Irene van de Mheen, dibujos reconectados

Some spaces even have wings (but they never fly), Irene van de Mheen
Galería Aural, Alicante
Del 25 de octubre al 10 de diciembre de 2014

La artista Irene van de Mheen expone por primera vez en la galería Aural bajo el título Some spaces even have wings (but they never fly) donde muestra dibujos y collages realizados en los últimos años así como una intervención in situ, realizada directamente en el espacio de la galería. La sensibilidad contemporánea ha presentado una vigorosa reconexión con el dibujo. De alguna manera la historia del dibujo contiene la idea de proceso, aunque no siempre tiene como implícita esa noción, pues el dibujo se ha vuelto autónomo, se ha liberado de su destino de soporte, y ahora muestra su cara independiente.

En su trabajo Irene van de Mheen explora las posibilidades y limitaciones del dibujo e investiga la relación entre el espacio físico y su traducción en una superficie plana, así como las fronteras entre la ilusión y la realidad. Irene indaga en la búsqueda de otro espacio, el espacio del otro, en la necesidad de una habitación propia, sin tiempo, un lugar para pensar.

Instalación de dibujos medidas variables, 2014

Instalación de dibujos medidas variables, 2014

Ante todo se trata de un trabajo visual; a través de la forma, el color y el material surgen dibujos de construcciones espaciosas donde el azar, la intuición y lo imperfecto tienen un papel importante. Duchamp dijo que el arte se concibe no tanto como una cuestión de morfología como de función, no tanto de apariencia como de operación mental, donde lo que interesan son los proyectos, los procesos, las relaciones, los juegos mentales, las asociaciones, las comparaciones, donde se desplaza el énfasis sobre el objeto a favor de la concepción, donde la ejecución es irrelevante. Su obra abarca desde íntimos dibujos y collages sobre papel a monumentales trazados en la pared, la continuación o expansión de la hoja de papel, componiendo así historias abstractas, creando el espacio más allá del espacio. No se trata sólo del dibujo expandido, ese que ha buscado salirse de los soportes y materiales tradicionales para llegar al diseño, a la arquitectura, sino el generar un espacio para el dibujo habitable, transitable, explorando la relación entre lo bidimensional y lo tridimensional: el dibujo como experiencia espacial.

 Drawings, 2014  Acuarela sobre papel  40 x 40 cm

Drawings, 2014 Acuarela sobre papel 40 x 40 cm

La artista se centra en un riguroso examen en la relación espacio arquitectónico y superficie plana. Se genera así un campo visual de representación en un marco de paisaje arquitectónico donde el concepto de dislocación es el del espacio transformado en otro ya no reconocible. Si Richard Long y Hamish Fulton desarrollaron el concepto de estructuras mentales en sus pasos por la naturaleza, Irene plantea el dibujo mental en su paso por los interiores de las arquitecturas.

A Quemarropa funciona!

Tras el cierre de la primera semana de Residencias A Quemarropa, con la visita de Luisa Pastor, Aurelio Ayela, Javi Moreno, Javier Duero y Javier Palacios, la transformación de Parking Gallery, de galería de arte a taller y showroom artístico sigue su proceso hasta el 26 de julio.

Javi Moreno en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Javi Moreno en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Para ayudar a la promoción artística y las relaciones profesionales de los residentes, la organización de Residencias A Quemarropa ha elaborado una agenda de formación, tutorización y visitas. Esta se inicio el pasado lunes 7 de julio, donde los residentes pudieron hablar y compartir experiencias tanto laborales como personales con artistas como Luisa Pastor, Aurelio Ayela, Javi Moreno y Javier Palacios, cerrando la semana con la intervención de Javier Duero. Tras el cierre de la primera semana se entablan las primeras sensaciones, según la organización, “ésta es una manera de entablar un engranaje intergeneracional de lazos entre los diferentes profesionales del sector, de intentar acercar a diferentes agentes artísticos bajo un mismo techo, en Alicante, y con el objetivo de  impulsar una unión que revitalice y empuje la gestión cultural y el desarrollo de proyectos de calidad.  Desde visitas privadas a los residentes, hasta un número de jornadas de puertas abiertas, A Quemarropa busca convertirse enuna plataforma de encuentro para los artistas de la zona (pretendiendo abrir su campo hacia un panorama más nacional e internacional)”.

