‘Future Lovers’, de La Tristura IX Festival 10 Sentidos | ‘Soñadores’ Sala Off Túria 47, València 26 y 27 de noviembre a las 18:00 y 21:00 Jueves 26 de noviembre de 2020
El Festival 10 Sentidos culmina con la representación de ‘Future Lovers’, de la compañía La Tristura, su novena edición, marcada por la pandemia mundial. Esta circunstancia obligó a las organizadoras a trasladar de fechas todas las actividades previstas para 2020, un año en que la cita con las artes vivas se dedicaba a los ‘Soñadores’, esas generaciones nacidas en el siglo XXI que tienen por delante un futuro incierto.
Precisamente la obra de la compañía madrileña gira en torno a seis jóvenes nacidos alrededor del año 2000 que hablan entre ellos y hacia el mundo. Es una noche de verano a las afueras de una gran ciudad, en la que un grupo de amigos, quizás en el paso del instituto a la universidad, han quedado para beber, bailar, hablar y besarse. La sala Off acoge hoy y mañana los últimos pases (a las 18:00 y 21:00) de la pieza de una de las compañías españolas que mejor sueña por todo el mundo.
‘Future Lovers’, de La Tristura. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.
Con esta propuesta 10 Sentidos se despide hasta 2021, año en que celebrará su décima edición. La que ahora cierra tuvo que reinventarse y proponer sus actividades entre septiembre y noviembre con el propósito de que la programación prevista para mayo no se perdiese y para apostar por una cultura segura en la ciudad.
Las Naves, la Biblioteca de San Miguel de los Reyes, el Centre del Carmen Cultura Contemporània (CCCC), La Mutant, Espacio Inestable, la Sala Off, la Fundación Mainel, así como plazas y librerías de València han sido las sedes de la novena edición de este festival pionero en España que se acerca a diversas realidades sociales a través de la cultura. Todas las representaciones han llenado sus aforos, que por la normativa anticovid han sido más reducidos que en otras ocasiones.
El festival se ha volcado para sacar adelante una edición complicada, plagada de contratiempos, con el objetivo de ofrecer al público una oferta variada de la que disfrutar en estos tiempos aciagos y tras meses de confinamiento. El equipo trabaja ya en una nueva edición, que espera que pueda desarrollarse con normalidad y en las condiciones más óptimas posibles.
‘Future Lovers’, de La Tristura. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.
Migrats Cicle Dansa Espacio Inestable Aparisi i Guijarro 7, València Centre del Carme Cultura Contemporànea (CCCC) Museo 2, València Hasta el 29 de noviembre Miércoles 18 de noviembre de 2020
La Comunitat Valenciana está de enhorabuena, en lo que a danza se refiere. “Estamos muy, pero que muy bien, a nivel de recursos”, subrayó Jacobo Pallarés, director junto a Maribel Bayona de Espacio Inestable. “Ha habido voluntad política”, agregó, para explicar la causa de esa notable posición. Recursos económicos a los que les falta ahora cierto acompañamiento formal: “Un cambio en el sistema”, refiriéndose con ello a una mayor apuesta “por el proceso y no tanto por el resultado en el mercado”.
José Luis Pérez Pont, director del Centre del Carme, salió al quite para explicar la necesidad de ese cambio propugnado por Pallarés: “Antes se dedicaba todo a la exhibición, pero no se daba apoyo a la investigación y la producción”. A su juicio, “hay una parte que no se ve, donde se gestan esas ideas”, y que conviene potenciar. De ahí su apuesta decidida por esa parte del iceberg oculta, ahora saliendo cada vez más a la superficie.
Responsables de Migrats Cicle Dansa y algunos de los artistas. Imagen cortesía del Centre del Carme.
Es lo que sucede con el ciclo de danza Migrats que, al alimón, han impulsado Espacio Inestable y el Centre del Carme, con el fin de dar visibilidad tanto a jóvenes artistas valencianos que empiezan sus carreras, como a aquellos otros que ya vienen desarrollándola fuera de la Comunitat Valenciana. Bailarines y coreógrafos que, desperdigados por diferentes ciudades nacionales y extranjeras, son recuperados para la causa de la danza, en un ciclo que fomenta la investigación y la oportunidad de presentar obras en un proceso interactivo vinculado a los escenarios de la ciudad.
“Se trata de dar apoyo a un sector que requiere ser visibilizado”, señaló Pérez Pont. “Es la edición más ambiciosa, tanto a nivel cuantitativo como cualitativo”, subrayó Pallarés, quien resaltó a su vez la dificultad de llevar a cabo esta cuarta edición del ciclo de danza Migrats, “ahora que está en crisis la movilidad”, por culpa de la pandemia ocasionada por la Covid-19.
“De momento seguimos con el plan A presencial y seguiremos adelante pese a todo”, proclamó Pallarés, para quien el ciclo permite “mostrar otras formas de trabajo”. “Se ven muchos códigos diferentes de danza en poco tiempo”, aseguró Tatiana Clavel, comisaria del proyecto junto a Rocío Pérez, Santi de la Fuente y los propios Bayona y Pallarés. Un proyecto que arrancó el pasado día 14 de noviembre y se extiende hasta el 29 en los dos espacios antes indicados.
