Insondables raíces

‘Un inmeso baniano’, de Máximo González
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Hasta 23 de septiembre de 2017

Máximo González se adentra en la Galería Aural dejando tras de si un rastro inconfundible de reflexión con el entorno, no en un sentido tan ecológico, como meditativo. El pretexto e hilo conductor de las dos instalaciones y el video presentados es, en este caso, casi un aplique literario, un símbolo: un inmenso baniano. El baniano, es un árbol ficus que llega a alcanzar grandes dimensiones y que en muchos lugares del mundo llega a tener un carácter sagrado. No es de extrañar, por tanto, que la hoja de sala de la exposición, empiece un fragmento de Salman Rushdie, sobre la vida de un pueblo, de las costumbres de sus gentes, entorno a un árbol como este. Todo un acierto que consigue predisponer al lector y observador ante la obra de Máximo González.

Tras este breve y necesaria lectura, nos hallamos ante la primera instalación que presenta el artista, participativa e ineludible. Se disponen tres grupos de mesas, con dos sillas cada una. Estas sillas y mesas están realizadas mediante patrones de una madera que suele usarse en la construcción sostenible. Estos moldes se pueden montar y desmontar, al igual que el puzzle sobre la mesa. Estas piezas no forman ninguna imagen, solo recuerdan acciones del ser humano, que construye nuevos entornos pero que, sobre todo, destruye y saquea a su paso.

González, en el coloquio previo a la inauguración comentaba que ‘El arte no tiene por qué cumplir una función (…) Es como el lenguaje, hacen falta dos y cabe tener en cuenta, que unos lo usan mejor que otros’. El instante comunicativo artístico deja paso al silencio, y a la concentración de construir una pieza de puzzle vacía de contenido, aunque no de significado.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

El Espacio 2 de la Galería Aural se ha transformado en un casual paisaje que, al igual que un árbol, enraiza con la tierra. Esta instalación fue concebida en 2015 durante la residencia del artista en el Centre de Cultures et de Ressources de Lizières (Francia), donde recopiló una serie de lienzos. Estas pinturas, no resultan aleatorias. Son paisajes elaborados por artistas decimonónicos poco conocidos, pero que representaron, como toda la corriente de la época, una serie de valores que oscilan entre representaciones pintorescas y otras, como las de Constable y Friedrich, sublimes. Ese interés por la naturaleza inundó el siglo XIX y Máximo González, casi en un viaje conceptual por el tiempo, pone en valor la naturaleza real con la pintada.

Un paisaje que se transforma bajo la acción humana continuamente y que no podemos ignorar, pues forma parte de nuestros orígenes y también de nuestro futuro. Puzzles, muebles, pinturas, objetos naturales encontrados y hasta una animación crean el discurso narrativo de Máximo González, su razón de crear, su baniano más personal.

María Ramis

Sobre lindes y otros colapsos

‘Atlas Mundial de Selecciones’, Juan José Martín Andrés
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Del 25 de mayo al 1 de julio de 2017

La naturaleza crea barreras casi imposibles de salvar que han condicionado, desde los orígenes de la humanidad, incluso los rasgos de las poblaciones y actuales asentamientos. A pesar de todo, el ser humano ha ido superando estos obstáculos naturales en su afán por conocer. Ya casi no existen fronteras naturales, por lo menos no las psicológicas, pero en cambio, se han ido creando otro tipo de límites. Sin duda alguna, guerras y conflictos son fuentes de creación de barreras artificiales.

Juan José Martín Andrés nos pone sobre la pista del origen de algunas de las pugnas actuales por el territorio en su nueva exposición ‘Atlas Mundial de Selecciones’ de manera sencilla pero muy eficaz. Actualmente residente en México, el artista presenta sus últimos trabajos gráficos, mapas originales intervenidos. Originales en el sentido de que muestran las divisiones de la época para la que fueron concebidos: el siglo XX, un siglo de profundas y cambiantes demarcaciones. Si el espectador se fija, no podrá reconocer muchos de ellos, no solo por el hecho de que el artista ha ocultado con opaca tinta vastas zonas con el objetivo de deshacer el concepto territorio-nación, sino por el gran cambio  sucedido (no en términos de calidad, sino en cantidad) en cuanto a la situación de las fronteras.

'Nations of the world' Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

‘Nations of the world’ Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

Imperios, repúblicas, constantes anexiones o separaciones de líneas rectas son elementos que Juan José Martín Andrés recalca a través del vacío. La ausencia de dibujo sirve aquí para hacer denotar el espacio. Los cambios de perspectiva y las distorsiones permiten al artista añadir reflexión y juego. Un juego que ya adelantaban en 1980 Guattari y Deleuze, cuando teorizaron sobre la máquina de guerra y el Estado. Mientras que el primero combate por una apertura espacial, el segundo controla y marca los límites de dicho espacio. Las maniobras resultantes quedan reflejadas en el presente, en ese tablero en el que fuerzas políticas y económicas ‘juegan’, como si no estuvieran en el mundo real.

