The Soul Jacket, de gira con su tercer álbum

The Soul Jacket
Miércoles 5 de abril del 2017
Sala 16 Toneladas
C/Ricardo Micó nº 3 de Valencia
Entrada: 6 € taquilla o gratuita presentando en taquilla la entrada del concierto de Los Deltonos.

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Los gallegos The Soul Jacket continúan infatigables desde que el pasado 17 de marzo comenzara la gira de presentación de su tercer álbum.

“Wood mama” en el 2012 y “Black cotton limited” en el 2014 pusieron los cimientos de este nuevo trabajo donde se consolidan definitivamente en el mundillo musical dentro de un estilo que bebe directamente de las raíces americanas.

Portada 'Untitled-volume-III', tercer álbum de The Soul Jacket

Portada ‘Untitled-volume-III’, tercer álbum de The Soul Jacket

El folk-rock, el country, el blues, el rock sureño, la psicodelia, son estilos que están muy presentes a lo largo de un “Untitled – Volume III” que ha contado con la producción de Hendrik Röver de los Deltonos.

THE SOUL JACKET

Entre sus nuevas canciones hay sensaciones campestres, taberneras, con claras influencias de The Band y con arrebatos guitarreros que nos pueden recordar a Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin, Jimi Hendrix o Neil Young.

A destacar temazos como “Behind the hill”, “Mare in the night”, “Arrows” o “Big chief” dentro de un album que por encima de todo se caracteriza por el equilibrio y la homogeneidad.

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Esta gira les ha llevado por Vigo, Londres, Ponferrada, León, Barcelona, Orihuela. Cualquiera de las citas restantes confirmadas como Valencia, Zaragoza, Estepona, Algeciras, Aldeamayor, Madrid, Lugo, A Coruña, Santiago de Compostela, Ferrol u Orense son buenas oportunidades para comprobar el nivel que cosecha esta recomendable banda de Vigo.

Juanjo Mestre

Nada de gluten y mucha música

Sweet Violas en la III edición Cultura Sin Gluten
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
C / Quevedo, 10. Valencia
Martes 21 de junio, 2016, a las 19.30h

En el marco de la III edición de Cultura Sin Gluten y coincidiendo con el Día Internacional de la Música, se celebra en el valenciano museo MuVIM un concierto innovador de la mano de Sweet Violas, grupo conformado por los y las violas de la Orquesta de Valencia.

Para todos es evidente que Bach, Mozart y Beethoven eran virtuosos del teclado, pero solo unos pocos saben que también fueron buenos violas. Desconocida e imprescindible, nacida en el XVI, la viola es el único instrumento de la familia de la cuerda que no cesa de evolucionar día tras día en forma, tamaño y sonido. Es por eso que, Sweet Violas, te propone un concierto para conocer mejor este instrumento. Interpretarán piezas de diferentes épocas y estilos con el objetivo de promocionar un tipo de música con la que no solemos toparnos. Una oportunidad única en Valencia que desde luego ningún melómano puede perderse.

El proyecto Cultura Sin Gluten, organizador principal del evento, es una asociación con un doble objetivo: por una parte, darle visibilidad a la enfermedad digestiva de la celiaquía que a más personas afecta en el territorio estatal; y por otra, acercar a un segmento de la población a la cultura y sus diferentes expresiones artísticas. La primera edición se tituló ‘La semana del celíaco’ se llevó a cabo en 2015, también el MuVIM y tuvieron lugar charlas, conferencias, talleres, visitas y, por supuesto, conciertos. La II edición tuvo lugar en Santiago de Compostela también con concierto y degustación de cervezas sin gluten. El concierto, con entrada gratuita, contará con el patrocinio de Apcel, y la colaboración de ACECOVA.

Según sus organizadores, “también queremos, junto con las asociaciones de celíacos del territorio español, realizar una llamada de atención a la clase política para que podamos contar con una ayuda a la hora de realizar la compra y la rebaja del 21% en el IVA (impuesto valor añadido) de los productos sin gluten. Una estadística del 2015 dice que únicamente en la lista de la compra, alguien que sufre la celiaquía en el estado español gasta 1.500€ más al año.”

