Óbitos y variedades nocturnas para el noveno Canibaal

‘Muerte y Cabaret’, 9º número de la revista Canibaal
Sporting Club Russafa
Sevilla 5, Valencia
Presentación: jueves 28 de diciembre de 2017, a las 20h

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta su noveno número el jueves 28 de diciembre de 2017, dedicado, en esta ocasión, a una sugerente doble temática: ‘Muerte y Cabaret’. La presentación tendrá lugar en el Sporting Club Russafa de Valencia (calle Sevilla, 5), situado en el barrio de Ruzafa. El acto dará comienzo a las 20h y contará con la actuación del trío musical Salami Púrpura, quienes ofrecerán una singular aproximación a la heterodoxa noción de “micro-zazuela-contemporánea”.

Ouka Leele (imagen de cubierta), Aldo Alcota, Curro Canavese, Enfero Carulo, Ana Elena Pena o Julio Soler son solo algunos de los 30 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel que consta de 88 páginas y que, como resulta habitual en la idiosincrasia morfológica de Canibaal, ofrece un nuevo formato.

Canibaal. Makma

En ‘Muerte y Cabaret’ se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre conceptos  como vanguardia, cabaret, literatura y arte, abordando contenidos que tienen la muerte como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: Cabaret Voltaire, Olga Poliakoff, las Ramblas de Ocaña, Camilo y Nazario, el necroturismo literario, etc.

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como la sección de pensamiento, con reflexiones sobre el suicidio.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de 'Ocaña, retrato intermitente' (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de ‘Ocaña, retrato intermitente’ (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

 

 

 

Arquitecturas en la pintura española del siglo XXI

‘Arquitecturas pintadas’, de VV.AA.
Xanadu Gallery
Hoża 51, 00-681, Varsovia (Polonia)
Del 2 al 20 de diciembre de 2017
Inauguración: viernes 1 de diciembre de 2017

Tras ser presentada el pasado mes de octubre en el Meinblau Projektraum de Berlín, ‘Arquitecturas pintadas’ continúa su itinerancia centroeuropea desplazándose ahora a Polonia. En una antigua fábrica que tuvo un papel relevante en el Alzamiento de Varsovia de 1944 se ubica la sala de exposiciones Xanadu Gallery donde se inaugurará el próximo 1 de diciembre esta exposición colectiva de 17 artistas pertenecientes o afines a la Figuración Postconceptual española (término acuñado por Paco de la Torre, artista presente en la exposición).

“Arquitecturas pintadas”, comisariada por Juan Cuéllar y Roberto Mollá, mostrará el significativo papel que ha representado la imagen arquitectónica y geométrica en algunos de los pintores que han renovado el concepto de figuración desde los años 80 hasta la actualidad. Como fondo o como figura, como contexto o como elemento simbólico, la arquitectura ha vertebrado y articulado el espacio pictórico desde Giotto hasta nuestros días. Un espacio que no es realista ni abstracto sino más bien un lugar alternativo donde armar imágenes mentales, un escenario en el que, como dijo Magritte, “la inteligencia de la exactitud no impide el placer de la inexactitud”.

Imagen de la obra 'Estancia en la Bauhaus', de Paco de la Torre, presente en 'Arquitecturas pintadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la obra ‘Estancia en la Bauhaus’, de Paco de la Torre, presente en ‘Arquitecturas pintadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

Los pintores reunidos en esta exposición llevan en sus genes la lección de la piazza metafísica, construyen su poética y dibujan su perfil a través de la visión de sus ciudades, de viajes reales o imaginados y de la relación del individuo con su entorno urbano. Son pintores que se sienten próximos a las utopías vanguardistas del racionalismo de principios del siglo XX y que encuentran en la mesa de dibujo del arquitecto, en sus escalímetros y en sus isometrías el molde perfecto en el que acomodar sus imágenes. Pintores arquitectos que rastrean la ciudad, convierten el bulevar en su yacimiento arqueológico, allanan domicilios y, como un impulso irrefrenable, dibujan sus casas ideales.