Martín Andrés proyecta una distancia que resulta complicada de pronosticar para el día a día del ciudadano, y consigue, aunque sea de forma imperceptible, que se admire el panorama desde un punto de vista de global. En un mundo donde el cerebro humano está constantemente recibiendo datos, pero que solo retiene un escaso tanto por ciento, se hace necesario y agradable el reposo y el detalle. Aún teniendo en cuenta este consejo, se advierte que, con un rápido vistazo a ’Atlas Mundial de Selecciones’, una abrumadora sensación de velocidad histórica puede recaer sobre la conciencia, provocando, casi sin remedio, una exteriorización facial de incredulidad.

María Ramis

Las galerías valencianas se vuelcan en ARCO’17

Feria ARCO Madrid 2017
Galería Luis Adelantado, Galería Rosa Santos, Espai Tactel, Galería Aural y Espai Visor.
Del 22 al 26 de febrero de 2017

Otro año más, la gran cita del arte contemporáneo español regresa a Madrid con un sinfín de propuestas que probablemente nos sorprenderán. Seguramente los grandes medios se harán eco de esa “obra” controvertida alejada de lo que es el arte contemporáneo español real. Al ver, leer o escuchar estas noticias quizás muchos se pregunten cuál es realmente el peso del galerismo valenciano en esta importante cita. Nos complace afirmar que, a pesar de la crisis económica y de las pocas facilidades existentes en nuestro país para el fomento del coleccionismo, la Comunidad Valenciana se mantiene a flote como puede y se caracteriza por exhibir obras de artistas de calidad.

Es por ello quizá que la ya veterana en la feria y referente de la ciudad de Valencia, la galería Luis Adelantado, dice querer explorar con la representación elegida la magnitud del arte contemporáneo. Todo un reto que solventa con una amplia exposición de un total de trece artistas. Por tanto, en la puesta en escena lucirán sus ya clásicos Luis Gordillo, Rubén Guerrero, una nueva escultura de Mathieu Mercier titulada ‘The King, his Lovers and their Bastard’, y por supuesto, el gran contrafuerte de la temporada pasada que fue Darío Villalba. De él, en una suerte de ejercicio histórico, se expondrán sus conocidos ‘Encapsulados’ y algunos de los ‘Documentos básicos’ de los 70.

La presencia extranjera acontecerá a través de las piezas escultóricas de Marius Engh, Gonçalo Barreiros y Yann Sérandour; las pinturas elegidas serán las de Camila Oliveira Fairclouhg y también podrán verse obras de las exposiciones actuales de Ting-Ting Cheng y Folkert de Jong. La apuesta española reside en el arte de Irma Álvarez-Laviada, en los jóvenes andaluces Fuentesal & Arenillas y en el pintor valenciano Álex Marco cuya obra ‘La hora loca de los gatos’ pudimos disfrutar en la creativa Boiler Room el pasado año 2015.

Obra de Mathieu Mercier titulada 'The King His Lover and Their Bastard'. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Obra de Mathieu Mercier titulada ‘The King, His Lover and Their Bastard’. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Más artistas españoles y sobre todo una mayor presencia femenina podrán disfrutarse en el stand 9E13, el correspondiente a la también habitual galería Rosa Santos. Obra de la reconocible Greta Alfaro, la característica teatralidad de Mira Bernabéu, las imágenes entrecruzadas de memoria histórica de la investigadora María Ruido o las esculturas de Elena Aitzkoa son parte del recorrido planteado por la galería. La obra visual de la premiada Andrea Canepa y el discurso contracultural y feminista de la italiana Chiara Fumai completan el elenco de mujeres artistas. El fundamental duotono de Chema López, los dibujos del barcelonés Xisco Mensua y las reflexiones entre espacio y poder de Xavier Arenós cierran el seguro exitoso muestrario de Rosa Santos.

La lista de artistas por la que apuesta Espai Visor es también muy amplia y combina los esfuerzos de contraposición entre la escena artística española y el arte de otros países europeos en la línea en la que la galería ha estado trabajando en los últimos años. Así, podrán adquirirse piezas de Ángeles Marco, Bleda y Rosa, Braco Dimitrijevic, Esther Ferrer, Françoise Janicot, Lea Lublin o el mural ‘Archivo Casa Ena’ de Patricia Gómez y María Jesús González, pieza que rescata la memoria a través de partes del susodicho hogar. Destacan los ‘Proyectos Especiales’ de Katalin Ladik, Endre Tót y Tamás Szentjóby. ‘Proyectos Especiales’ es el término que se refiere a obras de gran formato, de corte museístico que hacía mucho que no se veían por la feria. De hecho, Carlos Urroz califica a estas decena de piezas seleccionadas de “ambiciosas y arriesgadas” y que simbolizan un nivel de recuperación de la feria.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

