Liminal: el arte de jugar con lo digital

‘Liminal’, del colectivo Fluenz
Sergi Hernández y Carlos Izquierdo
Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante
#DIM2020
Lunes 1 de junio de 2020

Mientras las instituciones culturales repiensan sus formatos y modelos para poder seguir prestando apoyo a artistas y proyectos –sin olvidar a un público cada vez más conectado–, el pasado 18 de mayo, Día Internacional de los Museos, fue, sin duda, un momento para la reflexión y proyección digital en el ámbito museístico. En este contexto, se estrenó la nueva pieza audiovisual realizada por el colectivo Fluenz y titulada ‘Liminal’, un proyecto de arte digital producido por el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante con motivo de su programación online que consistió en un despliegue de opciones audiovisuales y diferentes actividades que todavía complementan el resto de contenidos a los que la institución está dando salida gracias a la redes sociales y otros canales de distribución digitales. El objetivo de prestar el servicio de la cultura y su difusión continúa; aunque, quizá, nos gustaría de otra forma más cercana y sin contar con el cierre de espacios o la reducción de aforos. 

Detalle de ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

Es precisamente aquí donde actúa la adecuación de la pieza ‘Liminal’. El concepto de liminalidad habla precisamente de un estado limítrofe, una zona de transición entre lo que conocemos y lo que nos depara el devenir. El término aparece por primera vez en el libro ‘Ritos de Paso’, de Arnol Van Gennep, y se genera en el contexto de la etnología y antropología para explicar fases previas o intermedias como la enfermedad, la locura transitoria o una enfermedad. Teniendo presente que estos espacios liminales son zonas entre dos estados, se les confiere la característica de la versatilidad, la identidad móvil y la evolución permanente. Siendo así, la pieza plantea una experiencia en la que el ámbito visual y el sonoro se reformulan, mutan y juntos plantean nuevos significados.

Fluenz es el colectivo artístico formado por Carlos Izquierdo, que utiliza la firma de Arco Glanz al realizar música electrónica, y Sergi Hernández. Carlos Izquierdo es compositor, pedagogo y artista sonoro, ha trabajado en numerosos proyectos relacionados con el audiovisual y la innovación tecnológica pero siempre teniendo como eje central de su producción la música. Sergi Hernández completa este dúo aportando su experiencia en la parte visual. Es arquitecto y tecnólogo creativo, y ha trabajado desarrollando plataformas digitales interactivas y de investigación, así como creando experiencias museográficas interactivas; es por ello que le interesa la interoperatividad entre espacio, danza contemporánea, música y artes visuales a través de las artes interactivas.

Detalle de ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

Fluenz genera en sus piezas un potente diálogo entre las disciplinas visual y musical, utilizando el lienzo sonoro como pieza básica y posteriormente desarrollándolo hacia la abstracción narrativa. Este paralelismo acertado entre imagen y ritmo es consecuencia de una técnica apurada que consiste en que el vídeo se genera al mismo tiempo que sonido entra en el software correspondiente. Podemos rastrear la experiencia del colectivo con esta tecnología a través de la pieza precedente ‘Relieve’, donde desde un punto de vista más experiencial se mezclan técnicas que consiguen modificar los parámetros geométricos según la intensidad del sonido y aplicar diferentes texturas a la imagen. En ‘Liminal’ esta sincronización llega a un punto culmen y el observador disfruta de los cambios de ritmo, donde lo instrumental y lo electrónico van superponiéndose según se requiera; la imagen capta a la perfección esta capacidad de juego. 

Es precisamente esta capacidad de ambos de articular lo lúdico y lo artístico lo que va desvelando ‘Liminal’ en sus veinte minutos de duración. Ya desde el principio, se deja atrás la quietud sonora dando paso a la sensación vertiginosa que les induce a apropiarse de lo limítrofe como hilo conductor. Es así como mediante la combinación de cambios de ritmos y texturas móviles, puede rastrearse la experimentación y la necesidad de narrar una historia. Hacia la mitad de la pieza se vislumbran imágenes de planetas que inquietan por el color y el contexto musical. Acechan al observador en las ligeras ondulaciones que se van produciendo hasta quedar desdibujados por una líquida sensación de inestabilidad. Tras este período, regresa el ritmo geométrico del principio, los sonidos e imágenes aumentan hacia tonos más agudos y el bombardeo de luces invitan a asomarse a esa zona desconocida, a salir del trance, para aproximarnos de nuevo a un agitado juego –ahora ya no tan desconocido–, propio de los tiempos que nos acompañan. 

Se puede disfrutar de ambas piezas entrando en el perfil de YouTube del colectivo en el siguiente enlace: Colectivo Fluenz.

Portada de la pieza ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

María Ramis.

AVVAC, AVCA y ANIAV acuerdan medidas conjuntas

Acuerdo de colaboración de Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC), Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA) y Asociación Nacional de Investigadores en las Artes Visuales (ANIAV).

Comunicado Conjunto

Tras distintos contactos precedentes y ante la difícil situación en la que se mueve el sector en nuestro territorio, las asociaciones abajo firmantes, en representación de artistas, críticos e investigadores de las artes visuales, hemos celebrado una primera reunión para el análisis y puesta en común de nuestra problemática, acordando coordinarnos de manera estable a partir de ahora y para la realización de acciones tendentes a la mejora de las condiciones en las que nos encontramos, uniendo esfuerzos en su consecución.