Más información en: culturasingluten.com

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

Mike Farris y su gospel sureño evangelizador

Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue
Gira España (Pamplona, Santiago de Compostela, Gijón, Valencia, Molina del Segura, Barcelona, Madrid, Bilbao)
Cita Sala 16 Toneladas
c/ Ricardo Micó nº 3 de Valencia
Martes 7 de junio del 2016 a partir de las 22:00 horas
Precio: 22€ anticipada(www.movingtickets.com, Harmony, Amsterdam); 25€ taquilla

Mike Farris - Gira

El próximo viernes 3 de junio comenzará la gira de Mike Farris por España que le llevará por ocho ciudades, ocho lugares privilegiados tales como Pamplona (Sala Zentral), Santiago de Compostela (Sala Capitol), Gijón (Sala Acapulco), Valencia (Sala 16 Toneladas), Molina del Segura –Murcia- (Teatro Villa de Molina), Barcelona (Sala Bikini), Madrid (Teatro Barceló) y Bilbao (Kafe Antzokia).

Mike Farris - Gira - 2016

Estamos ante una estupendísima oportunidad de ver a un portento vocalista que practica actualmente un impactante ritual de soul, blues, rock sureño y góspel. Acompañado de los siete músicos que actualmente forman The Roseland Rhythm Revue repasará toda su carrera musical junto a versiones clásicas del género.

Recordamos su trayectoria discográfica. Durante la década de los noventa lideró The Screamin’ Cheetah Wheelies, una banda esencial a pesar de que no llegaron a gozar de una merecida popularidad. Dejaron para los anales de la historia una trilogía de traca compuesta por “The Screamin’ Cheetah Wheelies” en 1994, “Magnolia” en 1996 y “Big Wheel” en 1998.

The Screamin' Cheetah Wheelies

(1994) The Screamin’ Cheetah Wheelies

Magnolia

(1996) Magnolia

Big Wheel

(1998) Big Wheel

En solitario cuenta con otra trilogía formada por “Goodnight sun” en el 2002, “Salvation lights” en el 2007 y “Shine for all the people” en el 2015, con los que ha conseguido diversos premios, especialmente relacionados con el góspel.

Goodnight Sun

(2002) Goodnight Sun

Salvation in Lights

(2007) Salvation in Lights

Shine for All the People

(2014) Shine for All the People

Lo dicho, recomendamos encarecidamente a Mike Farris junto a su banda The Roseland Rhythm Revue. Seguro que los amantes del soul, del blues y de la música de New Orleans o, en su caso,  cualquier aficionado a la música de alta calidad está frotándose las manos ante la posibilidad de ver a esta bestia en directo.

JJ Mestre

Alguna parte de España

Alguna parte de España

Cuando uno recorre una larga distancia por autovía puede llegar a notar que está circulando por un “no lugar”, ese concepto de Marc Augé referido a un espacio de tráfico que no contribuye prácticamente en nada a generar identidad de ningún tipo, porque el asfalto absorbe al individuo y lo arrastra hacia el anonimato. Según Otto F. Bollnow el espacio de la carretera es un “espacio excéntrico” que carece de puntos centrales y atrae al hombre a la lejanía infinita en su condición de peregrino en tránsito. “El asfalto no tiene historia, ni siquiera la de los accidentes que lo han marcado. Los coches pasan por él sin dejar memoria, rompiendo el paisaje como un cuchillo, en la indiferencia total por el lugar o por su historia” afirma tajante Le Breton, algo distante de la opinión de Alain Roger, que considera la autopista como un paisaje en sí misma; o de la de Antonio Bonet Correa, para quien las carreteras “son como una alfombra sin fin, un pasillo al expedito y al aire libre… El sueño de la realidad y el viaje feliz”.