La alicantina galería Aural amplía su stand hasta casi el doble que en otras ediciones presentando a ocho artistas a través de los cuáles han querido crear un proyecto en el cuál se incida en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. El hilo conductor de su stand se sostiene en grandes figuras de la escena contemporánea, como la galardonada y Premio Nacional de Artes Plásticas, Concha Jérez, y también en las obras tipo libro de la reconocida Anna Bella Geiger, que desde luego exploran los discursos de esta gran artista cuya andadura comenzó en la Brasil de los años 70. También en representación del panorama latinoamericano, y enlazando con el país invitado de esta edición de ARCO, podrá escucharse y verse ‘Los invisibles’ de Ingrid Wildi Merino, una pieza audiovisual que pone su atención sobre la actual problemática de los inmigrantes y el territorio, así mismo la sonora instalación de Máximo González versa sobre el acto cotidiano de pasear y no dejará impasible a aquel la experimente.

‘La isla parlante’ de Isaac Montoya es otra de las obras con una clara intención política en las que se incide, la fotografía de Javier Vallhonrat, la reflexión sobre la imposibilidad de la imagen estética de José Maldonado o el trabajo conceptual y postminimal, aunque imposible de serializar, del zaragozano Fernando Sinaga que indaga y resalta la filosofía de Voltaire, clausuran el amplio coloquio visual (y sonoro) de la galería Aural.

Obra de Máximo González titulada 'Partitura'. Imagen cortesía Galería Aural.

Obra de Máximo González titulada ‘Partitura’. Imagen cortesía Galería Aural.

Por último, Espai Tactel se estrena en este ARCO 2017 con dos jóvenes promesas cuyos nombres no dejan de escucharse en los últimos meses. La alcoyana Rosana Antolí crea auténticas coreografías con sus geometrías, mientras que Fito Conesa experimenta con la comunicación, la música y el video.

Tras este exhaustivo análisis podemos afirmar que las galerías valencianas resaltan con sus propuestas el valor del video, de la escultura y también la confianza en la capacidad de las jóvenes promesas. Debemos valorar el impetuoso esfuerzo que hacen las galerías de la Comunidad Valenciana por no fallar, año tras año, a una feria que cada edición parece centrarse más en el mercado internacional, descuidando el nacional. Tampoco se puede ignorar los retos que han de afrontar para mostrar, en un breve espacio en forma de escaparate, todo el trabajo que temporada tras temporada exige tiempo, rivalidades y sobre todo muchísimo amor por la profesión.

María Ramis

“El paisaje alterado” de Jesús Rivera en Aural

Jesús Rivera. Landscape Factory. Towards SCI-FI
Galería Aural.
C/ Labradores, 17. Alicante.
Hasta el 9 de abril de 2016.

La ciencia ficción ha mantenido siempre la característica principal de situar al espectador ante una hipótesis que plantea una duda existencial o un escenario demostrable y, sin embargo, de alguna manera posible en la imaginación.

Jesús Rivera propone en su segunda exposición en la galería, un proyecto en que incide en la idea del paisaje alterado, una vez más, hacia algo nuevo y fantástico pero con una base real camuflada. Quizás como respuesta a una situación actual que sirva de válvula de escape a los acontecimientos del mundo que nos abordan diariamente y que nos conducen cada vez más hacia una sociedad hiperindustrializada.

Las imágenes buscan, de este modo consciente, una confrontación entre el desarrollo o la tecnología y lo atávico perteneciente a un mundo añorado. Esto nos conduce a anhelar el descubrimiento de lo desconocido, o bien a regresar a un punto virginal, original de nuestra civilización para tener la oportunidad de comenzar de nuevo. Es la generación procedural fría de lo habitable, la característica que más ha desvirtuado el territorio como concepto individual y localista.

Jesús Rivera, Landscape Factory. Hacia la ciencia Ficción, 07. 2016  Impresión de tintas pigmentadas sobre papel algodón Hahnemühle  87 x 180 cm.Cortesía del artista.

Jesús Rivera, Landscape Factory. Hacia la ciencia Ficción, 07. 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel algodón Hahnemühle 87 x 180 cm. Cortesía del artista.

Sus imágenes tienen por escenario espacios generados a capricho mediante software 3D, espacios a los que se integran paisajes reales alterados. Con la creación virtual de estos interiores, el artista se permite navegar de forma tridimensional sobre dichas escenografías calculadas y modificadas con total libertad.

