Claroscuros, mesianismo y memoria en Shiras Galería

‘D’ombres i llums’, de Rafael Armengol (Sala Principal)
‘Rememorados’, de Roger Sanguino (Sala Refugio)
Shiras Galería
Vilaragut 3, València
Del 23 de enero al 18 de marzo de 2020
Inauguración: jueves 23 de enero a las 19:30

Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, inaugura el día 23 de enero a las 19:30 la exposición ‘D’ombres i llums’, del artista Rafael Armengol (València, 1940). Siguiendo la línea de la galería, la muestra se presenta, en palabras del autor, como “una reflexión alrededor de personajes históricos que han tenido un papel relevante en los acontecimientos de la cultura de nuestro entorno, personas que han sembrado sombras y luces vinculadas con el momento presente, donde los observadores son un elemento imprescindible para dotar a la obra de sentido”.

El artista presenta su última serie, ‘D’ombres i llums’, por medio de 16 lienzos ocupando la Sala Principal de la galería. Se trata de un proyecto en el que los elementos que intervienen en la composición, y acompañan a los personajes, son fundamentales para expresar la singular visión del artista, la cual no trata de evidenciar sino de sugerir posibles interpretaciones individuales.

Imagen de la obra ‘Nerón Mao’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Para la muestra, Shiras ha editado un catálogo con la colaboración del crítico y ensayista Martí Domínguez, quien define el proyecto como “un contrapunto a todo lo anterior, una fuga creativa, un deseo de abrir una nueva vía de expresión guiada por impulsos con Mao y Nerón como epítomes de hombres inmensos y, al mismo tiempo, catastróficos para su tiempo, de los que dependieron tantos destinos humanos. Una crítica aguda a aquel mesianismo, a aquel desbordado deseo de poder”.

Rafael Armengol, pintor consagrado con más de 50 años de trayectoria, ha obtenido a lo largo de su carrera importantes distinciones como el Premio Alfons Roig, o el nombramiento académico por la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, gracias a sus aportaciones al campo del arte. Además, su obra se encuentra en los fondos de numerosos museos e instituciones como la colección del Instituto de Arte Contemporáneo Valenciano, la Colección del Museo de la Resistencia Salvador Allende en Santiago de Chile, la Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, o en fundaciones como Xarxa Cultural en Barcelona, colección la CAM, Bancaja y la Fundación Chirivella-Soriano, entre otras muchas.

‘Unseen II (Desapercibido II)’, de Roger Sanguino. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Por otra parte, en la Sala Refugio se dispondrá el proyecto ‘Rememorados’, del artista venezolano Roger Sanguino (Maracay, 1968), quien formulará un estudio antropomórfico a través de una instalación ilustrativa donde dibujo y escultura conjugan en perfecta armonía. Los personajes retratados evidencian un cierto carácter volumétrico, por lo que siente la necesidad de que salten al mundo tridimensional. La escultura le aporta la información teórica y técnica para comenzar a construir un discurso que utiliza el cuerpo como ancla, en el que explora temas como la mente, el lenguaje corporal, lo particular y lo universal, la relación con el otro, el tiempo, el retrato; conceptos que, junto a los aspectos formales como la importancia del dibujo, dan forma a la estructura de su trabajo mediante la intervención de cuerdas de piano, alambres y varillas de acero.

Entre su trayectoria destacan varios galardones, como el Premio Joven Artista en el Salón Nacional de arte “Aragua” en Venezuela, la Medalla de Oro en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, la Mención de Honor por el Círculo de Bellas arte de Lleida, o el Premio Nacional de Pintura Enrique Ginestral en Toledo, España.

La directora artística Sara Joudi define ambos proyectos expositivos como “una muestra singular, capaz de llegar al espectador mediante dos lenguajes muy diferentes. La diferencia generacional y geográfica de los artistas hace que la propuesta sea más enriquecedora y diversa, reafirmando la universalidad del arte como un medio de expresión”. En definitiva, hace que la magia creativa llegue al público con toda su fuerza.