La exposición en Xanadu Gallery,  organizada por la Secretaría de Estado de Cultura (MECD) y con la colaboración de la Embajada de España en Polonia, presentará obras de:

Ángel Mateo Charris / Marcelo Fuentes / Dis Berlin / Damián Flores / Carlos García Alix / Paco De la Torre / Teresa Tomás / Joël Mestre / Roberto Mollá / Jorge Tarazona / Fernando Martín Godoy / Elena Goñi / Juan Cuéllar / Guillermo Peñalver Fernández / Nelo Vinuesa / Gonzalo Elvira / Chema Peralta.

Imagen de la obra 'Planetario', de Carlos García-Alix, presente en 'Arquitecturas pintadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la obra ‘Planetario’, de Carlos García-Alix, presente en ‘Arquitecturas pintadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Carmen Calvo o la metafísica de lo cotidiano

‘Peces de colores en la azotea’, de Carmen Calvo
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, ático, Valencia
Inauguración: miércoles 29 de noviembre de 2017
Hasta el 28 de febrero de 2018

La galería Ana Serratosa inaugura el próximo miércoles 29 de noviembre su próxima exposición, protagonizada por la artista Carmen Calvo (Valencia, 1950).

Bajo el título ‘Peces de colores en la azotea’, la muestra reúne obra de nueva producción completamente inédita de la reconocida autora. Piezas creadas a partir de disciplinas que viajan desde la escultura, el grabado y la fotografía, hasta la video-proyección y el collage. Este último, intrínseco a la obra de la valenciana desde el inicio de su trayectoria como artista en 1969.

Comisariada por el Catedrático de Historia del Arte Rafael Gil Salinas, la exposición es un claro reflejo del particular universo personal de Carmen Calvo que, en palabras de Gil Salinas, se hace presente “tanto a partir del lenguaje que utiliza como de sus constantes fantasías, preocupaciones, sueños y desvelos”.

Imagen de la obra 'Golfos sombríos', de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de la obra ‘Golfos sombríos’, de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Entre los temas tratados, se encuentran metáforas hacia la educación, la familia, el sexo, la religión, el amor y la reminiscencia a la infancia. Temas que tratan de ser biografías de aquello que los elementos que componen las obras han vivido.

Por otro lado, entre los procesos artísticos empleados por la autora, destaca la búsqueda de la tridimensionalidad a través del uso de objetos “que no han sido diseñados con fines artísticos, sino que han sido redescubiertos por la artista […] trazando un diario de preocupaciones, alegrías, ilusiones, tristezas, sueños, pérdidas y encuentros”.

La obra de Carmen Calvo es una obra cargada de matices -y en el caso de esta exposición, de mucho color-, cuya complejidad radica “no tanto en hallar su correcto significado, como en dejarse seducir por el juego de sus imágenes”. Así pues, Calvo muestra las imágenes que inundan su presente para hallar respuesta a cuestiones pasadas, aspirando mostrar un arte que tiende a lo surreal.

Entre el vasto currículum de la artista destaca su presencia en la 47ª Bienal de Venecia (1997), junto a Joan Brossa; y distinciones como el Premio Nacional de las Artes Plásticas (2013) o la medalla de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Su obra figura en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM, la Fundación Bancaja o el MACBA, entre otras.

Imagen de la obra 'Soñando con vistas al invierno', de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de la obra ‘Soñando con vistas al invierno’, de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

 

‘La Grande Safae’: brumosa memoria de la identidad sexual

‘La Grande Safae’, de Randa Maroufi
Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains
Ficción/Documental
15’56”, 2014. Francia

Componer un mapa de predilecciones o devocionario de insondables fetichismos permite acudir a la estocástica búsqueda de documentos y registros, traslados, encuentros y sondeos inagotables entre fuentes dispersas que, amén de trazar un camino fértilmente desnortado, concluyen configurando una bienvenida calima de dilentantismo y una inopidada cartografía de hallazgos.

A estas caracterísitcas y nómina de requisitos responde el caso que nos ocupa: ‘La Grande Safae’, un inquietante cortometraje pseudodocumental rubricado por la artista y cineasta Randa Maroufi (Casablanca, 1987), quien, a la postre, se revela en una creadora con una excelsa deriva curricular, cuyos proyectos audiovisuales, fotográficos y performativos han alimentado el discurso programático de numerosos festivales internacionales, erigida en un referente del testimonio artístico franco-marroquí del último lustro, tanto por el orden conceptual de sus propuestas como por el desarrollo metodológico de los diversos cometidos en los que se ha embarcado desde la consumación de su diplomatura en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetúan, a comienzos de la presente década.