La arquitectura es un elemento capital en las representaciones de ciencia ficción y es lo que a Rivera le interesa como contexto donde situar al espectador. Estos espacios de ficción fascinan al artista tanto a nivel metafórico, entendidos como elementos que conectan dos espacios diferentes y que sirven de alegoría para explicar el tránsito hacia “lo Otro”, junto con la capacidad de la arquitectura para dictar modos de relación y existencia. Son espacios construidos que captan nuestras mentes y las transportan a lugares donde lo imaginario se desarrolla sin límites. Landscape Factory, hacia la Ciencia Ficción, es una declaración de evasión perversa pues, como en sus inicios del género, pretende que el espectador sea consciente de su mirar hacia otro lado.

En este proyecto, el paisaje es trabajado desde la experimentación plástica introduciéndose en un marco de factoría, como si de un laboratorio de pruebas se tratará, es expuesto como producto o parte de un proceso activo, de la misma manera en que se transforma en la Naturaleza o mediante la intervención humana. El territorio, o más bien su mecanismo de cambio es traducido en una manipulación consciente, tanto desde el aspecto cromático como desde el surrealismo espacial.

SUMMA o el eje Valencia, Madrid, Lisboa

Summa Contemporary Art Fair 2015
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 14. Madrid
Del 10 al 13 de septiembre de 2015

Summa vuelve a Matadero por tercer año consecutivo como “plataforma de acción en torno al arte contemporáneo”, de “impronta internacional” y como una feria “atenta al contexto social y cultural en que se produce el arte, con particular atención a las circunstancias políticas que motivan las obras de algunos de los mejores creadores de nuestro tiempo”, según explica Paco de Blas, el nuevo director de Summa Contemporary Art Fair 2015.

La feria, que se celebra del 10 al 13 de septiembre, cuenta en su Programa General con 30 galerías, principalmente del eje que atravesando Madrid (con ocho salas) conecta Valencia y Alicante (cinco) con Lisboa (cuatro). Además, hay galerías de Palma de Mallorca, Almagro, Buenos Aires, Sao Paulo, México, Bogotá, San José de Costa Rica, Miami, Alabama y Ottawa.

Portada de 'Sinsonte', de la editorial Versos y Trazos.

Portada de ‘Sinsonte’, de Víctor Escandell. Cortesía de la editorial Versos y Trazos.

Las secciones Transversal, Trazos y Madrid Foto añaden más participación, por lo que finalmente son alrededor de medio centenar las galerías que presentan obra de sus artistas en Summa. La novedad este año viene de la mano de Summa Mag, proyecto editorial comisariado por Marisol Salanova que contará con los sellos Versos y Trazos (Valencia), Micromegas y Ad mínimum microediciones (Murcia), Chucherías del Arte (Mérida), Nocapaper Books & More (Santander), Input (Madrid), Libros del Zorro (Barcelona), Editoriales Pai-Pai (Delirio, Arrebato y La uña rota), de Salamanca, y Editorial Vortex (Valparaíso, Chile).

Versos y Trazos es un joven sello valenciano de literatura infantil y juvenil, cuya década de trayectoria editorial se peculiariza por su apuesta en pro del álbum ilustrado como distintiva herramienta de difusión de sus contenidos, polarizados en torno de la ficción pedagógica (colección ‘El baúl de los cuentos’), la recuperación poética de autores de la generación del 27 -entre otros- (colección ‘Poetas para todos’), el relato corto (‘Los que llegan por la noche’, del valenciano Vicente Marco) y la novela gráfica (‘Sinsonte’, del ilustrador Víctor Escandell) -esta última erigida en un proyecto heterodoxo, tanto por su formato como por su contenido filosófico.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

A las galerías de Madrid Aina Nowack / ACC, Espacio Mínimo, Fernando Pradilla, Rafael Ortiz, Lucía Mendoza, Max Estrella, Ponce + Robles y My Name’s Lolita, se suman (valga la redundancia) a SUMMA las procedentes de la Comunidad Valenciana: Área 72, con obra de Victoria Iranzo, Inma Femenia, Oliver Johnson y Guillermo Ros; Aural, con Juanjo Martín Andrés, Isaac Montoya y PSJM;  Espai Tactel, con Eduardo Hurtado, Michael Roy y Luis Úrculo; Luis Adelantado, con doble representación de Allan Villavicencio, por la galería de México, y Darío Villalba, por la valenciana en la sección Trazos y, por último, Rosa Santos, que acude a Summa con Xavier Arenós y Andrea Canepa.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

En esa reivindicación del arte contemporáneo, Summa incluye la sección ‘Cómo coleccionar arte político’, comisariada por Jota Castro y que pretende ligar arte y compromiso, dos palabras de moda, en ese afán por contextualizar la obra de los creadores en el conflictivo marco social en que desarrollan sus trabajos. También habrá arte contemporáneo africano, de la mano del comisario Miguel Amado, así como la profundización en el arte de los años 70 y 80 del pasado siglo en la sección Trazos. Madrid Foto se centrará en la generación de fotógrafos españoles contemporáneos poco difundida en nuestro país.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