Imagen de la obra ‘Hipatia’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

MAKMA

Nuevas fórmulas de arte emergente el CMC La Mercé

‘Emac.ex-hibition’, de VV.AA.
V emac. | Festival de música y arte de Borriana
Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana
Plaza de la Mercé, Borriana (La Plana Baixa)
A partir del jueves 23 de enero de 2020

El Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana (La Plana Baixa) acoge, a partir del jueves 23 de enero, la exposición ‘Emac.ex-hibition’, organizada por emac., festival cuya quinta edición tendrá lugar del 14 al 16 de febrero de 2020.

‘Emac.ex-hibition’, muestra comisariada por Barbara Ferri –responsable, a la par, de la imagen gráfica del festival–, concita la obra de ocho creadores emergentes significativamente emparentados con el panorama artístico y contemporáneo valenciano, como son Juan de Dios Morenilla, Carlos Correcher, Marina G.Guerreiro, Raúl Lorenzo, Blanca Santos, Julián Villalba, Iñaki Gover y Alberto Sánchez, alguna de cuyas inquietudes plásticas han sido exhibidas en espacios institucionales como el Institut Valencià d’Art Moder (IVAM), el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) o Las Atarazanas del Grao de València, amén de galerías de referencia como Luis Adelantado y Punto.

Imagen de una de las obras de Carlos Correcher presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Mediante la idea arquitectónica y proposicional de unir el claustro y la galería del CMC La Mercé, “el nexo principal de estos autores es el de confluir, por un lado, el interés por buscar nuevas formas de abordar el arte y, por el otro, cierta fascinación en torno a conceptos como error, azar o fracaso, en relación al propio proceso creativo”, reflexiona Barbara Ferri, quien apunta que “en sus obras conviven la objetualidad, espacialidad y plasticidad de una manera fresca e innovadora”.

‘Emac.ex-hibition’ enarbola su discurso formal, por una parte, en base la idiosincrasia instalativa de de varios de los proyectos, cuyas obras respectivas procuran una reflexión acerca del caos sonriente, la cultura del humor y la espontaneidad normativa(Carlos Correcher); la revisión del imaginario icónico en torno a la idea de felicidad (Marina G. Guerreiro); la investigación sobre los usos iconográficos, con carácter ideológico, informativo y comercial, de los medios de comunicación (Iñaki Gover); el concepto de ruina y la mitificación histórica en relación a la restauración y los usos expositivos del patrimonio artístico (Raúl Lorenzo); la mirada sobre la memoria colectiva de lo cotidiano a través del diálogo espacial y la constitución pictórica y escultórica de objetos híbridos (Blanca Santos); o la exploración de “una realidad física improbable, que no imposible, a través de su representación”, por medio de la pintura y la instalación objetual (Juan de Dios Morenilla).

Imagen de una de las obras de Marina G. Guerreiro presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Igualmente, la naturaleza plástica y superficie 2D protagonizan la morfología de inquietudes en las que se manejan conceptos como extrarradio en calidad de “combustible creativo” que aplicar sobre el plano, a través de “la abstracción y la idea estética de paisajismo” (Julián Villalba); y “las huellas, los mensajes ausentes y los restos gráficos” como vestigio evidente del tiempo (Alberto Sánchez).

De este modo, @emac.fest, dirigido por Vicent Tormo, suma un apéndice más al nutrido programa de propuestas musicales y artísticas, ampliando un cronograma que, por vez primera, trasciende las tres jornadas habituales que durante el mes de febrero significan a la localidad de La Plana Baixa.

emac. se encuentra organizado por la asociación cultural emac.borriana y cuenta con el patrocinio institucional principal del Ajuntament de Borriana –mediante la concejalía de Cultura–, la Conselleria d’Educació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana, el Institut Valencià de la Joventut (IVAJ), la Diputació de Castelló y Estrella Galicia en calidad de cerveza oficial. Igualmente, dispone de la colaboración de Naraniga Pub, Indie Are Production, Horma Zapatería, nomepierdoniuna, born music!, La Fábrica de Hielo, cero en conducta, La Ragazza Producciones y Ecomunicam.