En esta primera reunión, coincidimos en la necesidad proponer y trabajar ante las administraciones valencianas, entidades públicas y privadas, por el cumplimiento del Código de Buenas Prácticas, como ya hemos venido haciendo por separado, para lo que hemos consensuado un manifiesto de medidas urgentes.

Manifiesto conjunto de medidas urgente para el sector de las artes visuales

  1. Promover la activación del grupo de trabajo sobre las artes visuales, dentro de las MESA DE CULTURA dependiente de la Consellería de Cultura.
  2. Impulsar la creación de un Observatorio para la difusión y control del cumplimiento de las BUENAS PRÁCTICAS en el sector, promoviendo leyes y medidas que impulsen la adaptación y cumplimiento de éstas.
  3. Proponer la creación y dotación presupuestaria de AYUDAS PARA LA CREACIÓN que DESCENTRALICEN la oferta actual y que garanticen la IGUALDAD DE OPORTUNIDADES en el desarrollo de proyectos y exhibición de artistas visuales en todo el territorio. Estas ayudas la entendemos como ayudas a proyectos específicos o de promoción, producción, documentación, desarrollo, encuentro o exhibición fuera de los centros establecidos y con la ayuda y asesoramiento del sector.
  4. Trabajar por el compromiso de que la cultura no será solo impulsada de modo INSTRUMENTAL como promoción turística o desde objetivos ajenos al desarrollo territorial y de las/os ciudadanas/os.
  5. Presionar y concienciar para que las asociaciones profesionales formen parte de los consejos asesores de las distintas instituciones vinculadas a la promoción, producción y exhibición del arte, llevando adelante una verdadera política institucional de APOYO A LAS ASOCIACIONES del sector, promoviendo una PARTICIPACIÓN REAL Y EFECTIVA.
  6. Apoyar decididamente el desarrollo del ESTATUTO DEL ARTISTA, desde el ámbito territorial que nos afecta y en las medidas que sean de nuestra competencia.
  7. Insistir en que se abra una línea de AYUDAS A LAS ASOCIACIONES PROFESIONALES AGRUPADAS, que apoye su desarrollo y el funcionamiento interno, así como su territorialización.

AVVAC

Las flaqueantes piezas de ajedrez

Inocentes, García de Marina
Sala de exposiciones La Lonja del Pescado
Paseo Almirante Julio Guillén Tato, Alicante 
Hasta el 23 de febrero de 2020

La puesta en valor del objeto como obra de arte no es una novedad en la práctica artística, pero quizá sí la pausa que implica el fotografiar y observar detenidamente, hallando y construyendo el valor oculto en la poética del objeto. Esta sensación se potencia más aún si tras cada componente fotografiado existe una historia sobre los derechos humanos. ‘Inocentes’ son 48 historias que se van descubriendo a lo largo del recorrido expositivo. El número 48, al igual que el año en el que se firma la Declaración Universal de Derechos Humanos, es también significativo. El ser humano como mercancía, el maltrato a lo mujer, las limpiezas étnicas, intolerancias, xenofobias, abusos de poder… La interrupción del derecho humano intrínseco al ser y que se vulnera, desgraciadamente, en cualquier momento y en cualquier parte del mundo.

García de Marina trabaja la composición dentro de una estética muy apurada. El fondo neutro ayuda a mejorar esa concepción del objeto y centra en el espectador la capacidad de las lecturas posibles. El placer de observar el objeto casi pulido gracias al ojo experto detrás del disparo, se complementa con la nada arbitraria elección del elemento. Y a pesar de ese trabajo de imagen, refinado hasta casi el extremo, García de Marina no se olvida de la palabra, el diálogo o la historia. 

Panorámica de la exposición ‘Inocentes’ de García de Marina. Fotografía: María Ramis.

El simbolismo transmitido hace que no se focalice en la crudeza de la vulneración del derecho, no hay imágenes crudas, no son necesarias. Mostrando solamente el recuerdo o la transgresión intuida a través de la imagen, García de Marina ha querido subrayar la atemporalidad de las historias. Situaciones que se repiten a lo largo de la historia, que se denuncian y olvidan para que vuelvan a producirse. Son precisamente las piezas del ajedrez elegido las que claramente dignifican la vulnerabilidad del ser humano. Piezas de ajedrez en solitario se contraponen con aquellas representaciones masivas, una metáfora perfecta del panorama comunicativo actual donde la información voraz nos arrastra y nos recuerda que tras la pantalla solo parece existir soledad. 

José Luis Argüelles caracteriza la obra de García de Marina como “raras metáforas de lo cotidiano” en el catálogo de la exposición ‘Dialo2’, donde de nuevo la palabra – esta vez la del poeta Joan Brossa-, se entrelaza con la simbología del fotógrafo. En el caso de ‘Inocentes’ esa cotidianeidad deja paso a la crudeza que se plasma con la interacción con otros elementos: el hielo como base y altar de un peón, las pinzas de batería que conectan dos peones de bandos contrarios o la aguja hilvanada que atraviesa la superficie de otra figura idéntica. En resumen, un panorama que pudiera parecer desolador pero que también induce al agradecimiento, al repensar la actualidad desde una perspectiva crítica y sobre todo estimula la transmisión de conocimiento en un golpe de imagen sobria y enérgica. 