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He cruzado en coche en más de una ocasión la península, del Mar Mediterráneo al Oceáno Atlántico, con la sensación de haber ido de un lugar a otro, pero no con la sensación de haber atravesado España. Cualquier lugar interesante se encuentra al margen de la autovía, tal y como indica la señalética de tipo marrón con sus tres únicos pictogramas que sintetizan de la mejor manera que pueden todo aquel conjunto monumental, entorno natural o destino de sol y playa que podamos encontrar próximo a la carretera. Esto lleva siendo así desde 1998, año en que el Gobierno de España decidió estandarizar el modo de indicar los lugares de interés turístico próximos al recorrido, implantando para ello el denominado Sistema de Señalización Turística Homologada (SISTHO). El gran reto de este sistema visual era el de condensar la diversidad y complejidad de España en tan sólo tres imágenes. Sabemos de la enorme capacidad lingüística de las postales y los souvenirs que reúnen en un símbolo las particularidades de una ciudad o un país entero; pero en el caso del SISTHO se trataba justamente de lo contario: conseguir diseñar tres pictogramas lo suficientemente neutrales para poder representar a todas las Ciudades Patrimonio de la Humanidad, Bienes catalogados como Patrimonio Mundial, enclaves de interés cultural, como catedrales, castillos, cascos históricos u otros monumentos; Reservas de la Biosfera, Parques Naturales y otros destinos naturales de interés, además de la oferta de sol y playa de España. Nada debía destacar sobre nada; y desde luego que la tarea no parecía nada sencilla. Dieciséis años después, a finales de 2014, se publica un nuevo manual SISTHO que admite la posibilidad de emplear otros pictogramas diferentes a los genéricos para describir las particularidades de cada parte de España aunque, eso sí, limitando a 22 el número de colores permitidos. En la pintura Algunha parte de España (2015) se adjudica al texto la paleta de colores que figura en el manual publicado en 2014, letra por letra y en el mismo orden, sobre el fondo blanco del cuadro. De este modo, la frase sobre lienzo pretende ser un rótulo pictórico que resume, de modo irónico y polícromo, la multiplicidad de España y su pobre visión desde la carretera.

Manual SISTHO definitivo

El narrador y poeta norteamericano William Faulkner defendía que un paisaje sólo se puede conquistar con las suelas del zapato, nunca con las ruedas del automóvil. En la construcción de carreteras, como en el jardín, el hombre demuestra ser el dominador de la Naturaleza. Si primero ha sido el constructor de la casa, ahora lo es de la ruta, al contrario de los animales quienes no construyen sus sendas de acuerdo a un método ni haciendo uso de la técnica. Las redes de carreteras se constituyen como tejidos independientes que someten al paisaje a unos puntos de vista determinados. En una carretera sólo existe la dirección hacia adelante, puesto que si avanzamos hacia atrás se entiende que volvemos, y esto anularía el sentido del camino; la carretera empuja hacia una meta porque el individuo tiene prisa. Miguel Aguiló se pregunta si el disfrute producido con la velocidad tiene algo que ver con el recorrido, ya que quienes disfrutan yendo deprisa parecen desentenderse del entorno. Afirma que tanto la velocidad como el diseño del trazado de las carreteras pueden contribuir a un eventual empobrecimiento del disfrute del paisaje, y colaborar en gran manera al aburrimiento. El ingeniero y también pintor Ángel del Campo realizó una investigación sobre los principios geométricos que regulan la visión desde el coche, para mejorar así el diseño de las carreteras que en la década de 1960 estaban siendo adecuadas a los nuevos tipos de vehículos. Denominó a su teoría “Campo de Visión Descansada”, definido como una superficie rectangular cuyas dimensiones guardan la proporción aúrea y cuya aplicación facilitaría un mayor disfrute de los paisajes recorridos.

