluida en el programa de PhotoEspaña, cuyo montaje, a cargo de Íñigo Beguiristáin & Vaillo + Irigaray Architects, es digno de mencionar y elogiar.

La selección de 200 fotografías en exposición no pretende, señala Bergera, ser un álbum completo de imágenes de la historia y etapas de la arquitectura moderna en España, ni tampoco presentar los edificios más destacados, ni siquiera mostrar las mejores fotografías; lo que se busca es componer una de tantas historias posibles de la fotografía: la que registra la arquitectura moderna en España. De esa historia rescatamos las imágenes que dan a ver la arquitectura moderna en la Comunidad Valenciana.

Dado que todas las fotografías seleccionadas de la Comunidad Valenciana corresponden a edificios realizados a partir de la segunda mitad de los años cincuenta del siglo XX, las miradas de los fotógrafos interpretan la nueva arquitectura con profesionalidad, acorde con la tarea que el arquitecto les encomienda, a riesgo de reiterar fórmulas que banalizan los esquemas modernos, como advierte Alberto Martín en el texto incluido en el estupendo catálogo de la exposición. Es obvio que la rigurosa selección de fotografías evita las excesivamente formalistas desde un punto de vista estético.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Joaquín del Palacio (Madrid, 1905-1990), conocido como “Kindel”, comenzó a colaborar en la Revista Nacional de Arquitectura en los años cincuenta. Sus fotografías más conocidas son las de los Poblados de colonización en las que supo expresar la abstracción y sencillez compositiva de trazados y volúmenes. Así queda reflejado en las imágenes que realizó de los Poblados diseñados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo (Madrid, 1914-Ávila, 1995) que, en opinión de Luis Fernández Galiano, se entienden mejor en términos de las artes plásticas: en todos ellos destaca la abstracción que arrojan los volúmenes de estricto rigor geométrico, el tratamiento de texturas y la querencia por lo esencial que evita lo superfluo. En 1953 Fernández del Amo proyectó el poblado de san Isidro de Albatera, en un lugar que había sido campo de concentración de prisioneros durante la inmediata posguerra. Y Kindel lo registró en sus fotografías.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

En 1961, Fernández del Amo presentó en la VI Bienal de Arquitectura de Sao Paulo algunos de los proyectos de Poblados de colonización entre los que seleccionó los de Albatera y este de El Realengo. El jurado presidido por Niemeyer le concedió la Medalla de Oro. Kindel supo captar en sus fotografías la dimensión plástica de la arquitectura de Fernández del Amo. En las dos imágenes del poblado de El Realengo seleccionadas, Kindel incorpora la presencia de algunos de sus habitantes para acentuar los rasgos de la arquitectura, aunque se percibe cierta intención de carácter humanista, sobre todo en la fotografía de los niños jugando al fútbol en un paisaje seco y austero, ajeno al entretenimiento.

 

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

La saga de fotógrafos de Valencia integrada por Joaquín Sanchís Serrano, su hijo Manuel y su nieto José Manuel, era conocida como los “Finezas” por lo bien que vestían. El autor de las imágenes en exposición es Manuel Sanchís Serrano (Valencia, 1918-1996) que aprendió de su padre el oficio de fotógrafo. Tras lograr la popularidad con sus reportajes de fútbol decidió especializarse en arquitectura, a partir de los años cincuenta y durante los sesenta. Su atención a las peculiaridades que singularizan las obras de los arquitectos que le encargaron las fotografías queda de manifiesto en esta imagen de la fachada de la Facultad de Derecho de Valencia (hoy Facultad de Filosofía y Ciencias de la Educación), por ser precisamente la solución que Fernando Moreno Barberá (Ceuta, 1913-Madrid, 1998) dio a las fachadas según su orientación, uno de los elementos más innovadores del edificio: la norte es un muro cortina de superficies acristaladas sujetas con perfiles metálicos; la soleada queda protegida con un sistema de brise-soleils de hormigón.