MUA: residencias formativas en arte contemporáneo

Programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
Del 13 al 25 de julio de 2015

La Universidad de Alicante y su Fundación General convocaron a través del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) un programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo. “PLUS” se lleva  a cabo del 13 al 25 de julio de 2015 y tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Cinco propuestas de artistas individuales o colectivos (en distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, fotografía, videoarte, instalación, etc.) han sido elegidas por una comisión de expertos y técnicos de arte del MUA. Durante dos semanas, de lunes a viernes y de 9:00h a 20:00h, los seleccionados realizarán su proyecto artístico en las instalaciones del MUA: sala Naias, sala Àgora, biblioteca, anfiteatro y exteriores. Las residencias se complementan con una formación que propone talleres de diferentes agentes culturales con los artistas para potenciar la profesionalización y la proyección de los creadores.

Los artistas seleccionados son: María Ortega Estepa, Ángel Masip, Pablo Bellot, Juan F. Navarro y Alexandra Rodes. Cada artista recibe una bolsa de 300€ para la producción de su proyecto. Además se ofertó una bolsa de alojamiento de 600€ para un solo artista no residente en el contexto local. Los proyectos deberán estar acabados al final de la residencia y el MUA los expondrá en octubre de 2015 en una muestra colectiva.

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Desde el martes 14 de julio y hasta el miércoles día 22, el Museo de la Universidad de Alicante, acogerá seis conferencias formativas en el marco del programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”. De 12 a 13 h. serán sesiones abiertas al público y entre las 13 y las 14 h. se celebrarán los encuentros de los profesionales con los residentes.

Las charlas contarán con especialistas en diversas áreas de conocimiento y abordarán temas como:

14 de julio:  la Galería de arte como proyecto work  in progress, impartida por Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural.

15 de julio:  Arte y comunicación. Comunicación del arte, a cargo por Raúl Rodríguez, coordinador del Máster Oficial en Comunicación e Industrias Creativas.

16 de julio: Hacer, deshacer, rehacer. El sistema del arte y las buenas prácticas, por José Luis Pérez Pont, crítico de arte, comisario y codirector de www.makma.net.

20 de julio: + – 1961 La Eclosión  de un arte expandido, impartido por José Maldonado, doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

21 de julio: Valor social del arte, a cargo de Isaac Montoya, artista y presidente de la Asociación de Artistas Contemporáneos de Alicante (ACOA).

22 de julio: Tiempos y procesos en el desarrollo de proyectos artísticos, por Teresa Marín, doctora en Bellas Artes y profesora de profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

El programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”, impulsado por la Universidad de Alicante y su Fundación General, tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Las jornadas son de acceso  libre hasta completar el aforo.

A Quemarropa: bases y crowdfunding

Se pone en marcha la convocatoria de la nueva edición de este proyecto independiente que nació en 2014 en la ciudad de Alicante, con la intención de actualizar los proyectos culturales de la ciudad y apoyar las iniciativas de los creadores contemporáneos más jóvenes.

Este primavera se volverán a seleccionar 10 artistas, que disfrutarán de un período de dos semanas, desde el 20 al 31 de julio en las instalaciones de la galería Parking Gallery (Alicante), Con el fin de promover un diálogo continuo con profesionales del sector artístico tanto a modo de tutores como con conferencias, debates, mesas redondas y visitas a talleres.

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La Residencia Artística este año contempla el alojamiento durante las dos semanas de duración de la misma, con lo que se ampliara el ámbito de participación, de comunitario a nacional, desde la organización se piensa que esta convivencia más estrecha entre los residentes servirá para crear vínculos tanto entre ellos como con los profesionales que visiten la residencia en calidad de tutores.

Residencias a quemarropa es un proyecto independiente y sin ánimo de lucro, en este momento para la financiación de la residencia se lanza un crowfunding en la plataforma Verkami, para que todos aquellos que creen en este proyecto y quieran colaborar con él, puedan participar en su financiación de acuerdo con sus posibilidades. Para este fin entre diferentes artículos como contraprestación, se ha realizado una bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime y también se podrán adquirir 5 ejemplares de una fotografía inédita de María Moldes firmada por la autora, los dos fueron residentes de la edición 2014 de A Quemarropa.

bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de a Quemarropa

Bandolera de tela, diseño de Joaquín Artime, residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa

Pincha aquí para acceder al crowdfunding.

Desde la organización se espera una gran respuesta de apoyo, con el deseo de que este proyecto que ha tenido una repercusión de ámbito nacional siga adelante.