Luisa Pastor en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Luisa Pastor en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Siguiendo la agenda programada, durante las dos siguientes semanas el público podrá visitar la galería diariamente a partir de las 19:00h de la tarde, teniendo la oportunidad de hablar y compartir experiencias directamente con los artistas residentes.  Como parte especial del proyecto, los residentesmostrarán en una pequeña presentación abierta al público dossiers de su obra durante los días 17, 18 a partir de las 18:00 h. y 24 de julio  que se realizarán en la sala Freaks a las 19.00h.

El jueves 17 a las 19:00h Residencias A Quemarropa celebrará una mesa redonda para debatir sobre el funcionamiento y la elaboración de espacios y proyectos culturales independientes, contando con los puntos de vista de Luisa Martí (La ballena Imantada), Natalia molinos (Freaks Bar), José Luís Carrillo (Mistos), Carlos Balsalobre (l’espai), Patricia Navarro (El paseo Vintage), Francisco Sarabia (Diario de un ocioso), Ana Alarcon (Revista 34).

A lo largo del resto de la residencia, los seleccionados continuarán con una serie de visitas de artistas plásticos (Olga Diego, Pablo Bellot, Elio Rodríguez y Susana Guerrero), galeristas, críticos y comisarios (José Luis Pérez Pont, Galería EspaiTactel, Galería T20 y Galería Aural). Entre otras colaboraciones Mistos permitirá el uso del plato de fotografía de sus instalaciones.

Aurelio Ayela en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Aurelio Ayela en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Anna Bella Geiger. Ni más ni menos

Anna Bella Geiger. Circa MMXIV: ni más ni menos
Galería Aural
Labradores, 14. Alicante.
Inauguración: 26 de abril a las 20:00 h.
Hasta el 30 de junio de 2014

Circa MMXIV: ni más ni menos, es la primera exposición individual de la artista en España, una muestra expositiva que se entiende como un viaje por los pasajes de su producción artística desde los años 70 hasta algunas de sus piezas más actuales.

Circa es un término que la Anna Bella Geiger viene empleando desde el 2005 en las exposiciones que formulan un recorrido de una trayectoria que abarca toda la segunda mitad del s. XX hasta principios del s. XXI, que permite otros modos de relativizar obras elaboradas a través de diversas décadas, sin que ello perjudique a sus significados concretos y esenciales.

Anna Bella Geiger, "Local com ondas e meridianos". Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Local com ondas e meridianos». Imagen cortesía de la galería.

Geiger opta por la organización de su poética en series temáticas mediante la representación de los mapas, cuyo carácter icónico se tensa para crear una verdadera “topografía del arte” (el lugar del arte como geografía y la geografía como lugar de arte) en su abstracción planimétrica, en el trazado imaginario de meridianos, paralelos, planisferios, etc. y, simultáneamente, problematizar las delimitaciones culturales, históricas, políticas y sociales), para articular un discurso territorial en el cual confrontar los conceptos de identidad y alteridad, cultura nacional, el lugar del artista en la sociedad, la constitución del circuito del arte en Brasil y su posición en el mundo.

La artista revela las contradicciones del sistema representacional de la cultura y desconfía de la misión pedagógica de la imagen del nativo de Brasil.

Anna Bella Geiger, "Historia do Brazil. Little boys and girls". Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Historia do Brazil. Little boys and girls». Imagen cortesía de la galería.

Los años 70 son una etapa de debate profundo en la relación entre la cultura brasileña (periférica) y las culturas europeas y norteamericanas (centralizada). Con sus mapas híbridos, visionarios y críticos, repletos de un clamor anticolonialista, Anna Bella refrenda la ya conocida máxima del uruguayo Torres García, que, al proponer un mapa de América latina cabeza abajo, proclamó que el Sur es el Norte, y viceversa. Toda su obra refleja la idea de la descolonización. Esta preocupación de la artista relaciona la identidad cultural con el espacio vivido, tan evidente y coherente con nuestro mapa político actual.

Estimulada por las cuestiones suscitadas por el arte conceptual y el momento político vivido, su producción de la década de 1970 está marcada por un carácter eminentemente experimental: fotograbado, fotografía fotomontaje, serigrafía, fotocopia, tarjetas postales, vídeo, Súper 8, lo que la lleva posteriormente a trabajar toda una serie de formas híbridas (objeto-esculturas, grabado-objeto, fotografía-objeto, foto-collage, foto-instalación, vídeo-instalación), en el sentido de desdibujar fronteras entre ellos y con la idea de pasaje, del retorno a lo nómada, el exilio y de movimiento continuo. Tal vez por ser hija de inmigrantes y vivir en Río de Janeiro, se ocupa de la problemática de la adaptación, la mimesis, el intercambio y la ubicuidad, la búsqueda de lo global en lo local y viceversa. En los trabajos que dialogan con las vertientes conceptuales al indagar sobre el carácter ontológico del arte, Anna Bella Geiger interroga también los sistemas culturales y políticos que crean y perpetúan el arte.