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En un texto titulado El Camino (No Camino) incluido en el catálogo de la exposición There is No Road (The Road is made by Walking) realizada en 2009 en LABoral de Gijón, Sean Cubitt reduce la definición de camino al acto de caminar, ya que no hay más camino que el que se hace al andar, y cuando atravesamos el paisaje en un coche, ese coche es punto de partida y de destino de sí mismo. “Un coche no es un camino, ni siquiera va por un camino. Está atrapado en su propia y eterna repetición”, sentencia Cubitt. El coche va ligado a la carretera, y sólo imita pálidamente al andar que hace camino. John Brinckerhoff Jackson escoge otros derroteros, que ya se pueden intuir en el título de su libro Las carreteras forman parte del paisaje. Se trata de un breve ensayo donde se emplea el término “odología” (siendo hodos, en griego, camino o viaje) referido a la ciencia del camino para repasar históricamente el significado de carreteras y senderos. La carretera fue la que primero nos reunió en un grupo o en una sociedad, a la vez que ha sido desatendida durante mucho tiempo por historiadores y teóricos del paisaje al ser un espacio feo o anodino. Esto cambió con la odología, que forma parte de la geografía, y se basa en el estudio de los recorridos – sean calles, carreteras, autopistas o senderos – pero también de la reacción ante el movimiento a lo largo de un camino señalado. En este sentido, no hay que olvidar esas formas de andar que pueden ser analizadas desde un punto de vista estético, tales como desfiles o procesiones. Desde el punto de vista europeo, en el siglo XVII se produjo un cambio sustancial en la significación de las carreteras, muchas veces originadas tras el ensanchamiento de caminos primitivos para posibilitar la circulación de carros y carruajes. En este contexto, los que se desplazaban a pie pasaron a ser considerados personas de clase baja, asociando lo “pedestre” con sinónimos de tipo negativo tales como llano, vulgar, bajo o inculto, que todavía hoy siguen vigentes en el diccionario de la Real Academia Española de la Lengua.

Reedición del artículo publicado originalmente en
Interartive, a platform for contemporany art and thought
Foto de portada: Nacho López Ortiz
“Algunha parte de España” [Alguna parte de España] (Pintura acrílica sobre lenzo 89 x 116 cm)
en el Noveno Premio Auditorio de Galicia para Novos Artistas.
Santiago de Compostela.
Hasta el 22 de septiembre de 2016

www.ismaelteira.com

Bibliografía
AGUILÓ, Miguel (2007). «El paisaje trivial de la velocidad». En: LÓPEZ SILVESTRE, Federico (Ed.) (2007). Paseantes, viaxeiros, paisaxes. Santiago de Compostela: Centro Galego de Arte Contemporánea, pp. 242-249.
BOLLNOW, Otto Friedrich (1969). Hombre y espacio. Barcelona: Editorial Labor.
BONET CORREA, Antonio (1994). «Naturaleza, ingeniería y vías de comunicación». En: VVAA. Ingeniería y Naturaleza. Una carretera en Asturias. Madrid: Editorial El Viso y Ferrovial, p. 20.
BRINCKERHOFF JACKSON, John (2011). Las carreteras forman parte del paisaje. Barcelona: Gustavo Gili.
CAMPO Y FRANCÉS, Ángel del (1963). Recomendaciones relativas a la estética de la carretera y su ambientación en el paisaje. Madrid: Ministerio de Obras Públicas.
LE BRETON, David (2011). Elogio del caminar. Madrid: Siruela.
ROGER, Alain (2007). Breve tratado del paisaje. Madrid: Editorial Biblioteca Nueva.

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Aquí hay dragones. Joan Morera

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Joan Morera Arbones
Comisaria: María Marco Covelo
Zona “C”, Santiago de Compostela
Hasta el 22 de mayo 2016