Lucía Jaén. Autor: Veritat.es
‘Genealogía de un deseo’, fruto de una residencia de creación durante 2020, es la pieza de Lucía Jaén con la que arrancó Migrats el pasado fin de semana 14 y 15 de noviembre. “En Valencia están pasando cosas muy potentes”, dijo quien actualmente reside en Copenhague y ha venido a mostrar las relaciones afectivas entre la danza y las palabras, que configuran el tratamiento del deseo apuntado en su obra. De su experiencia en la ciudad danesa apuntó que allí había visto “pocas cosas en caja negra”, porque hay “muchas naves industriales recuperadas” para acoger danza. “Valencia necesita el espacio y el tiempo, porque ya tiene las condiciones”, afirmó.
Un total de 27 piezas de danza podrá verse en apenas dos semanas, “propuestas personales en un formato medio que promueve la investigación, el diálogo entre lo emergente y lo establecido, entre la danza europea e internacional y la local”, según hacen constar los comisarios. Bailarines y coreógrafos de España, Portugal, Alemania, Francia, Reino Unido, Dinamarca, Bélgica, Argentina, Colombia y Estados Unidos que, en su mayoría, han podido desplazarse hasta Valencia para mostrar sus singulares creaciones. Además de Lucía Jaén, figuran los nombres de Javier Hedrosa, Mauricio Pérez, Julia Zac y Ulrico Eguizábal, Iván Colom, Marian del Valle, Marina Fueyo y María Jurado, Sara Fondevila, Natalia D’Annunzio, Colectivo Tal Vegada, Antes Collado, Inka Romaní, Migro Danza o La Basal, entre otros.
Migrats acoge, en un primer bloque denominado ‘Premigrades’, a los creadores valencianos residentes en la ciudad y que todavía no han tenido demasiada visibilidad, como Colom, que presenta ‘Fi Du’; Les Juntes, con ‘Instrucciones para el devaneo’; Hedrosa, con Què hem fet els últims anys per a obligar-ho tot’, y el colectivo Danshe, cuyo ‘Quieta en la mata’ se presenta como un homenaje al mundo rural desde una galaxia con aires de jotapunk.
Dakota Comín. Autor: Henrik Kaalund.
En la sección ‘Migradas’, como su propio nombre indica, se recogen las obras de cuantos se han visto obligados a emigrar por diversas circunstancias, como Dakota Comín, cuyo ‘Volver’ se hace eco de la memoria que propicia ese trayecto hacia lugares extraños al habitual. Tina Forés, con ‘Tú la luna, Tú el sol’; Antes Collado, con ‘Zoo’, y Marian del Valle, con ‘Danses en Performance’, completan la visión de los migrados valencianos.
‘Inmigrantes’ se hace cargo de lo contrario, mostrando los trabajos de quienes residen en Valencia procedentes de otros países. Julia Zac, argentina-francesa, lo hace con ‘Battle-Ground’; Migro Danza, compañía gestada en Colombia, presenta ‘(Cap. I) Impolítico’, donde ironiza sobre la sociedad española, y Natalia D’Annunzio y Linn Johnson, se sirven de la pieza ‘Origen’ para mostrar puntos de vista diferentes unidos por el movimiento.
Un último bloque, llamado ‘Visitantes’, funciona a modo de espejo de las ‘Premigradas’, reuniendo a creadores de otras ciudades y conservatorios, ofreciéndoles una primera oportunidad de exhibir sus trabajos en Valencia. Son los casos de las catalanas Marina Fueyo y María Jurado, con ‘Ósmosis </3’; la gallega Sara Fondevila, con ‘Ter Ollo’, y el vasco Unai Álvarez, con ‘Mannequin Démodé’, sobre el mundo de la moda en clave crítica.
Migrats demuestra, como dicen sus responsables, “que siempre hay una generación deseando provocar agitaciones si se les da el espacio de producirlas”. En este caso, Espacio Inestable y Centre del Carme, donde se podrán ver todas esas piezas de artistas que arriesgan, ya sea desde la propia ciudad o allende las fronteras, por hacerse entender allí donde su necesidad de comunicar requiere de nuevos lenguajes expresivos.
Imagen de ‘Quieta en la mata’, del colectivo DanShe.
Russafa Escènica Diferentes espacios de València Del 24 de septiembre al 4 de octubre Lunes 21 de septiembre de 2020
La directora general de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, no se cansa de repetir que la cultura es necesaria, además de segura, en estos tiempos de incerteza por culpa del coronavirus. “No es un lujo”, subrayó, para combatir esa otra creencia extendida como si fuera un mantra dañino. “Tenemos que lanzar un mensaje tranquilizador y real”, añadió.
“Hemos de reinventar la vida”, apuntó Antonio Ariño, vicerrector de Cultura de la Universitat de València, institución que, desde un principio, ha venido apoyando el festival de otoño Russafa Escènica, que cumple su décima edición, a la que sus responsables han llegado “más agotados que nunca”, resaltó Jerónimo Cornelles, su director artístico.
Representantes institucionales y responsables de Russafa Escènica, en el claustro de La Nau. Imagen cortesía de Russafa Escènica.