Anna Bella Geiger, "Historia do Brazil. Little boys and girls". Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Historia do Brazil. Little boys and girls». Imagen cortesía de la galería.

Geiger desarrolla una poética contemporánea del espacio, pero la condición doblemente contemporánea de la artista se evidencia en el planteamiento de la liberación de la autonomía del arte y de la especificidad de los medios como géneros cerrados manteniendo el pulso con cada uno de ellos en la tentativa de establecer interdependencias. Anna Bella atraída por el carácter intimista y subjetivo del vídeo, y el juego metalingüístico, polemiza acerca de las narrativas de las producciones televisivas de entonces donde el consumismo y la pasividad propagada por la cultura de masas reproducía una visión contraria a la realidad cotidiana.

Anna Bella Geiger, "Local Da açao nº 1" (1979). Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Local Da açao nº 1» (1979). Imagen cortesía de la galería.

El vídeo es una herramienta de experimentación. Ello se evidencia en la “suciedad” de la calidad de la imagen y el sonido ambiente. Utiliza el dispositivo tecnológico para registrar una acción-operación donde hace frente a la presencia de otra frontera, la del tiempo. Aquí la artista es la protagonista de tres acciones que no son concebidas como performances, pues el uso del cuerpo no está concebido ni como un medio de expresión personal ni como soporte-, sino como simulacro. Los vídeos siguen el camino de la ironía, se tornan símbolos de resistencia y protesta hacia el régimen militar. Todo ello nos indica que Anna Bella Geiger adopta una postura crítica elaborada mediante la serie, la variación, mutación y repetición, cuestiones que le permite desarrollar a través del vídeo o del grabado como medios propicios a la seriación y multiplicidad, constituyendo la configuración formal de su trabajo.

Anna Bella Geiger, "Passagens" (frame del primer vídeo que realizó en 1974). Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Passagens» (frame del primer vídeo que realizó en 1974). Imagen cortesía de la galería.

Esta exposición propone una aproximación hacia la comprensión de la historia entre América del Sur y Occidente, puesto que la herida colonial señala las ausencias con las que se ha narrado la historia.

Anna Bella Geiger, "Sobre nácar com onda". (2014. Concha marina y mapamundi en plomo. Fotógrafo: Ruber Seabra). Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «Sobre nácar com onda». (2014. Concha marina y mapamundi en plomo. Fotógrafo: Ruber Seabra). Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, 1933), considerada una de las más importantes artista contemporáneas brasileñas, ha dedicado toda su carrera a la investigación y experimentación artística entorno al debate arte y sociedad, y como docente a la formación de nuevas generaciones. Fue una de las primeras artistas conceptuales y pionera en la utilización del vídeo en Brasil.

Anna Bella Geiger, "O Pao Nosso de Cada Dia" (1978). Imagen cortesía de la galería.

Anna Bella Geiger, «O Pao Nosso de Cada Dia» (1978). Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta y la fotografía de ficción

Paula Anta. In Schwarz
Galería Aural
C/ Labradores, 14. Alicante.
Inauguración: 8 de febrero a las 20.30 h.
Hasta el 28 de marzo de 2014.

Paula Anta presenta su primera exposición individual en la galería Aural, donde muestra dos de sus últimas series fotográficas L’Arquitecture des Arbres, Edera y una intervención site specific. Paula Anta trabaja en series a partir de argumentos que luego desarrolla in situ. Trabajos para los que hace investigaciones previas, de las que obtiene el programa de su trabajo. Un tipo de fotografía, que a veces se ha llamado «documental conceptual» y otras veces «fotografía de ficción», en la que la preparación de la imagen es la clave del resultado. El Viaje, la Naturaleza y la Artificialidad unida a las Estructuras creadas por el hombre, la Historia y el Paisaje, son los temas que configuran el trayecto de su obra.