AQUÍ HAY DRAGONES / HIC SUNT DRACONES
Sobre la obra de Joan Morera

“Aquí hay dragones” es una expresión que utilizaban los cartógrafos del siglo XVI —aparece por primera vez en el Globo de Hunt-Lenox (1503-07)— para referirse a aquellas terras ignotas, lugares desconocidos que el hombre no había conquistado todavía. Los planisferios combinaban el rigor de las ciencias cartográficas con dibujos de serpientes marinas gigantescas que complacían los miedos de una civilización que resolvía a golpe de mito lo que aún no había resuelto mediante el logos. En ese momento el paisaje no existía. La construcción cultural de la postal paisajística llega de la mano de los artistas, a partir del XVII, cuando los pintores viajeros registraban sus topografías en aras de un imperialismo cultural. El primero fue Hans Post (Haarlem, Países Bajos,1612 – Haarlem, Países Bajos,1680) quien le dio a Pernambuco (Brasil) su primera representación pictórica. Paulatinamente el interés por documentar lo conquistado creó un nuevo género artístico y de lo pictórico se pasó a lo fotográfico, una técnica definitivamente más ágil que los largos tiempos de secado que el óleo necesitaba. La fotografía de viajes se convierte en la gran aliada de etnógrafos y arqueólogos expandiendo el concepto de paisaje no sólo al entorno natural, sino a todo lo que suceda vinculado al habitat y a los habitos del ser humano.

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El trabajo fotográfico y artístico de Joan Morera (Vigo, 1984) bebe desde sus inicios de la curiosidad de ese etnógrafo decimonónico. Su interés por el paisaje se aleja de la mera aproximación estética y contemplativa para abordar cuestiones de relevancia política y social, como en la serie que presenta en esta exposición colectiva de la Galería adhoc titulado Toldscapes (del inglés “Told” v. to tell: narrar, contar y Scape: paisaje, vista; “Paisajes narrados”), una serie fotográfica que surge a partir de lugares de represión, concretamente de los “paseos”, fusilamientos producidos durante la Guerra Civil española en el sur de Galicia. A través de conversaciones con vecinos de la zona Morera rastrea el lugar exacto donde todo aquello ocurrió e intenta plasmar la transformación de dicho paisaje casi ochenta años después. Otra aproximación al paisaje, en este caso desde el dibujo, sucede en su proyecto Visions da paisaxe I, II y III (Lei 10/1995, do 23 de novembro, de ordenación do territorio de Galicia). El mismo texto legislativo publicado en el DOGA, el Diario Oficial de Galicia, es transcrito manualmente, calcado con precisión quirúrgica y convertido en paisaje abstracto. El trazo del grafito se convierte estrato y horizonte, constructor y constructo, teoría y práxis enmarcadas en una misma pieza.

De las convergencias emocionales vinculadas a los espacios trata su último proyecto: More(i)ras. Realizando durante una estancia de investigación predoctoral en Argentina, Morera establece varios paralelismos entre su álbum fotografico familiar y el rodaje de la pelicula La Misión (localizada en las cataratas del Iguazú, en el límite entre la provincia argentina de Misiones y el estado brasileño de Paraná), y como de modo paradógico, surgen confluencias casuales (o causales) entre la película y su propia vida; como el apellido de uno de los niños protagonistas del film que coincide, excepto en una vocal, con el suyo propio. Morera utiliza el paisaje como un instrumento más de investigación antropológica pero aplicando las estrategias propias del modus operandi artístico.

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Ese es uno de los factores clave que nos lleva a definir la obra de Morera como post paisajística: La apropiación de historias ya existentes que re-estructura y samplea en una suerte de postproducción, de síntesis entre la investigación académica y la deriva emocional; como afirma Nicolas Bourriaud en su texto Post Producción. La cultura como escenario: modos en que el arte reprograma el mundo contemporáneo: “La apropiación es en efecto el primer estadio de la post producción; ya no se trata de fabricar un objeto, sino de seleccionar uno entre los que existen y utilizarlo o modificarlo de acuerdo con una intención específica. Marcel Broodthaers decía que “después de Duchamp el artista es el autor de una definición” que vendría a sustituir la de los objetos que escoge”.

Morera se apropia, redefine y finalmente reconquista para su propia práctica aspectos marginales del paisaje como aquellas tierras ignotas del XVI habitadas por animales fabulosos eran reconquistadas por los cartógrafos renacentistas. Su paisaje ya no es antropología, ni arqueología, ni cartografía, sino todo eso y nada de eso simultáneamente.