 

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

A Manuel Sanchís Serrano, “Finezas”, recurrió el arquitecto Juan Haro Piñar para fotografiar la estación de servicio de El Rebollet. La fotografía en exposición corresponde a la fachada del restaurante que proyectó junto con el servicio de gasolinera. Sergio Grande García ha descrito esta obra tan compleja como atractiva: espacio cubierto por una composición de superficies alabeadas en forma de paraboloide hiperbólico para la zona administrativa y comercial, mientras que los surtidores de gasolina se encuentran protegidos bajo marquesinas fungiformes de diferentes alturas que imprimen dinamismo al paisaje y suscitan la curiosidad del viajero.

 

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

El autor de la fotografía es Elías Gil Roca (1911-1995) aunque la firma “Navarte”, una empresa de importación y venta de artículos fotográficos de Castellón que desde comienzos de los años sesenta hasta su cierre a finales de los ochenta equiparon a los fotógrafos de toda la provincia, además de revelar sus imágenes. Asimismo, la empresa recibía encargos que subcontrataba a fotógrafos profesionales como es el caso de Gil Roca que dejó el testimonio gráfico del empeño del arquitecto Luis Cubillo (Madrid, 1927-2000) por trasladar las soluciones y recursos de la arquitectura moderna a los espacios de liturgia.

 

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Juan Miguel Pando Barrero (Madrid, 1915-1992) aprendió fotografía de arquitectura en el estudio de Mariano Moreno aunque no fue hasta la década de los cincuenta cuando trabajó en esa especialidad. Recibió encargos de Gutiérrez Soto, Sáenz de Oiza, Cano Lasso, Fisac o Moreno Barberá, autor de la Universidad Laboral de Cheste. Del arquitecto se ha destacado su obsesión por explorar la correspondencia entre la estructura y la forma, la repetición de elementos o la reducción formal, así como su atención a las condiciones climáticas que ya se han señalado en la Facultad de Derecho de Valencia. Los severos contrastes de luces y sombras de una arquitectura abierta y extraordinariamente rica en recursos permanecen en las dos fotografías de Pando en exposición.

Chus Tudelilla

 

Las fotografías de Luis Gordillo

Luis Gordillo. G/K Fotografías
Galería Carolina Rojo
Paseo de Sagasta, 72. Zaragoza
11 de junio – 26 de julio, 2014
Programa oficial de PhotoEspaña’14

El programa oficial del Festival PhotoEspaña’14 en Zaragoza incluye la exposición G/K Fotografías de Luis Gordillo, de la que es comisario, en la galería Carolina Rojo.

En su texto “Notas sobre lo que busco”, Georges Perec señaló los puntos cardinales de su escritura: “el mundo que me rodea, mi propia historia, el lenguaje, la ficción”, asuntos que nunca enfocó de manera individual aunque lo hiciera desde perspectivas particulares, como anota Guadalupe Nettel en su presentación a la primera edición en castellano de Lo infraordinario. El ensayo “¿Acercamiento a qué?”, publicado en Cause commune en 1973, introduce el libro: “Quien nos habla, me da la impresión, es siempre el acontecimiento, lo insólito, lo extraordinario: en portada, en grandes titulares”; para, a continuación, preguntarse: “Lo que realmente ocurre, lo que vivimos, lo demás, todo lo demás, ¿dónde está? Lo que ocurre cada día y vuelve cada día, lo trivial, lo cotidiano, lo común, lo ordinario, lo infraordinario, el ruido de fondo, lo habitual, ¿cómo dar cuenta de ello, como interrogarlo, cómo describirlo?”. Se trata, por tanto, de inventariar lo habitual, de interrogar lo cotidiano, quizás para “fundar nuestra propia antropología”.

Luis Gordillo, G/K 13D, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, G/K 13D, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo comparte mucho con Georges Perec. Los polos de su obra, la urgencia por retener en ella algo de la obsesiva tarea que supone la construcción de la identidad, o el interés extraordinario por las herramientas con las que trabaja, tan fundamentales para ensayar y experimentar nuevas posibilidades. Toda la obra de Gordillo es una interrogación continua de lo que sucede a su alrededor, que parece realizada, como la escritura de Perec, y al decir de Nettel, para un espectador ideal a quien no es preciso explicarle nada.