Panorámica de la exposición ‘Inocentes’ de García de Marina. Fotografía: María Ramis.

María Ramis.

El fanzine oculto tras la ciudad

(contra) Cultura Fanzine,
Centro Cultural Cigarreras
San Carlos 78, Alicante
Hasta el 8 de febrero de 2020

En el contexto del festival Bello Público, un festival multidisciplinar donde poesía, música y palabra toman protagonismo a través de diferentes iniciativas, tuvo lugar la inauguración de ‘(contra)cultura  Fanzine’ una exposición cuya base se encuentra en la publicación del fanzine ‘Fetiche’ y que recoge -ahora en el espacio físico- distintas manifestaciones que tienen en común la subversión, la crítica y la capacidad de mantenerse fieles a la creatividad artística. 

De las diferentes escuelas sociológicas y en el contexto de los estudios culturales, en el momento en el que se debatía y se empezaban a acuñar términos como alta y baja cultura, donde se analizaban los significados intrínsecos a la realidad social y las manifestaciones consecuentes de una época de cambios propios del periodo de posguerra, nace también el término contracultura, acuñado por el historiador estadounidense Theodore Roszak en 1968. Se entiende la contracultura como una reacción a la cultura dominante o establecida, una corriente característica por encontrarse por debajo del límite del mercado. El mismo Roszak habla de que, en ocasiones, esta corriente termina calando y evolucionando hacia movimientos sociales mayoritarios por lo que su impacto sería mayor a pesar de haber sido concebida para situarse al margen. Se asimila con lo underground, lo alternativo y con los espacios que son pequeños pero se encuentran muy presentes, sobre todo en el ámbito urbano. Necesarias, sin duda, estas manifestaciones suelen ser características por su multidisciplinareidad y muchas tuvieron – y todavía tienen- un gran alcance a través del papel, mientras que otras aparecen bajo el amparo de los nuevos medios. 

Detalle de la exposición (contra)Cultura Fanzine. Imagen cortesía de la organización.

Sin duda, el fanzine es una de las grandes muestras asimilables con lo underground. En España estas revistas promovidas por artistas tienen su origen alrededor de los años 70, coincidiendo con el periodo tras la transición, y en el momento en el que  se hacía necesario dar rienda suelta al descaro y a la libertad. Los fanzines aparecían y desaparecían con extremada rapidez, algo propio de su capacidad; y además, presentaban temáticas diversas que incluían música, literatura o cómic. Por ello, el espacio concebido como fanzinoteca en la exposición, descubre y exhibe un recorrido centrado en este medio en la ciudad de Alicante. Tiene como protagonista una instalación, además de la muestra en expositores de diferentes fanzines. Es precisamente uno de los objetivos de la exposición mostrar ese movimiento, a veces oculto a la ciudadanía pero aún así resaltable en el circuito, un motivo que une y singulariza a los artistas presentados bajo este motivo. 

En el título de la exposición, ‘(contra)Cultura fanzine’, ya se intuye la manera en que el paréntesis actúa como remarcador de esta tendencia a la que se dota de un todavía más inducido significado. A lo largo del recorrido expositivo se pueden observar esculturas como la curiosa pieza de Sandra Zajac o la reconstrucción metropolitana, oscura e invisible, de José Ramón Bas a la que también se acompaña de fotografías sobre uno de sus proyectos comunitarios. Sin duda la fotografía acompaña también la instalación sonora y al mismo tiempo visual al ser la palabra y la poesía protagonistas de ‘Nébula’ de Alicia G. Música y palabra continúan y sugieren el contrapunto y la reflexión de la mano Carlos Izquierdo que a través de la descomposición de las piezas de un piano -paradigma del sistema tonal instrumental-, logra captar la atención del espectador y reconstruye teniendo esta vez en cuenta que la persona que escucha es el principal motor compositor. Más música, sonido e instalación, que se van configurando a través de la palabra de la mano de otros artistas como Llorenç Barber, Montserrat Palacios e Ignacio Córdoba. 

Cartel de la exposición (contra)Cultura Fanzine. Imagen cortesía de la organización.

La obra plástica tiene, como no podría ser de otra forma, la capacidad de rememorar un pasado, una retrospección que recuerda inevitablemente al fanzine, donde lo tangible resultaba más valioso de lo que pueda parecer en la actualidad y donde las pantallas sustituyen al tacto del papel rugoso. Siendo así, se exponen las grandes serigrafías de David Campesino que rememoran en una suerte de diosas olvidadas en ‘We used to be God’. La ilustración y sus amplios límites se ven representados con las obras de Eixa, Detrito, D. Vanderth o con Dani Bravo cuyas ilustraciones de los políticos actuales colocadas a modo de tenderete impulsa al espectador a reflexionar sobre esa ‘Fiesta de la democracia’. Además, el mural realizado por Toni Cuatrero une geometría y street art y puntualiza el también olvidado arte muralista, relegado en ocasiones fuera del mercado artístico. 