Además con el crowfunding tiene lugar el lanzamiento de las bases de la 2ª convocatoria de Residencias a quemarropa que estarán colgadas en el blog.

El plazo para la presentación de dossieres comenzara el 21 de abril y se cerrara el 20 de mayo.

Para esta edición los profesionales confirmados hasta el momento son: Javier Duero comisario independiente, Johanna Caplliure crítico y comisario independiente, Miguel Angel Hernandez profesor en la UM, crítico y escritor, Eugenio Ampudia artista, Begoña Martínez Deltell de Galería Aural de Alicante, Aurelio Ayela artista, Isaac Montoya artista, Olivier Collet de Homesession, Eduardo Infante artista. Y se contará con la colaboración de La sede Univeristaria Ciudad de Alicante, la revista digital MAKMA, The October Press, Mistos, Freaks art bar, Espacio Trapezio en Madrid, Kirk Royal Gallery de Valencia, el Fablab Alicante y Parking Gallery.

En esta segunda edición se cuenta de nuevo con la colaboración de Espacio Trapezio (Madrid) que exhibirá una muestra de los proyectos que se generen en A Quemarropa, creando así un vínculo de trabajo para los residentes entre las dos ciudades, Alicante y Madrid.  Asimismo Parking Gallery seleccionará a uno de los artistas participantes en su programación. En este momento se pueden visitar la muestra GAMMACITY de María Moldes que fue residente el pasado julio 2014 en A quemarropa.

Fotografía de María Moldes, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de A Quemarropa.

María Moldes, Gammacity. Residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa.

Entre el estar y el ser de Ingrid Wildi

Entre el estar y el ser, de Ingrid Wildi Merino
Aural Galería
C / Labradores, 17. Alicante
Inauguración: sábado 21 de febrero, a las 20.00h
Hasta el 4 de julio de 2015

‘Entre el estar y el ser’ es un proyecto concebido por la artista chilena, radicada en Suiza, Ingrid Wildi Merino, siendo su primera muestra individual en España que tendrá lugar en la Galería Aural. Esta exposición reúne dos instalaciones de índole político-social. La primera instalación consiste en una reflexión sobre la identidad regional de los pobladores del norte de Chile, lugar con el que la artista posee un lazo familiar. En la muestra se refleja la auto-representación del sujeto del norte chileno sobre su idiosincrasia y cómo ésta finalmente funciona en relación al sistema neoliberal mundial. La obra evidencia cómo el paisaje del norte de Chile es el resultado de una historia económica y política, conectada a intereses mundiales, que datan de la época de la revolución industrial europea.

Cartel anunciador de la exposición de Ingrid Wildi Merino en Galería Aural.

Cartel anunciador de la exposición de Ingrid Wildi Merino en Galería Aural.

En este trabajo la artista da cuenta de su concepto de Arquitectura de las Transferencias, tanto teórico como estético. Dentro del concepto de Arquitectura de las Transferencias se exponen las relaciones geoeconómicas y geopolíticas entre los países del Sur y el Norte del mundo, donde se produce el usufructo por parte de los sistemas neoliberales, instalados en buena parte del mundo a través de golpes de Estado y/o políticas de infiltración colonial.

Este sistema de transferencias económicas y simbólicas se ha emplazado en los lugares apetecidos para la extracción de todo tipo de materias. Tal intervención es realizada por los poderes hegemónicos de la globalización bajo nombres como “ayuda al desarrollo económico y cultural” o “construcción de progreso”. Bajo su concepto de “Arquitectura de transferencias”, de Ingrid Wildi Merino, se exponen las narraciones de los pobladores, donde percibimos la genealogía de los procesos económicos y sociales para la extracción de materias como el cobre en el norte de Chile, que luego es enviado a los países desarrollados.

Obra de Ingrid Wildi Merino perteneciente a su serie Arquitectura de las Transferencias, para la exposición 'Entre el estar y el ser'. Cortesía de Galería Aural.

Obra de Ingrid Wildi Merino perteneciente a su serie Arquitectura de las Transferencias, para la exposición ‘Entre el estar y el ser’. Cortesía de Galería Aural.

Al mismo tiempo, estas narraciones describen la llegada desde Suecia de materia tóxica con alto contenido de plomo y arsénico, para ser depositada en la misma región. Este tipo de transferencias en el mundo, sucede gracias a los intereses de la globalización, que repite las mismas estrategias coloniales que siempre ha ocupado. Así el sistema neoliberal promueve lo que llama “progreso”, a cambio de la “muerte a la vida”. La segunda instalación consiste en una coreografía para siete voces. Para construir esta coreografía Ingrid Wildi Merino le pidió a los participantes del Grupo Decolonial de Berlín que eligieran algunas frases del libro de Santiago Castro-Gómez “La hybris del punto cero: ciencia, raza e ilustración en la Nueva Granada (1750-1816)”.