Luis Gordillo, Dúplex, 2002. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, Dúplex, 2002. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

La fotografía es una buena herramienta para inventariar lo habitual. Aunque no siempre ha sido estrictamente así desde que Gordillo decidió incorporarla en su obra, en los años sesenta del siglo XX. Como el propio artista ha señalado, la fotografía es un instrumento especialmente eficaz en el interminable desarrollo procesual de su pintura por dos razones fundamentales: le permite huir de la esquizofrenia del color, y facilita la introducción natural del azar y el automatismo. Técnica clave en su laboratorio experimental, Gordillo también ha utilizado la fotografía para registrar el proceso pictórico. Algunos de sus cuadros testimonian los hallazgos que aporta la fotografía;  y el color de la pintura transforma el de las fotografías.

Exposición de Luis Gordillo en la Galería Carolina Rojo, Zaragoza.

Exposición de Luis Gordillo en la Galería Carolina Rojo, Zaragoza.

G/K es el título de la serie fotográfica que Luis Gordillo inició en 2013. Todas las cosas de su entorno cotidiano tienen cabida en ella, hasta configurar una topografía atenta a lo habitual de lo que se vive. El paisaje de su jardín, la mesa de ping pong, la piscina, fragmentos de sillas o tazones, fragmentos de cómic, los escenarios de sus viajes…,, son algunos de los motivos que conjugan la composiciones visuales, seductoramente extrañas en un espacio abierto a múltiples líneas de fuga de sedimentación temporal compleja que, en ocasiones, organiza en imágenes dobles. Quizás no sean más que respuestas a preguntas fragmentarias apenas indicativas de un método, que diría Perec, pero esenciales para captar nuestra verdad.

Chus Tudelilla

Luis Gordillo, G/K 13 c, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, G/K 13 c, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

 

Colectividades y formas contemporáneas de lo social

Simposio: Colectividades y formas contemporáneas de intervención social
25 de octubre de 2013
Coordinado por: José Luis Pérez Pont
Con la participación de: Javier Martín Jiménez (Hablar en arte), Lurdes Fernández (Off Limits), Núria Güell y Chus Tudelilla.
Horario: 11-14 h. y 16-19.30 h.

Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón de la Plana

Con el propósito de aproximarnos a otras formas de gestión de proyectos e
intervención en ámbitos sociales, planteamos un acercamiento a modelos que
desde la colectividad o con la colectividad muestran enfoques plurales que
rompen con la idea del comisariado individual, evidenciando el agotamiento de
la figura del comisario “estrella”, así como las posibilidades que ofrecen estos
enfoques más horizontales aplicados al terreno de lo contemporáneo.

Programa:

Lo público es nuestro / 11.00 h
La calle es el lugar de todos, en ella se manifiesta la diversidad y la pluralidad
de una sociedad, sin embargo son numerosos los signos que pugnan en el
espacio público por definir unas formas de vida que reafirman lo individual
sobre cualquier noción de colectividad. Es precisa una relectura crítica de
nuestro entorno social y político.

José Luis Pérez Pont
Crítico de arte y comisario.
Co-director de MAKMA Revista de artes visuales y cultura contemporánea.
Desarrolla proyectos de edición y comisariado desde un enfoque de análisis y
prospección socia. Entre sus proyectos destaca “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”, “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”, “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. En el ámbito del arte público, trabaja en diferentes convocatorias de intervención en el espacio público urbano. Desde 1998 comisaría anualmente Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, en la Universitat de València. Entre 2001 y 2004 dirigió Proyecto Calle, convocatoria de arte público de Peralta (Navarra). Desde 2006 dirige Intracity, arte público y mediación social (Xarxa Joves.net).