Paula Anta, Serie L'Arquitecture des Arbres, 2013. Installation made of a painted tree with black acrylic / C-print, 120 x 165 cm. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta, Serie L’Arquitecture des Arbres, 2013. Installation made of a painted tree with black acrylic / C-print, 120 x 165 cm. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta,  Serie L’Arquitecture des Arbres, 2013. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta (Madrid, 1977) es Doctorada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se ha mostrado a nivel nacional en Photoespaña, Palma Photo, CCCB, Matadero, Tabacalera, Círculo de Bellas Artes, Real Jardín Botánico de Madrid, Academia de San Fernando, Centro de Arte Moderno Hospital del Rey, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Canal de Isabel II, Palacio Revillagigedo de Gijón o el Centro Cultural de la Diputación de Ourense, entre otros. Ha participado en ferias tanto nacionales como internacionales, como Arco, Just Madrid, Estampa, Loop, Foro Sur, Arteba o Diva en Nueva York. Ha ganado los premios y becas de la Fundación Aena, Comunidad de Madrid, Iniciarte, Purificación García e Injuve.Además, ha sido profesora de fotografía en la facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla La Mancha. Y en los últimos años ha obtenido la beca de Ministerio de Asuntos Exteriores para la Real Academia de España en Roma y del Colegio de España en París.

Paula Anta, Casa. Imagen cortesía de la galería.

Paula Anta, Casa. Imagen cortesía de la galería.

Transducciones: paisajes que desvelan historias olvidadas

José Miguel Carrera. Stephen Tourlentes. Paco Valverde. TRANSDUCCIONES
Galería Aural
C/ Labradores, 17. Alicante
Inauguración: el 23 de noviembre a las 20:30h
Hasta el 11 de enero 2014

Creo que nos quedamos ciegos, creo que estamos ciegos, ciegos que ven, ciegos que, viendo, no ven” – José Saramago

La fotografía ha estado siempre vinculada a la idea de captación de la realidad, condicionada por sus propios mecanismos técnicos y obviando la subjetividad del fotógrafo. Tenemos la necesidad de identificar, lo que nos lleva errónamente a reconocer, poniéndonos a salvo de esas inquietantes subjetividades, que son las creaciones que desentierran las visiones que subyacen bajo lo aparentemente visible. Se produce pues una fractura o fisura en los procesos de traslación entre la realidad y la representación dando paso a un discurso nuevo, distinto y sorprendente, un espacio para la construcción de una nueva realidad que proviene de una experiencia simbolizada y construida.

El título “Transducciones” responde a esa transformación, traducción, traslado o confrontación de una realidad estética visible de la imagen con una realidad pasada o presente invisible. Se trata de tres autores que abordan el paisaje no sólo como un género sino con una pluralidad de estrategias que señalan más aquello que no es visible en primera instancia, con la práctica de la investigación previa y el viaje, para finalmente construir una nueva idea o conocimiento del lugar. Los autores reflejan una serie de lugares registrados sin alteración ni apenas manipulación, donde el paisaje es entendido como microrrelato que trata de desenterrar historias destinadas al olvido.

José Miguel Carrera (Madrid, 1960) presenta dos fotografías pertenecientes a la serie “La noche boca arriba” que comenzó a finales de los años 90, durante la estancia en un centro Zen de la Alpujarra granadina. Carrera apunta: “busco la confluencia de los dos antecedentes de la representación del paisaje: “paisaje interior”, la naturaleza como provocadora de emociones, y la estética fría del documentalismo topográfico o científico. Persigo documentos estéticos deliberadamente ambiguos: falsas puestas de sol, amaneceres eléctricos, claros de luna de neón”. Son paisajes nocturnos, paisajes escotópicos donde hemos de adaptar nuestra visión para que se nos revele la imagen y desvele la huella de la presencia humana en un presente incierto y un futuro por descubrir.

Stephen Tourlentes (Boston, 1959) presenta tres fotografías de su extensa serie que lleva realizando desde 1986 sobre las cárceles en EEUU donde hay corredores de la muerte. La noche parece también como protagonista donde los largos tiempos de exposición captan finalmente unas arquitecturas de luz. La luz en la oscuridad. Estas iluminan el paisaje nocturno otorgándoles de cierta magia e incertidumbre. Se produce pues un efecto transductor en donde la recepción de una señal, de una imagen, se transforma en una idea o concepto nuevo al desentrañar la verdad, al desvelarse mediante el título, la otra verdad o realidad que se nos quiere mostrar.

Paco Valverde (Jaén, 1969) trae un par de piezas de paisajes donde aún perduran las ruinas de una ciudad antigua. Nunca como hoy en día, la recuperación de los signos del pasado nos plantean interrogantes como dónde vamos, y como Valverde desde una perspectiva contemporánea se plantea de dónde venimos. La ruina olvidada, la restaurada y protegida, desde su privilegiada posición, ya no cumple su primitiva función. Restos de ciudades que antaño fueron enclaves de una civilización, una cultura, nuestros orígenes. Esta obra en concreto hace referencia a la perdida y misteriosa ciudad de Tudmir.

