“Mis proyectos surgen de lo que hay a mi alrededor”

Pi, de Asun Noales
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Hasta el 8 de febrero de 2018

Unos artistas cuentan historias a base de encadenar palabras, otros lo hacen con sonidos o con imágenes. Los más osados se valen, únicamente del cuerpo humano, de sus movimientos en el tiempo y en el espacio. ¿Cómo conseguir que una idea, un sentimiento, un argumento cobren vida a través de algo tan sutil? La coreógrafa, bailarina y directora de escena Asun Noales (Elche, 1972) responde a esta difícil pregunta sin pestañear. Al frente de su compañía OtraDanza durante la última década, y a lo largo de su brillante trayectoria profesional ha logrado materializar esa magia en un importante número de espectáculos de danza contemporánea en los que cuenta un sinfín de historias.

'Pi', de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Pi’, de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Noales se inició de la mano del coreógrafo ilicitano Vicente Sáez, autor de ‘Uadi’, y en Barcelona estudió con Guillermina Coll y Angels Margarit. Otros referentes en su carrera son Trisha, Pina y Ohad, aunque hoy día se confiesa fan de Dimitris Papaioannou. Juana, Tatoo, Tierra, Back, Rito, Sacra, etcétera. A su rica nómina de coreografías se ha sumado la de nombre más breve, ‘Pi’, un espectáculo para todas las edades inspirado en el número 3,1416 que pretende descifrar los patrones secretos de la naturaleza (fractales) y transmitir el amor por la armonía que encierra. Hasta el 8 de febrero permanecerá en la Sala Russafa y en primavera volverá a Valencia dentro de la VII edición del Festival Abril en Danza.  A partir de este mes OtraDanza reinicia la gira con sus espectáculos: Pélvico, Sacra, Da Capo, Rito, Clandestino y Eva y Adan. Noales colabora con prestigiosas compañías internacionales y con la nueva Jove Companyia Alacant-Dansa, además de ejercer una actividad docente.

'Pi', de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Pi’, de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

¿Por qué  bautizó su compañía OtraDanza?

Antes, estuve seis años como codirectora de otro bonito proyecto, Patas Arriba y al iniciar el mio en solitario, tuve la sensación de empezar otra vez de cero, de contar otra vez quién era yo, de hacer tabla rasa. De ahí el nombre. Si ha sobrevivido una década  es gracias a haber invertido en ella mucho trabajo y aventuras de todos los colores que se pueden imaginar, sin perder nunca el contacto con la realidad artística de mi tierra.

¿Qué proceso sigue en la gestación de una coreografía?

Soy muy anárquica a la hora de iniciar un nuevo viaje, como me gusta llamar a mis procesos creativos. Unos parten de una imagen, otros de una idea, otros de elementos que no pude profundizar en anteriores producciones y en los que me apetece adentrarme después. También hay algunos encargos. Cada proyecto surge de manera diferente, pero siempre hay algo común en ellos y es la vida, lo que me rodea, lo que acontece a mi alrededor.

¿Cómo sucedió en el caso de ‘Pi’? 

El caso de Pi fue muy claro. Este es mi tercer espectáculo para público infantil y en los dos anteriores, tanto en Eureka como en Eva y Adan abordo preguntas sobre el ser humano, profundizo en la evolución del hombre. En Pi vuelvo a adentrarme en la relación de la vida con la ciencia, en este caso con las matemáticas. Se inspira en el número mágico e infinito 3,141592 y en su relación con la naturaleza. Además, 2018 ha sido proclamado Año de la Biología Matemática, y Pi se inspira en parte en ella.

'Pi', de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Pi’, de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

¿La obra trata de reflejar los fractales? 

Los fractales me parecen fascinantes. La repetición de patrones. Como todos estos elementos matemáticos están en nuestro día a día, desde un girasol, hasta el romanesco que nos comemos o el crecimiento de las ramas de algunos árboles. Los fractales inspiran una de las escenas, donde hay una continuidad constante en el movimiento de tres bailarines, es casi un número circense, los nudos que van tejiendo sus cuerpos dan lugar a formas diversas, sin perder la continuidad ni el ritmo.

¿Hay muchas diferencias entre concebir un ballet para niños y uno para adultos? 

Para mí, no. A nivel coreográfico y de composición musical, la diferencia quizá está en la frescura de la mirada y el interés que ésta pueda tener hacia lo que se les está mostrando.

'Pi', de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Pi’, de Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Parece que la danza está condenada a ser la Cenicienta de las artes escénicas. ¿Alguna propuesta para convertirla en Princesa del baile? 

Dicen que la danza es minoritaria, aunque yo no lo creo. Todo el mundo baila, o casi todo el mundo. Mucha gente practica diferentes tipos de danza como afición. De manera que convertirla en Princesa es cuestión de querer y poner los medios para que lo sea. Si se hablara de ella en televisión más a menudo, si se programara más, si en cada ciudad hubiera un conservatorio de danza, si en cada capital hubiera una compañía, como hay orquestas en muchos lugares. Querer es poder. No creo que la danza deba ser la Cenicienta, pero si no hay interés porque ocupe su lugar, nunca lo ocupará por mucho que unos cuantos nos dejemos la piel porque así sea.

¿Qué consejos daría a los jóvenes que se inician en la danza?

Les diría que se meten en un buen lío porque esta profesión te atrapa, hay que dedicarle muchas horas, mucha vida. Pero si es lo que quieren, que trabajen duro, con rigor y que disfruten, porque disfrutando de lo que uno hace las cosas no cuestan tanto esfuerzo. Y que se formen bien, los referentes son imprescindibles para poder desarrollar tu trabajo. Una buena escuela, unos buenos maestros, una buena experiencia profesional antes de embarcarte a dirigir tu propio proyecto es fundamental.