Detalle de una de las obras de Iñaki Gover. Fotografía cortesía de @emac.fest.

MAKMA

El inmaculado suburbio de plástico de Nadia Lee Cohen

‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen
Centro Niemeyer
Avenida del Zinc s/n, Avilés
Del 17 de enero al 29 de marzo de 2020

El Centro Niemeyer y Contemporánea, en colaboración con La Térmica y DMB, presenta ‘Not A Retrospective’, exposición individual de la fotógrafa Nadia Lee Cohen –aclamada por el público y la crítica internacional desde que con solo 22 años fuera incluída en el Premio de fotografía Taylor Wessing y expusiera su obra en la National Portrait Gallery de Londres–, comisariada por Mario Martín Pareja y que podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2020.

Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es una fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato que reside en Los Angeles (EEUU). Es esta la ciudad que más le inspira desde su primer viaje a Estados Unidos en 2014, y consecuencia de su fascinación por la los suburbios norteamericanos y la conformista vida en esas zonas residenciales. Ambientes que transmiten la idea de la perfección y, por ello, idóneos para hacer una punción directa y trasgredirla.

Nadia cuenta historias que suceden tanto en el interior de esas casas en las que los protagonistas femeninos combaten ese sofocante conformismo con el escapismo sexual, como en los exteriores, donde los rótulos y luminosos de las grandes marcas de consumo que dominan las escenas, junto a guiños al mundo pop, alimentan las referencias culturales de la narración.

A primera vista, las fotografías son llamativas, glamurosas y llenas de colores saturados, pero en una inspección más cercana se detecta un elemento melancólico. Es precisamente esta yuxtaposición la que le interesa a Nadia y reporta la clave de gran parte de su trabajo. Aunque se expresa sin tabúes, ella prefiere un enfoque más sutil en lugar de crear imágenes que tengan como objetivo sorprender al espectador. De esa manera, anima a la audiencia a absorber y contemplar la narrativa detrás de la imagen que aparece ante sus ojos.

Sus fotografías enturbian los límites entre la fantasía y la realidad, lo animado y lo inanimado, desafiando la lógica con un toque de ironía y humor. Nada es lo que parece. Nadia se esfuerza en construir contenidos reconocibles para el espectador a los que añade algo que interfiere dicha familiaridad sugiriendo que hay algo fuera de lugar.

‘Vons’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

De este modo, modifica la atmósfera para que esta sea un poco más sombría y rara, y pone a prueba la sensación de seguridad del espectador. En dichas situaciones ficticias, y en el centro de todo, se hallan las mujeres, su sujeto favorito. En cada una de las imágenes sus modelos trascienden el papel de actrices y encarnan los caracteres del personaje asignado. Nadia prefiere fotografiar gente real a modelos profesionales: rotundas, sensuales y surreales, lejos de la belleza convencional.

El elemento de la moda en su obra es también difícil de pasar por alto, tanto por su experiencia en el diseño, como por su educación en el London College of Fashion, aunque ella admite estar más atraída por el cine (Alfred Hitchcock, John Waters, Stanley Kubrick y los hermanos Cohen) y la fotografía cinematográfica (Willian Eggleston, Philip DiCorcia, Cindy Sherman, Larry Sultan…).

Detalle de la obra ‘Sarah and friends’, que forma parte de ‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

MAKMA

Petit Mal presenta en vinilo ‘Andar sobre hielo frágil’

Presentación del vinilo ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, València
Jueves 16 de enero de 2020 a las 19:00

El grupo valenciano Petit Mal presentará el jueves 16 de enero de 2020, a las 19:00, en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia, la edición en vinilo de su disco ‘Andar sobre hielo frágil’.