María Marco

Web del artista
Web de la comisaria
Web de la galería AD HOC

Origami sudafricano en Bus Station Space

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS. Investigaciones geométricas en origami textil’, de Pierre Louis Geldenhuys
BUS STATION SPACE
Plaza Camilo Díaz Baliño 17, Santiago de Compostela
Del 1 de abril al 11 de mayo

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS. Investigaciones geométricas en origami textil’, exposición polarizada en torno de la obra del artista Pierre Louis Geldenhuys, se allega a Santiago de Compostela de la mano de los comisarios de arte Merche Medina y Jose Ramon Alarcón (Ecomunicam) y la galería BUS STATION SPACE.

Imagen de la obra 'Juego de Dominó II', presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Juego de Dominó II’, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

El artista implementa y desarrolla una novísima acepción del término “cocotología”, gestada a partir del neologismo ideado por el literato noventayochista  Miguel de Unamuno, generoso diletante de la papiroflexia y singular occidentalizador de los rudimentos del origami asiático. La muestra pretende asentarse como un estudio cocotológico de resoluciones geométricas a través de diferentes técnicas de origami textil desarrolladas por el creativo sudafricano, fundamentadas mediante sus conocimientos y trayectoria como diseñador de alta costura y escenógrafo, sirviéndose para ello de diversos tipos de tela -algodón, lino y seda-, en conjunción con firmes materiales como el alambre, la madera o el nácar.

La obra de Pierre Louis Geldenhuys se solidifica como consecuencia de un dilatado y perseverante proceso de investigación de las múltiples posibilidades del origami oriental, en la que se advierten tres etapas diferencias: una primera, en la que la técnica se incorpora a modo de ornamentaciones en sus diseños y vestidos de alta costura; un segundo período particularizado por el desarrollo de obras origámicas exentas, mediante el empleo del cosido de técnicas mixtas y la superposición de múltiples elementos geométricos; y una tercera fase -su última serie- en la que Pierre Louis confecciona su obra a partir de una única pieza de origami, encontrando en los teselados -formas repetitivas bi/tridimensionles que encajan entre sí, desprovistas de espacio entre los bordes- y los estudios kinéticos -investigación del movimiento en espiral- el vehículo idóneo para reflexionar en torno de la matemática aplicada a la representación geométrica.

Imagen de la obra 'Cuadrícula I', presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Cuadrícula I’, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS’ propone una combinación de piezas transparentes, opacas y retroiluminadas (con la incorporación de la fortaleza de pigmentos e intensas tonalidades propios de su país de origen, en sus más recientes creaciones) que permiten revelar al espectador sus complejas formulaciones técnicas, auxiliando a trascender las composiciones sobre el plano y reportando al engranaje de recursos empleados un inherente valor estético, que termina por sumarse a la formulación de reiteraciones métricas que habitan la superficie.

 

 

José Suárez. Unos ojos vivos que piensan

Unos ojos vivos que piensan
Museo Centro Gaiás Cidade da Cultura
Monte Gaiás s/n. Santiago de Compostela
Hasta el 27 de marzo del 2016

Fotografía de José Suárez.

Fotografía de José Suárez.

José Suárez es una de las figuras más destacadas de la fotografía del siglo XX. Nacido en Allariz en 1902, a lo largo de vida conformará una producción novedosa en relación con la vanguardia europea.

En su obra se refleja la gran preocupación humanista que tenía, así como su formación intelectual. La cultura, fue una constante en su vida y se vio en el contacto que mantuvo primero en Salamanca con Miguel de Unamuno, José Bergamín o el mundo de la Revista de Occidente y posteriormente en el exilio, donde mantuvo contacto con los intelectuales de la emigración gallega y española –desde Rafael Alberti y Ramón Pérez de Ayala a Rafael Dieste, Alejandro Casona, Luis Seoane o Eduardo Blanco Amor–.

La melancolía por su tierra le trajo de nuevo a Galicia, pese a que no había finalizado en 1959 la represión del régimen fascista, que aún habiéndose suavizado, seguía negando todo tipo de libertades.

También veremos cómo afecta en su obra otra de sus constantes: viajar. En la década de los 30, gracias a las series etnográficas y la de Mariñeiros, junto con las hechas en Castilla que se exponen en ciudades como Madrid o París. Y después en el exilio, donde realizará trabajos tan destacados como el hecho durante su primera viaje a Japón (1953/54).