Por último, el Niño de Elche presenta su obra ‘Excrecencias’, una pieza sonora de tres horas de duración del proceso de elaboración de su disco ‘Antología del Cante flamenco heterodoxo’. Alrededor de la sala se pueden ver fotografías realizadas por Ricardo Cases donde se muestra la evolución del traje del cantaor.

María Ramis.

El academicismo pasional de Vicente Rodes

Vicente Rodes. El estudio del natural
Museo de Bellas Artes San Pío V
Calle San Pío V, 9. Valencia
Hasta el 8 de septiembre de 2019

“Su fama es brutal como retratista”, subraya Pilar Tébar, comisaria junto a Sergio Pascual de la exposición Vicente Rodes. El estudio del natural. El Museo de Bellas Artes acoge la muestra, casi un siglo después de la única monográfica dedicada a su pintura realizada en Valls (Tarragona) en 1926. “Ha pasado desapercibida su obra”, recalca Tébar, empeñada en relanzar el trabajo de Rodes, cuyo busto figura en la fachada del Parlamento de Cataluña, donde goza de gran consideración, a pesar del extensible vacío expositivo de su producción. Castellón, ahora Valencia y después Alicante empiezan a llenar ese vacío con esta muestra itinerante.

Un total de 75 obras, en su mayoría retratos, integra la exposición organizada por el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, en la que colaboran diversos museos e instituciones públicas. La muestra tiene un elocuente subtítulo: De la Academia al Romanticismo. Denominación que viene a subrayar ese trasvase de estilos en la producción de Rodes: “Es más valiente en los retratos, más libre, que en los óleos”, señala Tébar, sin dejar de subrayar su enorme talento para el dibujo. Talento que iba unido a la rapidez y calidad con la que trabajaba.

Vista de la exposición de Vicente Rodes. Imagen cortesía del Museo de Bellas Artes de Valencia.

De hecho, la exposición recoge en el fragmento de un artículo de Maurici Serrahima la siguiente e ilustrativa anécdota: “Corría por Valencia durante la guerra de los franceses, y cuentan que se valía de su prodigiosa facilidad para hacer retratos al minuto de los oficiales del ejército, que cobraba a tres pesetas”. Tébar recuerda que Rodes fue de los primeros que tuvo una cámara de daguerrotipo: “Pienso que se debía a que le gustaba captar la inmediatez, por eso las obras en pastel son para mí mucho mejores que los óleos. Esa inmediatez del pastel es lo que le atrae luego de la fotografía”.

Hay referencias a Dominique Ingres (“era un admirador” del pintor francés) y a Théodore Géricault, que la comisaria ve claramente en el cuadro de una de las grandes damas retratadas. Esa “captación del complaciente orgullo burgués de los retratados”, junto a “la introspección psicológica de los personajes” es lo que acerca su obra “a los retratos de Géricault”. También a Ingres, de quien se recoge una cita sin duda próxima al sentir del propio Rodes: “Consigamos unos ojos que miren bien, que miren con sagacidad… El arte nunca llega a un grado de perfección más elevado que el que alcanza cuando se parece a la naturaleza y por el que se le puede confundir con ella misma”.

Una de las obras de Vicente Rodes. Imagen cortesía del Museo de Bellas Artes de Valencia.

Vicente Rodes, en una carta a su alumno Claudio Lorenzale, diríase que prosigue por su cuenta esa reflexión de Ingres cuando dice: “Bueno es oír y ver, pero hacer lo que la abeja, que saca la miel de la flor amarga”. Y añade: “Fórmese usted original por lo que le sugiera la verdad, que es esto el verdadero camino, lo demás son cavilaciones y la perdición de muchos talentos”. Su dedicación al dibujo y a extraer de él esa verdad aludida fue constante a lo largo de una producción ahora rescatada del olvido por Pilar Tébar y Sergio Pascual: “Ahora hay gente que se ha enterado de la exposición y está dando lugar a la aparición de nuevos Rodes”, remarca la comisaria.

Vicente Rodes, El estudio del natural muestra óleos sobre lienzo, tintas y aguadas sobre papel y, sobre todo, sus prodigiosos pasteles. “Primero hacía el pastel y luego, aunque no siempre, los óleos, que son de formato más grande y que coge ya al retratado en tres cuartos. Los pasteles son cabezas de frente y no incluían por lo general las manos. Y muchas veces el fondo es seda, de manera que el pastel sobre seda es ya muy delicado”, explica Tébar. En los bocetos de Rodes dice que hay “un interés por conseguir el dominio de los tejidos, las posturas, las expresiones gestuales y faciales que roza lo obsesivo”.

Uno de los desnudos académicos de Vicente Rodes. Imagen cortesía del Museo de Bellas Artes de Valencia.

Esa obsesión adquiere rasgos diferentes cuando se trata de un desnudo académico que cuando se lanza en busca de una mayor hondura expresiva. “En los desnudos académicos el trazo es fino y continuo”, que viene a guardar relación con la “finitud de los cuerpos”, mientras que en las obras de corte más religioso “el movimiento de las composiciones determina una ocupación menos continua del trazo”, ligado en este caso con la “estética tardo barroca”. Según Tébar, “es más romántico al final” de su obra.