Versión en vinilo de ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal. Fotografía cortesía de Discos Sféricos.

El acto, de entrada gratuita, será conducido por el periodista José Ramón Alarcón (MAKMA y Ecomunicam) y contará con las intervenciones de dos de los componentes del grupo, Anna Sanz de Galdeano (violín y coros) y Suso Giménez (letras, guitarra acústica y voz), a quienes acompañarán también Paco Morillas (productor del álbum), Antonio Ballesteros (diseñador de la identidad gráfica del disco), Marisa Giménez (directora de Discos Sféricos), Javier Pérez (director y presentador del programa Club de Amigos del Crimenen Radio Klara) y Enrique Victoria (actor e historiador). Petit Mal cerrarán la sesión interpretando en directo algunas de las piezas incluidas en ‘Andar sobre hielo frágil’.

Integrado originalmente por Suso Giménez, Anna Benavent y Juan Luis Salmerón, Petit Mal se estrenó discográficamente en 2005 con ‘Finlandia’. Con el tiempo, el álbum se ha convertido en una joya casi de culto para los aficionados al pop intimista, melancólico y de alta sensibilidad. Tanto es así que una década después, cuando la banda llevaba ya varios años en barbecho, once artistas y grupos locales de distintas generaciones y estilos (Gilbertástico, El Ser Humano, Néstor Mir y Perro Grande, entre otros) versionaron a modo de homenaje las canciones de ‘Finlandia’. El resultado se pudo disfrutar en ‘Visiones finlandesas’. Entre ‘Finlandia’ y su tributo, Suso Giménez reformó Petit Mal para registrar en 2008 un epé de cinco temas titulado ‘Me conoces bien’. Acto seguido volvió a guardar la guitarra en el armario.

Videoclip de la canción ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal. Diseño de Antonio Ballesteros y animación de Manuel Olías.

La aparición en 2015 de ‘Visiones finlandesas’, no obstante, animó al cantante, compositor y guitarrista a retomar su proyecto y, de este modo, el trío original, acompañado por Anna Sanz de Galdeano y distintos artistas invitados (como el actor, autor y director teatral Xavo Giménez, que se les unió al banjo, el veterano batería y percusionista Dani Cardona o el afamado teclista Gilberto Aubán), se reunió para grabar un nuevo trabajo, ‘Andar sobre hielo frágil’, bajo la producción del también bajista Paco Morillas. Con estas canciones, Petit Mal regresó a los escenarios con excelentes críticas durante el año 2019.

Bandcamp de ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal

MAKMA

En privado y al oído: Prostíbulo Poético

Prostíbulo Poético | Happeging poético y poesía vis a vis
La Fábrica de Hielo
Pavia 37, València
Viernes 17 de enero de 2020 a las 20:30

Hijo primogénito del original Poetry Brothel de Nueva York, dirigido en Barcelona y Madrid por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdiciplinar, compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

¿Puede ser divertida y excitante la poesía aun descubriendo el lado más oscuro o atormentado de un alma? ¿Cómo valoramos el acto poético en la sociedad contemporánea? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar al gran público la temida poesía?

Bajo la apariencia de un burdel fantástico del siglo pasado, las poetas venden sus versos al público asistente una vez han sido presentadas por la Madame que describirá al público las siguientes interrogantes: ¿Cómo han ido llegando hasta allí? ¿En qué condiciones? ¿Qué les diferencia del resto de sus compañeras?

A la pregunta sobre cómo reaccionan los clientes que se acercan a sus eventos, la actriz, dramaturga y poeta Sonia Barba ha comentado que “por lo general, nadie viene preparado para lo que van a recibir, que básicamente es un baño de la realidad del otro. La gente quiere compartir experiencias, anécdotas, heridas semejantes. Se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, hay personas que piden a la poeta que les deje solos, otras rompen a llorar. Es muy emocionante”.