Trailer “The Great Safae” by Randa MAROUFI from Randa Maroufi on Vimeo.

Maroufi, miembro residente de la Casa de Velázquez con un proyecto que pretende radiografiar alguno de los sótanos de la idiosincrasia ceutí –como es el tráfico de bienes manufacturados introducidos a pie atravesando la frontera del norte de Marruecos–, ha recalado recientemente en Madrid fruto de su participación en la edición de Estampa 2017, a través del centro de creación artística e investigación que l’Académie de France atesora en la capital. Cabe mencionar que su penúltimo ejercico en la dirección, ‘Le park’ (2015) –retrato generacional de un heteróclito grupo de jóvenes que merodean un parque de atracciones abandonado en la ciudad de Casablanca– ha recibido más de una veintena de premios internacionales y forma parte de la colección de fotografía y vídeo del Centre National des Arts Plastiques (CNAP).

‘La Grande Safae’, rodada en el invierno tangerino de 2014, en tanto que una lírica y neblinosa aproximación al frágil territorio de la memoria familiar y personal, viene a erigirse en una ineludible y singularísima opera prima que justifica el presumible y dilatado urdimiento de un proyecto alimentado sin definición por la doméstica herencia cultural, polarizada en torno de la figura de Safae, travestido empleado del hogar de la familia de Randa Maroufi hasta comienzos de la década de los ochenta, cuya identidad sexual hubo transitado como una extemporánea incógnita por el templado microcosmos del lar y del vecindario.

Un instante del cortometraje 'La Grande Safae', de Randa Maroufi'. Fotografía cortesía de la productora.

Un instante del cortometraje ‘La Grande Safae’, de Randa Maroufi’. Fotografía cortesía de la productora.

Maroufi se sirve de tres actrices y un actor – entre los que destaca Ayoub Layoussifi, presente en la gala inaugural del festival internacional de mediometrajes de València La Cabina, fruto de su dirección en ‘Tikitat-a-soulima’– para encarnar el papel de La Grande Safae en diversas e inquietantes secuencias cuyos planos generales evocan simbólicamente la identidad del personaje nuclear, cuya relación con los distintos espacios registrados (salón del hogar, azotea, garita urbana, entrada de hamman y gabinete marital) permite cuestionar y sondear la conducta y condición de sus transformaciones, solidificando un ejercicio de introspectivo y enteco equilibrio entre “lo que somos y queremos ser”.

La alusiva crónica secuencial de ‘La Grande Safae’ porta consigo el relato testimonial en voice-over de diferentes familiares y vecinos, cuyas aserciones y versiones contradictorias acerca de la identidad sexual de Safae solidifican la justificación última de la película, encaminada a reflexionar, a modo de narración semiótica, en torno de la ambigüedad de los cuerpos en el espacio íntimo y público. Destacada praxis de la brumosa memoria biográfica para recomponer, mediante la calima de procesos ficticios, el discurso inductivo de Randa Maroufi, celebrado descubrimiento para quien suscribe.

Un instante del cortometraje 'La Grande Safae', de Randa Maroufi'. Fotografía cortesía de la productora.

Un instante del cortometraje ‘La Grande Safae’, de Randa Maroufi’. Fotografía cortesía de la productora.

Jose Ramón Alarcón

 

 

Frankenstein. Relación umbilical entre ciencia y literatura

‘Frankenstein o el moderno Prometeo. Diálogos entre ciencia y literatura’
Palau de Cerveró
Plaza Cisneros 4, València
Inauguración: miércoles 22 de noviembre de 2017 a las 19:00
Hasta el 23 de febrero de 2018

Coincidiendo con la celebración de los doscientos años de la publicación de la novela más famosa y conocida de Mary W. Shelley, el Palau de Cerveró de la Universitat de València acoge la exposición ‘Frankenstein o el moderno Prometeo. Diálogos entre ciencia y literatura’. La exposición, producida por el Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València y el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero, se inaugura el miércoles 22 de noviembre de 2017 a las 19 horas y podrá visitarse hasta el 23 de febrero de 2018.