Fotografía de josé Suárez, Mañeiros.

Fotografía de josé Suárez

Pese a que su regreso a España en 1959 truncaría ese reconocimiento, llevándolo prácticamente al olvido hace series como La Mancha (1965) o colabora con editoriales internacionales, como en se ve en el libro sobre el mundo de los toros The Life and Death of the Fighting Bull (1966), la mirada de José Suárez iría apagándose hasta su muerte en 1974.

A éste intelectual admirado por sus coetáneos, y un eterno enamorado de Japón, se le pordá ver en el Museo Centro Gaiás, que acogerá un total de 206 fotografías y 150 objetos personales, que le permitirán al espectador comprender mejor la evolución creativa de José Suárez. Dentro de esta exposición encontraremos regalos de Unamuno, pinturas de Alberti o cartas de Pérez de Ayala que se mezclan con algunos de sus trabajos más importantes entre las que encontramos las diferentes series realizadas durante su estancia en América del sur

La ahogadora situación cultural que lo rodea y la falta de reconocimiento por parte de la sociedad, sumada a ciertas dificultades económicas llevarán a José Suárez a una fuerte depresión que desembocaría en su muerte en 1974 en A Guarda.

Su obra nunca fue expuesta de forma monográfica fuera de Galia, por este motivo  ‘José Suárez. Unos ojos vivos que piensan’ nace con el objetivo de viajar, tal y como hiciese el artista. Así pues, se convertirá en una exposición itinerante que ayudará a conocer a este genio y figura de la fotografía, así como a poner en valor la cultura gallega en el exterior.

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Fotografía de José Suárez.

La memoria suburbana de Ian Waelder

Believe Me, I Tried, de Ian Waelder
Sala D’Arcs
Fundación Chirivella Soriano
C / Valeriola, 13. Valencia
Del 24 de abril al 6 de septiembre

Ian Waelder nació en Madrid en 1993, en la actualidad vive y trabaja en Palma de Mallorca. Su práctica artística, fotográfica y escultórica, interroga la cultura suburbana desde la memoria. El artista colecciona experiencias de su entorno, principalmente vinculadas al mundo del skate.

Con su proyecto ‘Believe Me, I Tried’, Waelder se aproxima a la figura de Anthony Pappalardo, un destacado skater de Estados Unidos que padeció las consecuencias de creer en el sueño americano. De manera personal, el artista relaciona los éxitos y fracasos de este personaje a los de su propia actividad artística.

Obra de Ian Waelder en la exposición 'Believe Me, I Tried' en el Palau de Valeriola. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Obra de Ian Waelder en la exposición ‘Believe Me, I Tried’ en el Palau de Valeriola. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Ian Waelder ha tenido exposiciones individuales en L21 Palma y Madrid y en Espazo Miramemira de Santiago de Compostela, así como proyectos de comisariado en Sant Andreu Contemporani, La Casa Encendida, CGAC y Casal Solleric, entre otros. Ha estado presente en la última edición de ARCO y recientemente ganó el Premio Full Contact del Festival de Fotografía SCAN Tarragona.

Ha sido finalista en premios y becas como el Premio Miquel Casablancas. Sant Andreu Contemporani (España), Artista joven Just Mag de JustMad5, Premi Ciutat de Palma (Mención de Honor), premios Artes Plásticas Ciudad de Manacor, Certamen de Artes visuales Art Jove, entre otros.

Ha sido seleccionado para participar en Café Dossier II de La Tabacalera en Madrid y en el III Encontro Artistas Novos de la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela. Ha participado en residencias como la de Tokonoma de Kassel y la del Centro PANAL 361 de Buenos Aires.

Durante el 2015 expondrá de forma individual en la Galería LOCAL Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y en la Sala d’Arcs de la Fundación Chirivella Soriano de Valencia.

Obra de Ian Waelder en la exposición 'Believe Me, I Tried' del Palau de Valeriola. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Obra de Ian Waelder en la exposición ‘Believe Me, I Tried’ del Palau de Valeriola. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.