Miembros de Prostíbulo Poético. Fotografía: Bluetomatophoto.

Dispuestas a revolucionar también la escena valenciana, después de diez años de actividad en Barcelona y dos de conquistar al público de Madrid, las poetas del Prostíbulo Poético, capitaneadas por su Madame, abren sede en estas tierras y no han podido encontrar mejor lugar que La Fábrica de Hielo, espacio con resonancia a tiempos pasados y experto en hospedar encuentros y situaciones de intercambio, donde la cultura, el ocio y la gastronomía van de la mano, que acogerá el evento el próximo viernes 17 de enero de 2020, a las 20:30.

El elenco de poetas estará compuesto por una selección de algunas de las veteranas poetas de Barcelona y una nueva hornada de poetas de València reunidas por Sonia Barba.

En definitiva, poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Integrantes de Prostíbulo Poético vestidas con la lencería de la diseñadora Rosario Puñales. Fotografía: Carles Mercader.

MAKMA

La inextricable fiesta de la señora Dalloway

‘Mrs. Dalloway’, de Carme Portaceli
Adaptación de la novela ‘La señora Dalloway’ (1925), de Virginia Woolf
Con Blanca Portillo e Inma Cuevas, entre otros
Teatro Principal
Barcas 15, València
Hasta el 12 de enero de 2020

Erigida en una obra de referencia inexcusable en el devenir del modernismo anglosajón y al calor de la vanguardia literaria de entreguerras, ‘La señora Dalloway’, cuarta novela de la eximia escritora londinense Virginia Woolf, ha visto refrendado su vigor estilístico y denuedo semántico a la sombra requerida y contemporánea de su mayúscula figura y ecuménica autoría.

Por ello, se antoja francamente incitante transitar bajo la techumbre perfumada de la Bright Young People y sus cuitas de interbellum, sobre el espinazo vertebral del monólogo interior y los flujos de conciencia que perfilan la deriva narrativa y, por ende, existencial de Clarissa Dalloway durante la jornada en la que acontece la diégesis –epicentro de los preparativos de una ínclita fiesta de sociedad por la que habrán de sucederse nebulosos episodios del pasado y vestigios idiosincrásicos–, en cuyo microcosmos de atribulados personajes Woolf disemina, mediante un dechado manejo de la analepsis, asuntos tan controvertidos (entonces) como universales (vigentes): insania, depresión y suicidio, represión sexual, lesbianismo, bisexualidad y feminismo, amén de conflictos y turbulencias sociales e intergeneracionales más radicalmente emparentados con el período en el que fue publicada la novela.

Blanca Portillo como Clarissa Dalloway durante un instante de la función. Fotografía cortesía del IVC.

Si con sugerente y dispar resultado, los cineastas Marleen Gorris –’Señora Dalloway’ (1997)– y Stephen Daldry –’Las horas’ (2002), adaptación cinematográfica de la novela homónima de Michael Cunningham (1998), inspirada en la obra de Woolf y que toma por título uno de los enunciados manejados original y transitoriamente por la escritora– hubieron procurado adecuación audiovisual a la compleja y retórica estructura del relato, no debía ser menor la tentación y el brete de transmutar los dominios de ‘La señora Dalloway’ en hacienda escénica.

De este modo, instituida como una de las producciones de referencia de la temporada del Teatro Español, y tras su estancia navideña en el Teatre Nacional de Catalunya, recala en el Teatre Principal del València ‘Mrs. Dalloway’, bajo la dirección de Carme Portaceli –quien rubrica la versión junto a Anna María Ricart y Michael De Cock (director del KVS o Teatro Nacional Flamenco de Bélgica)– y la figura de Blanca Portillo encabezando el cartel (apriorísticos elementos de seducción que justifican su inmaculado resultado en taquilla).