'Pi', Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Pi’, Asun Noales. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Bel Carrasco

“Me gusta jugar con los contrastes”

Pneuma, de Pablo Capitán del Río
Premio Mustang Joven 2016
Elche Parque Empresarial
Edificio MTNG Experience
C / Severo Ochoa, 36. Elche (Alicante)
Hasta el 15 de diciembre de 2017

En esta exposición, que se celebra con motivo del Premio Just MAG premio Joven 2016 otorgado en la feria de arte emergente Just Madrid 2016, Pablo Capitán del Río (Granada, 1982) presenta una serie de obras que parecen suspendidas en un instante de tensión antes de su transformación o colapso. En ellas el artista ha querido trabajar con nociones ópticas que buscan lograr un extrañamiento perceptivo en el espectador y trabajos en los que se combinan experimentos formales aparentemente científicos con otros de carácter más subjetivo y personal.

Juan Fuster, responsable de Art Mustang, presentando la exposición 'Pneuma', junto al artista Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Juan Fuster, responsable de Art Mustang, presentando la exposición ‘Pneuma’, junto al artista Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

En ‘Pneuma’ vas a mostrar piezas que activan procesos físicos de equilibrio, gravedad, precariedad o anticipación, un tipo de obras que tienen relación con tu interés por los libros científicos que en ocasiones ilustran sus explicaciones teóricas con ejemplos visuales; una ciencia aplicada que emparenta tu trabajo con el mundo de la Biología, las Matemáticas o la Etología.

Sí, ese tipo de lecturas de análisis científico son importantes en mi trabajo porque me sirven como punto de partida para arrastrarlos al terreno de lo simbólico humano. Me gustan las obras aparentemente científicas, que en su origen parecen no querer contar nada más allá de su concreción física, pero que quizá por nuestro plano físico, real, nos hablan también de nuestra propia existencia. Lo interesante de ciertos procesos físicos o químicos es que muestran la condición ostensible de las cosas, la incapacidad del lenguaje para dibujar la experiencia real con lo que nos rodea. Por eso intento desestabilizar esa aparente frialdad objetiva mediante la metáfora y el contrasentido. Me gusta jugar con la combinatoria de conceptos y materiales, con los contrastes: mecánica y gesto, naturaleza y cultura, figuración y abstraccion,… Este ejercicio me permite ensayar una gramática que articule esos elementos aparentemente neutros para extrañarlos.

En la exposición este objetivo te lleva a mostrar unas obras que generan una suerte de tensión en el espectador. Pienso en la serie fotográfica titulada Petardo y vela, Soga suspendida o Vidrio y ventosa.

Digamos que los visitantes pueden aventurar lo que va a suceder pero dentro de un margen de probabilidad. El arranque narrativo de estas obras funciona a partir de una causalidad a la que el espectador está tan familiarizado que es su propia mente la que de un modo automático anticipa el desarrollo: si enciendes un petardo generalmente explotará, si pones un vaso al borde de una mesa generalmente acabará cayendo, etc… El primer eslabón de fascinación se percibe de un golpe. Después puedes activar otras lecturas más complejas o sutiles pero si le das un indicio al espectador, su propia animalidad le pone en contacto con la obra.

Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Me motiva ese interés por la “animalidad” de los espectadores. ¿Quizás por eso te interesa la Etología? Además de buscar esa suerte de impulso automático o primario en los receptores de la obra, en ocasiones también incluyes representaciones animales en tu trabajo: perros, osos hormigueros o murciélagos. Animales observando a otros animales….

Sí, de hecho la Etología se basa en la observación, en lo perceptivo. Me gusta vincular lo aparentemente natural con lo producido por lo humano. Juego con la combinación de elementos que han sido modelados con otros que son copias directas de elementos reales, como las texturas de pieles o frutas. Esta intención puede apreciarse en obras como El cebo, una columna en la que se muestran los diferentes estados de maduración de una piña. Me gusta combinar estas texturas extraídas de lo real con estructuras abstractas, activando una ambigüedad en la que no se llega a comprender qué proviene de la mano del hombre y que ha sido delegado o extraído de la naturaleza.

Además de tus lecturas de corte técnico también eres un gran lector de ficción. Esta afición responde a cierto interés narrativo en tu obra que también te aleja de lo exclusivamente científico ¿Cómo crees que te han influenciado este tipo de lecturas?

Quizás en cierto tipo de narración. Pienso en el modo tan interesante en el que algunos relatos de Franz Kaa, por ejemplo, construyen la escena o, mejor dicho, en cómo la cierran. Siempre se produce una conclusión extraña, como cuando casa mal un molde y se ven las costuras.

Vista de la exposición 'Pneuma', de Pablo Capitán del río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Vista de la exposición ‘Pneuma’, de Pablo Capitán del río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Entiendo lo que comentas porque en tu obra a veces contrapones elementos de una factura más depurada con otros en los que no has ocultado las marcas producidas durante su construcción.

Sí, quizás porque las obras que más me impresionan y a las que vuelvo son aquellas que consiguen convencerte de una realidad que ellas mismas están desmintiendo simultáneamente; obras que fracasan en su ficción. Quizás por eso también me gusta introducir estados cambiantes de la materia, activando sus cualidades químicas, como en 5 poliedros de levadura fresca, unos videos que muestran la serie de los cinco poliedros platónicos en perpetuo proceso de transformación. Me interesa contraponer estas obras con otras más “estables” porque me fascina la idea de que la obra pueda seguir evolucionando sin mi intervención.

Vista de la exposición 'Pneuma', de Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Vista de la exposición ‘Pneuma’, de Pablo Capitán del Río. Imagen cortesía de Art Mustang.

Algo similar sucede con XX, una instalación realizada especialmente para ‘Pneuma’, en la que un grupo de panes tallados en espuma floral, mojados y suspendidos de un fino muelle metálico, van dispuestos cada uno sobre diferentes cubos de caucho. Pero aunque cada uno queda a una altura determinada según la cantidad de agua que haya absorbido, todos ellos se irán elevando hacia las alturas a medida que se evaporen y pierdan peso. Pneuma es una palabra del griego antiguo que significaba respiración, pero también pasó a significar espíritu, “ forma en que circula el elemento aire” o “aliento de vida”.