Comisariado desde la colectividad / 12.30 h
En la actualidad, la figura del “comisario individual estrella”, aunque sigue y
seguirá existiendo, comienza a estar en entredicho y evidencia un agotamiento
frente a otros modelos que buscan enfoques plurales y muchas veces más
horizontales. Una de las líneas de trabajo de la asociación hablarenarte: propone una ruptura con sistemas tradicionales, firmando comisariados de manera colectiva, conceptualizados por todo el equipo de hablarenarte:, o poniendo en marcha proyectos que provoquen otra forma de trabajo. Es el caso, por ejemplo, de “Curators’ Network”, un proyecto europeo que lleva ya tres años generando una red de colaboración entre comisarios, que da a conocer a artistas de diferentes países y facilita la conexión entre profesionales del arte internacional creando una comunidad. O el proyecto “Jugada a 3 bandas”, que fomenta el comisariado de exposiciones en galerías de arte privadas, lo que fuerza al comisario a adaptarse a un contexto diferente al que habitualmente trabaja.

Javier Martín Jiménez
Miembro fundador de la asociación hablarenarte: (www.hablarenarte.com) y responsable de la gestión de proyectos como “Curators’ Network” (www.curators-network.eu), “Jugada a 3 bandas” (www.a3bandas.org), “Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico” (www.ingrafica.org) o Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), entre otros.
Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, ha sido
coordinador general de PHotoEspaña 2007, donde previamente fue director de
actividades (PHE06 y PHE05). Anteriormente fue coordinador de redacción de la
Revista Doce Notas y colaborador de publicaciones especializadas como Lápiz y Sublime. Es miembro fundador y secretario de la federación de asociaciones
culturales de Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

La ética de las consecuencias como lugar de resistencia / 16.00 h
Con un posicionamiento estricto orientado a generar mecanismos para la
disidencia, el trabajo de Núria Güell aborda y reformula los límites de la
legalidad, detectando los abusos de poder cometidos por las Instituciones que
nos gobiernan a través de la legalidad establecida. Sus proyectos se desarrollan
como tácticas disruptivas en contextos específicos que alteran las relaciones de
poder instauradas, donde siempre se involucra, colabora o se alía con agentes o
colectividades, creando redes multidisciplinarias.

Núria Güell
Graduada en Artes por la Universidad de Barcelona, continúa sus estudios en la
Cátedra de Arte de Conducta en La Habana bajo la dirección de Tania Bruguera. Su trabajo se ha exhibido en La Bienal de La Habana, de Pontevedra, de Liubliana y Liverpool, así como en la Trienal de Tallin, y en museos de Barcelona, La Haya, Madrid, Hertogenbosch, París, Nueva York, Chicago, Miami, Formigine, Londres, Estocolmo, Estambul, Leipzig, Bucarest, Zagreb, Cali y Lima así como en diversos centros sociales auto-gestionados.

Co-creando cultura / 17.15 h
“Hola estás haciendo 1 peli” es una experiencia de creación audiovisual
participativa, una categoría creciente de proyectos que, basándose en los
principios de colaboración, co-creación y participación transforman el papel del
espectador y desestabilizan desde la práctica los roles y relaciones de poder
comúnmente aceptados en el desarrollo y recepción de un proyecto artístico o
cultural. ¿Herramientas de empoderamiento y transformación social?
¿consecuencias lógicas de la era de la información? ¿o nuevos y más
sofisticados modelos de imposición de imaginario?. Durante el encuentro
analizaremos “Hola estás haciendo 1 peli” y otros proyectos participativos
desarrollados con la mediación de Off Limits, y las preguntas que generan en
torno al papel de la cultura y sus agentes en la sociedad red.

Lurdes Fernández
Licenciada en Bellas Artes por el San Francisco Art Institut, es Directora de Off
Limits, espacio independiente situado en Madrid dedicado a la experimentación
artística en el ámbito de las artes visuales y escénicas y empresa dedicada a la
mediación cultural.
Lurdes ha sido Directora Técnica de Artistas Visuales Asociados de Madrid
(AVAM) y Gerente de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España
(UAAV). Previamente colaboró con galerías de arte como Malborough, Max
Estrella y Bárcena & Cia. En el apartado de producción y exhibición artística,
dirigió MAD.03, y ha desarrollado dos proyectos independientes: Espacio de
Arte Garage Pemasa (1999-2001) y espacio Off Limits (2006-actualidad).