Así, con encomiables propósitos e irregulares aciertos (siendo benevolente) cobran acción morfológica las introspectivas aflicciones de los personajes de Woolf, sintetizados en ocho caracteres y diversas licencias –textuales y tecnológicas– que procuran economizar la puesta en escena y actualizar a las predilecciones coetáneas algunos de los temas explícitos y subyacentes manejados en la obra original.

La actriz Inma Cuevas (Sally). Fotografía cortesía del IVC.

Para ello, Portaceli, Ricart y De Cock se hubieron servido de los diarios y la carta manuscrita de suicido de la escritora con el fin de rubricar una de las más relevantes permutas de la presente versión: los personajes de Angélica (contenida y aséptica Gabriela Flores) –escritora flagelada por trastornos del estado de ánimo y trasunta de Woolf– y su esposo Max (excesivo atletismo y correcta acentuación la de Jimmy Castro), en sustitución del soldado Septimus y su novia Lucrezia. Una decisión de atractivos designios que naufraga en su disposición, al igual que zozobran buena parte de los elementos compositivos –ignominioso cierto empleo de la música original y el espacio sonoro procurado por Jordi Collet y el diseño de video de Miguel Ángel Raió, más propios de un ejercicio audiovisual de conciencia plena o mindfullness– y escenográficos –Anna Alcubierre convierte en insípido galpón las posibilidades de la caja escénica, por la que se pierde y empequeñece el octeto interpretativo, y acierta en el empleo efectista de sucesivos cortinajes que van acortando la perpendicular–.

Porque esta decidida versión de ‘Mrs. Dalloway’ principia y concluye erigida en un documento inextricable, argumentalmente ininteligible sin el sustento de la lectura original, confusa en su constitución, y excesiva, urgente y epidérmica en la evolución sentimental del apremiante arco de sus protagonistas, cuyo elenco actoral supervive con dignidad y cierto oficio. Plausible, aquí, el magisterio habitual de Blanca Portillo –capaz de enaltecer con su prosodia el desnortado rumbo de la obra– y la heterodoxa cadencia de Inma Cuevas, quien logra elevar a Sally por encima de la efervescencia protagónica de la presente señora Dalloway.

Blanca Portillo en la imagen promocional de ‘Mrs. Dalloway’. Fotografía de Sergio Parra cortesía del IVC.

Jose Ramón Alarcón

MyFrenchFilmFestival y su cine inédito en Filmin

MyFrenchFilmFestival 2020
Unifrance
Filmin
Del 16 de enero al 16 de febrero de 2020

La plataforma de VOD Filmin será un año más sede en España de MyFrenchFilmFestival, el certamen online organizado por Unifrance que promociona en todo el mundo el cine francófono, en especial aquel que ha tenido poca visibilidad lejos de las fronteras de sus respectivos países.

La décima edición de uno de los festivales online más importantes del mundo se celebrará del 16 de enero al 16 de febrero de 2020, y ofrecerá en Filmin 11 largometrajes y 15 cortometrajes, muchos de ellos estrenados y premiados en festivales de todo el mundo, pero que todavía no habían pasado por los cines españoles.

Entre los títulos más destacados de su programación se encuentran ‘Los confines del mundo’, de Guillaume Nicloux –una historia de venganza ambientada en la guerra de Indochina en 1945– con Gaspard Ulliel y Gérard Depardieu en el reparto; ‘La caravana’, de Méryl Fortunat-Rossi y Valéry Rosier –documental belga sobre los aficionados que acuden a animar a los ciclistas en las etapas del Tour de Francia; ‘El escape’, de Emmanuel Hamon –thriller político sobre una operación de exfiltración de una mujer francesa arrepentida de haberse unido al ISIS en Siria; ‘Perdrix’, de Erwan Le Duc – presentada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, cuenta con Fanny Ardant en su reparto; y ‘Jessica Forever’, de Jonathan Vinel y Caroline Poggi – distopía futurista y reflexión sobre la violencia–, que será una de las películas más comentadas de un MFFF2020 que no se olvida del público infantil, al que dedica una sección con 5 cortos de animación.