David Bestué

Mustang Icon. Convocatoria de escultura conmemorativa

Convocante: THE MTNG GLOBAL EXPERIENCE, S.L
Dotación: 7.000 euros honorarios y 20.000 de producción
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 20 de noviembre

Convocatoria Mustang Icon: Escultura para celebrar el 50 cumpleaños de la marca
Parque Empresarial de Elche
C/Severo Ochoa, 20. Elche, Alicante
Desde 20 de Noviembre hasta 27 de Diciembre

Con motivo del 50 aniversario de la marca, Mustang busca un símbolo inspirador que dé la bienvenida a los visitantes de sus instalaciones en Torrellano. Esta iniciativa dotara al Elche Parque Empresarial de una escultura de valor artístico que se instalara en las inmediaciones del edifico que alberga sus oficinas.

El Ayuntamiento de Elche ha mostrado su total predisposición a colaborar con esta iniciativa Y formara parte del comité de selección a través de la concejalía de promoción económica. La temática que se propone en la convocatoria será libre y no tendrá por que estar relacionada directamente con el mundo del calzado, la organización explica que la relación con el calzado no será un valor importante a tener en cuenta. si que se tendrá especialmente en consideración la capacidad de empatía e interacción de la obra con el público.

La convocatoria de proyectos de escultura contará con 27.000 euros de presupuesto, de los cuales el artista ganador dispondrá 20.000 euros para la producción de una escultura de tamaño medio (3 metros de longitud) que recibirá a los visitantes en las inmediaciones de las instalaciones de la marca de cazado Mustang. A su vez el artista obtendrá la cantidad de 7.000 euros en concepto de honorarios por el proyecto.

Los participantes tendrán de plazo desde el día 20 de noviembre y hasta el próximo día 27 de diciembre para presentar sus proyectos. Posteriormente, en el plazo aproximado de un mes se comunicará el fallo del comité de selección, que estará formado por: Hector Díez Pérez, en representación del excmo. Ayuntamiento de Elche. Sergio Ros Vidal, presidente de la Fundación de la C.V. Pascual Ros Aguilar. Juan Fuster Selva, director de ART Mustang. Alicia Ventura Bordes, Comisario independiente y gerente de Gestión arte ventura. Pedro Medina, director de IED Sapere (Italia, España y Brasil). Gema llamazares directora de la galería Gema llamazares y Jose Juan Fructuoso, arquitecto.

Plano del lugar dónde se ubicará la escultura

Plano del lugar destinado a ubicar la escultura

Este comité será el encargado de seleccionar las tres mejores propuestas de entre todas las recibidas. Finalmente, un comité interno de la empresa será el que resuelva la propuesta ganadora, teniendo en cuenta los valores de la marca Mustang

La organización considera esta convocatoria como una de las acciones más emblemáticas desde que en 2010 inicio su relación con el sector arte. Dado el impulso que desde la empresa se quiere dar al proyecto y las cuantías económicas que se proponen en la convocatoria, se espera una gran respuesta de participación por parte de la comunidad artística.

Bases completas y más información

Los números primos de Fernando Martín Godoy

NUMEROS PRIMOS de Fernando Martín Godoy
Premio JustMag joven 2015
Mustang Art Gallery (MAG)
Elche Parque Empresarial
C / Severo Ochoa, 36. Elche (Alicante)
Hasta el 17 de diciembre de 2016

En teoría de números, la conjetura de Goldbach es uno de los problemas sin resolver más antiguos de las matemáticas. Su enunciado es el siguiente: “todo número mayor que 2 puede escribirse como suma de dos números primos”. Es por esto que los números primos son considerados los primeros, ya que a partir de ellos se obtienen todos los demás números enteros – por ejemplo, el 15 se obtiene multiplicando los primos 3 y 5, el 77 con los primos 7 y 11, y así sucesivamente. De igual forma, los retratos que componen esta exposición podrían ser el resultado de la multiplicación de dos números primos, dos personas, que dan lugar a una sucesión de cifras en la forma de parientes.
Familiares que, si bien no comparten parentesco en el estricto sentido de la palabra, son reunidos en la misma línea de sangre de la mano de Fernando Martín Godoy.

Siendo fiel al esquema de su propio árbol genealógico, Martín Godoy utiliza material apócrifo como punto de partida en la composición de la imaginería de la exposición. A través de la utilización de recortes y fotografías anónimas, y su presentación como la familia del artista, la exposición establece una reflexión sobre el yo y la identidad colectiva. Mediante la creación de esta ficción biográfica, las cuestiones del yo y la identidad quedan en entredicho, ya que las obras se alejan de la representación-semejanza del parecido físico o el carácter del retratado.

Imagen de Número primos,

Imagen de Números primos, de Fernando Martín Godoy. Mustang Galery. Foto de David Rodríguez.

En “Números Primos” Godoy se aleja de su tradición retratista más figurativa, dando un rodeo para dar precisamente en la diana, en la esencia de un ser humano concreto e individualizado pero expuesto en un contexto común, familiar y reconocible. A través de esta tensión establecida entre el sujeto colectivo y el individual, el artista nos hace reflexionar sobre lo que una narrativa familiar canónica representa habitualmente y sobre lo que no representa. En este escenario, el individuo y su familia, actores principales del espacio privado, juegan a representar una ‘humanidad compartida’, puesto que el material empleado ha sido tomado de muy diversas fuentes; tal vez el retrato de la madre de Fernando provenga de la imagen de una peruana, o su tío abuelo de Moscú…

Al fin y al cabo, todos contenemos el mismo genoma y son las diferencias de clase, alimentación, localización geográfica, etc. lo que nos hace ser tan diversos unos de otros. La exposición ofrece un retrato de la humanidad, no solo poniendo énfasis en las diferencias de los hombres, sino también en su pertenencia a una familia. Concluyendo que la familia también es, al igual que el individuo y la sociedad, una conformación jerárquica en la que se inscriben las estructuras de poder.

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Imagen de Números primos, de Fernando Martín Godoy. Mustang Galery. Foto de David Rodríguez.

El retrato es una constante en el trabajo tanto pictórico como objetual de Fernando Martín Godoy, pero el proyecto “Números Primos” es el más personal del artista hasta la fecha, estableciendo una semejanza directa entre su vida privada y el espacio expositivo. Aun así, el hecho de que éste árbol genealógico no esté compuesto por los retratos reales de su familia, hace que el artista se aleje de crear una nota biográfica cargada de sentimentalidad y sugiera más bien un afecto en el espectador, que inventará sus propias narrativas familiares más allá de la mera contemplación de las obras.