Russafa Escènica es un claro ejemplo de esa necesidad de cultura de la que ha venido mamando todo el equipo del festival, cuando los tiempos no eran nada propicios, si es que los han existido en algún momento para todos cuantos se dedican a promoverla.
Por eso, desgastados por nadar a contracorriente, proclaman que esa necesidad cultural ha de estar acompañada del dinero correspondiente y, sobre todo, a tiempo. “Todavía no han salido las ayudas institucionales, por eso en cualquier momento nos podemos caer. Todo este escenario se puede ir al garete”, aseveró Cornelles, que con un presupuesto estimado de 220.000€ (frente a los 150.000 de la edición anterior), apenas disponían de una cantidad irrisoria para costearlo cuando solo faltan dos días para ponerlo en marcha.
“No sabemos a fecha de hoy si vamos a cobrar por un año de trabajo”, agregó Cornelles, extendiendo esa incertidumbre a los artistas, compañías y trabajadores que ya han realizado su labor y esperan el cobro. De ahí que lanzara el mensaje, que también se viene repitiendo a lo largo del tiempo, que las instituciones perdieran “esa rigidez burocrática que las caracteriza”.
Dicho lo cual, el director artístico de Russafa Escènica también quiso valorar positivamente la implicación de todas las instituciones que colaboran con el festival, desde la propia Dirección General de Cultura y Patrimonio, al Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana, pasando lógicamente por la propia Universitat de València, Ayuntamiento, SGAE Comunitat Valenciana, Fundación Bancaja, así como responsables de las salas de teatro que acogen diversas obras de la programación, como Espacio Inestable, Sala Off o Teatro Círculo.
Imagen extraída del video promocional de Russafa Escènica por cortesía del festival.
La gran novedad de este año, impulsada para contrarrestar el daño presencial ocasionado por el covid-19, es la digitalización de los contenidos del festival. Las obras incluidas en la programación han sido grabadas con gran calidad, para que puedan ser vistas en formato online a finales de octubre a través de la plataforma stagein.tv.
La obligada reducción del aforo, para cumplir las medidas de seguridad, será de esta forma compensado con la proyección digital de todos los espectáculos, que se podrán ver en régimen de alquiler durante 24 horas por un módico precio, dependiendo de las características de cada obra. “El 75% de la recaudación será para los artistas”, precisó Cornelles.
La disminución del número de espectáculos (de los 10 viveros se pasa a cinco) también conlleva una nota positiva: “Ahora pagamos el doble de caché”, resaltó Cornelles, quien subrayó que contaban con “el presupuesto más caro de la historia del festival”, parte del cual se lo lleva la novedad del costoso proceso de digitalización.
Aunque el 50% del aforo ya estaba vendido, a dos días del arranque del certamen, lo cierto es que ahora se ha pasado de las 10.200 entradas vendidas la pasada edición, a las 3.000 actuales, por aquello de haber tenido que reducir en ocasiones cada espectáculo de 35 a 5 espectadores. “Y eso nos hiere de muerte económicamente”, remachó el director artístico de Russafa Escènica.
Un momento de la presentación del festival de otoño en el Aula Magna de La Nau. Imagen cortesía de Russafa Escènica.
Amoraga reconoció que la pandemia y el confinamiento posterior les había “pillado con el pie cambiado”, pero que, “dentro de la lentitud”, dijo que se estaban “afrontando los cambios”. De hecho, frente al cansancio de Cornelles y su equipo, la directora general de Cultura y Patrimonio quiso lanzar de nuevo un mensaje de optimismo: “Se van a anunciar medidas de choque, que también afectan al mundo de la cultura”, refiriéndose al debate sobre el estado de la Comunitat Valenciana que en esos momentos se celebraba en Les Corts con el presidente Ximo Puig a la cabeza.
Ariño, en su escrito explicativo sobre los ‘Deseos’ del lema que aglutina temáticamente los espectáculos del festival, animó a realizar una “taxonomía” de dichos deseos, en el contexto de una sociedad de consumo que pretende alcanzarlos sin demora.
Cornelles se limitó a decir que había circo, danza, música y una gran diversidad, “con ética y estética”, al tiempo que señalaba que había “tantos deseos como seres humanos”, pero que puestos a resumir esa diversidad se decantaba, “sobre todo”, por el “deseo de ser feliz”. Felicidad que tiene sus peligros, por utilizar la metáfora empleada por Amoraga: “La cultura tiene sus riesgos y es que te puedes morir de placer o de risa”.
Cartel anunciador de la obra ‘Los de arriba’, de Adrián Novella. Imagen cortesía de Russafa Escènica.
Entre los espectáculos que pueden provocar esa “muerte” por exaltación de los sentidos, está el Invernadero que Adrián Novella dirige en la Sala 7 del Teatro Rialto, bajo el título de ‘Los de arriba’. En él, unos jóvenes festejan, con las pertinentes medidas de seguridad, la vuelta a la normalidad tras la pandemia, cuestionando el futuro que les aguarda.