Selección completa de la programación en Filmin

Gaspard Ulliel y Gérard Depardieu en una escena de ‘Los confines del mundo’, de Guillaume Nicloux. Fotografía cortesía de Filmin.

MAKMA

Soñar inquietudes y retos con 10 Sentidos

‘Soñadores’ | IX Festival 10 Sentidos
Diversas sedes de València
Mayo de 2020

Las postrimerías del año que concluye portan consigo los preparativos del Festival 10 Sentidos, encuentro escénico de referencia de la ciudad levantina, cuya novena edición se llevará a cabo, durante el mes de mayo de 2020, bajo el lema ‘Soñadores’, un leitmotiv que focaliza la atención sobre la juventud y, en consecuencia, sobre aquellos que “están llamados a ser los reyes del futuro”, en base a “sus inquietudes, sus problemas, sus retos y sus compromisos”, tal y como indican desde la organización del festival, que, al igual que en ediciones precedentes, tendrá como ejes principales la danza, el teatro, la música, el cine y las artes plásticas; géneros con los que “mantener la filosofía de visibilizar, a través de propuestas artísiticas, diferentes realidades de nuestra sociedad”.

De este modo, el festival de las artes vivas de València, codirigido por Mertixell Barberá e Inma García, “hará protagonista a esa generación nacida a finales del siglo XX y principios de este, en la que nuestra sociedad debería depositar sus esfuerzos y esperanzas, y se aproximará a su lenguaje, a su ideología, a su modo de vivir, a su manera de crear”.

‘Soñadores’ pretende investigar y formular dubitaciones en torno a cuestiones relativas a “qué les define, qué sienten, cómo se relacionan o qué les preocupa”. Por ello, “la programación incorporará a creadores que sueñan, que arriesgan, que se comprometen, y buscará propuestas que ayuden a un público diverso a entender su idiosincrasia”.

Así mismo, 10 Sentidos “contará con otros artistas de distintas edades que plasmarán su propio punto de vista sobre el paso del tiempo y a los que se les propondrá observar e interactuar con un relevo generacional que a veces no obtiene la atención suficiente”.

Imagen de una de las propuestas escéncias del IX Festival 10 Sentidos. Fotografía de Juami Ponce cortesía de la organización.

MAKMA

La narrativa metafórica de Moisés Gil en Jan Royce Gallery

‘El reflex de les narratives contemporànies’, de Moises Gil
Jan Royce Gallery
Almirante 1, València
Hasta el 31 de enero de 2020

Jan Royce Gallery –galería originaria de Ciudad del Cabo (Sudáfrica) que ha inaugurado recientemente su sede en el antiguo espacio de la Galería Val I 30, durante la Valencia Disseny Week del mes de septiembre de 2019– acoge, hasta finales de enero de 2020, la exposición ‘El reflex de les narratives contemporànies’, del artista de Concentaina (Alicante) Moises Gil.

Autor de dilatada trayectoria, singularizada por un estilo propio que une la reflexión sobre la condición humana a la interpretación del espacio que el individuo habita, la obra de Moisés Gil mixtura entre la figuración y la abstracción tridimensional, representando al hombre en su relación con la arquitectura que le rodea, con una narratividad metafórica que opone al personaje humano definido cualitativamente dinámico y expresionista con un espacio-tiempo delimitado por estructuras geométricas funcionales que lo refugian, lo contienen o lo condicionan.

Una de las obras de Moisés Gil presentes en la exposición. Fotografía cortesía de Jan Royce Gallery.

Planteadas como apartados o capítulos encapsulados de una misma historia, en sus esculturas el ser humano existe, es y está en función de las construcciones que ha proyectado como su propia extensión corporal, emocional y moral. Sus arquitecturas se alzan en el espacio en perfiles esquemáticos y líneas volumétricas en los que la discontinuidad y el vacío refieren a la idea de un proceso en definición: la del hogar que el hombre construye y reconstruye permanentemente cual símbolo de identidad.