De acuerdo con el profesor de la Universitat de València y comisario de la exposición, Pedro Ruiz Castell, la exposición “pretende mostrar la relación entre la ciencia y la literatura, que se consolidó sobre todo a lo largo del siglo XIX, momento en que se articularon una serie de discursos, en el marco del Romanticismo, que pretendían armonizar entendimiento e imaginación, al mismo tiempo que desafiar las normas de objetivación, incluso en la literatura especializada y entre la comunidad científica”.

Célebre ilustración de uno de los experimentos galvánicos implementados por el físico italiano Giovanni Aldini en los albores del siglo XIX. Imagen cortesía de los organizadores.

Célebre ilustración de uno de los experimentos galvánicos implementados por el físico italiano Giovanni Aldini en los albores del siglo XIX. Imagen cortesía de los organizadores.

El título de la exposición evoca a cómo la ciencia y la literatura, lejos de poder ser consideradas como culturas independientes, han mantenido un diálogo constante a lo largo de la historia. De hecho, la manera en que la literatura ha representado históricamente la actividad científica ha sido fundamental para seducir y preparar al público lector para asumir determinadas propuestas científicas y tecnológicas, al mismo tiempo que ha sido una herramienta privilegiada a través de la que facilitar una reflexión crítica sobre las implicaciones éticas y sociales de la ciencia. En este sentido, la obra de Mary W. Shelley se muestra como un sugerente estudio de caso a partir del que abordar todas estas cuestiones.

La exposición está estructurada en cuatro partes. En primer lugar, la introducción reflexiona acerca de la ciencia y la literatura en el Romanticismo europeo, y aborda la cuestión de la autoría de la obra, publicada en un primer momento en 1918 de forma anónima. La segunda parte está dedicada a los debates científicos que influyeron en la elaboración de la novela de Mary W. Shelley: desde la importancia de las expediciones científicas y la cuestión anatómica, hasta la consideración de la electricidad como fluido vital. En la tercera parte se puede encontrar un montaje expositivo que juega visualmente con el momento de la creación, tanto de la obra como de Victor Frankenstein. De hecho, los objetos aquí expuestos invitan a reflexionar alrededor de la última parte de la exposición, dedicada a explorar el impacto y las consecuencias de esta obra, tratando cuestiones relacionadas con la construcción de la identidad, la responsabilidad del científico y el desarrollo de áreas como la fisiología y la electromedicina.

‘Frankenstein o el moderno Prometeo. Diálogos entre ciencia y literatura’ muestra más de una treintena de piezas originales, incluyendo libros de autores, entre los que se encuentran obras de Alexander von Humboldt y aparatos de gran valor histórico, como una encantadora máquina de Wimhurst y un ingenioso aparato electromédico, algunos perturbadores instrumentos de cirugía y un imponente aparato de Rayos X de principios del siglo XX. La mayor parte de las piezas proceden de los fondos de la Universitat de València, con una presencia especialmente importante de obras procedentes de la Biblioteca Historicomédica Vicent Peset Llorca y de los instrumentos científicos de la colección cientificomédica que alberga el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero.

Frankenstein. Makma

Cartel de la película ‘Frankenstein. The man who made a monster’, dirigida por James Whale en 1931 y protagonizada por Boris Karloff y Colin Clive, entre otros. Imagen cortesía de los organizadores.

 

La Cabina inaugura su X edición en el Palau de la Música

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València
Palau de la Música
Sala José Iturbi
Gala de inauguración: martes 14 de noviembre a las 20h.
Del 16 al 25 de noviembre de 2017

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València, organizada por el Vicerectorat de Cultura i Igualtat de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció general de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana y la Direcció General de Política Lingüística i Gestió del Multilingüisme, y que cuenta con la colaboración del Ajuntament de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular, celebra hoy, martes 14 de noviembre a las 20 h. en la Sala José Iturbi del Palau de la Música, la Gala de Inauguración de su décima edición.

Al acto asistirán personalidades del mundo de la cultura como el Secretario Autonómico de Cultura, Albert Girona; Carmen Amoraga, Directora General de Cultura y Patrimonio de la Conselleria; Abel Guarinos, Director General de l’Insitut Valencià de Cultura; Ana Bonmatí, Directora de Gestión Cultural del Vicerectorat de Cultura i Igualtat de la Universitat de València; Glòria Tello, Regidora de Cultura de l’Ajuntament de València; José Luis Moreno, Director Adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC; José Luis Pérez Pont, Director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana; Sara Mansanet, Directora de La Cabina, y Ayoub Layoussifi, director del mediometraje inaugural.