Y entre los interrogantes, el siguiente: “¿Importa más la salud o la economía?” Cornelles se atrevió a dar una respuesta: “Para mí, la salud, aunque un economista seguramente se inclinaría por lo segundo”. Esa dialéctica entre salud, en este caso cultural, y el dinero asociado a la necesaria y básica economía doméstica, también forma parte del trasfondo que subyace en Russafa Escènica, cuyo futuro está en el aire. ¿O no? “Se seguirá haciendo, porque todas las instituciones haremos el esfuerzo para que continúe”, concluyó Ariño.
Imagen extraída del video promocional de Russafa Escènica, por cortesía del festival de otoño.
XXXII Dansa València
IVC Teatro Principal, Teatro Rialto, Sala Matilde Salvador, Carme Teatre, Espacio Inestable, TEM, Espai Rambleta, La Mutant, CCCC y Plaza del Patriarca
Del 9 al 14 de abril de 2019
El renovado festival del Instituto Valenciano de Cultura, Dansa València, que se celebrará del 9 al 14 de abril en diversos espacios de la ciudad, ha presentado en rueda de prensa la programación de su XXXII edición. La presentación ha contado con la participación de Mar Jiménez, directora del festival; Roberto García, director de IVC Escéniques; Josep Policarpo, director Teatre Escalante-Diputació de València; y Bernard Gaspar, de Acción Cultural del Ayuntamiento de València.
“Presentamos una nueva y pujante edición de Dansa València, después de haber recuperado su formato original hace dos años y que emerge impulsando la actualidad de la danza tanto nacional como valenciana”, apunta Jiménez, directora del festival. Una edición que acogerá el trabajo de 26 compañías (12 valencianas y 14 del Estado español), 29 representaciones, siete espectáculos de calle y ocho estrenos absolutos.
Imagen del espectáculo ‘Keep Going’, de la compañía de danza La Macana. Fotografía de Gorka Bravo, cortesía de Dansa València.
Desde su inauguración en 1988, el festival se convirtió en un referente de la danza contemporánea del Estado español, donde numerosas compañías y artistas muestran sus proyectos más recientes y visibilizan la actualidad de la danza, tanto española como valenciana.
Durante seis días, del 9 al 14 de abril, Dansa València contará con una programación innovadora abierta a todos los públicos y con el objetivo de convertir València en “punto de encuentro del sector escénico, con el objetivo de compartir nuevas propuestas e imaginar nuevos territorios para la danza”, señala la directora del festival.
Mar Jiménez ha destacado los tres elementos clave que suponen una novedad en el desarrollo del festival. En primer lugar, el protagonismo de la música y el sonido en directo de los montajes, convirtiéndolos en el eje temático que conducirá la gran diversidad de formas de expresión que se podrá encontrar en todas las creaciones de esta edición.
Una segunda novedad es la gran apuesta por los proyectos pedagógicos. Dansa València inicia una colaboración con diferentes Conservatorios Superiores de Danza de todo el país para intercambiar experiencias educativas. Asimismo, Roberto García, director de IVC Escéniques, ha comentado el proyecto didáctico ‘Dansem’, una iniciativa del Institut Valencià de Cultura vinculada a la reactivación del Espai La Granja de Burjassot y dirigida a estudiantes de Educación Secundaria.
Imagen de la obra ‘Canvas of bodies’, de Taiat Dansa. Fotografía cortesía de Dansa València.
Un centenar de alumnos de los IES Vicent Andrés Estellés y Comarcal de Burjassot, guiados por los coreógrafos Idoya Rossi y Ramón Baeza, mostrarán en la Rambleta una creación coreográfica a partir de los movimientos generados por ellos. La Banda Juvenil de la Unió Musical l’Horta de Sant Marcel·lí se une al proyecto, interpretando la música en directo.
El tercer proyecto pedagógico es el de ‘Coreografías de la miradas tránsitos’, un proyecto de investigación artística que trata de indagar las relaciones entre el cine y la danza, que se podrá ver en el CCCC.
Como tercera novedad, el festival se abre a las artes vivas, un territorio transversal que huye de las etiquetas y que quiere generar preguntas alrededor de la creación contemporánea más heterodoxa.
Con la firme voluntad de crear una red de diálogo para construir, cada vez más en relación, el festival de danza y artes vivas de la ciudad, Dansa València se expande por diferentes espacios de la ciudad, favoreciendo de este modo la ampliación de nuevos públicos en distintos distritos de València. Así pues, el festival contará con los espacios del IVC Teatro Principal y Rialto; la Sala Matilde Salvador, el Carme Teatre, Espacio Inestable y el TEM. Y se incorporan Espai Rambleta, La Mutant y el CCCC. Las actuaciones de calle se realizarán en la Plaza del Patriarca
Al igual que en ediciones anteriores, Dansa València facilitará el encuentro entre profesionales de procedencia local, nacional e internacional.
Animal de sequia, de Sol Picó. Imagen cortesía de Dansa Valencia.
Migrats (en breu)
Organizan Espacio Inestable y Centre del Carme Cultura Contemporània
Espacio Inestable
C / Aparisi i Guijarro, 7. València
Centre del Carme
C / Museu, 2. València
Del 14 al 25 de noviembre de 2018
Espacio Inestable y el Centre del Carme Cultura Contemporània organizan, por segundo año consecutivo, el ciclo de danza contemporánea ‘Migrats (en breu)’, que acoge a más de 20 creadores de danza contemporánea del territorio valenciano bajo la etiqueta de ‘migrados’. Tras el éxito de su primera edición, este año la organización de Migrats ha optado por aumentar el número de espectáculos hasta un total de 20, así como extender la programación en el Centre del Carme Cultura Contemporánea a dos fines de semana.