Colectivo Brecht / 18.30 h
“A fines de los años veinte, cuando el concepto de colectivos literarios y teatrales se convirtió en una moda, esencialmente en Berlín, le dije en una ocasión: ‘para ti el colectivo es un grupo de personas inteligentes que contribuye a lo que una persona quiere; o sea, lo que tú quieres’. Él reconoció con su peculiar pícara sonrisa que podría no estar demasiado equivocado en ello”. El testimonio del escritor Carl Zuckmayer incide en la importancia determinante que lo colectivo tuvo en la obra de Bertolt Brecht, quien señaló que “el acto creativo se ha convertido en un proceso de creación colectiva, un continuo de naturaleza dialéctica en el que la invención original en sí misma, ha perdido gran parte de su importancia”. Y no obstante, la autoría de Brecht se impuso a la de sus colaboradores, cuyos nombres apenas son conocidos o completamente desconocidos. La conferencia “Colectivo Brecht” vindica a las personas que colaboraron en sus proyectos, e interroga las posibilidades del concepto colectivo.

Chus Tudelilla
Doctora en historia del arte por la Universidad de Zaragoza, comisaria independiente de exposiciones y crítica de arte.
La investigación es el instrumento eficaz en su aproximación al arte español de los siglos XX y XXI. Ha atendido a las manifestaciones artísticas y visuales de las vanguardias históricas y del periodo de posguerra. Su tesis doctoral está dedicada a la figura de Mathias Goeritz en España. Asimismo ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas de artistas actuales, y es autora de numerosos ensayos. En la actualidad trabaja en proyectos que hunden sus raíces en Bertolt Brecht y Walter Benjamin.

INSCRIPCIÓN
PRECIO: 20 €
PRECIO AMICS DEL EACC: 14 €
INSCRIPCIÓN PREVIA: EACC a través de la pagina web. actividades@eacc.es
FORMA DE PAGO: mediante depósito en BANKIA, nº de cuenta 2038 6452 83
6000022900. Al realizar el pago, es necesario indicar el nombre y apellidos del
titular, además del título del simposio para el que se hace el ingreso.
FIN DE LA INSCRIPCIÓN: 23 de octubre o cuando se cubran las plazas.
PLAZAS LIMITADAS
PARA MÁS INFORMACIÓN: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Carlos García Peláez. Spray. Graffiti técnico, spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Carlos García Peláez. Spray técnico. Spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Symposium: Contemporary Collectives and Forms of Social Intervention

25 October 2013
Times: 11:00 am - 2:00 pm & 4:00 - 7:30 pm

Coordinated by:
José Luis Pérez Pont

With the goal of engaging with other forms of project management and intervention in various social fields, we wish to afford a vision of different models which, from or with collectives, will rehearse multifaceted approaches that break away from the idea of the individual curatorship, laying bare the exhaustion of the “star” curator, while at once examining the potential of these more horizontal approaches applied to contemporary fields of interest.

The Public is Ours / 11:00 am
The street belongs to everyone. It is the place that best expresses a society’s diversity and plurality. That said, there are many signs in the public space striving to define forms of life that reaffirm the individual over any notion of the collective. The situation calls for a critical rereading of our social and political environs.

José Luis Pérez Pont
Art critic and curator
Co-editor of MAKMA visual arts and contemporary culture magazine. Works with publishing projects and curatorships from the perspective of social research and analysis with public and private institutions. Among his projects are “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”; “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”; “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. In the field of public art, he works with various projects for intervention in the urban public space. Since 1998 he has curated the annual Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, at the University of Valencia. Between 2001 and 2004 he directed Proyecto Calle, a public art initiative in Peralta (Regional Government of Navarra / Town Council of Peralta). Since 2006 he has directed Intracity, a public art and social mediation project (Xarxa Joves.net).