Paco Valverde. Las siete ciudades de Tudmir (II). 2010.  Puebla de Mula. Murcia. Copia cromogénica s/dibond laminado mate enmarcado en caja de madera

Paco Valverde. Las siete ciudades de Tudmir (II). 2010. Puebla de Mula. Murcia. Copia cromogénica s/dibond laminado mate enmarcado en caja de madera

Son artistas que recorren el territorio a lo Hamish Fulton o Robert Smithson como paseantes del land art, donde el paso del tiempo transforma el paisaje pero también transforma el sentido y la forma de referirnos y entender esos lugares que nos permita construir nuestra propia mirada. Se establece pues un diálogo entre paisaje y cultura. Paisaje entendido como contenedor de referentes, experiencias y acontecimientos, y la cultura entendida como determinante de la forma de pensar y actuar de los humanos en su presente. Valverde apunta en su blog El tercer paisaje: “Un pequeño ajuste de realidad con el que vaciarse de su apariencia y armarse de nuevos significados”.

El viaje no termina jamás. Sólo los viajeros terminan. Y también ellos pueden subsistir en memoria, en recuerdo, en narración…El objetivo de un viaje es sólo el inicio de otro viaje” – José Saramago

ABIERTO VALENCIA en imágenes (II)

El 26 de septiembre se celebró Abierto Valencia en el Centre del Carme, organizado por La Vac, Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunitat Valenciana.

Tras la cena informal se procedió a la entrega de premios. El premio al mejor montaje expositivo fue a parar a Espai Tactel, por la exposición de Joan Morey. La empresa Gandía Blasco adquirió obra de Manuel Blázquez, de la galería Paz y Comedias, y de Mathieu Mercier, de la Galería Luis Adelantado.

En MAKMA puedes encontrar una información más amplia de la programación desarrollada en Abierto Valencia y de algunas de las exposiciones que continúan abiertas al público, en su horario habitual, en las galerías de arte asociadas a La VAC:

-Galería Paz y Comedias: Manuel Blázquez. Milímetro
-Galería Luis Adelantado: Mathieu Mercier. Desilusiones ópticas
-Espai Visor. Humberto Rivas. Works: 1978-2007
-Galería Punto. Ana Elena Pena / Sandra Paula Fernández / Rocío Verdejo. La inocencia
-Set Espai d’Art: Lucas Ulmi. Laberintos visuales
-Espai Tactel. Joan Morey. Espolones
-Galería Rosalía Sender. Valerio Adami
-Galería Cànem. Bernhard Lehmann. Pan y agua
-Galería Collblanc. Claudia Martínez. Iloveyou
-Galería Aural. Ferran Gisbert. Pintura como instalación
-Galería Mr. Pink. Tactelgraphics. Lost boys
-Galería Cuatro. Jorge Carla. Obra original
-Abierto Valencia calienta motores
-Abierto Valencia: la fiesta del arte
-Abierto Valencia: aforo completo
-Noche pletórica de Abierto Valencia

Os presentamos una galería de imágenes, a cargo de la fotógrafa Asun Bonilla, con algunos de los momentos que tuvieron lugar esa noche.

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Si quieres ver más imágenes de Abierto Valencia 2013, pincha aquí.

ABIERTO VALENCIA en imágenes (I)

El pasado 26 de septiembre tuvo lugar la primera edición de Abierto Valencia, evento organizado por LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) con motivo de la  inauguración conjunta del principio de la temporada artística de sus 20 galerías, presentando para su primera edición más de 30 artistas nacionales e internacionales.

Una celebración para el arte y la cultura, con un amplio programa de exposiciones, conferencias, recorridos, conciertos y premios en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional.