La Cabina. Makma

La gala será conducida por la compañía Viviendo del cuento, formado por los actores José Luis Herranz y Víctor Aleixandre, que recogerá el espíritu joven que ha mantenido el festival a lo largo de sus diez años.

El mediometraje inaugural, y que dará el pistoletazo de salida a 10 días en los que València se inundará de los mejores mediometrajes internacionales, es ‘Tikitat-a-soulima’ (The Cinema Ticket, Ayoub Layoussifi, Marruecos/Francia, 2017). La película narra la historia de Hassan, un niño de 11 años que tiene que ingeniárselas para conseguir dinero e ir al cine a ver la última película que se está proyectando: ‘Spider-Man 3’. El director del film, Ayoub Layoussifi, asistirá al acto para presentar su film.

Hasta el día 25 de noviembre se podrán ver en la Sala Berlanga de la Filmoteca de València los 24 mediometrajes que componen la Sección Oficial, provenientes de 13 países diferentes (Cuba, Alemania, España, Francia, Brasil, Austria, Finlandia, Bélgica, Polonia, Holanda, Japón, Estados Unidos y Marruecos). El Centre Cultural La Nau albergará las secciones Amalgama e Inèdits y acogerá la ceremonia de clausura, mientras que el Centre del Carme será sede de la sección Visuals, que acogerá los conciertos en vivo de Salfvman y Navvier, Tardor y Tórtel los días 23 y 24 de noviembre, respectivamente.

Imagen de rodaje de 'Tikitat-a-soulima', de Ayoub Layoussifi, que se proyectará durante la inauguración de La Cabina. Fotografía cortesía del festival.

Imagen de rodaje de ‘Tikitat-a-soulima’, de Ayoub Layoussifi, que se proyectará durante la inauguración de La Cabina. Fotografía cortesía del festival.

Un “melodrama de madre” contemporáneo en el TEM

‘He nacido para verte sonreír’, de Santiago Loza, bajo la dirección de Pablo Messiez
Teatre El Musical
Plaza del Rosario 3, Valencia
Sábado 11 de noviembre de 2017 a las 20:30

El sábado 11 de noviembre a las 20.30h llega al Teatre El Musical ‘He nacido para verte sonreír’, una obra de teatro que indaga en el dolor de una madre que tiene que despedirse de su hijo, enfermo mental, al que van a internar en un centro psiquiátrico. El texto es obra de uno de los dramaturgos más representados en Argentina, Santiago Loza. Isabel Ordaz y Nacho Sánchez son los protagonistas de la historia, que dirige Pablo Messiez.

Una madre se despide de su hijo, mientras esperan al padre, que vendrá a buscarlos; enseguida partirán para un viaje largo, aunque, de alguna manera, el hijo ya se fue hace tiempo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental. La madre busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo, quien no solo no lo hace jamás, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo que para los demás humanos es inaccesible.

Isabel Ordaz y Nacho Sánchez durante un instante de 'He nacido para verte sonreír'. Fotografía cortesía de TEM.

Isabel Ordaz y Nacho Sánchez durante un instante de ‘He nacido para verte sonreír’. Fotografía cortesía de TEM.

Para el director Pablo Messiez, premio Max a la mejor dirección de escena, la pieza “es una perlita a la vez delicada y feroz. Un ‘melodrama de madre’ contemporáneo. Un gran bolero. Un encuentro con la necesidad de estar cerca, de entender qué hay antes o después de las palabras”. “Desde la primera vez que vi en escena un texto de Santiago Loza, quedé cautivado por el modo de señalar el misterio que habita en cada intimidad. Amor y horror conviven en sus obras, encarnados generalmente en mujeres. Mujeres que no pueden dejar de hablar para intentar comprender de qué se tratan sus vidas”, comenta el director.

Encima del escenario se podrá ver a Nacho Sánchez, premio al Mejor Actor Revelación de la Unión de Actores, y a la televisiva Isabel Ordaz. La escenografía de ‘He nacido para verte sonreír’ corre a cargo de  Elisa Sanz, ganadora de cinco premios Max. La obra se representará en una única sesión el sábado 11 de noviembre a las 20.30h en el Teatre El Musical.