Formalmente, las obras reducen la brecha entre las tradiciones de la abstracción y de la figuración mediante el uso de estrategias de ambos estilos. Por ejemplo, la elección de la técnica como es tinta china sobre papel intensifica las formas y la yuxtaposición de veladuras, mientras que la cuidada preferencia de cuáles son las formas escogidas para representar los rasgos faciales, balancean el aspecto figurativo.

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Imagen de Números primos, de Fernando Martín Godoy. Mustang Galery. Foto de David Rodríguez.

Cada retrato es un elemento que propicia la construcción de una nueva identidad del sujeto colectivo-individual; es una práctica de liberación que construye su propia forma identitaria, que no puede pensarse solo en términos individuales. Al mismo tiempo, el artista es incapaz de representar a la familia sin que en cierta medida se represente también a sí mismo. Individuo y colectivo se significan por lo tanto inseparables.

Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), recibió en 2015 el JustMag Premio Jóven que otorga Mustang Art Gallery en el entorno de la feria de Arte Contemporáneo JustMad 6. En la actualidad reside en Londres, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 2004 recibió una de las becas INJUVE para realizar un taller de pintura en la School of Visual Arts de Nueva York, y en 2009 el Ministerio de Cultura le concedió la Beca de Artes Plásticas del Colegio de España en París. En 2010 el Ministerio de Cultura lo incluyó dentro del programa de promoción del arte contemporáneo español. Tras numerosas exposiciones individuales, el Centro de Arte Contemporáneo de Caja Burgos (CAB) presentó en 2014 una muestra retrospectiva de su trabajo.

Cristina Ramos

El escenario del crimen

‘El escenario de un crimen’, Alberto Castelló Juan
V Beca Puénting
MAG. Mustang Art Gallery
C / Severo Ochoa, 36. Elche (Alicante)
Hasta el 23 de septiembre de 2016

Fruto de la colaboración entre la Sala MAG, la Facultad de Bellas Artes de Altea y el apoyo del Vicerrectorado de Cultura y del Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández de Elche, la V edición de la Beca Puénting plantea un salto a la profesionalización artística con el arnés de universidad y empresa.

Dentro de este programa, se presenta en la galería Mustang Art Gallery la intervención del liceciado en en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Altea, Alberto Castelló. Ha finalizado el máster en Producción e Investigación en Arte por la Facultad de Bellas Artes de Altea en 2015 y ha realizado exposiciones individuales como-ES-+ES—ES++ES+ en la Fundación FRAX, o colectivas como EXIT en el Museo de la Universidad de Alicante MUA, 18 CASOS CLÍNICOS en Las Cigarreras, o MUELLE en Mr. Pink Gallery.

Vista de la exposición. Fotografía Benya Acame.

Vista de la exposición. Fotografía Benya Acame.

Alberto Castelló en el dominio malicioso

No es fácil toparnos con una realidad ilustrada tan descarnada como la que nos enseña Alberto Castelló en la obra ‘El escenario de un crimen’, expuesta en el espacio expositivo de Mustang Art Gallery. Algo que, por otro lado, no puede ser de otra manera si el tema que se aborda es el de la violencia de género o, más aún, el de la violencia en general del ser humano con el propio ser humano. Y esa es una de las peores realidades con las que podemos confirmar el grado de execrabilidad con que se distingue la naturaleza de nuestra especie.

Es cierto, que la dureza, siniestralidad, y subversión del orden del retrato que guía el dibujo de Alberto Castelló puede llegar a causarnos un escalofrío, pero ante el resultado de la violencia aplicada en la vida y en la convivencia corriente de las personas, como triste y dolorosamente estamos acostumbrados y familiarizados por su cotidianeidad, la ilustración real de esos actos ha de ser de ese modo, sin piedad, sin conmiseración, descarnada. Esa debe ser la función del retrato, del dibujo, la fidelidad a los hechos si el propósito es el de denunciar, criticar, revelar. No hay otro modo.

Con la dureza de las imágenes se persigue la reacción y activación de todos para acabar con esos hechos crueles, con esos comportamientos abominables. Y de esa manera, con una tremenda frialdad, con una desmedida brutalidad, nos describe, mediante una narrativa secuenciada de vigoroso trazo y rechinantes perfiles, esa realidad tremenda, esa bárbara y feroz conducta. Y peor aún, o mejor si se trata de conmover, haciéndonos situar en el centro de la escena, en el centro del desenlace de la violencia al escribir la narración en una tridimensionalidad espacial inapelable, girando entre nosotros.

Sobrecoge y aterroriza leer la historieta que nos relata Castelló, en ese gigante tebeo mural de muerte, celos y desamor que se desencadena en su polémico relato, pero así es a menudo, demasiado a menudo, la realidad social que nos circunda. Quizá algún día, en algún tiempo indeterminado, estas sumas de denuncias atroces alcancen un resultado optimista, y simplemente podamos saber amarnos.

Comisario de la exposición

José Manuel Álvarez Enjuto

Una de las obras de Alberto Castelló. Fotografía Benya Acame.

Una de las obras de Alberto Castelló. Fotografía Benya Acame.

El color y la geometría de Pepe Blanco

Pepe Blanco. Color y Geometría
Sala Municipal de Exposiciones Lonja del Pescado
Paseo Almirante Julio Guillén Tato, s/n. Alicante

No conocí personalmente a Pepe Blanco (Alicante, 1938-2003) y no pude realizarle las muchas preguntas que me surgen sobre su obra, como, por ejemplo, qué pigmentos empleaba y cómo los mezclaba, qué preferencias tenía por determinados temas o el porqué de la elección de este o ese encuadre. Tampoco pude conversar con él, aprendiendo de sus conocimientos artísticos o intercambiando opiniones sobre temas banales que –imagino– nos unirían, como nuestro Alicante y su mar o el amor que sentía por l’illa de Tabarca, pero oí hablar de él y me habitué a ver su obra antes de conocer a su familia, por la especial vinculación personal y laboral que le unió, hasta su fallecimiento, a parte de la mía.