Rodes fue alumno de Vicente López [pintor español del neoclasicismo], recuerda la comisaria, lo cual se ve en “las carnaciones y en cómo trabaja la mirada”. El desnudo, aunque aparece en la muestra, fue algo que, sin embargo, no trabajó tanto, “quizás en sus años de formación, de ahí que los hayamos reunido bajo el título de Academia, y donde aparecen esas extrañas bolsas escrotales que estaban entonces de moda”.

Las obras de Rodes, aunque todavía insuficientemente conocidas, salen a subasta “y se venden bastante bien”, destaca Tébar, para señalar a continuación que dos de las últimas las ha comprado el Museo del Romanticismo [de titularidad estatal y ubicado en Madrid] “que no tenía obra de Rodes”. La exposición del Museo de Bellas Artes ayuda, en este sentido, a seguir impulsando su trabajo y a ofrecerlo de una forma atractiva. “Hemos hecho un montaje como muy elegante. No te aburres de ver los retratos”, concluye la comisaria.

Una joven ante algunas de las obras de Vicente Rodes. Imagen cortesía del Museo de Bellas Artes de Valencia.

Salva Torres

Daniel G. Andújar regresa a Alicante

‘Sistema Operativo. Colecciones’, de Daniel G. Andújar
Centro Cultural Las Cigarreras
C / San Carlos, 78. Alicante
Hasta el 13 de julio de 2019

Las itinerancias de las exposiciones del artista Daniel G. Andújar siempre esconden algún recoveco que no se ha visto, alguna pieza creada ex profeso y una muy cuidada capacidad moldeadora del espacio. Parece que con ayuda del espacio y del contexto nunca hay dos exposiciones iguales. Gracias a la colaboración de diferentes instituciones como son el Centre del Carme de València, La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, podemos ver en Las Cigarreras de Alicante una exposición que reúne tres décadas de trabajo del artista Daniel G. Andújar, un recorrido más que reconocible por algunos de los proyectos más característicos de su trayectoria.

Este hecho deriva de la labor del Consorcio de Museos por expandir las grandes exposiciones de mayor repercusión y calado expuestas en València hacia otros territorios. Pero, como decíamos, nunca hay dos exposiciones iguales y el aliciente que fomenta la visita en el caso de Alicante es un audiovisual de reciente creación que referencia a la letra y a la voz del poeta Miguel Hernández. ‘Sistema operativo. Colecciones’ es un recorrido por la historia de este país, por el espacio público reconvertido a través de internet y por esas estructuras casi repetitivas que enmarcan los conflictos sociales actuales.

A la entrada de la nave de Las Cigarreras podemos observar ‘Dirigentes’, una instalación que podría pasarnos desapercibida –o peor, convertirse en una especie de extraño photocall– y cuya intención es precisamente reflexionar sobre el bombardeo de imágenes que recibimos de manera continua. Observando las imágenes dispuestas, casi estirando el cuello hacia lo incómodo, se viene a la cabeza una de esas frases casi apocalípticas y estremecedoras  leídas en el libro de José Antonio Palao, ‘La profecía de la imagen-mundo’, en el explícitamente explica que “el mundo se convertirá en imagen”, si es que no lo es ya…

Términos como ‘aldea global’ o ‘sujeto digital’ fundamentan el paradigma informativo y en su mayoría incoherente en el que vivimos. Por ello, las acciones de Daniel G. Andújar pretenden dotar al espectador de herramientas a través de las que reflexionar sobre lo que le rodea. Ejemplo de ello son las intervenciones recabadas por Technologies To The People (TTTP), compañía ficticia creada por el artista a mediados de los 90, y, en concreto, TTTP Photo Collection, un compendio de imágenes de todo tipo que nos lleva a preguntarnos por el copyright, los procesos digitales y las colecciones. La problemática radica aquí en la manera en la que la esfera pública de Habermas se ha visto proyectada en el ámbito de lo digital, pero sigue resultando parcial y sesgada por la derivada capacidad para el acceso de cada individuo. 

Algunas de las obras de la exposición ‘Sistema Operativo. Colecciones’, de Daniel G. Andújar. Fotografía: María Ramis.

En la obra de Andújar la observación e investigación del momento, la localización y la influencia del contexto son claves y desencadenan una serie de proyecciones en, prácticamente, todos los trabajos que realiza. En ‘Democraticemos la democracia’ genera un discurso filosófico bajo un lema y lo encaja en un espacio que ha sido destrozado en las últimas décadas, contextualizándolo a través de estrategias reales, externas a lo artístico y que insisten en crear conciencia sobre el espacio público.

Un espacio quizá más interno, pero también público, es el del museo, y con la instalación ‘Master Pieces. Hack the Museum – El museo del pueblo’ continúa con la cuestión de la copia, ahora basada en la reproducción de la obra de arte como sujeto y sobre el acceso a esas obras, al igual que ya hizo con el acceso a la información digital. El concepto de espacio público se retransforma y deja de ser el lugar donde ocurre o donde se instala el hecho artístico, para convertirse en el propio espacio a considerar: qué ocurre, cómo ocurre, cómo se utiliza y cómo, según qué elementos se introduzcan, subvierte los hechos previamente apostados.