Nacho Sánchez e Isabel Ordaz durante un instante de 'He nacido para verte sonreír'. Fotografía cortesía de TEM.

Nacho Sánchez e Isabel Ordaz durante un instante de ‘He nacido para verte sonreír’. Fotografía cortesía de TEM.

 

Tras los vestigios de la Revolución bolchevique

’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, de VV.AA.
Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC)
Sala de exposiciones
San Ferrán 12, Valencia
Hasta el 8 de noviembre de 2017

La sala de exposiciones del Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC), en colaboración con el Centro Ruso de Ciencia y Cultura de Madrid, acoge la exposición ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, comisariada por Emilio Gallego y la participación de los artistas Colectivo Democracia, Emilio Gallego, Carlos García-Alix, Núria Güel, Diana Larrea, Arturo Marián Llanos, Levi Orta, Natalia Pastor, Raquel Puerta y Rafael Tormo i Cuenca, que podrá visitarse hasta el miércoles 8 de noviembre de 2017.

Revolución de Octubre. Makma

Huérfano de oropeles y refrendos conmemorativos oficiales, el centenario de la Revolución bolchevique -epílogo otoñal de la conspicua Revolución Rusa, que portó consigo la disolución del regimen zarista de Nicolás II de Rusia y la constitución de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia, uniformada por el prócer bolchevique Vladímir llich Uliánov Lenin- transita de puntillas por el cronograma de fastos y efemérides que suelen alimentar las revisitaciones gubernamentales, muy especialmente en la gran hacienda eslava del Vladímir contemporáneo (Putin), quien, durante su perorata sobre el Estado de la Nación de hace un año, encorsetaba y circunscribía las solemnizaciones al gris y plúmbeo microcosmos académico, eludiendo, de este modo, adentrarse en las ciénagas de un determinante episodio que no sólo brindaría al siglo XX nuevas acepciones para la clase obrera y campesina, sino que extendería sus influjos, de igual modo, por el vasto feudo estético y conceptual del arte.

No obstante, como lúcidamente apunta el crítico de arte y periodista Jose Manuel Costa en el texto ‘De la revolución en las artes. Utopía y práctica’, que formará parte del catálogo de la presente exposción, “los artistas, que ya habían desarrollado sus rupturas formales antes de 1914, sentían que la revolución refrendaba en lo político y en lo económico sus propios planteamientos estéticos. De ahí a ligar todas esas revoluciones y a comprometerse con ellas no había más que un paso. Esta idea es importante en la subjetividad común de la cultura alternativa rusa: no es que estuvieran cogiendo un tren en marcha, ellos lo habían hecho antes”; Vasili Kandinsky, Kazimir Malévich, Olga Rozanova, Ivan Puni o Nathan Altman, verbigracia, erigidos en rúbricas ineludibles de las vanguardias rusas, como son la abstracción lírica, el suprematismo y el cubofuturismo.

Imagen de la obra 'Viva la U.R.S.S 1937', de Diana Larrea, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Imagen de la obra ‘Viva la U.R.S.S 1937′, de Diana Larrea, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Atendiendo a estos relevantes sótanos de la razón artística y al sobrevenido poso ulterior del histórico y tabernario mapa floral de la geopolítica, el comisario de la exposición, Emilio Gallego, concita, en ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, a una decena de artistas (incluido el propio Gallego) cuyos respectivos proyectos permiten componer una cartografía contemporánea no sólo de los (aún) arcillosos vestigios, que reportan al espectador un poético testimonio de pretensiones radiográficas, en sumarísimo y reinterpretativo parentesco con el legado iconográfico de la Revolución bolchevique – ‘Siguel el rastro’ y ‘Frutos de la historia’, de Emilio Gallego; ‘Madridgrado’, de Carlos García-Alix; ‘Viva la U.R.S.S 1937′, de Diana Larrea; ‘Pensamiento Único’ y ‘Consecuentes’, de Raquel Puerta Varó-, sino de concisos testimonios coetáneos de la perviviente confrontación discursiva entre el artista/proletario y el endriago capitalista que sojuzga el relato de la sustantividad -’IP7 Implosiò Impugnada 9′ e ‘IP9 Implosiò Impugnada 7′, de Rafael Tormo i Cuenca; ‘Prodezodezhda’, ‘Patrones para una revolución’ y ‘Enlaces y desenlaces’, de Natalia Pastor; ‘Reflexión sobre un souvenir’, de Levi Orta; ‘Régimen de agua’, de Arturo Marián Llanos; ‘Te odio mi amor’, de Núria Güel i Levi Orta; la instalación ‘СМЕРТЬ БУРЖЯМЬ. Muerte a los que viven en el lujo’ y ‘Es más fácil’, así como ‘No lloréis mi muerte. Proseguid la lucha. Adelante siempre. Por encima’ y ‘Order. Act III’, del Colectivo Democracia-.