El camino se estaba trazando. Hace unos años, coincidí profesionalmente con Queru, la mayor de sus hijas –ella como directora y yo como subdirectora de la revista Canelobre-, y de ahí nació una inmensa amistad y cariño que se ha hecho extensivo a Rafaela, su madre, y a Julia y Paloma, sus hermanas, por lo que me siento vinculada emocionalmente a esta exposición mucho antes de que se fraguara.

Obra de Pepe Blanco.

Obra de Pepe Blanco.

Tiene su punto de partida el día siguiente a la publicación, por parte de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, de la ‘I Convocatoria pública para la presentación de proyectos expositivos en las salas municipales de exposiciones’, cuando, hablando con Queru, me dijo: “Mi madre…”. La interrumpí y le contesté: “Sí, presentamos un proyecto con la obra de tu padre”. Impulsada por su familia, hemos ido preparando esta exposición con intensas y divertidas reuniones. Comenzamos a catalogar y seleccionar obra y la idea que teníamos en mente fue tomando forma. Nuestro proyecto fue seleccionado y tenemos el honor de inaugurar las exposiciones elegidas, por primera vez en Alicante, mediante convocatoria pública y con un jurado integrado por políticos, técnicos y profesionales del sector de las artes plásticas.

La trayectoria profesional de Pepe Blanco como arquitecto está sobradamente reconocida en la provincia de Alicante, con obras tanto para particulares como para instituciones en diferentes localidades; sin embargo, su faceta artística, a pesar de tener obras tan singulares como el enorme mural del Aeropuerto de Alicante-Elche, el del desaparecido tinglado del Muelle de Poniente del Puerto de Alicante o el de la Casa de Cultura de Ibi, ha trascendido casi exclusivamente a su círculo más cercano, puesto que, aunque participó en colectivas y recibió varios premios y accésits, solo realizó muestras individuales hace más de cincuenta años, en salas de Madrid y en el Casino de Torrevieja, en 1961 y 1962. El trabajo que presentamos en su ciudad natal es inédito y destaca por su frescura y originalidad, pero, sobre todo, por su modernidad. Su avanzada visión artística hace que obras realizadas hace décadas parezcan actuales.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

José Blanco Cantó era hijo de Rafael Blanco, que, junto a su hermano Fulgencio, eran conocidos artísticamente como los Hermanos Blanco, escultores, imagineros, constructores de hogueras y hasta artesanos creadores de muñecas que han dejado una extensa producción en Alicante y que se preocuparon por fomentar la creatividad artística de Pepe Blanco desde niño.

Formado profesionalmente en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, la obra de Pepe Blanco abarca prácticamente toda la segunda mitad del siglo XX. En esta antológica mostramos obras realizadas entre 1955 y 2003. Comienza su andadura artística colaborando, mientras estudiaba la carrera, con revistas universitarias a mediados de los años 50, para las que realiza dibujos con trazo firme, como algunos de los que podemos ver aquí, de su hermana Ana María, su padre o su tío Fulgencio.

También investiga y realiza obra experimental en distintas vanguardias, con estudios de descomposición en planos, próximos al cubismo, o dibujos con formas oníricas, más cercanos al surrealismo, hasta los collages abstractos o la reducción de elementos que le llevarán a la abstracción con las manchas negras realizadas con esmalte. En toda su obra podemos percibir cómo empleó sus conocimientos arquitectónicos para plasmar la perspectiva de las construcciones, de los encuadres y la descomposición planimétrica. En su trabajo predomina, por encima de todo, la línea recta, empleando diferentes técnicas como el gouache, las ceras, el grafito, los rotuladores o el acrílico, que se unen a veces en la misma obra.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Otro aspecto que también queremos dar a conocer en esta muestra es la unión del artista y el arquitecto, con imágenes de los grandes murales diseñados y producidos para instituciones y algunas maquetas de proyectos arquitectónicos en las que sobresalen la pureza de líneas y el novedoso uso de los materiales. Esa simbiosis entre arquitecto y artista le lleva a dejar su doble huella. Pueden verse sus creaciones como muralista en el zaguán de algunos de los edificios que diseñó como arquitecto. Autor también de carteles, se expone el premiado para ser la imagen de las Hogueras de San Juan de 1961, y que forma parte de los fondos del Archivo Municipal de Alicante, o el de la Semana de la Arquitectura de Alicante de 1996.

Entre las obras ejecutadas por Pepe Blanco sobresalen, en calidad y volumen, las obras inspiradas en el ámbito marinero, en los puertos pesqueros, en sus muelles, grúas de carga y barcos. Es la cara menos visitada del puerto, pero de gran atractivo para este artista que nos muestra en sus pinturas, realizadas en diferentes técnicas, composiciones y encuadres originales que representan el mundo portuario. Puertos con colores contrastados –ocres y azules, blancos, grises y naranjas o verdes– o solo en negro, formando espacios lineales, esquemáticos, en los que aúna el color y la geometría, pintados desde su visión única. Fue autor también del edificio de la nueva Lonja de la Dársena pesquera de esta ciudad, por lo que su obra está especialmente vinculada a esta sala municipal de exposiciones, Lonja del Pescado.

A través de esta muestra hemos intentado unir sus dos facetas creativas, la obra de Pepe Blanco artista y la de Pepe Blanco arquitecto, lo que demuestra, una vez más, la relación y la influencia mutuas entre todas las disciplinas artísticas. El resultado es esta reunión de sus maquetas arquitectónicas con una cuidada selección de su obra pictórica, carteles, murales, dibujos, esculturas o collages que reflejan su particular forma de ver y sentir el arte y la vida.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Pilar Tébar
Comisaria de la exposición
Vicepresidenta (Alicante) de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte (AVCA)

 

Los efectos sonoros de Mustang Art Gallery

Mustang Art Gallery
Efectos Sonoros
Nuria Fuster, Pablo Bellot y Rubén M. Riera
Hasta el 22 de Junio
Comisariado por Juan Fuster

When the world is your own echo chamber.