Curatorship from the Collective / 12:30 pm
At the current moment, the “individual star curator”, while still very much alive and expected to live for quite some time yet, is beginning to be questioned and there are certain signs of exhaustion in comparison with other models that look for more plural and more horizontal approaches. One of the working lines of the association hablarenarte: advocates a break with conventional systems, addressing curatorship from a collective stance, conceptualised by the whole team of hablarenarte: or implementing projects that are able to introduce other ways of working. This is the case, for instance, of “Curators’ Network”, a European project already with three years experience in creating a collaborative network among curators, focusing on artists from different countries and facilitating connections between international agents in the art world in order to form a community. Another example is the project “Jugada a 3 bandas”, which encourages curated exhibitions in private art galleries, thus forcing the curator to adapt to a context other than the one in which he usually operates.

Javier Martín Jiménez
Founding member of the association hablarenarte: (www.hablarenarte.com) and in charge of managing projects like Curators’ Network (www.curators-network.eu), Jugada a 3 bandas (www.a3bandas.org), Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico (www.ingrafica.org) and Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), among others.
After graduating with a degree in History of Art from Universidad Autónoma de Madrid, he went on to become general coordinator of PHotoEspaña (PHE07), where he had previously held the post of director of activities (PHE05; PHE06). Prior to that he had worked at the magazine Doce Notas as editorial coordinator as well as contributing to the magazines Lápiz and Sublime. He is a founding member and secretary of the federation of cultural associations of Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

Co-creating Culture / 4:00 pm
“Hola estás haciendo 1 peli” is an experience of participative audiovisual creation, a growing category of projects based on the principles of collaboration, co-creation and participation that is transforming the role of the spectator and destabilising, from the practice, the commonly accepted roles and power relations in the development and reception of an art or cultural project. Are they tools for empowerment and social transformation? Or the logical consequences of the information era? Or new and more sophisticated models of imposition of imaginary? During the encounter we will analyse “Hola estás haciendo 1 peli” and other participative projects developed with the mediation of Off Limits, and look at the issues that arise around the role of culture and its agents in the network society.

Lurdes Fernández
Graduate in Fine Arts from the San Francisco Art Institute, is Director of Off Limits, an independent space located in Madrid dedicated to artistic experimentation in the field of visual and performing arts and a company dedicated to cultural mediation.
Fernández has been Technical Director of AVAM (Associated Visual Artists of Madrid) and Manager of UAAV (Union of Associations of Visual Artists of Spain). She has also worked with art galleries like Marlborough, Max Estrella and Bárcena & Cia. In the field of artistic production and exhibition, she directed MAD.03, and has developed two independent projects: Espacio de Arte Garage Pemasa (1999-2001) and Espacio Off Limits (2006-ongoing).

“The Ethics of Consequences as a Place of Resistance” / 5:15 pm
Based on a strict positioning conceived to generate mechanisms for dissidence, the work of Núria Güell addresses and reformulates the limits of legality, focusing on the abuses of power committed by the institutions that govern us through established legality. Her projects are conceived as disruptive tactics in specific contexts to alter established power relations, in which she is always involved, collaborates or allied with agents or collectives, creating multidisciplinary networks.

Núria Güell
A graduate in Art from the University of Barcelona, Güell furthered her studies at Cátedra Arte de Conducta, the performance and time-based arts studies program in Havana under Tania Bruguera. Her work has been exhibited at the biennials in Havana, Pontevedra, Ljubljana and Liverpool, as well as in the Triennial in Tallin, and in museums in Barcelona, The Hague, Madrid, Hertogenbosch, Paris, New York, Chicago, Miami, Formigine, London, Stockholm, Istanbul, Leipzig, Bucharest, Zagreb, Cali and Lima as well as various self-run social centres.