Tal y como considera Jose Manuel Costa, “Los artistas presentes en esta exposición llevan trabajando en esa interfaz desde hace tiempo, cada uno de ellos desde premisas muy diferentes. Son una muestra de las decenas que existen con la conciencia de que, incluso en el capitalismo rampante, es posible trabajar pensando en el mundo que les rodea, escuchando sus necesidades y trabajando para su solución. Que no por parcial e insuficiente, tampoco debería desviarse del objetivo final”.

 Imagen de la obra 'Siguel el rastro', de Emilio Gallego, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Siguel el rastro’, de Emilio Gallego, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

MARTES 7 DE NOVIEMBRE DE 2017. ACTO DE CLAUSURA

Con motivo del centenario del asalto al Palacio de Invierno de San Petersburgo por parte de los guardias revolucionarios -bajo las órdenes de León Trotsky-, que depuso al gobierno provisional de Alexander Kerensky, el 25 de octubre de 1917 (en base al antiguo calendario juliano, vigente hasta encontes) y en el marco de ’100 años de la Revolución de Octubre. Visiones desde el arte actual’, el próximo martes 7 de noviembre, a partir de las 19h, el Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) acoge el acto de clausura, en el que se proyectará el video-arte del Colectivo Democracia ‘Order. Act III. Dinner at the Dorchester’ (17 min.), rodado en el elitista Hotel Dorchester de Londres, en las navidades de 2016, en el trascurso de una cena real de la alta burguesía, donde se produce una sorprendente acción.

A continuación, el documental ‘El honor de las injurias’, dirigido por Carlos García-Alix en 2008, en el que el artista narra su investigación sobre la vida de un viejo pistolero anarquista, Felipe Sandoval, quien, durante la Guerra Civil Española, en su sueño por alcanzar la revolución social, se convertirá en atracador primero y asesino despiadado después.

Imagen de la obra 'Madridgrado', de Carlos García-Alix, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Imagen de la obra ‘Madridgrado’, de Carlos García-Alix, presente en la exposición. Fotografía cortesía del comisario, Emilio Gallego.

Jose Ramón Alarcón

 

Cita con el festival de libro Sindokma en La Nau

SINDOKMA. FESTIVAL DEL LIBRO
Centre Cultural La Nau
Carrer de la Universitat 2/Plaça del Patriarca, Valencia
Del viernes 27 al domingo 29 de octubre de 2017

El festival del libro acoge del 27 al 29 de octubre en La Nau a medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista.

El festival del libro Sindokma, que tendrá lugar del 27 al 29 de octubre en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València y contará con medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista, se abre a Iberoamérica. Será una de las novedades de la tercera edición (segunda bajo esta denominación, tras la génesis de Russafa Book Weekend en 2014), que busca de esta forma consolidarse como encuentro de referencia para el sector del libro.

Sindokma se abre a Iberoamérica

Sindokma reafirma su presencia anual emplazándose por primera vez en el Centre Cultural La Nau, histórica sede de la Universitat de València desde su fundación a finales del siglo XV, erigiéndose en un enclave arquitectónico y urbanístico estratégico que permitirá solidificar la apuesta del festival a la hora de visibilizar a sus expositores y asegurar la presencia de público heterogéneo allegado desde múltiples áreas de la ciudad, de la provincia y de España, tendiendo puentes con Iberoamérica en esta tercera edición.

