James Isherwood: «Trabajo con imágenes basadas en la intuición para mirar a lo desconocido»

#MAKMAArte
‘Future Memory’, de James Isherwood
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19 (ático), València

En algunas ocasiones, hay exposiciones y piezas que se mantienen en la retina y permanecen inalterables en la memoria visual de los espectadores. Este es el caso del artista de Massachusetts, afincado en New York, James Isherwood (1971), que, a pesar de haber concluido recientemente la muestra ‘Future Memory’ en la Galería Ana Serratosa de Valencia, continúa habitando el espacio con esos “paisajes surrealistas e inquietantes donde la vegetación, las montañas, las estrellas y la luna nunca faltan. James Isherwood seguirá teniendo obra en la galería aunque su exposición en Valencia acabe”, afirmaba la propia galerista.

Serratosa descubrió a Isherwood gracias a “una buena amiga y marchante de New York, quien me propuso conocer varios artistas y, entre ellos, mi selección fue James. He de decir que es un momento mágico cuando descubres y verificas que ese artista y su obra es aquello que vas buscando”.

Una obra determianda, a priori, por algo tan prosáico como la lectura de ‘Farmer Almanac’, cuyo homónimo español pudiera asemejarse al ‘Calendario Zaragozano’ y que tan importante sigue siendo para los granjeros y campesinos por las predicciones meteorológicas que refleja, por la relación de las fases lunares (y los distintos nombres que apostillan ese astro que ilumina la noche cuando aparece), además de otros aspectos determinantes para las cosechas y la naturaleza.

Un trabajo artístico que conjuga un metalenguaje muy personal y simbólico, donde el arbitrio y la utilización del color, la arquitectura, el paisaje y los elementos naturales pudieran evocar un surreal mundo de sueños y memoria, que el artista se sirve de plasmar en sus piezas donde nada es lo que parece.

Desde MAKMA preguntamos a James Isherwood acerca de la propuesta expositiva con la que se presentaba por primera vez en Valencia.

¿Cuáles son los pilares de tu trabajo?

Los pilares de la obra son el tiempo, la memoria, el estado onírico, la naturaleza, el paisaje, la arquitectura, la percepción, la contradicción, el color y la textura. Las combinaciones de estos elementos dan como resultado consecuencias adicionales que amplían la imaginación y las posibilidades de la pintura.

La luna es un elemento recurrente en tu pintura de forma definitoria y estructurante. ¿Qué pretendes transmitir con su empleo cuando se contempla tu obra?

La luna funciona como ancla y faro. Marcando cambios de gradiente de tiempo, posee una naturaleza esperanzadora y misteriosa que es más grande que nuestras concepciones. Su presencia es a menudo clara y contradictoria, lo que permite múltiples interpretaciones sobre qué verdad visual está ausente o presente para el espectador al examinar de cerca la pintura.

Utilizas el color como lenguaje expositivo, combinando colores fríos y cálidos y provocando texturas.

El color se usa intuitivamente en el trabajo para crear un sentido de lugar, estado de ánimo, silencio, misterio, fantasía y realidades imposibles. Disfruto la sutileza de los colores y los extremos amplios que llegan y juegan dentro de cada cuadro. A veces es una danza enredada entre lo fluido y lo opaco junto con contrastes antinaturales, como se ve en las obras ‘Magnetic Midnight’ y ‘Waking Dream’.

Estas yuxtaposiciones dan como resultado diferentes energías que vigorizan o ralentizan una pintura. Al crear un ciclo visual a través de una obra, el color se casa con la composición para alcanzar un equilibrio que puede cambiar nuestras percepciones de formas inesperadas.

Conjugas las formas arquitectónicas exaltando la geometría en el paisaje, donde la línea curva y la línea recta tienen un papel fundamental. ¿Cuál es tu intención y por qué esta combinación de ambas?

La línea y la geometría juegan un papel integral en la definición del paisaje y la arquitectura. Las variadas combinaciones de líneas establecen la perspectiva y el flujo visual que pueden implicar un movimiento atmosférico, como en las montañas de ‘New Understanding’. Las líneas horizontales delgadas a menudo sirven como una mezcla de gradientes que se ve en las cadenas montañosas de ‘Eastern Promise’; otras establecen el estado de ánimo en un presagio de ‘Gathering Sky’.

Del mismo modo, las líneas crean una puesta de sol inversa antinatural en el primer plano de ‘Monte Fuji Dreaming’. Las combinaciones aportan frescura y evolución a la obra. La línea curva a menudo define los cuerpos celestes idealizados de la luna y el sol creando un contrapunto con el horizonte. Además, las curvas estiran las sombras, el paisaje y el agua para alterar las nociones de realidad y perspectiva.

En tu obra se vislumbran transparencias y reflejos en dos dimensiones, como si estuviéramos viviendo en un sueño. ¿Hacia dónde quieres dirigir al espectador y qué intención se vislumbra detrás de este juego?

La obra ofrece numerosas posibilidades que contradicen el tiempo, el espacio y las percepciones de múltiples realidades. El pintor ofrece la obra al espectador. Las conexiones entre la obra y el espectador pueden establecerse o no basarse en la asociación. Los detalles por parte del pintor se manifiestan en la obra terminada. Desbloquear lo que está presente en la pintura se deja a las asociaciones en la mente del observador.

Hay una ausencia evidente de figuras humanas en tus paisajes. ¿A qué se debe?

Los protagonistas arquitectónicos de las pinturas son la personificación de la presencia del hombre sin la representación de humanos dentro de las obras. La ausencia de humanidad habla de la necesidad de lo contrario de una vida contemporánea acelerada. Tomarse el tiempo para reducir la velocidad y examinar los hermosos detalles de la vida. La figura humana es omnipresente en nuestras vidas. Por el contrario, me atraen los edificios que los humanos construyen para aprender más sobre ellos de manera poco convencional. Las estructuras contemporáneas y modernistas son huellas físicas de la mano humana que hacen un guiño respetuoso a los arquitectos del siglo XX.

¿Cuáles son las principales pautas metodológicas que perfilan tu proceso de creación?

Trabajo con imágenes basadas en la intuición. A partir de mi propia fotografía y plataformas digitales disponibles, las elecciones realizadas en el estudio pueden hacer referencia a la historia del arte, las culturas del mundo y los sistemas de creencias, la experiencia de vida junto con las observaciones y la contemplación diarias.

¿De qué modo has concebido la propuesta que exhibiste en la Galería Ana Serratosa?

El título de la exposición, ‘Memoria futura‘, resume una memoria anticipada que aún no se ha realizado. Ofrece al espectador tanto una tabula rasa como la promesa de mirar hacia lo desconocido. ‘Future Memory’ actúa como una esperanzadora alternativa a los eventos de los últimos años que han estirado y contraído nuestras ideas de tiempo, espacio y recuerdos personales.

La exposición ‘Memoria futura’ fue concebida en conjunto con Ana Serratosa y la consultora de arte independiente Susie Guzmán.