The Brecht Collective / 6:30 pm
“In the late twenties, when the concept of literary and theatrical ‘collectives’ became fashionable, especially in Berlin, I once said to him: ‘For you the collective is a group of intelligent people who contribute to what one person wants—that is, what you want.’ He admitted, with his peculiar sly smile, that I might not be so far wrong as that.” The testimony of the writer Carl Zuckmayer reveals the critical importance that the collective had in the work of Bertolt Brecht, who claimed that “the act of creation has become a collective creative process, a continuum of a dialectical sort in which the original invention, taken on its own, has lost much of its importance.” Nonetheless, Brecht’s authorship imposed itself over his collaborators, whose names are barely known if not completely forgotten. “The Brecht Collective” conference defends the people who worked on his projects, and questions the possibilities of the collective concept.

Chus Tudelilla
A doctor with a PhD in History of Art from the University of Zaragoza, Tudelilla is a freelance exhibition curator and art critic.
Research is her most effective tool in addressing 20th and 21st century Spanish art, focusing on artistic and visual expressions of the historical avant-gardes and the post-war period. Her doctoral dissertation was on the figure of Mathias Goeritz in Spain. She has curated many one-person and group exhibitions of contemporary artists, and has penned countless essays. At the current moment she is working on projects related with Bertolt Brecht and Walter Benjamin.

ENROLMENT
FEES: €20
FEES FOR MEMBERS OF AMICS DEL EACC: €14
PRE-INSCRIPTION: by email actividades@eacc.es
PAYMENT: to BANKIA, account number 2038 6452 83 6000022900. When making payment, please specify name and surname, as well as the title of the symposium.
DEADLINE FOR ENROLMENT: 23 October or until places are filled.
PLACES LIMITED
FOR MORE INFORMATION: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Suwon Lee. The darkness of light

Suwon Lee. “The darkness of light”
Galería Fernando Pradilla, Madrid

Hasta el 13 de julio de 2013

En el marco de la edición del festival internacional de fotografía y artes visuales, PhotoEspaña 2013, la Galería Fernando Pradilla presenta la primera exposición individual en nuestro país de la artista venezolana Suwon Lee. Bajo el título “The darkness of light” se agrupan nueve fotografías y una caja de luz de la reciente producción de esta joven artista, nacida en Caracas en 1977.


Desde que en 2004, Lee realizara su primera exposición individual en Caracas, esta artista ha continuado presentando su trabajo en bienales, encuentros y ferias internacionales en Venezuela, Brasil, Colombia y Estados Unidos. Asimismo ha realizado exposiciones individuales en su país natal, y formado parte de numerosas exposiciones colectivas en Panamá, Francia, Perú, España, entre otros. En el 2006, Suwon Lee participa en el CAMPUS PHE, donde realiza un taller con el fotógrafo alemán Axel Hütte, y desde entonces realiza residencias anuales viajando a diferentes destinos en España, Perú, Venezuela e Islandia.


El proyecto que Suwon Lee presenta para PhotoEspaña 2013 se centra en los astros y fenómenos lumínicos del universo boreal. La artista muestra su interés por las relaciones que se establecen entre el hombre y la naturaleza, por las respuestas emocionales que ésta suscita,  y por la constatación del individuo de la insignificancia y transitoriedad de sus problemas frente a la eternidad del universo. Lee se detiene en esta eternidad a través de la luz que emana de los astros y en el encuentro que se produce entre la oscuridad y la luz, resaltando la aparente contradicción que se crea entre la oscuridad en la luz y la luminosidad en lo oscuro.


A partir de una larga exposición fotográfica, capaz de captar imágenes y matices no perceptibles por el ojo humano, la artista consigue crear atmósferas de carácter pictórico. Su propósito de pintar con la luz, se manifiesta con especial nitidez en las diferentes obras de esta exposición; unas veces captando las múltiples variaciones de la luz, afectada por factores climáticos y geográficos, otras veces, recreando las gradaciones cromáticas del cielo, o estableciendo un  rejuego entre la presencia advertida o sugerida de la figura humana ante ese universo de oscuridad o luz.