Especial atención, como decíamos, derivado del contexto quizá, es, sin duda, la reciente creación del audiovisual ‘Campo de concentración en Albatera’, un adelanto de su trabajo y una apuesta por reconocer hechos históricos que han sido en muchas ocasiones ignorados. La pieza rescata la voz del poeta Miguel Hernández mientras entona su poema ‘Canción de joven esposo soldado’, único documento sonoro que registra la voz del poeta. Mientras puede leerse la letra en la pared, la entonación y las imágenes cenitales que se muestran logran trasladar al espectador y generar conciencia del horror y la necesidad de memoria histórica. 

Imagen de ‘Campo de concentración en Albatera’ (2019), de Daniel G. Andújar. Fotografía: María Ramis.

Son más de 50 los proyectos que han sido escogidos para mostrarse en este espacio y, derivado de esta intención, algunas piezas poseen una mayor significación: por ejemplo, las que hablan de especulación inmobiliaria en la costa mediterránea. Tras mucho tiempo sin exponer en su lugar de origen, Daniel G. Andújar ha regresado para proporcionar los utensilios necesarios que nos permitan discurrir sobre cuestiones de lo informativo, lo digital, sus derivadas afecciones a lo social, y sobre los cambios derivados de las decisiones políticas y económicas. Las asociaciones conceptuales que se producen en su obra son, sin duda, escaparates al conflicto, al análisis, e invitaciones, imposibles de rechazar, al pensamiento reflexivo tan necesario en este momento de constante bombardeo informativo.   

María Ramis 

Vargas Blues Band abre La Puerta Negra

‘Move On’, de Vargas Blues Band
La Puerta Negra
Montegón 8, Alicante
Viernes 7 de junio de 2019

Artistas incomparables que se adelantaron a la noche de San Juan y prendieron la calle Montengón y aledaños con un fabuloso concierto de blues y rock en una Alicante en vísperas de sus fiestas de hogueras.

La Puerta Negra inauguró con un concierto de los grandes. Local nocturno de conciertos al más puro estilo hollywoodiense, como lo era el Whisky a Go Go o la mítica sala The Viper Room –de la que fuera propietario Johnny Depp–. Así es la sala de la Puerta Negra, pero no está en California, sino en el casco antiguo de Alicante. Gran sonido, sala intima, heterogénea, donde participan diversos estilos musicales que, posiblemente, marque una etapa en el la noche alicantina. Sin embargo, si el local estaba ambientado en Los Ángeles, la música era sureña.

Portada del disco ‘Move On’, de Vargas Blues Band, con Javier Vargas y John Byron Jagger.

La noche en que vino al mundo nos trajo un gran porción del Mississipi. La Vargas Blues Band, capitaneada por Javier Vargas, posicionados especialmente en la parte del Delta, ofrecieron un destacado concierto salvaje. Condimentado con un poco de The Rolling Stones y mucho de John Byron Jagger, ofrecieron un gran espectáculo de primerísimo nivel.

Javier Vargas –que comenzó su carrera de guitarrista hace más de 40 años en jam sessions en pequeños clubs nocturnos y volvió a sus raíces–, el virtuoso artista, recordó que el blues nació en locales como La Puerta Negra.

El guitarrista madrileño –uno de los mejores del mundo–, acompañado por el gigante Luis Mayo al bajo y voz, con un formidable Peter Kunt a la batería y voz, y el carismático, ingenioso y buen cantante Byron Jagger, presentaron su último disco ‘Move On’. Recordaron a aquellas noches californianas donde los grandes grupos empezaba a tocar en ese tipo de salas, pero está aquí en Alicante.

Vargas Blues Bland durante un instante de su concierto en La Puerta Negra de Alicante. Fotografía: Lorena Riestra.

Raúl Bartleby

Los senderos industriales de Picazo

Arsenal, de Jose Antonio Picazo
La Capella de l’Antic Asil
El Camí, 42. Alcoi (Alicante)
Hasta el 29 de junio de 2019

La Capella de l’Antic Asil (Alcoi) acoge la exposición del valenciano Jose Antonio Picazo bajo el título ‘Arsenal’. La muestra se compone de diferentes series que reflejan la evolución de la obra del artista, el cual reflexiona alrededor del camino que va tomando la sociedad en sí desde su origen industrial y desde el arte abstracto. 

Como núcleo expositivo se encuentran sus lienzos trabajados con acrílicos, de los que parte su concepto de análisis sobre la importancia de la industrialización en nuestra sociedad, cuya obra se presenta como si de paisajes de nuestro ritmo vital actual se tratara. 

Obra de Jose Antonio Picazo. Imagen cortesía de l’Antic Asil.