Un territorio propio, nunca totalmente delimitado, que el autor escenifica al modo de escenografías existenciales en desarrollo, cuyos personajes, caracterizados como seres anónimos hijos de un común origen gestualmente primitivo y cuya vibrante anatomía se sugiere en evolución, son piezas de una historia que con raíces en el mito de la creación del hombre se ramifica en las actividades de la vida contemporánea bajo la interpretación del individuo como una entidad productiva y, con ello, subyugada a un destino que le es ajeno.

Alegóricamente acentuadas por el contraste entre el destellante modelado en aluminio de sus figuras y el mineral óxido del acero de sus estructuras, en las escenas propuestas por Moisés Gil la vida se verifica como un complejo automatismo en el que el albedrío cumple una función en un mecanismo mayor e invisible.

Una de las obras de Moisés Gil presentes en la exposición. Fotografía cortesía de Jan Royce Gallery.

Sus personajes, solitarios o multiplicados aparecen protagonizando múltiples actividades –son obreros, acróbatas, pensadores, espectadores– de incierto cometido final que aluden a la existencia de una previa y despersonalizada planificación de roles de mecánica dirección y ambiguo objetivo. En un ejercicio crítico metafórico sobre la idea de libertad en un sistema de producción y control social, sus figuras, aunque dotadas de luz propia, encarnan los fragmentos existenciales cotidianos en los que la pregunta por la identidad es opacada por la estructura que la ampara y, a la vez, la sojuzga.

MAKMA

El arte como agente vertebrador del territorio

‘El arte como agente transformador y vertebrador del territorio’, de AVVAC
Jornada de formación para artistas visuales
Espai d’Art Contemporàni de Castelló – EACC
Prim s/n, Castellò de la Plana
Viernes 20 de diciembre de 2019 a las 17:00

El Espai d’Art Contemporàni de Castelló (EACC) acoge, el próximo viernes 20 de diciembre, a las 17:00 la jornada de formación para artistas visuales ‘El arte como agente transformador y vertebrador del territorio’, organizada por la Asociación de Artistas de Alicante, València i Castelló (AVVAC). Un encuentro, abierto al público, para reflexionar y dar a conocer algunas de las propuestas que actualmente vertebran y ayudan a transformar el territorio de Castellón, tanto desde propuestas personales, institucionales, de empresa, como la gestión de espacios y programas de arte.

Las interrogantes fundamentales que se abordarán serán cómo se estructuran, cómo entienden su compromiso con el entorno y su enclave territorial, al igual que cómo se sostienen estas iniciativas.

Para ello, se implementará una mesa redonda a las 18:00, titulada ‘El arte contemporáneo más allá de las grandes ciudades, museos o centros de arte’, que contará con la participación de Albert López (UJI/PEU); Pascual Arnal –(Mostra TEST). Sala El Convent, espai d´art de Vila-real, Castellón–; Maya Marja –CreaOve Connector, Castellón–; Vicent Carda –Espais d´Art, Castelló–; Daniel Belinchón –director FesOval d´Imaginària, Castellón–.

Al mismo tiempo, desde AVVAC proponemos una conversación con dos proyectos alejados de Castellón, pero que comparten lógicas periféricas, más allá de los entramados de mercado o la lógica académica. De este modo, se expondrán sus realidades y recorridos, mediante la presencia de Aida Boix –directora del Centre d’art Lo PaO. Amposta, Tarragona– y Diego Arribas –director projecte Minas Ojos Negros. Teruel–.

Igualmente, presentaremos el primer volumen del proyecto editorial de AVVAC. En este libro se recoge la memoria del trabajo realizado en las III Jornadas de Profesionalización del Sector de las Artes ‘Urgencias desde las Emergencias’, que se celebró con motivo del X aniversario de la asociación, el pasado mes de enero de 2019, en el Centre del Carme Cultura Contemporània de Valencia.

AVVAC