El objetivo del ciclo de danza de piezas breves es principalmente ser una plataforma que dé apoyo y visibilidad a coreógrafos del territorio que, bien por necesidad o por voluntad, han emigrado a otros países para desarrollar su actividad artística. En este sentido, la organización entiende el concepto de artistas migrados en dos sentidos: por un lado, artistas valencianos que desarrollan desde hace ya años su actividad principal en otros países sobre todo europeos; y por otro lado, artistas y compañías valencianas emergentes que aún no han tenido visibilidad en circuitos oficiales y que son susceptibles de migrar a otros países en los próximos años.
Cartel de ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.
Conforman la programación de las dos semanas, entre otros, artistas como Tina Forés y Juan Sánchez desde Austria; Noemí Jiménez y Néstor García desde Bélgica; Marta Reig Torres y Noberto Llopis desde Holanda; o Lucía Jaén desde Dinamarca; compartiendo escenario con valencianos emergentes como Inka Romaní, Mauricio Pérez, Les Juntes o alumnas del Conservatori Superior de Dansa.
La coordinación artística de este año se ha llevado a cabo desde Proyecto Inestable y el Centre del Carme Cultura Contemporània, contando como la edición anterior con el comisariado de Rocío Pérez, Tatiana Clavel y Santi de la Fuente, profesionales de la danza y profesores de los dos conservatorios de danza de València.
Éstos últimos apuntaron sobre Migrats que “supone una oportunidad excepcional de ver talentos emigrados y talentos locales que emigrarán a menos que las cosas cambien. Los participantes comparten escenario con piezas cortas en las que no aparece línea divisoria entre veteranos y aprendices. Migrats supone un encuentro, un intercambio, una puesta en común sobre el hecho de bailar perteneciendo a este lugar del mundo […] Es una palabra de aliento a los que se han ido (para que vuelvan cuanto antes) y a los que se irán (para que se acuerden de nosotros y vuelvan)”.
SEMF Inka Romani, en ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.
La compañía de reciente creación Col·lectiu Tal Vegada, con Emma Romeu y Núria Crespo, conforma el cartel e imagen del ciclo en esta segunda edición. La organización seleccionó su pieza de entre todas las presentadas en la anterior edición para residir en Espacio Inestable este año y presentar una pieza de formato largo, la única en esta edición de Migrats, que podrá verse los miércoles 14 y 21 de noviembre en Espacio Inestable.
El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, subrayó “la importancia de trabajar desde las instituciones públicas por impulsar el desarrollo de un sector artístico valenciano fuerte que evite la huida de sus profesionales”. Las actuaciones podrán verse de miércoles a domingo, del 14 al 25 de noviembre, a las 20.00 horas en Espacio Inestable; y los sábados y domingos a las 12.00 horas en el Centre del Carme Cultura Contemporània, estas últimas con acceso libre.
Joaquín Collado en ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.
‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, de la compañía Prácido Domingo
Espacio Inestable
Aparisi i Guijarro 7, Valencia
5 y 6 de Julio de 2018
El pasado 5 de Julio tuvo lugar la interpretación de la danza teatro ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, realizada por la compañía Prácido Domingo en la sala Espacio Inestable. La sala, en este 2018, ha cumplido su 20 aniversario como compañía teatral y 15 años como sala de exhibición. A modo de celebración realizaron un ciclo de obras de danza para acabar la temporada.
‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’ es una obra que nos habla de nuestros fantasmas, de cómo forman parte de nosotros y cómo pasan de un cuerpo a otro sin que nos demos cuenta. Esta obra trata del amor, el dolor, el sufrimiento, la angustia, la calma y todas esas sensaciones que nos causan las experiencias que vivimos en nuestro día a día y que nunca se separan de nosotros. Estos fantasmas toman el control de nuestro cuerpo convirtiéndonos en sus marionetas, simples desechos de carne a su merced, dejándonos dos opciones: seguir bajo su control o luchar contra ellos.
Fotografía de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasma’. Imagen cortesía de Prácido Domingo.
La obra se asienta en tres pilares fundamentales: la danza butoh, el Aikido y la danza contemporánea. La danza butoh tiene su origen tras finalizar la II Guerra Mundial; se buscaban nuevas formas de expresión con el cuerpo que representaran la situación que se vivía en Japón durante la década posterior a la explosión de las bombas atómicas. El bailarín se convierte en una marioneta y con ella intentan expresar los temas más internos del yo, nuestros fantasmas. La danza butoh es una danza tranquila y muy expresiva que, en esta obra, se ve interrumpida por el Aikido, de movimientos bruscos y secos. El Aikido es un arte marcial que busca la defensa personal y el conocimiento total del individuo tanto corporal como espiritualmente. La danza contemporánea actúa de aglutinante final entre el Aikido y el butoh.