A partir de sus pinturas aparecen las series de las telas, un soporte mucho más rudo de presentar su obra y que nos induce al carácter primitivo de la revolución industrial. Esta serie engloba las piezas que construyeron un proyecto llevado a cabo en 2016 bajo el título ‘De Igual a Igual’ que se presentó en la sala del Club d’Amics de la UNESCO de Alcoi y donde la obra de Jose Antonio Picazo estuvo situada tanto intramuros de la sala como extramuros de ella, situando en las áreas industriales del Tossal y del Molinar unos lienzos de grandes dimensiones dentro de las fábricas abandonadas. Estos espacios, o mejor dicho estos no-espacios, se convirtieron en contenedores para una obra que aludía a ese tiempo pasado industrial y al que se le ha dado la espalda socialmente porque ya no dan respuesta a las necesidades actuales de industria y sociedad.

A continuación presenta una serie de cartones, como piezas a mitad de creación con veladuras o representaciones desdibujadas como expresión de esa sociedad que está sufriendo un cambio hacia un futuro en construcción. Esta serie fue presentada en la exposición ‘Desdibujada’ de Xàtiva, y lo más interesante de esta sección de la muestra es ese espacio intermedio entre la tecnología y la analogía. Me parece sugerente ver en los cartones a mitad de construir esa sociedad que intenta ponerse al día digitalmente para no quedarse atrás y poder disfrutar de los avances de la técnica, representado por las veladuras que se forman entre el soporte y las diferentes capas que forman las estructuras.

Arsenal, de Jose Antonio Picazo. Imagen cortesía de La Capella de l’Antic Asil.

La obra de Picazo sigue evolucionando en la sala, donde aparece el  trabajo siguiendo el camino que marca la sociedad. La siguiente etapa que se puede visitar trata de las impresiones 3D, obras que fueron creadas para la exposición ‘Mecanizados’, que tuvo lugar en Valencia en 2018, que aluden a ese futuro tan inminente que modificará nuestro sistema económico y de trabajo, donde aún nos encontramos supeditados y del cual no sabemos independizarnos.

Para ello, presenta unas piezas realizadas con impresora 3D, donde nos adentramos en la reflexión alrededor de la creación de obras de arte realizadas por máquinas dirigidas por el artista o la automatización de las tareas laborales como oportunidad para crear una sociedad mucho más interesante. Tal y como el mismo artista explica: “Tenemos capacidades mucho más altas y mucho más diversas como para tener que mantener a lo largo de nuestra vida una “monoactividad” que en la mayoría de los casos distorsiona profundamente la esencia de cada individuo”.

Obra de Jose Antonio Picazo. Imagen cortesía de La Capella de l’Antic Asil.

La Capella de l’Antic Asil presenta dos series inéditas dentro de la carrera evolutiva de este artista. Por un lado, encontramos unas esculturas realizadas con madera de palets donde se produce una crítica al peso del sistema económico, enfatizado por ese carácter primitivo de la pieza, aludiendo al estado desfasado del sistema. En el espacio de la Sacristía ha instalado una serie realizada con obras digitales que son, en última instancia, hacia donde nos dirigimos, una sociedad donde lo virtual y las nuevas formas de trabajo que se van generando aparecen como un proceso de auto-explotación generado por las condiciones actuales.

Esta última serie nos pone de manifiesto ese progreso que ya estamos viviendo, esa sociedad digitalizada y virtual en la que nos hemos sumergido. El próximo 14 de junio el artista realizará una visita guiada para todo el público a las 19.30h. en la sala d’art de La Capella de l’Antic Asil.

Jose Antonio Picazo, en su estudio. Imagen cortesía del autor.

Lucia Romero
Historiadora y Crítica de Arte 

El mundo de Dave Kusworth

Dave Kusworth Group + Stratos
Miércoles 10 de abril del 2019 a partir de las 21:30 h
Sala 16 Toneladas
C/ Ricardo Micó, 3 de Valencia
Entrada 12€ anticipada (www.movingtickets.com); 15€ taquilla.

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Imagen contraportada ‘The world of Dave Kusworth’

Otra extensa gira por España del maldito dandy británico Dave Kusworth sirve para dar a conocer el legado de uno de los músicos de culto más adorados entre crecientes minorías de privilegiados.

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Imagen extraída de la página de Dave Kusworth

Desde el año 1984 anda el de Birmingham repartiendo ese sonido tan especial que le caracteriza, entre rosas, licores y sonidos que evocan a los Faces, los Stones, Marc Bolan…

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Cartel del concierto de Dave Kusworth en sala 16 Toneladas

Primero fue junto al inolvidable Nikki Sudden formando el mítico grupo The Jacobites. En el más reciente recopilatorio «The world of Dave Kusworth» que está presentando en esta gira española por Barcelona, Tarragona, Pamplona, Donosti, Santander, León, Valencia, Albacete, Madrid y Alicante se encuentran algunas de las piezas más importantes de aquel período, como «Pin your heart to me», «Shame for the angels»…

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Portada del recopilatorio «The world of Dave Kusworth»

Junto a los Bounty Hunters, los Tenderhooks, los Tuppers o su más personal Dave Kusworth Group tras la muerte de Nikki forman el grueso de un álbum al que le falta mucho material del calidad que atesora este músico pero suficiente para tener una idea de su nivel o, por supuesto, para apoyarlo viéndolo en directo.