“Los objetos que rodean mi cuerpo reflejan la acción posible de mi cuerpo sobre ellos”. (Henri Bergson, Materia y memoria)

La posibilidad de un cuerpo se abre en la acción producida por este. Esta acción puede obrarse sobre el propio cuerpo que actúa, sobre los objetos que le rodean o sobre el propio espacio en el que se sitúa. Cuerpos y objetos parecen cobrar la forma de un reflejo, los unos responden en los otros, como un espejo o como un eco.

Efectos sonoros es un dispositivo expositivo experimental de parámetros abiertos. Entre lo sensible y lo inteligible, la acción humana y los procesos de producción de sonido, las frecuencias y las ondas, el silencio y la palabra todo cobra sentido en su trasmisión. En ocasiones la recepción acústica se confunde con la repetición de la acción, como un eco. A cada secuencia de acciones le siguen consecuencias más o menos predecibles o contingentes de un nuevo cuerpo sonoro. Cuando nos aproximamos al sonido desde Efectos sonoros lo hacemos poniendo nuestro cuerpo en el centro de acción. Los tres artistas elegidos para este proyecto, Nuria Fuster, Rubén M. Riera y Pablo Bellot parten de este cometido, la acción del cuerpo, como formulación de efectos sonoros en los que se incluyen el silencio, el ruido, el eco o la reverberación.

Sounding Stone, Nuria Fuster.

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Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen Roberto Ramos.

Una plataforma de hierro diseñada para que el cuerpo esté abocado a vivir una experiencia que transforme sus sensaciones. La estructura de metal rompe su horizontalidad en una elevación ligera pero precisa para su finalidad. La elevación y su tendencia produce cierta inestabilidad del paso, inclinando el cuerpo que camina sobre la superficie metálica que genera una sensación de vértigo. El vértigo aparece como una sensación de mareo, de movimiento exterior que puede conducir incluso a la caída por la pérdida del equilibrio. Sin embargo, el vértigo es la consecuencia de la descompensación del oído que produce un desequilibrio en la aprehensión del espacio circundante.

Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery

Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen Miriam Asencio.

La inclinación de la plataforma representa la misma tendencia que produce el vértigo: un ligero o grave declive en nuestro contacto con la realidad. El vértigo produce una sensación de movimiento irreal, puesto que se trata de una sensación subjetiva de movimiento. El trastorno del desequilibrio constituye un cuestionamiento importante en cómo se reflejan los cuerpos en el espacio. Puesto que estos no son solo percibidos, sino apercibidos por sentidos como el oído que es capaz de recrear situaciones, espacios y cuerpos mediante las ondas que produce el movimiento de estos. Al igual que la experiencia de vértigo, Sounding Stone de Nuria Fuster reflexiona sobre las relaciones entre nuestra interioridad y exterioridad.

El silencio de un cuerpo, Rubén M. Riera.

Un vídeo multicanal fragmenta la imagen de un brazo que con la mano abierta y boca abajo se sitúa sobre un fondo negro. La imagen dividida en cuatro pantallas descompone en cierto modo la figuración real.  La mano permanece inmóvil hasta que la escala musical entra en escena: un “Do” se extiende a lo largo del plano y cuando cesa, la mano golpea el fondo negro. Repentinamente este aparece como un agua negra, algo imposible en su sustancia natural. Y entonces las ondas producidas por el choque de la mano en el agua provocan un titilante movimiento lumínico. La luz emana del agua en ondas cuando el sonido desaparece. Así la escena se convierte en una doble realidad. Como en el caso de la reverberación, un cuerpo de producción acústica pierde en la repetición su forma transformándose en otra figura.

El silencio de un cuerpo, de RubenM. Riera. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

El silencio de un cuerpo, de Ruben M. Riera. Imagen Roberto Ramos.

Lapsus es el nombre del proyecto en el que Rubén M. Riera inserta El silencio de un cuerpo y como tal nos advierte de un tiempo entre dos límites. El lapso de tiempo anuncia ese transcurrir entre los límites del audiovisual. El sonido precede a la imagen que parpadea como un eco transfigurado. Al “Do” le sigue el resto de la escala en este inusual causa-efecto invertido. Este espacio de tiempo es capaz de construir una imagen audiovisual en virtud de una virtualidad del presente en el se entremezclan materialidad e inmaterial en un tiempo de dos.

El grito ­_ Acto de comunicación nº2, Pablo Bellot.

El cuerpo, de nuevo, se pone en el centro de la acción. Un puñetazo parece ser el acto que Pablo Bellot elige como evocación del primer ejercicio de comunicación. El grito ­_ Acto de comunicación nº2 toma como inspiración la cita de Paul Virilio: “El puñetazo es el principio de la comunicación: con el puñetazo se gana proximidad cuando ya no se tienen palabras”. Si la palabra parece el acto de comunicación más sofisticado del ser humano en el que sonido, idea y creación van de la mano brindándonos la posibilidad de encuentro, el grito -como un puñetazo- rompe con la reglas de la transmisión del mensaje. Un acto de fuerza que imprime la posibilidad de disenso. Sin embargo, este grito queda enmudecido.

El grito, acto de comunicación nº 2, de Pablo Bellot. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery

El grito, acto de comunicación nº 2, de Pablo Bellot. Imagen Roberto Ramos.

En la instalación observamos como un círculo de veintiocho megáfonos rompen con todo mensaje probable. Si la finalidad del megáfono es ampliar el sonido, en este caso amplificaría el grito, este queda enmudecido por el ruido infinito. Un megáfono conduce el sonido a otro megáfono que a su vez reproduce el sonido en otro dentro de una cadena circular irrompible. Entonces el sonido ampliado permuta en ruido.

Los efectos sonoros implícitos en los tres casos nos hacen experimentar cómo el mundo deviene una caja de resonancia permanente.