La obra se debate entre esta dualidad. Los actores pasan de la tranquilidad al conflicto y viceversa. El Aikido y la danza butoh forman un todo en el escenario al igual que lo hace el yin y el yang en el taoísmo. Esta dualidad explica nuestro eterno conflicto con nuestros fantasmas. En la obra, el control es total cuando hacen de marionetas, formando figuras imposibles y agarrándose de formas impensables, siendo arrastrados por quien les controla en ese momento. El contraste del Aikido nos lleva a una danza frenética, pero silenciosa, acompañada simplemente por las pisadas de los bailarines y sus jadeos.
La obra tiene lugar en un escenario vacío, con unos pocos focos que iluminan los cuerpos de los bailarines de una forma tenue. Los focos forman luces y sombras por todo el escenario, con las que juegan, creando, así, formas abstractas acompañadas con susurros y risas de los intérpretes, posibilitando un espacio onírico perfecto para recrear nuestra relación con los fantasmas que nos rodean.
Fotografia de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’. Imagen cortesia de Prácido Domingo.
Prácido Domingo es una compañía teatral gallega compuesta por Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez, exalumnos de la ESAD de Galicia. Con esta obra consiguieron el primer premio en el certamen Xuventude Crea, organizado por la Xunta de Galicia.
Espacio Inestable cerró la temporada con ‘La femme qui marche’, de Natalia Fernades, una obra que trabaja con la idea del conocimiento a través del cuerpo y la experiencia física como motor del pensamiento. El 4 de Septiembre de 2018 volverán a abrir sus puertas con el Festival Internacional de Teatro y Danza.
Fotografía de los tres actores de la obra: Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez. Imagen cortesía de la compañía Prácido Domingo
Else y Henry, de Puy Navarro
Espacio Inestable
C / Aparisi i Guijarro, 7. Valencia
Del 7 al 11 de septiembre de 2017
“Una historia de amor más allá de los límites de la vida”. Así define Puy Navarro la obra ‘Else y Henry’ protagonizada por una pareja de grandes actores valencianos, Victoria Salvador y Pep Ricart, que inicia la temporada de Espacio Inestable el próximo 7 de septiembre. “Se trata de un canto al amor en todas sus múltiples facetas y fases, desde el amor pasión al amor amistad y de su evolución en las distintas edades ”, comenta la autora y directora valenciana afincada hace 14 años en Nueva York.
La historia de Else y Henry se inspira en la de una pareja real, la formada por el arquitecto alemán Henry Klumb y su segunda esposa, fallecidos en 1984 en Puerto Rico en un accidente de coche. Klumb emigró a Estados Unidos en 1927, a los 22 años, para estudiar con el célebre Frank Lloyd Wright. Durante su aprendizaje trabajó en el diseño y construcción del campamento Ocatillo en Arizona y dirigió la exhibición de los trabajos de Wright en Europa, en 1931. En 1944, se trasladó a Puerto Rico invitado por el gobernador de la isla Rexford Tugwell, para que dirigiese el comité de diseño de obras públicas. Allí fundó la fábrica de muebles Arklu, dedicada al diseño y construcción de muebles adecuados al clima tropical.
Escena de ‘Else y Henry’, de Puy Navarro. Fotografía de Nick Rogers.
“Todo empezó en junio de 2014, en Puerto Rico, en la boda de una amiga”, cuenta Navarro. “Estuvimos rodando un vídeo en la casa que en su día fue de los Klumb deshabitada desde su muerte y que es Patrimonio de la Humanidad. Encontré grandes bolsas de plástico llenas de libros y entre las páginas de unas revistas descubrí unos documentos médicos referidos a la enfermedad de uno de ellos, una dolencia de corazón, aunque no estaba claro si el enfermo era Frank o su mujer”.
A su regreso a Nueva York, Navarro escribió ‘Else y Henry’ que obtuvo el tercer premio en el Concurso nacional de escritura de la Fundación MetLife. Además de relatar una bella historia de amor, reflexiona sobre el impacto de la enfermedad en la relaciones de pareja y plantea un debate sobre la eutanasia y el derecho a decidir libremente cómo queremos dejar este mundo. Junto a los consagrados Salvador y Ricart integran el reparto: Ester Martínez, Paco Trenzano, Leo de Bari y Bautista Duarte. Música en directo de Sergio Martinez (percusión) y Alexey León (saxofonista). La escenografía de estilo minimalista se asienta en juegos de luz y los vídeos de Laia Cabrera.
“Estrenar una obra en mi ciudad natal me daba pánico”, confiesa Navarro. “Pero desde que empezamos los ensayos estoy más tranquila. Lo importante es disfrutar del proceso, aprender de los actores, porque la creación es una tarea colectiva, aunque el director, o sea yo, tenga la última palabra”.
Escena de ‘Else y Henry’, de Puy Navarro. Fotografía de Nick Rogers.
Navarro eligió a dos actores de su generación que le habían impresionado por su trayectoria y actuaciones, en el caso de Salvador por su papel en ‘Pánico contenido’. “Else me permite pasar por una experiencia muy intensa como es la de una enfermedad terminal”, comenta Salvador. “Mi trabajo sobre el personaje es acercarme lo más posible a las situaciones que plantea el texto y dar cuerpo a las ideas sobre la eutanasia que defiende el personaje para que no sea un mero corpus teórico sobre el tema”.