Juanjo Mestre

Tramo final de la 49 Feria del Libro de Alicante

49 edición de la Feria del Libro de Alicante
Hall Séneca
Antigua Estación de Autobuses
Plaza Séneca, Alicante
Hasta el 7 de abril de 2019

La Feria del Libro de Alicante encara la recta final de su 49 edición con una repleta agenda de autores que acuden a firmar sus obras a Plaza Séneca, el nuevo emplazamiento de la cita literaria de la ciudad que este año tiene por lema “Mujeres de palabra”.

En este último fin de semana está previsto que acudan a la feria a firmar sus obras plumas del renombre de Pilar Blanco, Pablo Auladell, José Luis Ferris o Luis Larrodera, entre otros, además de una completa gama de actividades para el público infantil entre talleres, firmas y cuentacuentos.

La Feria del Libro de Alicante, organizada por el Ayuntamiento de Alicante, en colaboración con la Diputación de Alicante y con el patrocinio de diferentes empresas e instituciones, cierra sus puertas este domingo 7 de abril de 2019.

Feria del Libro de Alicante. MAKMA

PROGRAMACIÓN SÁBADO 6 DE ABRIL

‘El sistema Hanasaki’ es el título de la primera obra que se firma en la mañana del último sábado de la Feria del Libro 2019, del autor Marcos Cartagena. Le siguen la firma de obras de los autores Manuel Benítez, Fernando Ruiz, Guillermo Rubio, así como toda la obra de la poetisa Pilar Blanco.

Debido a problemas de salud, el escritor Javier Moro ha debido cancelar su asistencia a la feria, por lo que no firmará sus obras ni impartirá la conferencia que estaba prevista. El ganador del Premio Planeta ha acudido ya en varias ocasiones a las citas literarias alicantinas, y se espera poder contar con él en la siguiente edición.

Para la tarde, los lectores alicantinos podrán solicitar las firmas de Ramón Bascuñana, Daniel H. Chambers, Alejandro hermosilla, Alberto Toldrá, Francisco P. Sala y Jose María Cremades, o Marina Pérez Zambrana. Además, está prevista la firma del alicantino Pablo Auladell, autor de ‘El sueño de Malinche’.

PROGRAMACIÓN DOMINGO 7 DE ABRIL

El domingo 7 de abril comienza con la firma por parte de José Luis Ferris de toda su obra a las 11:30, seguida de las de las obras de Gerardo Muñoz y de Llanoa Caro y Julián Martínez Isla. A las 12:00, Luis Larrodera presentará su obra ‘Un tuitero enamorado’.

La última tarde la Feria del Libro prevé las firmas de ‘Paella Lovers’, de David Montero, ‘El arte de morir’, de Jorge Chillon, ‘Pura casualidad’, de Alfonso García, ‘El sueño de la tortuga’, de Alberto Celdán, así como ‘Factbook’, de Diego Sánchez, ‘Prímula Prim’, de Catalina González y toda la obra de Carlos Sillero. Por su parte, a las 18:00, Amaya San Martín dirigirá un taller de ‘Ilustración como medio de expresión’.

La clausura de la feria se realizará tras el visionado del documental ‘Las sinsombrero’ y un coloquio posterior con Tania Balló.

El Hall Séneca, de la Antigua Estación de Autobuses, acoge la 49 edición de la Feria del Libro de Alicante. Fotografía cortesía de los organizadores.

El Hall Séneca, de la Antigua Estación de Autobuses, acoge la 49 edición de la Feria del Libro de Alicante. Fotografía cortesía de los organizadores.

PROGRAMACIÓN INFANTIL SÁBADO 6 DE ABRIL

Para el sábado se han programado distintas actividades para incentivar a que los pequeños se enganchen a la lectura, como por ejemplo el taller para padres, a las 11:15, sobre ‘Cómo motivar a tus hijos a leer’, mientras los niños pueden asistir al cuentacuentos ‘Mis pequeñas alegrías’, a las 11:30. A continuación, a las 12:00, se llevará a cabo la presentacion del libro de Guillermo Caballero ‘Carlota es feliz’ ,y poco después, los bebecuentos, con Cristina Guti.

Ya en la tarde del sábado, a partir de las 17:30, están previstas la firma de los libros infantiles ‘Llegó el Ratoncito Pérez’, del autor Pedro Martínez, ‘Supercity 2.0’, de Bruno Francés, ‘Nicolás, ¿y tu casa?’, de Mar Benegas, y de toda la obra de Juan Antonio Urbano.

Además, habrá un cuentacuentos del famoso libro ‘El monstruo de colores’, y un taller de ilustración infantil a cargo de Boris Ramírez.

PROGRAMACIÓN INFANTIL DOMINGO 7 DE ABRIL

La programación infantil del domingo comienza a las 11:30, con el cuentacuentos Cabello Rizado, y el bebecuentos Chus Seva, y la firma de ‘Cuentos para Manolillo’, de Pako Gómez Mínguez, y termina con el cuentacuentos ‘Otra vez’, a las 18:00.

En esta edición, la feria se encuentra en el Hall Séneca, el recinto de la antigua Estación de Autobuses situado en la Plaza Séneca, hasta el domingo 7 de de abril, en horario de 10:30 a 14:00 y de 17:00 a 21:00, y las casetas ofrecen un 10 por ciento de descuento en la compra de libros.