En esta edición se pudo disfrutar de las obras del conocido artista conceptual francés Mathieu Mercier en Luis Adelantado, las exquisitas fotografías del argentino Humberto Ribas en el nuevo Espai Visor, las pinturas del ya histórico Valerio Adami en Rosalía Sender, la obra de la artista peruana Andrea Canepa en Rosa Santos. Las propuestas más radicales estuvieron presentes en Mr. Pink con Tactelgraphics y Kessler Battaglia con Ferrer y Mora, el escultor suizo Lucas Ulmi en SET espai d´art, en Punto Sandra Paula, Ana Elena Pena, y Rocío Verdejo nos hablan de “La inocencia” mientras Paz y Comedias presentó la obra de Manuel Blazquez «Milímetro»; también las veteranas Benlliure Del Palau con una selección de sus artistas y Galeria Cuatro, reciente incorporación a LaVac, con la exposición de Jorge Carla BajoCabe destacar la conferencia de Manuel Segade, comisario de la sección opening de Arco, en la joven y enérgica Espai Tactel acompañando la exposición de Joan Morey, también pudimos asistir al concierto de UKE en Kir Royal. En Alicante se vieron las telas de Ferran Gisbert en Aural y en Javea las pinturas de Francesc Daranas en Isabel Bilbao y en Castellón, en Canem la obra del escultor Bernhard Lehmann y Collblanc la obra de Claudia Martínez.

Todas las exposiciones permanecen abiertas al público en el horario habitual. Puedes encontrar más información aquí mismo:
-Galería Paz y Comedias: Manuel Blázquez. Milímetro
-Galería Luis Adelantado: Mathieu Mercier. Desilusiones ópticas
-Espai Visor. Humberto Rivas. Works: 1978-2007
-Galería Punto. Ana Elena Pena / Sandra Paula Fernández / Rocío Verdejo. La inocencia
-Set Espai d’Art: Lucas Ulmi. Laberintos visuales
-Espai Tactel. Joan Morey. Espolones
-Galería Rosalía Sender. Valerio Adami
-Galería Cànem. Bernhard Lehmann. Pan y agua
-Galería Collblanc. Claudia Martínez. Iloveyou
-Galería Aural. Ferran Gisbert. Pintura como instalación
-Galería Mr. Pink. Tactelgraphics. Lost boys
-Galería Cuatro. Jorge Carla. Obra original
-Abierto Valencia calienta motores
-Abierto Valencia: la fiesta del arte
-Abierto Valencia: aforo completo
-Noche pletórica de Abierto Valencia

Os presentamos una galería de imágenes, a cargo de la fotógrafa Asun Bonilla, con un recorrido por algunas de las inauguraciones que tuvieron lugar esa agitada noche para los artistas, galeristas, críticos, comisarios, coleccionistas y amantes del arte contemporáneo.

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Si quieres ver más imágenes de Abierto Valencia 2013, pincha aquí.

Ferran Gisbert. Pintura como instalación

TEMPLO. El proceso como forma
Ferrán Gisbert

Galería Aural
C/Labradores, 17. Alicante
Hasta el 30 de septiembre de 2013

Obra de Ferrán Gisbert para 'TEMPLO. El proceso como forma'. Imagen cortesía de Galería Aural.

Obra de Ferrán Gisbert para ‘TEMPLO. El proceso como forma’. Imagen cortesía de Galería Aural.

Los trabajos de Ferrán Gisbert se fundamentan en la irradiación del color. Sus pinturas son situaciones autónomas desprovistas de anécdotas donde el espectador descubre el color y concibe la pintura como acontecimiento cromático que evoluciona en el tiempo y el espacio reales, sin ayuda de la forma y sin necesidad de soporte.

Trata la idea de pintura expandida como una necesidad de romper con los límites tradicionales del lienzo, avanzando hacia otros campos. Su obra tiene un aire de distanciamiento e impersonalidad al emplear de manera sistemática bandas verticales de diversos colores. Con este lenguaje tiende a la producción de la pintura como instalación, interviniendo en el espacio dado.

El repensar de la pintura y ésta como arquitectura, huella de un habitar o testimonio de la propia existencia son algunos de los conceptos que se desarrollan en ‘TEMPLO. El proceso como forma’.

'TEMPLO. El proceso como forma'. Imagen cortesía de Galería Aural.

Obras de Ferrán Gisbert para ‘TEMPLO. El proceso como forma’. Imagen cortesía de Galería Aural.