La compilación de estas frases se realiza desde la reflexión del libro de Santiago Castro-Gómez, donde se analiza críticamente la arrogancia de la Ilustración europea en la Nueva Granada. Se trata pues de un discurso crítico que busca desnudar la realidad colonizadora tanto material como simbólica. La obra busca reconocer que también hay una explotación y extracción simbólica por parte del discurso globalizador. Esta relación se lleva a cabo transfiriendo un pensar concebido para la exterminación de las epistemes locales, apropiándose de geografías culturales y económicas con el fin de alimentar a las epistemes eurocéntricas hegemónicas. Este trabajo se define a través de una visión historiográfica crítica desde la perspectiva del Sur sobre las referencias epistemológicas locales.

Este conjunto de voces del Sur, disonantes respecto a la aspiración del discurso neoliberal, reúnen tanto los relatos locales de los habitantes del norte de Chile como los relatos teóricos decoloniales que desnudan los sistemas globalizadores, en un total de 99 retratos de personalidades que, tanto en la historia como en la actualidad, juegan un papel importante para los discursos descolonizadores.

Obra de Ingrid Wildi Merino. Imagen cortesía de Aural Galería.

Obra de Ingrid Wildi Merino. Imagen cortesía de Aural Galería.

Cayetano Ferrández desembarca en Valencia

Cayetano Ferrández. El hombre gris
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Inauguración: viernes 20 de febrero, 20 h.
Hasta el 5 de abril de 2015

Cayetano Ferrández en sus trabajos, habitualmente realizados en vídeo y soporte fotográfico, se apropia en cierta medida de los modos de comunicación visual de la publicidad, dando vida a escenas procedentes de la más absoluta artificialidad para, mediante personajes elevados al estatus de modelos interpretativos, desarrollar micro-relatos que narran el trasfondo de la opresión en la que se encuentra instalada nuestra realidad.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Figura equestre. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Figura equestre. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

La propia elección de los personajes nos da señas de una voluntad incisiva acerca del doble papel de la individualidad, que desarticula la acción grupal mientras homogeniza en los estándares de una nueva cultura infantilizada, aunque concebida para el consumo adulto.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Castigo. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Castigo. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

No es la actual crisis, ni la última coyuntura económica, la que ha motivado este proyecto comisariado por José Luis Pérez Pont, sino que el enfoque y la preocupación estética de Cayetano Ferrández sobre esta materia social precede al desencadenamiento de las agónicas circunstancias de hoy. Prueba de ello es su extenso trabajo, del que aquí se muestra solo una selección. Debe ser interpretado más bien como un creador que supo ver en los tiempos de bonanza –esos que cegaron a la mayoría- los peligros que acechaban en el sustrato de aquella travesía, anticipándose con su análisis.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Columna III. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Columna III. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

 

Aural: ¿Viva (o muerta) la República?

República independiente de tu casa, de Juan José Martín Andrés
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Hasta el 7 de febrero, 2015

Galería Aural acoge ‘República Independiente de tu Casa’, exposición de Juan José Martín Andrés (Soria, 1978), artista afincado en México D.F. desde 2012. Una propuesta que parte de la ironía para abrir una serie de cuestiones en torno al concepto de nación, estado y república, revisando aquellos países europeos desaparecidos durante la primera mitad del siglo XX, que la historia por intereses político territoriales ha dejado en el olvido, y reflexionando sobre el uso que el marketing publicitario hace de los valores que transmite el término república.

La apropiación de títulos, titulares o portadas, forman parte de la práctica habitual del artista. En esta ocasión sigue con coherencia estas premisas, consciente del riesgo que supone adueñarse de un eslogan tan manido como el de la famosa multinacional sueca. Así, Martín Andrés da una particular bienvenida al espectador invitando a leerlo sobre felpudos en las diferentes lenguas presentes en el llamado Estado Español y a pisarlos para poder entrar al interno de la galería. Un recibimiento en el que cuelgan banderitas de fiesta, que resultan ser los emblemas de países extinguidos hasta la Segunda Guerra Mundial.

Dibujo de Juanjo Martín Andrés. Foto de Manuel Quesnel, cortesía de Aural.

Dibujo de Juanjo Martín Andrés. Foto de Manuel Quesnel, cortesía de Aural.

La filósofa Simone Weil señalaba cómo “nuestro ideal republicano (el de la Francia de los cincuenta, que sigue siendo el actual) procede enteramente de la noción de voluntad general debida a Rousseau”, y explica cómo la razón es idéntica en todos los hombres, y mujeres, siendo las pasiones en aquello que se difiere. Definir pues los partidos políticos como “máquinas de fabricar pasiones colectivas”1 las realidades actuales.