El hecho de que autora y directora sean la misma persona “es una ventaja en el caso de Puy”, señala Salvador, “porque está muy abierta y receptiva a lo que los actores proponemos y no duda en cambiar o retocar cosas del texto si se da cuenta de que lo que ha escrito no funciona en escena. Y eso, la verdad, es muy de agradecer”.
Vida vertiginosa
Hija de valenciano y granadina, Navarro debe su nombre a la Virgen del Puy de Estella (Navarra). “Mi padre se ocultó en el altar de la capilla consagrada a ella para no ser descubierto cuando abortaron una reunión antifranquista en la que participaba y en agradecimiento me puso su nombre”, cuenta. Entre viajes kilométricos y estudios variados, su vida da vértigo. Dejó la Ingeniería Industrial por la Filología Inglesa y de estudiar a Shakespeare pasó a representarlo. Estudió teatro físico en Cuba y luego en la prestigiosa American Academy of Dramatic Arts de Nueva York. Estuvo en Japón con Parque España y ha producido en Nueva York varios espectáculos, como una versión de ¡Ay, Carmela! protagonizada por ella misma. Completa esta actividad incesante con las clases que imparte como profesora de yoga.
“El yoga me ayuda a poner un poco de pausa y serenidad en el frenesí de la batalla diaria”. Siente nostalgia de su ciudad natal, el mar y la calidad de vida, pero de momento le sigue atrayendo la vida en la Gran manzana, donde se concentra lo mejor y lo más innovador en lo que al arte se refiere.
Escena de ‘Else y Henry’, de Puy Navarro. Fotografía de Nick Rogers.
Asociación de Empresas de Artes Escénicas del País Valenciano (AVETID)
Federación de Espacios Teatrales Independientes de la Comunidad Valenciana (FETI)
Solicitan una licencia específica para las salas de teatro
Jueves 1 de junio de 2017
Muchas de las salas de teatro privadas de la ciudad de València corren el peligro de ser cerradas debido a problemas con sus licencias de actividad. Algunas salas han recibido los primeros expedientes sancionadores y no podrían abrir sus puertas al público. Estos espacios congregan cada año más de 500.000 espectadores y dan visibilidad y trabajo a decenas de compañías y centenares de profesionales de artes escénicas valencianas y españolas.
Las salas privadas son: Teatro Zircó, Teatro Talía, Teatre Raval (Gandía), Teatro Flumen, Teatre Micalet, Sala Russafa, Sala Off-Teatro, Sala L’Horta, Sala La Carreta (Elx), Sala Carolina, Olympia Teatro, El Teatret, Sala Ultramar, Teatro Círculo, Carme Teatre y Espacio Inestable.
La Asociación de Empresas de Artes Escénicas del País Valenciano (AVETID) y la Federación de Espacios Teatrales Independientes de la Comunidad Valenciana (FETI) solicitan a la Generalitat Valenciana y al Ayuntamiento de Valencia una renovación de la regulación de las licencias de actividad de las salas de teatro y exigen que exista una licencia de actividad específica para salas de teatro de medio y pequeño aforo que contemplen las necesidades reales de este tipo de salas de exhibición.
Una de las salas valencianas afectadas por la actual normativa denunciada por Avetid y Feti.
El origen de la problemática data de 2008, cuando se publica una ordenanza sobre contaminación acústica que imposibilita la creación de espacios teatrales en la ciudad de València y las equipara con actividades de ocio nocturnos, incluyéndolos en el Grupo 1 de discotecas. Además, la Ley que contempla los teatros no hace distinción alguna entre los tamaños, aforos y capacidades, obligando a cumplir una serie de requisitos que lejos tienen que ver con la mayoría de teatros privados con los que cuenta la Comunidad Valenciana que son los pequeños o medianos.
Según la actual redacción de ordenanzas y leyes, la única vía legal para la regularización de esta parte del sector cultural valenciano es convertirlos en “salas de conferencias, cafés o salas polivalentes”. AVETID y FETI critican el tener que hacer uso de eufemismos y reclaman que las licencias de actividad reciban el nombre de lo que son, Teatros.
Departamentos del Ayuntamiento de València y de la Generalitat Valenciana implicados en la renovación de la normativa que se solicita son conocedores del problema y muestran voluntad de trabajar en ello. Sin embargo, debido a la gravedad del asunto y la urgencia que requiere, AVETID y FETI, solicitan a los máximos representantes de ambas instituciones una resolución inmediata de la problemática.
Existen ejemplos de buenas prácticas en cuestión de renovación de regulación de actividades de salas de teatro en ciudades como Madrid, Barcelona o Sevilla. Estos municipios han reconocido la importancia de la existencia de estos espacios de cultura por la incidencia positiva que tienen en sus ciudadanos. AVETID y FETI confían en que los gobernantes de València y de la Comunidad Valenciana se sumen también a este cambio de normativa.
Una de las salas valencianas afectadas por la actual normativa denunciada por Avetid y Feti.
Escènia 2016
Muestra de Teatro Novel
Centro Social
C / Periodista Badía, 5. Foios (Valencia)
Del 6 al 16 de julio de 2016
La compañía valenciana La Subterránea se alzó como la gran ganadora del Festival Escènia recibiendo dos de los cuatro galardones con su última producción Martingala, en un certamen que contaba este año con cuatro producciones a competición.