La noche de las galerias de arte valencianas

LA NIT DE L’ART
17 de mayo de 2013
Valencia

Las 19 galerías pertenecientes a La VAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana), organizan la segunda edición de LA NIT DE L’ART que se celebrará en esta ocasión el viernes 17 de mayo con motivo del Día Internacional de los Museos.
Su intención es crear un circuito de galerías, aunando esfuerzos, para dar a conocer, de una forma más distendida, las distintas propuestas culturales que se generan en estos espacios. Para ello, de forma excepcional, las galerías permanecerán abiertas hasta la medianoche, extendiendo el horario habitual, para así facilitar el recorrido por todas las galerías.
Entre las actividades programadas hay una amplia oferta que combina la cultura y el ocio en un ambiente festivo. Exposiciones de artistas nacionales e internacionales, inauguraciones, conciertos, premieres de videos y degustación de vinos y tapas, todo ello con una intención clara de generar un acercamiento del público en general a las galerías de arte contemporáneo.
Las galerías valencianas se encuentran repartidas en tres barrios importantes de la ciudad: Ciutat Bella, L´Eixample y Ruzafa. Las galerías de Alicante y Castellón participarán en el evento con una exposición conjunta de sus artistas en la Sala del Tossal.

Nit de l'art 2013

PROGRAMA:

GALERIA DEL TOSSAL
del 17 al 23 de mayo
Exposición: “NIT DE LES GALERIES AL TOSSAL”
Isabel Bilbao: Josep Ginestar
Cànem: Geles Mit
Collblanc: Toño Camuñas

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

ALBA CABRERA C/ Félix Pizcueta 20
Exposición: “De puño y letra” de Laura Iniesta
degustación de vinos de la bodega: LA VIÑA-ANECOOP. de FoGaleríant de la Figuera.

BENLLIURE C/ Ciril Amorós 47
Exposición: Eduardo Chillida, Obra Gráfica.

DEL PALAU C/ del Palau 10
Exposición: “Imaginadas” Matilde Alonso

KESSLER BATTAGLIA Passatge de Giner 2
Exposición: “Perder el tiempo”
de Sara Galàn y Edu Comelles
Degusta-acción Caterings Olga Padilla

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

KIR ROYAL C/ Reina Na Germana 24
Exposición: Scrapbook – Jovenes Artistas Italianos
Colaboración Con Zelle Arte Contemporanea Palermo. Vino de honor

LUIS ADELANTADO C/ Bonaire 6
Exposición: “The future through the past”
Morten Slettemeas Jon Rafman
Premiere de 3 nuevos vídeos de Jon Rafman.
(Futurist Metropolis, Op Art Shopping Mall y Yiffy Cathedral)
Vino de honor

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

PAZYCOMEDIAS Pl/ Col·legi del Patriarca 5
Exposición: Ana Esteve Llorens
Vino de honor

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

PUNTO Avd/ Baró de Càrcer 37
Exposición: Ouka Leele
Concierto de EGM presentando su último disco “Principio Activo” Ricardo Esteve (guitarra), Ribert Molina (bajo) y David Gadea (percusión)
Cortos de Ouka Leele durante la exposición
Vino de honor

ROSALÍA SENDER C/ de la Mar 19
Exposición: Guinovart
Vino de honor

ROSA SANTOS C/ de la Bosseria 21
Exposición: “Opus 2012” Juanli Carrión
Vino de honor

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

SET ESPAI D´ART Pl/ Miracle del Mocaoret 4
20:00 – 23:00h Firma de catálogos por el artista
20:00 – 24:00h Audiovisual “Pièce de résistance/
The landscape in his mind” de Ibán Ramón
Vino de honor

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d'Art

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d’Art

ESPAI TACTEL C/ Dénia 25
Exposición: “Nobody said it was easy”
Antonio Fernández Alvira
Vino de honor

TRENTATRÉS C/ Sueca 33
Exposición: Diego Sáinz
Vino de honor

Javier Romero. Código compartido

Javier Romero. Código compartido
Comisario: Jordi Navas
Arte en la Casa Bardín
Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert
C/ San Fernando, 44, Alicante
Inauguración: 14 de mayo, 20h.
Hasta el 25 de junio de 2013

Javier Romero. S/t. Serie Still Lifes, 2012. Grafito sobre panel, 41 x 51 x 2 cm. Imagen cortesía del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert

Javier Romero. S/t. Serie Still Lifes, 2012. Grafito sobre panel, 41 x 51 x 2 cm. Imagen cortesía del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert

Javier Romero se expresa con una voz cadenciosa y trémula. Sus ideas se van desplegando en los oídos del interlocutor como hilos muy leves, puntadas en las que se entrecruzan la memoria personal, el conocimiento de los referentes artísticos, la búsqueda de la experiencia y una aguda conciencia reflexiva de su propia obra.

De este modo, con aparente indiferencia y sin alardes formales o conceptuales, este artista, capaz de prescindir de las cartelas y hasta del título en sus exposiciones, va tejiendo desde el lenguaje una malla tan sutil y heterogénea como los trazos de lápiz y alambre que se confunden en alguna de sus esculturas.