Johanna Caplliure

Antonio Montalvo y lo ajeno

Mustang Art Gallery
C / Severo Ochoa, 36. Parque Industrial Elche (Alicante)
Inauguración 15 de enero, hasta el 26 de marzo

Porque me dejaron, y enajenaron este lugar, y ofrecieron en él
incienso a dioses ajenos, los cuales no habían conocido ellos,
ni sus padres, ni los reyes de Judá; y llenaron este lugar de
sangre de inocentes.
–Jeremías, 19:4-

 

Pintar animales como si fueran bodegones; desnudos como si fueran animales; bodegones como si fueran cuerpos… parece un simple truco, una suerte de maniera por la cual las cosas son lo que parecen pero, al mismo tiempo, algo más que se asoma a través de ellas con discreción. Aunque, veréis, no es tan sencillo, porque esa discreción aquí no implica, necesariamente, mesura o moderación, ni siquiera ausencia de tensiones, ligereza; no, lo perturbador que se vislumbra en las escenas de Antonio Montalvo se impone en la conciencia del espectador casi os diría que con brutalidad, cuanto menos con cierta crudeza. Allí dentro, tras de las apariencias más anodinas –unos paños, unas nueces, flores, telas y drapeados, ganado de granja- se amasa lo insondable, aquello que se va a manifestar en algún momento para dejarnos sin habla frente a la imagen, de la que, por lo demás, hasta entonces apenas habrá mucho que decir…

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También la presencia del mal se ha hecho presente característicamente así en el lenguaje cinematográfico, herencia de la literatura gótica y de terror del XIX donde el modelo es abundantísimo, y con ese mundo comparte Montalvo el gusto por las atmósferas cargadas, los efectos de luz atemperada y enrarecida, cierta delicuescencia de lo presentado en escena. En efecto, en la obra más reciente del pintor hay todo un subtexto que apunta a la liturgia y la dramaturgia, a los aspectos rituales más variados, desde los religiosos y eclesiásticos hasta los fetichistas, salpicando aquí y allá el modo en que seres y enseres encaran el cuadro, las composiciones en paralelo al plano de representación.

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El desorden que se anuncia en su forma –y objetivos- de tratar con los géneros clásicos, se prolonga pues hasta el sentido moral de estos pequeños pero terribles montajes cuya explicación nunca se completa, dejando en suspenso el sentido de lo que vemos. Montalvo en su pintura toma siempre una de estas dos opciones: volcarse sobre detalles y primeros planos que dejan fuera de encuadre aquello que justifique su acercamiento a ese punto concreto del conjunto, o recrear ensamblajes con alguna mayor complejidad estructural y aire surrealizante, desde donde se apunta, sin configurarse nunca, la alegoría. Así, frente a la atención pormenorizada que reciben por su parte un mendrugo de pan, unas cáscaras, un puñado de astas, o un desecho de carnicería, enigmáticos en su simple y directo estar en el mundo, puro símbolo contenido, tenemos el despliegue de alusiones desprendidas en el otro tipo de imágenes, donde los animales, quién sabe si vivos o disecados, se mezclan con trapos y mobiliario en los más desconcertantes contextos, mientras el cuerpo humano, cuando aparece, desnudo, a veces atado, tampoco nos explica si sufre o goza, como tampoco las flores que allí vemos nos permiten deducir si están frescas o secas, si son naturales o artificiales…

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Ese sentido clausurado, obsesivo y luctuoso de la existencia que se manifiesta en la obra reciente de Montalvo la verdad es que no sé de dónde se destila; es propio ciertamente de no pocos pintores dotados que aman con ardor sofocante el arte antiguo, cuya pasión adquiere la textura de la reliquia: mágica pero mortecina, capaz de obrar milagros desde la renuncia a la reencarnación completa, a la vida plena… La pintura de Borremans, o la de nuestro Jorge Diezma, por no irnos tan lejos, son prueba de tan desconcertante mezcla entre el lujo y el luto, cuya mezcla es, huelga decirlo, una de las claves de los efectos barrocos en estética. Con ellos comparte Montalvo una capacidad única para avisar de lo terrible que anida en lo que de momento sólo empieza a enrarecerse, a desvelarse en cuanto enigma de lo visible, hablando como desde un lugar otro. La otra genealogía que me gustaría proponeros para la más inefable cualidad de la pintura de Montalvo, ésa que, ya os digo, apunta a que todo en ella parezca abocado a la muerte –y no necesariamente natural ni la más dulce-, tiene que ver con esa distancia que desde el romanticismo al simbolismo tomaron otro tipo de artistas al constatar lo intratable del mundo, esto es: justo lo que le vuelve realmente interesante y lo lleva a devenir escenario, abriendo nuestra capacidad de resiliencia. Pues bien, el título que ha elegido el artista para esta pequeña pero exquisita exposición suya con que ahora os dejo ofrece justo la clave, el punto de contacto que pone en comunicación ambas opciones, en apariencia tan distanciadas: lo ajeno. Pasen y vean.

(LO ENAJENADO QUE SE CUENTA EN ESCENA)

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Óscar Alonso Molina

Antonio Montalvo es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Ha expuesto individualmente en Espacio Mínimo (Madrid), Alarcón Criado (Sevilla), o AFA (Santiago de Chile) y participado en colectivas como Generaciones. Su nombre está presente en Premios y Becas de Arte como las de Caja Madrid o Premios Injuve. Ha expuesto en ferias como ARCOMadrid, Zona MACO, PArC Perú, ARTBO (Bogotá) o en Los Ángeles Contemporary. Su obra está presente en Fundación Coca-Cola, Colección Entrecanales, Colección Caja Madrid o Colección Gobierno de Cantabria, entre otras.

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Antonio Montalvo durante el montaje de la exposición en Mustang Art Gallery.

MAG muestra la obra de Antonio Montalvo

Lo Ajeno, Antonio Montalvo
Mustang Art Gallery
C / Severo Ochoa 36, Elche, Alicante
Del 15 de enero hasta el 26 de marzo

La nueva exposición de la sala MAG presenta en esta ocasión, a uno de los artistas más singulares de los últimos años en nuestro país. Granadino de nacimiento, Antonio Montalvo, es un creador cuya obra presenta una poesía repleta de enigmas que desborda al espectado; en palabras del crítico de arte Óscar Alonso Molina “Lo perturbador que se vislumbra en las escenas de Antonio Montalvo se impone en la conciencia del espectador casi os diría que con brutalidad, cuanto menos con cierta crudeza. Allí dentro, tras de las apariencias más anodinas –unos paños, unas nueces, flores, telas y drapeados, ganado de granja- se amasa lo insondable, aquello que se va a manifestar en algún momento para dejarnos sin habla frente a la imagen”.