El trabajo realizado por esta compañía, que componen Lucía Sáez, Ester Martínez, Lucía Abellán y Luna Soriano, se vio recompensado con el primer premio otorgado por el jurado y con el premio de mención especial otorgado por el público. Martingala nació en una residencia de Espacio Inestable y ha sido el resultado de dos años de investigación y creación colectiva.
Martingala, de La Subterránea. Imagen cortesía de Escènia.
Las componentes de esta compañía no sólo interpretan, sino que escriben a seis manos todos sus textos, acompañándolos de algunos versos de poetas como Alicia Es Martinez, y crean la puesta en escena con imágenes muy potentes. El resultado de una exquisita combinación de sus textos, la puesta en escena y la interpretación invita al público a reflexionar, reír, llorar y disfrutar con su teatro. Un teatro social, político, crítico y muy humano que llevó al público a llenar la casa de la cultura de Foios de aplausos cuando las componentes de La Subterránea recogieron emocionadas los premios.
Martingala, de La Subterránea. Imagen cortesía de Escènia.
Martingala habla de cómo la manipulación mediática nos afecta diariamente pero la compañía, que trabaja desde la sinceridad y valentía escénica y confesando sus preocupaciones e inquietudes, deja la reflexión de qué es y cómo se ejecuta en manos del espectador.
El primer premio otorgado por el público recayó para el espectáculo Nora de la compañía Survivors Producciones, un monólogo interpretado por la actriz valenciana Jessica Fortuny. Y la mención especial del jurado se otorgó al espectáculo Nag i Nel de la compañía Perros Daneses.
Todos los premios van acompañados de una dotación económica. Los primeros se dotan con 2.500 € y las menciones especiales con 1.000 €, una ayuda económica que apoya a estas jóvenes compañías que trabajan por crear arte en condiciones, en ocasiones, precarias. Ahora habrá que esperar un año más hasta la próxima edición de Escènia, que será la número XV en la que, según sus organizadores, “habrá más de una sorpresa para un cumpleaños tan especial”.
Martingala, de La Subterránea. Imagen cortesía de Escènia.
Proyecto europeo Under 25 para jóvenes residentes
Espai Rambleta, Escuela del Actor y Espacio Inestable
Muestra colectiva: 28 de julio de 2016 en Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Rambleta ha presentado a los doce jóvenes, cuatro de ellos valencianos, seleccionados por el proyecto europeo Under 25, Alternative routes to ripen through theater. Los elegidos, de entre 18 y 24 años, están ya disfrutando de su estancia en Valencia de las residencias y laboratorios impartidos por profesionales de primer nivel como Roger Bernat, Cristina Blanco, Bea Fernández (La Poderosa), Agost Produccions y La Dula. El formato de los laboratorios será teórico-práctico y compaginará sesiones de trabajo internas con otras abiertas al público.
Espai Rambleta, la Escuela del Actor e Inestable son la representación valenciana de esta iniciativa que, mediante los laboratorios, dibujarán algunas de las líneas motoras del proyecto como son la investigación en (nuevos) lenguajes y (nuevas) dramaturgias, (nuevas) audiencias y relaciones con los espectadores, y (nuevos) espacios de residencia.
Un nutrido grupo de periodistas culturales y algunos agentes del sector -Gabi Ochoa, Esther Melo, Leo Santos, Patricia Pardo, Jacobo Pallarés o Maribel Bayona-, acudieron a una amena presentación en Rambleta a la que también asistieron los representantes de Torres Vedras y Manchester.
Sonia Martínez (Rambleta) y Jaume Ibañez (tutor de Under25 en Valencia) condujeron la presentación en la que tanto Joao García (Torres Vedras) como Steph Broken (Peshkar, Manchester) mostraron su excitación ante este “desafío de convivencia y creación artística” que llega, además, en un momento clave para el devenir de Europa en general y del Reino Unido, mostrándose esperanzador en cuanto a la posible marcha de las relaciones culturales y profesionales entre UK y el resto de países europeos tras los recientes resultados del referéndum.
El compromiso con los jóvenes talentos y la cultura que ha caracterizado a Rambleta desde sus inicios envuelve a este proyecto que consistirá en un proceso de convivencia, creación y crecimiento de estos nuevos artistas y que desembocará en una muestra colectiva el próximo 28 de julio. Tras la exhibición, finalizará la estancia en Valencia para reanudarse en Torres Vedras, Portugal (del 12 de enero al 12 de febrero de 2017), y en Manchester (del 15 de junio al 16 de julio de 2017). Todo el proceso, además, será contado por los propios alumnos a través de un blog y una cuenta de Instagram creadas para la ocasión.
Como ya se avanzó el día de su presentación desde la organización, “el objetivo de Under25 es facilitar la emergencia de nuevas voces, discursos y producciones únicas y contemporáneas, así como promover el intercambio cultural y lingüístico entre los países participantes, siempre con el fin de estimular la creación de nuevos públicos y trabajo con las audiencias”.
Residentes en Rambleta. Fotografía de Pablo Ortuño cortesía de Espai Rambleta.