Pero, ¿qué quedó de los países desaparecidos? ¿qué sabemos o qué aprendimos de las pasiones que dieron lugar tanto a su inicio como a su fin, de las esperanzas y de los fracasos, de las estrategias y los intereses que las generaron? Banderas de países desaparecidos en Europa entre 1900 y 1950 parten de la imagen de dichas banderas obsoletas mostrándolas a modo de fiesta imposible; así como los dos polípticos titulados Composición geométrica-abstracta tomando como motivo banderas de países desaparecidos I y II juegan a hacer una referencia estética a la obra de Sean Scully o de Piet Mondrian para mostrar los colores de banderas caducas y un tercer políptico cuyos territorios fueron durante la Segunda Guerra Mundial los llamados títeres de Japón, que actualmente pertenecen a China.

Martín Andrés consigue transmitir mediante la compilación de todas estas banderas la sensación de idas y venidas de los diferentes regímenes, precisamente en un momento como el actual en el que el presente año viene marcado por una abdicación impuesta, por un 9N que augura un futuro en construcción, así como por otros nacionalismos europeos de pequeños y grandes territorios.

El escritor W. G. Sebald viajó hasta Ajaccio visitando la primera casa en la que vivió la familia Bonaparte en la isla corsa. Fue a los mismos lugares que anteriormente había visitado y descrito Flaubert a su vez. Cuenta Sebald que el lugar había permanecido intacto, “como si no hubiesen pasado las horas”. “Las habitaciones amuebladas con el gusto de la República mantenían los mismos elementos”, a falta de la capa imperial de abejas doradas descritas por Flaubert.

Nuestro Norte es el Sur, obra de Juanjo Martín Andrés de su proyecto anterior en Aural. Imagen cortesía de Galería Aural.

Nuestro Norte es el Sur, obra de Juanjo Martín Andrés de su proyecto anterior en Aural. Imagen cortesía de Galería Aural.

Observaciones que, tal y como el escritor alemán escribe, nos lleva a pensar en “qué sabemos nosotros de la anticipación del curso de la historia, que se desarrolla con arreglo a alguna ley no descifrable por lógica alguna, se desplaza y cambia de dirección a menudo por minucias imponderables”2 la fantasía de entender cómo se forjó la personalidad de Napoleón en un intento de entender su política. Ejemplo extrapolable en el tiempo y en el espacio, que nos lleva a no olvidar que hubo (hay) estados que desaparecieron (que están desapareciendo) y que conforman ya nuestro olvido ante un futuro que no podemos predecir.

Y llegados a este punto, ¿cómo ha devenido el concepto de república hasta ser el nombre de una hamburguesería, un pub, una marca de tekila, o de una empresa discográfica? ¿De qué manera la publicidad ha conformado su propia idea de república? Los más de veinte dibujos que conforman la serie ‘Cientos de repúblicas’ marcan las diferencias que se dan según el ámbito geográfico de su proveniencia, usándose éste con mayor o menor libertad o desparpajo. En cualquier caso, todas ellas trasmiten la idea de cuidar un “yo”, un “tu casa”, una atención dedicada, o independencia acentuada. Estos logotipos se han reunido en el primer proceso de investigación del artista, en el cual usó las redes sociales para crear un foro plural donde cada persona tiene acceso a subir imágenes, logos, donde aparezca la palabra república que encuentre en su vida cotidiana.

El discurso de la exposición se cierra con ‘Bienvenido Mr. Marshall’, dibujo digital que sintetiza la imagen del cartel ganador del quinto premio del concurso convocado por la OTAN en el año 1950. Teniendo como motivo hacer presente todos aquellos países subvencionados por el Plan Marshall, éstos constituyen cada una de las aspas de un molino que podríamos llamar Europa, quedando fuera algunas excepciones que resultan ser países ya desparecidos.

Una propaganda a modo de augurio de una Unión Europea que aúna países con múltiples identidades políticas y culturales, sugiriendo un modelo de unión cuya cohesión sigue siendo una incógnita. El título que el artista ha dado a la obra enfatiza la sátira del inicio de la exposición, haciendo explícita una bienvenida al más puro estilo cinematográfico. Toda una celebración con banderas como invitación a la reflexión.

1. Weil, Simone: Nota sobre la supresión general de los partidos políticos, Ed. El Barquero, Palma, 2014.
Publicado originalmente en “La Table Ronde”, num. 26, febrero de 1959.
2. Sebald W.G.: Campo Santo, Ed. Anagrama, Barcelona, 2003, p. 17.

Bienvenido Mister Marshall, de Juanjo Martín Andrés. Imagen cortesía de Galería Aural.

Bienvenido Mister Marshall, de Juanjo Martín Andrés. Imagen cortesía de Galería Aural.

Alba Braza Boïls