Antonio Montalvo se licencia en Bellas Artes en la Universidad de Granada en 2005 y desde 2009 expone en la Galería Espacio Mínimo, también ha colaborado con las galerías Alarcón Criado de Sevilla y AFA de Santiago de Chile. Entre otros galardones fue seleccionado para el premio Generaciones 2008, los premios Injuve de la Comunidad de Madrid o las Becas de Arte Caja Madrid. Es relevante su participación en un gran número de ferias de arte contemporáneo como ARCO Madrid, Zona MACO, PArC Perú, ARTBO (Bogotá), o Los Ángeles Contemporary.

Su obra forma parte de importantes colecciones la Fundación Coca-Cola, Colección Entrecanales, Colección Caja Madrid, o Colección Gobierno de Cantabria.

La inauguración contará con el concierto en vivo de Camerata Renesans, formado por Stanislav Takch. violín; Pedro Vasilevsky, violín; Arpad Babarczy, violonchelo; Zurab Kala. viola. Que interpretarán obras de Schubert durante el transcurso de la misma.

La conexión sueca de Caius Cat Trio

Caius Cat Trio
Lazamiento 13 de noviembre de 2015
www.domusicrecords.com

El jazz valenciano continúa en una excelente progresión musical. Algunos jóvenes intérpretes, con una buena formación adquieren experiencia más allá de nuestras fronteras. Es el caso del contrabajista ilicitano Pedro Martínez Maestre, que reside en Montreux (Suiza). Suecia ha sido el punto de conexión para grabar su disco con el trío internacional ‘Caius Cat’. Un saxofonista sueco, Oskar Forsberg, un batería suizo, Raphael Nick y un contrabajista de la Comunidad Valenciana que quieren mostrarse tal y como son.

caricatura del grup que ve en el cd

‘Caius Cat’ se gestó en Texas en el año 2011, allí en la University of North Texas coincidieron Pedro Martínez Maestre y el saxofonista sueco Oscar Forsberg.

Pedro Mart--nez Maestre

Pedro Martínez Maestre. Imagen cortesía Caius Cat Trio.

En Europa surge una gira en Barcelona y se crea un proyecto mantenido a casi 10 mil km de distancia. Más de 50 conciertos entre España, Francia y Suiza sientan la base para lanzar su disco.

Estocolmo es el lugar elegido para  efectuar la grabación. Dos temas de Forsberg, dos de Martínez Maestre y una canción popular coreana completan los más de 40 minutos del álbum.

Desde el día del lanzamiento, el 13 de noviembre, se puede escuchar en las principales plataformas, distribuido por el prestigioso sello independendiente sueco Do Music Records.

‘Producir un disco es como poner una piedra sólida en la cual puedes apoyarte para seguir avanzando.

Nuestro concepto musical está basado en la energía del directo, dice Pedro Martínez. Salimos al escenario cada vez como si fuera la última, bromeamos, nos sorprendemos, a veces nos enfadamos y siempre nos reconciliamos. Todo eso  es muy complicado plasmar en un álbum de estudio.

Nuestra propuesta fue siempre nuestro sonido de directo, por eso es un álbum sin ‘overdubing’, sin producción, son solo 4 micrófonos en estudio abierto. Queremos simplemente, aunque sabemos que es casi imposible, mostrarnos tal y como somos’.

Portada del disco.

Portada del disco.

Martínez Maestre actuó recientemente en Alcoy, en el Jazz Club el Mussol con otro grupo que él ha creado, Big Four, tocando versiones post-bop de temas de Cole Porter.

En Caius Cat aporta su faceta creativa con ‘Arabesque pour Estela’ y ‘Sketches’. El contrabajista ilicitano, nacido en el año 1981,  reside en Montreux, en un lugar muy cercano donde vivió Igor Stravinsky.

‘Arabesque pour Estela- explica Maestro- es una nana que escribí para mi primera sobrina, creo que la inspiración nació de las sensación que tienes cuando miras a los ojos de alguien que acaba de nacer, que tiene toda su vida por escribir, un montón de aciertos y de equivocaciones que tomar, alegrías y penas que vivir.

Piensas en ese camino, y inevitablemente piensas en el tuyo, en todos esos aciertos y errores que configuran lo que eres, y en fin ¡acabas deseando suerte!

‘Sketches’ es un tema cíclico, mientras componía estaba consciente o inconscientemente pensando en Mingus, en el hombre, el personaje, en su sonido. Es un tema que estructuralmente deja mucho espacio ya que hay una parte de improvisación libre “obligada”.

La canción popular coreana ‘Kuselbe’ forma parte de su repertorio habitual desde la primera vez que la tocaron.

‘Creo que resume bien nuestra realidad, Caius Cat es por su composición un proyecto transcultural y funciona porque estamos dispuestos a resaltar todo lo que nos une antes que prestar atención a lo que nos separa’.

El álbum de Caius Cat se presentarà en España en febrero, en Suecia en marzo y  en Suiza en abril. En verano harán una gira  por diversos festivales.

Jazz europeo, enérgico, creativo, en una época en la que los jóvenes músicos asumen un difícil reto: atraer a futuras generaciones.

Pedro Martínez Maestre se manifiesta muy ilusionado ante este desafío.

‘Yo soy definitivamente optimista. Creo que estamos viviendo un gran momento creativo y hace falta que las instituciones tomen conciencia y apoyen todo lo que está pasando. Por otra parte, siendo crítico con el gremio, nuestro reto como músicos debe ser acercar nuestro arte a un número mayor de público. El jazz ha estado muy estigmatizado entre el público joven, seguramente porque nunca han tenido la oportunidad de escuchar un concierto poderoso que les aporte una experiencia transformadora.

Así que nuestra labor como músicos consiste en atraer a toda esa gente a nuestros conciertos y decirles: olvida todos tus prejuicios, esto que vas a escuchar es real, irrepetible y ¡está pasando ahora!’

Carles Figuerola