En este sentido, Sindokma inicia un ciclo de presentación en abierto para reivindicarse como puerta de entrada de la edición contemporánea de Iberoamérica en Europa, y como puerta de salida de Europa a Iberoamérica. El primer contacto en la presente edición 2017 se establecerá con México y concretamente con Ireri Topete, Hortensia Mínguez, Ioulia Akhmadeeva y Alejandro Villalbazo, con los que Antonio Damián, Antonio Alcaraz, Jim Lorena, Agnieszka Marcelak, Alejandro León y Evangelio, realizarán comunicación virtual para abordar la actualidad del sector editorial, y mostrar fórmulas de colaboración a distancia, tomando como modelo el proyecto ‘Publicaciones ensambladas’, a la vez que se transmitirá la realidad del festival online vía streaming a diversos países de Iberoamérica.

SINDOKMA. ORGANIGRAMA

ACTIVIDADES EN EL AULA MAGNA Y CLAUSTRO DE LA NAU

Sindokma, festival coorganizado por Makma, la Generalitat Valenciana, a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, y el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, cuenta con una programación que se repartirá entre el Aula Magna y el Claustro de La Nau, y en la que destacan la presencia de Javier Valenzuela, que presentará su último libro, ‘Limones Negros’;  Paz Fernández, directora de la Biblioteca de la Fundación Juan March, que pondrá el acento en el tema digital, con la conferencia que lleva por título ‘El acceso digital a los catálogos de arte de la Fundación Juan March’; Malile Crespo, Angel Cajal y Raquel de Prada, coorganizadores de la Feria del libro MASQUELIBROS; y otra vez Angel Cajal, que también presentará su libro de artista Pre-posiciones; Juanjo Mestre, que presentará su libro ’2020 discos cardinales’,  o Verónica Alarcón, Enrique Ferré y Andrea Familiar, que hablarán de ‘Los lindes del libro de artista’.

 TALLERES DE ‘LA PLAZA SE MUEVE’ Y SALA GONZALO MONTIEL

El festival del libro ofrecerá igualmente talleres infantiles gratuitos para el público en familia, que se llevarán a cabo en la Plaza del Patriarca en el marco del proyecto La Plaza se Mueve del restaurante Mar de Avellanas; ‘Joan Fuster i les máquines d’escriure’, elaborado por la casa Museu Joan Fuster, y ‘Huellas Frescas’ del colectivo L’Horta Gràfica de la mano de Andrea Familiar.

Igualmente, en la Sala Gonzalo Montiel se desarrollarán diversos talleres infantiles continuos enfocados en la elaboración de un libro de artista, titulados ‘Una historia: papel-libro de artista’ y realizados por Pinta Valencia.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

 EXPOSICIÓN EN SALA OBERTA

La Sala Oberta del Centre Cultural La Nau acogerá la exposición ‘Tipografía y Dadá Libros’, que representa una formulación de contenidos del libro como espacio de creación y cuyo título lo dice todo. Muestra comisariada por Antonio Alcaraz y Antonio Damián en homenaje al artista y tipógrafo Emilio Sdun.

Sindokma acogerá decenas de actividades paralelas, entre charlas, conferencia y talleres, erigiéndose así en un punto de encuentro entre los diferentes agentes del mundo de la edición especial, como tipógrafos, diseñadores, encuadernadores, grabadores, curadores, autores, editores y, por supuesto, ciudadanos, compradores y consumidores de libros.

Atendiendo a los índices de consumo cultural que se desprende de los últimos informes emitidos por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, como son el ‘Anuario de estadísticas culturales 2016′ y la ‘Encuesta de hábitos y prácticas culturales en España 2014-2015′, se antoja decisivo la consolidación de un cauce de colaboración entre iniciativas ciudadanas e instituciones públicas, en pro de la materialización de un corpus cultural que disemine y acerque sus contenidos al ámbito y radio de acción cotidianos de los individuos y diferentes colectivos que componen el mapa social de cada región de nuestro país.

El festival del libro Sindokma cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de València, Gandía Blasco y Cervezas Alhambra, así como con la colaboración de ECOMUNICAM, El Caballero de la Blanca Luna, Pinta Valencia, Universitat Politécnica de Valencia, Col.legi Major Rector Peset, ESAT, IVAM, Museu Joan Fuster, Tapinearte y Masquelibros.

Sindokma