El tiempo suspendido

El Tiempo suspendido. Programa Off PHotoEspaña
Artistas: Álvaro Deprit (Madrid, 1977), Jesús Madriñan (Santiago de Compostela, 1984), Tomás Miñambres (Gijón, 1971), Jordi Ruiz Cirera (Barcelona, 1984) y Marta Soul (Madrid, 1973)
Galería Paula Alonso, Madrid
Comisaria: Ana Robledillo
Hasta el 31 de julio de 2013

Jordi Ruiz Cirera. Mennonities_04. 80 x 110 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Jordi Ruiz Cirera. Mennonities_04. 80 x 110 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

El tiempo suspendido aborda como la fotografía contemporánea se acerca a la sobremodernidad y es capaz, en algunos casos, de dotar al momento de un presente, de un pasado y un futuro. Según Mumford es el reloj y no la máquina de vapor la máquina clave de la edad moderna. El proceso de desidentificación que acontece actualmente viene determinado por la sensación de pérdida o ausencia y cuya expresión culminante de ese proceso es el sentimiento del tiempo como un estrecho espejo sin apenas reflejo. Recuperar la densidad del tiempo, dotar al presente con la consistencia del recuerdo y el estímulo del futuro, supone ganar espacios donde habitar los sentidos de la existencia * (José Jiménez, la vida como azar).

Tomás Miñambres. ST. Niña y globos. 106 x 120 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Tomás Miñambres. ST. Niña y globos. 106 x 120 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Ese “lugar” donde morar puede ser “Case Famiglia” (Centro de acogida para menores) donde adolescentes extranjeros intentan sobrevivir a una de las fases más importantes de la vida: el paso de la infancia a la edad adulta. Álvaro Deprit fotografía un periodo suspendido entre el pasado y el futuro, con cambios sustanciales en su entorno, en el cual se concentran tensiones y reflexiones. Es curioso, como también, los Menonitas de Bolivia se enfrentan a una nueva era. Jordi Ruiz Cirera nos habla de una comunidad que busca su nuevo espacio entre las jóvenes generaciones y sus ancestros, como adaptar el “camino trazado” a un tiempo sobredimensionado y en conflicto permanente con sus costumbres.

Álvaro Deprit. Suspensión_016. 80 x 60 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Álvaro Deprit. Suspensión_016. 80 x 60 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Tanto Tomás Miñambres como Jesús Madriñán exploran una etapa de transformación del individuo, de la fijación de los recuerdos y la formación de la identidad. Miñambres se aproxima a ese tiempo de la infancia en la que el niño empieza a construir su yo. Imágenes de la cotidianidad que reflexionan sobre lo “real”, un tiempo suspendido en el que todo es presente. Sin embargo, la obra de Madriñán, más pausada e inmóvil, nos advierte de que el tiempo se desliza imperturbable, materializa recuerdos para que podamos acariciarlos antes de que se desvanezcan en el olvido.

Jesús Madriñan. Hot body contest. Winter. 90 x 72 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Jesús Madriñan. Hot body contest. Winter. 90 x 72 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Ventanas a través de las cuales acceder a los recuerdos endulzados por la mentira de la memoria: lo peor de los finales no suelen ser ellos mismos sino su anticipación* (J.Madriñan, breve fragmento).

La serie “Entreacto” de Marta Soul, expone a sus personajes a un final dramático y enigmático, la propia incertidumbre representada por sus parejas hace de su presencia el arma que indica que algo ha ocurrido o que algo está por ocurrir.

Álvaro Deprit, Jesús Madriñán, Tomás Miñambres, Jordi Ruiz Cirera y Marta Soul son creadores de itinerarios, de “lugares” donde la mirada no se pierde y el horizonte no es un tren en movimiento, en definitiva, un espacio en el que el reflejo del espejo es capturado para que se tome el tiempo que haga falta…

Marta Soul. Ende. 131 x 105 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso

Marta Soul. Ende. 131 x 105 cm. Imagen cortesía galería Paula Alonso