El juego consiste en envolver al espectador de la obra con sugerencias casi imperceptibles. La memoria familiar se congela a través de unos paisajes exteriores proyectados en las estancias del hogar a punto de ser demolido (Crepúsculo). Dibujos con una estética significante propia del grabado se difuminan mediante un borrado gestual, como si un golpe de mar arrastrara a su paso toda la carga histórica y sentimental de la tradición representativa del arte occidental.

Morandi paga un alto precio por la apropiación de sus silencios. Una capa de grafito vela la luz de sus cuadros y traiciona el misterio del color (Still lifes). La arquitectura se convierte en territorio explorado por el arte a través de los tejados (Collage Roofs) que el arquitecto alicantino Francisco Fajardo diseñó para su proyecto de viviendas en Ciudad Jardín.

De nuevo, la imagen coloniza una arquitectura. En esta ocasión las fotografías de jardines anónimos sirven de materia prima para formalizar geometrías ajenas y el fruto de esta meticulosa alquimia entre fotografía y arquitectura deviene en hallazgo pictórico.

Apropiación, deslizamiento de sentido, solapamiento de planos de significación. Recursos que renuncian a la comunicación explícita y abordan una pléyade de vías de revelación para que la mirada sólo atisbe. Nada de deslumbramientos innecesarios.

Las series que confluyen en esta exposición para el proyecto Arte en la Casa Bardín representan un apunte de los trabajos que Javier Romero viene desarrollando en The Elizabeth Foundation of Arts de Nueva York, donde el artista alicantino tiene su estudio. Esta institución desarrolla un programa pionero en Estados Unidos. Se trata de Open Studios, una iniciativa que permite el contacto directo de público y galeristas con el entorno de los creadores. Más de tres mil personas pasan al año por el estudio de Romero y del resto de artistas vinculados a la institución, lo que confiere a estas obras un ámbito de difusión internacional que llega ahora hasta Alicante.

La más antigua de las series, Crepúsculo, enlaza con la exposición realizada en 2007 en la galería Evelyn Botella y tiende un puente entre el discurso que Romero fue urdiendo durante su etapa anterior. Un periodo en el que el artista compaginó su labor creativa con el trabajo como técnico de la Fundación de la Universidad de Alicante. Por aquellos años, su investigación transitaba por los territorios de la memoria, con un constante ir y venir a través de lenguajes y recursos expresivos. La pérdida, la ausencia o el silencio constituían los ejes de un itinerario plástico con parada en las exposiciones que, a principios y mediados de la pasada década, protagonizó en las galerías Aural y Evelyn Botella y en el Centre Municipal d’Exposicions d’Elx.

El mito de Cipariso, convertido en ciprés tras matar por equivocación al ciervo favorito de Apolo, ocupaba por aquel entonces un lugar central en el relato artístico y las formas de aprehensión del motivo introducían un abanico de dispositivos formales, que iban de la fotografía manipulada (cipreses de la Toscana) hasta las proyecciones o la instalación objetual.

De esa etapa, sobreviven las obsesiones, la prolífica búsqueda expresiva, el dominio del lenguaje artístico y la persistente querencia exploratoria hacia la memoria, tan frágil y tan relevante a la vez. Por el camino se han ido quedando los argumentos narrativos que se imponían a la idea y forzaban una cohesión conceptual, a la que el artista ha decidido renunciar. Las series actuales son más abstractas y esquemáticas. La obra se ha ido desnudando para quedarse en meros perfiles insinuantes, que se ofrecen a modo de delgadas pasarelas para liberar al arte de la retórica comunicativa y al espectador del incómodo papel de destinatario. Gana el artista capacidad de experimentación, gana la obra autonomía, gana, en definitiva, el ojo atento.

El título de esta exposición, Código compartido, responde a esta búsqueda de un itinerario libre a disposición del viajero dispuesto a adentrarse en la ruta que se propone. La urdimbre expositiva puede desorientar o guiar por diferentes caminos. No hay certezas. Cada uno dispone de un equipaje que ojalá no se pierda en el camino. Solo resta disfrutar del vuelo.

Jordi Navas

Javier Romero. S/t. Serie Crepúsculo, 2006-07. Fotografía color Lambda, 80 x 120 cm. Imagen cortesía del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert

Javier Romero. S/t. Serie Crepúsculo, 2006-07. Fotografía color Lambda, 80 x 120 cm. Imagen cortesía del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert