Raúl García (‘La violinista’): “Hay que romper ese estigma de que la animación es solo para niños”

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‘La violinista’, de Raúl García y Ervin Han
Guion: Ervin Han, Jordan Katherine See
Música: Ricky Ho, Isabel Latorre
Robot Playground Media, TV ON Producciones y Altri Occhi
Distribuidora: Wanda Visión
Coproducción: Singapur, España e Italia
114′, Singapur, 2026
Estreno: viernes 13 de noviembre de 2026

Tras una serie de peripecias, un joven periodista valenciano mantiene un encuentro con una famosa violinista, ya retirada, en la ciudad de Singapur. Además de presentarle su admiración, el periodista desea conocer la historia del violín que esta utilizó a lo largo de toda su carrera, cuyo devenir nos llevará, entonces, hasta 1941, cuando dos niños de distintas clases sociales, Fei y Kai, se hacen amigos gracias a su pasión por el instrumento.

Con el paso de los años, su talento compartido por la música despertará entre ellos el amor. Pero la invasión japonesa del país durante la Segunda Guerra Mundial truncará sus carreras y esa vida que ya habían planeado juntos.

La opresión a la que someten las tropas japonesas a la población empujará a Kai a abandonar las partituras para unirse a la resistencia, una decisión de trágicas consecuencias para ambos. Tras las bombas y el ruido de los fusiles, se escucha, sin embargo, las primeras notas de una sonata que quizá nadie terminará.

Este es el argumento de ‘La violinista’, la cinta de animación dirigida a cuatro manos por el singapurense Ervin Han y el madrileño Raúl García, una producción internacional entre Singapur, España e Italia en la que han participado, entre otras, la productora valenciana TV On.

Un proyecto que ha contado con el apoyo del Ministerio de Cultura, RTVE, el Instituto Valenciano de Cultura y la televisión autonómica À punt y que ya ha cosechado un enorme éxito en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, meca mundial del sector donde consiguió el premio al mejor largometraje y mejor banda sonora; un hito para nuestro audiovisual.

Tras su paso por este y otros festivales nacionales e internacionales, ‘La violinista’ llega a las salas comerciales el viernes 13 de noviembre, donde se enfrentará al reto de seducir a un público que, como comentan Raúl García y Paloma Mora, su productora, en esta entrevista, no está demasiado acostumbrado a un cine de animación que cuente “historias serias”.

Pero la apuesta ya está hecha. Ahora solo queda confiar en la calidad de un trabajo que ya ha atrapado a buena parte del público de todo el mundo. Hablamos con ellos de este viaje por los festivales, de la génesis de este proyecto y de una manera de contar historias en la que los personajes, los lugares y, sobre todo, la aventura entendida al modo más clásico supera cualquier precepto de supuesta modernidad.

‘La violinista’ se proyecta en los Cines Lys de València el lunes 9 de noviembre, acompañada por el director Raúl García y la productora Paloma Mora, previo a su estreno en salas el viernes 13.

Premio Cristal al mejor largometraje en el Festival de Annecy, la cima del cine de animación. ¿Cómo os ha sentado?

Raúl García (RG): Pues para nosotros fue una sorpresa porque casi no llegamos. Annecy empezaba el 22 de junio y el día 9 entregamos la copia, con lo cual no tuvimos tiempo de ver la película ni con público ni en una sala grande. Pero cuando llegamos y vimos la película con público y vimos su reacción, que, cuando terminó, estuvo 11 minutos de aplausos de pie… Al final, tuvieron que llamar a seguridad para sacarnos del cine porque la gente no se iba. Solo eso ya fue la recompensa más absoluta.

Si luego le añadimos que nos ganamos un premio por la música y, al final, ganamos el gran Cristal, imagínate. Fue increíble. Para mí, como animador, Annecy es como el Óscar. Es el reconocimiento de la profesión y del público que ama la animación. Ya te digo, todavía estamos digiriendo la importancia del premio y lo que ha significado para la película, que, de ser una producción pequeñita y casi local, ahora tiene toda esta proyección internacional. Es un poco apabullante.

Paloma Mora (PM): Pues yo lo llevo con alegría, la verdad. Era la primera vez que una película española ganaba ese premio en sesenta años de historia de Annecy; un logro muy positivo para la película y para la animación valenciana y española, en general, porque es un premio reconocido internacionalmente.

Y el otro premio también, mitad para otra autora valenciana que es Isabel Latorre, que ganó el premio SACEM a la mejor banda sonora, compartido con Ricky Ho, el compositor singapuriense. O sea, que fantástico. Y, como dice Raúl, aparte de la alegría impresionante que supuso recibir el premio, fue ver por primera vez la reacción del público. Eso fue muy impactante.

Pero, además de lo prestigioso que es ganar ese premio, es que eso nos ha abierto las puertas a participar en muchos más festivales internacionales de clase A, como Toronto, Busan, el Tokio Internacional Film festival, Ventana Sur en Argentina o el Animation is Film de Los Ángeles. O sea, que está haciendo un recorrido brutal y eso contribuye también a la comercialización de la película internacionalmente.

¿Cómo se recibe este tipo de proyectos fuera de nuestro país? Como productora, ¿cómo te sientes cuando llevas un trabajo como este fuera de nuestras fronteras?

PM: Pues mira, yo he visto la proyección de la película ya en cinco países distintos y la verdad es que conmueve cuando se encienden las luces al final y ves que la gente se ha emocionado tanto.

Porque, aunque cuenta una historia a lo largo de varias décadas, una historia de hace casi cien años, lo que conmueve, aparte de lo riguroso del tema histórico, es que hay una historia de amor truncada por una guerra, hay una historia familiar de destrucción. Y todo eso, desgraciadamente, es algo que está muy presente en nuestra sociedad actual por la situación en la que se encuentra el mundo.

Entonces, al final, a pesar de la diferencia cultural que puede haber, porque está contando una parte de la historia de Singapur que, por ejemplo, para España es muy ajena, yo creo que ese elemento es conmovedor.

¿Ves fuera un recibimiento más caluroso o mejor hacia este tipo de productos audiovisuales que aquí, en nuestro país?

PM: Bueno, en València se ha proyectado, hasta ahora, una vez, que fue en el programa ‘Cita a ciegas’ que hizo los Cines Lys, y la verdad es que el público salió con muchos halagos, incluso hubo personas que hablaron de “obra maestra”. O sea, que a la gente le tocó mucho.

En Singapur, por supuesto, porque es parte de su historia, pero en Toronto, en Annecy, en públicos de diferentes países la reacción siempre es muy positiva. A la gente le encanta la película, aunque muestre una cultura distinta. Y para nosotros ¿qué significa? Bueno, para nosotros significa ponernos en el mapa internacional de la animación como productora, y poner también en el mapa a todos los talentos valencianos y españoles que han participado en el proyecto.

‘La violinista’ es una coproducción entre España, Italia y Singapur. ¿Cómo se coordina, en animación, un trabajo como este?

RG: Pues, obviamente, durmiendo poco [risas]. Al ser una coproducción tan internacional, la división del trabajo fue un poco complicada. Pero, por suerte, como la película es muy muy episódica, en el sentido de que cubre diferentes momentos en la vida del personaje, pudimos escoger las secuencias para que cada país las hiciese de manera autónoma sin tener que depender un estudio de otro.

Por ejemplo, la parte de Fei anciana, en la actualidad, se hizo en el estudio de Colombia como una unidad independiente. En España se hizo la parte del campamento de Malasia, que geográficamente era una parte aislada de toda la película y en la que, incluso, el personaje tenía una fisonomía determinada de acuerdo con la edad por la que estaba pasando en ese momento histórico. En ese sentido, fue más o menos fácil dividir el trabajo entre los estudios. Estamos hablando de cuatro continentes y diez estudios trabajando casi las 24 horas del día.

PM: Esta es una coproducción entre Singapur, que es de donde parte el proyecto, España, con producción valenciana, y al final del proceso se sumó Italia con una parte más minoritaria. Pero la verdad es que era la primera vez que hacía una coproducción entre España y Singapur y era un camino que había que recorrer entre dos modelos de producción que son muy distintos, con plazos y tiempos distintos y demás. Pero que nunca se hubiera recorrido ese camino no quería decir que no se pudiera hacer.

De hecho, lo hicimos [risas]. Y el aprendizaje ha sido muy positivo porque ahora conozco más los detalles de cómo se produce en Asia y ellos también conocen más los detalles de cómo se produce en Europa.

En ese sentido, ha sido una coproducción orgánica en todas las fases del proceso, desde el storyboard, la creación de los personajes, el tema de incluir un personaje valenciano en la historia, la animación, por supuesto, la postproducción, la música, etc. Ha sido muy colaborativo por ambas partes, de unir talentos de ambos territorios. Y la producción ha ido escuchando las necesidades de cada uno para ir acoplándolas e ir ajustándose a lo que cada uno necesitaba cumplir.

Si tuvieras que decir cuál es la diferencia esencial entre estos dos mundos. ¿Cuál sería?

PM: Bueno, los asiáticos tienen un concepto mental, cultural, distinto a los europeos porque pertenecemos a historias distintas. Yo siempre digo que hay gente que habla el mismo idioma y no se entiende, ¿no? Pues esto es lo mismo, es la voluntad de querer entenderse, de querer hacer una producción juntos y que la prioridad sea hacer lo mejor por parte de todos para que esa película tenga el mejor de los resultados.

Y si existe esta voluntad, todos los obstáculos se van solucionando. Para mí, ha sido un aprendizaje. Nosotros hemos producido largos y series de imagen real, series de animación, pero era el primer largometraje de animación que producíamos. Ha sido un proceso muy bonito, la verdad.

En el proceso de codirección, ¿cómo se consigue dar coherencia al producto final?

RG: Bueno, Ervin Han y yo siempre tuvimos la idea inicial muy clara de lo que queríamos contar y cómo lo queríamos contar. El proceso de preproducción fue el más complicado porque había que unificar criterios, desde decidir qué estilo de animación se iba a hacer, hasta qué tipo de dirección de arte y cómo queríamos contar la historia.

Pero, una vez que aquello estuvo encarrilado, no hubo ninguna interferencia puesto que cada uno teníamos divididas las tareas muy fácilmente. Ervin se encargó de escribir al guion y entre los dos decidimos cómo íbamos a contar la historia. A partir de ahí, la mecánica de producción fue bastante fácil, con Ervin por el lado de Singapur y conmigo por el lado del resto de los estudios.

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Es una película de animación con un relato bastante particular dentro del contexto contemporáneo. ¿Cómo llegáis a esta historia? ¿Por qué queréis contarla?

RG: Yo conocí a Ervin porque fui a dar clase en una universidad de animación en Singapur hace diez años, y ahí es donde descubrimos que teníamos muchos puntos en común a nivel de lo que es la animación y, digamos, de la filosofía que queríamos introducir en las historias que queríamos contar.

Todo esto viene de un punto muy vital que ya va siendo mi lucha en el mundo de la animación, que, más que un género, es una técnica que sirve para contar todo tipo de historias. No hay razón por la cual nos tengamos que obcecar en que la animación sea algo solo para niños o familias.

La animación es perfecta para contar historias para ese público infantil o familiar, pero también es perfecto para contar otro tipo de historias. En ese contexto, este dramón, este melodrama histórico es algo que nos pareció perfecto para ser contado en animación y a ello fuimos.

Como dices, el cine de animación se asocia a un público infantil. ¿Cómo veis, entonces, esta película dentro de ese marco? Os lo digo porque me parece que, aunque ha habido algunos casos de éxito, parece difícil romper con ciertas dinámicas. Por un lado, es un tipo de producción que goza de gran apreciación desde el punto de vista artístico, pero luego parece difícil que penetre en el mercado y, sobre todo, sortee los prejuicios del espectador.

RG: Claro, ahí está. El mayor problema es eso: romper esos prejuicios del espectador. Primero, la película está hecha en animación y, encima, animación 2D. Y bien orgullosa que está de estar animada por el método tradicional, con dibujos, cosa que hoy en día, en este mundo de la animación por computadora, es poco usual.

Y segundo, de nuevo, hay que romper esa resistencia que tiene el público de ver la animación como algo infantil. Yo creo que el público de una película como esta es general y la prueba es que, cada vez que la hemos puesto en cualquier lado, la gente sale llorando del cine porque es un melodrama que juega todas las bazas de ser un melodrama.

Es decir, al cine se va a pasarlo bien, disfrutando, y también disfrutando llorando, ¿no? [risas]. Yo creo que, una vez que logremos que la gente se deje los prejuicios en casa y decida ir a ver esta película porque se va a emocionar, tendremos la batalla ganada. El paso de la película por todos los festivales en los que ha estado nos ha demostrado que a la gente que la ve, le encanta, se emociona y disfruta. Pero hay que romper esa barrera, hay que romper ese estigma de que la animación es solo para niños.

PM: La animación es una técnica para contar una historia, no es un género. El género de esta película es un drama histórico hecho con la técnica de la animación, como podría haberse hecho con la técnica de la imagen real. En este caso, se ha elegido la animación como un lenguaje para llegar al público y generar emociones, que es para lo que se hace el cine.

Poco a poco, tenemos que intentar quitar ese estigma de que la animación solamente se dirige al público infantil, pero es verdad que es una labor muy costosa. De hecho, la película ha participado en Toronto o en Busan en sección oficial, compitiendo con otras películas.

En Toronto, por ejemplo, compitió con ‘La bola negra’ por el premio del público. Ya posicionar una película hecha con la técnica de la animación en festivales donde también se incluye imagen real es un gran paso porque, de alguna manera, la animación se va equiparando a la imagen real, se va ganando el respeto que merece.

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Además, apostáis por un relato muy clásico, de aventuras, pero no a la manera del cine de hoy, en el que la aventura se concibe como un mero pasar de pantalla, como en los videojuegos, sino con una historia que bien podría haberla filmado (con matices) un John Huston en su momento.

RG: Sí, sí. Esta es una película totalmente épica que nos reporta, como dices, a John Huston o a David Lean. A la hora de la verdad, es una película muy intimista. Es una historia de amor en tiempos de guerra; lo que pasa es que el fondo histórico es tan inconmensurable que nos sumerge en una historia de personajes metidos en una situación que les sobrepasa, como es la Segunda Guerra Mundial, o como es la invasión de tu país por un ejército extranjero. Eso hace que las pasiones y todo lo que ocurre en la película sea más grande que la realidad. Al final, se trata de un ejercicio de supervivencia.

¿Cómo fue la construcción de esos personajes?

RG: Desde el principio, nosotros pusimos el énfasis en que la película tenía que ser sobre personajes. Es una película sobre seres humanos que viven situaciones extraordinarias, pero donde la música les va a ayudar a sobrevivir. De alguna forma, la música es el tercer personaje de la historia. Pero lograr eso y, encima, en animación, era un desafío.

Ten en cuenta que el estilo de animación no es un estilo clásico, tipo Disney, es un poco más estilizado, más cercano al anime japonés, con lo cual, nuestra misión era rodear a estos personajes de un mundo lo suficientemente real como para que la gente que viese la película se identificase con ellos y pudiese ver a los personajes también como reales. Ese ha sido nuestro mayor énfasis: crear estos personajes con una personalidad muy clara para que la audiencia se meta en un mundo que los haga totalmente creíbles.

Me imagino que uno de los grandes desafíos de la película fue el trabajo de documentación histórico. ¿Cómo fue ese trabajo de recreación y documentación?

RG: Cuando se trabaja en una película de animación, se empieza desde cero y, por el hecho de que todo es dibujado, siempre se tiende a recrear algo con fantasía. En este caso, lo que hemos hecho es recrear un mundo que ya no existe. Entonces, la documentación era totalmente importante para que, como decía, los personajes resultasen creíbles.

Y como la película también trata, de fondo, sobre la memoria, sobre la memoria personal que uno tiene de los hechos y sobre la memoria reconstruida de las cosas que no ha vivido, pero que ha ido recomponiendo, dentro de ese aspecto estaba, también, la recuperación histórica de todos estos edificios que ya no existen, de una cultura que se va desvaneciendo, de los artefactos culturales que hacen que la vida tenga un significado.

Eso sí que ha sido el producto de una documentación increíble. En mi caso, mucho. Al fin y al cabo, para Ervin Han, el codirector, esta es la historia de su pueblo, de su cultura, pero para mí era una historia totalmente desconocida porque, para empezar, nosotros, de la Segunda Guerra Mundial, lo conocemos por la versión europea-americana.

Es decir, Pearl Harbor, Hiroshima y poco más. Pero en el lado del Pacífico, la Segunda Guerra Mundial toma un aspecto y unos hechos que nosotros ignorábamos y que a mí me han parecido una de las partes más apasionantes de hacer la película. Es ese proceso de inmersión, los pequeños detalles son los que hacen que la película tenga esa credibilidad.

Es como esas tazas de porcelana que pertenecen a la cultura de Peranakan, que es una mezcla entre la cultura malaya y la cultura china y que es el corazón de la etnia de Singapur. En ese sentido, hemos intentado ser muy escrupulosos para hacerlo lo más realista posible.

Es cierto que este es un relato sobre la memoria. Aparte de esa reconstrucción, ¿qué valor dirías que tiene la memoria para los personajes o para el propio espectador, a través de la película?

RG: Yo creo que mucho. El personaje de Fei pasa por un proceso en el cual ha vivido realmente esos hechos y, por tanto, forman parte de ella, mientras que la otra parte de su vida se dedica a reconstruir esa memoria, a buscar esos pedazos de pasado que no conoció y que intenta entender. Yo creo que eso es bastante importante para la vida de las personas y para nuestra protagonista en particular.

Por otro lado, la música, como elemento que une todas esas memorias, es otro personaje de la película porque no solo transmite lo que sienten los personajes, sino que sirve también como elemento unificador. Es ese elemento de esperanza que existe cuando todas las vías han desaparecido.

Esa sonata inacabada, la idea de intentar acabarla, es lo que da sentido a la vida del personaje y lo que, de alguna forma, engarza esas pequeñas perlas de memoria, ya sean suyas o que hayan sido adquiridas por información de terceros.

Los grandes acontecimientos de la historia se entrometen en el discurrir de la vida de las personas, podríamos decir.

RG: Sí, sí, totalmente. Vivimos nuestra vida como la vivimos en los tiempos históricos que nos ha tocado, que, afortunadamente, hasta este momento, son de paz. Pero, de pronto, imagínate que surge una guerra donde la vida se complica y vivir ya no es solo vivir, sino que es sobrevivir. Y no solo sobrevivir, sino intentar hacer lo mejor de tu vida, una especie de ejercicio de resiliencia para que te afecte lo menos posible.

En este caso, yo creo que la música es esa parte especial que logra que los personajes sobrevivan, porque en el fondo les da esa esperanza y ese vínculo de comunicación, incluso, con el enemigo.

En un momento dado, uno de los personajes dice: “Lo único necesario para que triunfe el mal es que los hombres buenos no hagan nada”.

Pues es una verdad como un castillo. Y vamos, desgraciadamente, lo estamos viviendo en el momento actual. Cuando empezamos la película hace diez años, el mundo era totalmente diferente a lo que es ahora. Entonces estábamos muy contentos de hacer una especie de fotografía histórica de ese momento.

Pero, de pronto, la realidad nos ha comido y ahora la película tiene una relevancia especial por el mundo en que vivimos, lleno de guerra y en el que esta frase es de la más rabiosa actualidad. A mí, me encantaría seguir teniendo la película como un artefacto histórico, como una crónica de la realidad, pero, por otro lado, de pronto la película se ha hecho mucho más universal.

En València, siempre nos ponemos como una potencia en cuanto a talento en el campo de la animación, pero luego siempre parece que esa potencia no llega a esa primera línea a la que aspiramos, aunque ahora, con esta película, vemos que se puede. Como productora, si tuvieras que decir qué nos falta para saltar a esa primera línea, ¿qué sería?

PM: Bueno, este ha sido un logro importantísimo porque ha ganado Annecy y está participando en otros festivales, pero otros compañeros y compañeras también están consiguiendo logros internacionales. Y ese cúmulo de éxitos internacionales va generando confianza en nosotros mismos de cara a decir: “Sí se puede. Yes We Can” [risas].  Tenemos un buen momento para el audiovisual español y en esa imagen de lo audiovisual también incluimos la animación con estos éxitos.

¿Si le falta algo a la animación? Más que a la animación en concreto –que aquí hay talentazos que ya han demostrado lo que valen–, lo que le falta es que tengamos recursos para tener continuidad y que esos talentos no se nos vayan a producciones en otros países. Creo que eso es lo que necesitamos: un sector consolidado y potente que tenga esa continuidad para que las productoras podamos ir pasando de una producción a otra y podamos dar trabajo de manera continua a esos talentos.

Con esto me das paso a mi última pregunta. Hablando no hace mucho con Óscar Bernècer, le preguntaba por la situación del audiovisual valenciano, y él me decía que, si las Administraciones no lo apoyan, se produce algo que quizá no se tenga muy en cuenta, que es la pérdida de confianza hacia esa producción para colaborar otros productos en coproducción. Ya sabes que el sector se encuentra hoy en una posición muy crítica hacia la gestión actula. ¿Cómo ves la situación?

PM: Pues es que es así. Mira, por ejemplo, ahora nosotros tenemos una reivindicación desde las asociaciones de empresas productoras de animación porque queremos que, en la llamada de proyectos que hace À Punt, incluya las series de animación, que antes estaban incluidas y ahora las han descartado.

Primero, la animación –en series, en largos– da trabajo a mucha gente durante periodos muy largos de tiempo. En ese sentido, no se justifica de ninguna manera que se pretendan descartar a las series de animación dentro de las convocatorias de À Punt o del IVC.

El IVC las mantiene, pero lo que queremos reivindicar desde el sector es que eso se respete, entre otras cosas porque, además de servir para la difusión del idioma, las series de animación también tienen recorrido internacional.

¿La situación? Pues es complicada y lo que esperamos es no solamente que no se pierdan los logros que se han conseguido en los últimos años, sino que, además de mantenerlos, se vayan incrementando. Es imprescindible que la Administración valenciana apoye al sector de la animación que ha demostrado con creces su reconocimiento internacional.