Medussa Collective: experimentación y creación

‘The Medusa collective experiment’
Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert
C/ San Fernando 44, Alicante
Del 12 de Julio al 6 de septiembre de 2016

El colectivo artístico Medusa collective presenta su primera exposición en el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert bajo el título ‘The Medusa collective experiment’ dentro del ciclo Arte en la Casa Bardin. Este colectivo coordinado por Cynthia Nudel reúne a varios artistas multidisciplinares cuyo trabajo, inédito hasta la fecha, muestra los diversos caminos por donde puede discurrir la experimentación.

Medusa collective surge como respuesta a las inquietudes de diversos artistas que entienden la investigación y la plasmación del proceso creativo como algo indispensable en la comunicación con el espectador. Nuevos modos de acercamiento visual y emocional a unas obras que se apoyan en la potencialidad del momento, acompañado todo ello de una puesta en escena un tanto peculiar, de aquellas que juegan con la manera de acercarnos los procedimientos de ensayo y error dentro de un entorno expositivo.

El propio título ya nos deja entrever que la exposición encierra otro experimento, un elemento que sólo será descubierto por el espectador dentro de este tiempo y este espacio, algo que al ser revelado dará un giro a cómo se asimilan los contenidos.

Obra de Eliasz Edelman. Imagen cortesía Diana Guijarro, comisaria.

Obra de Eliasz Edelman. Imagen cortesía Diana Guijarro, comisaria.

El colectivo se gesta bajo una filosofía unitaria, un conjunto de principios que independientemente de lenguajes o técnicas empleadas, terminan guiando todos y cada uno de sus trabajos. Entienden la fusión entre el arte contemporáneo y las técnicas más tradicionales como medio de vanguardia y con ello buscan conectar con los procesos, mostrar lo que casi nunca se deja ver y compartir el método experimental como un nuevo camino de avance. Una dinámica en la que se dejan contaminar por los materiales y buscan ante todo no condicionar al espectador, eliminando lo textual para que de ese modo ni títulos ni textos se lleven el protagonismo.

En palabras de su comisaria Diana Guijarro: “Al fin y al cabo, ser partícipes de la narración es todo un reto. Ser conscientes de cómo leemos la exposición un atractivo paso hacia algo más”.

En esta exposición los artistas buscan reflexionar sobre la exploración y el trabajo intuitivo y experimental, intentando transmitir las emociones que supone devolverle la mirada a lo participativo en la construcción de una historia experiencial, más abierta a interpretaciones paralelas.

Una muestra que juega con los planos de lectura, con la simulación, la transmisión de identidades y el instante en la asimilación de lo que percibimos dentro de la exposición. Los creadores dentro del colectivo adscritos a la exposición son: Eliasz Edelman, Anders Vogt, Elaine Porter, Joanna Lemay, Hans Ristenblatt y Lara Badía.

El martes 12 de julio tendrá lugar la inauguración y el viernes 22 de julio, dentro de las actividades programadas para la Noche en Blanco, el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert organizará visitas guiadas y encuentros entre la comisaria y los artistas.

‘Viva el Ciñe’ con Zipi y Zape

Viva El Ciñe
Estreno de ‘Zipi y Zape y la Isla del Capitán’, de Oskar Santos
Cines ABC El Saler
Centro Comercial El Saler
Avda. Profesor López Piñero, 16. Valencia
Viernes 29 de julio de 2016

Desde hace unos meses en Valencia se está realizando un evento muy particular, que la ciudad necesitaba y que el público agradece. ‘Viva El Ciñe’ recupera para Valencia los estrenos de cine nacional con sus protagonistas. Así, directores y actores se dan cita en el Cine ABC El Saler para charlar con los medios y también para que el público los pueda ver en persona y vivir más de cerca la magia del séptimo arte.

El pasado 29 de julio se estrenó en todo el Estado Zipi y Zape y la Isla del Capitán, y en Valencia se realizó una pequeña presentación con su director Oskar Santos, que ya había dirigido en  2013 la primera parte titulada Zipi y Zape y el Club de la Canica, y Toni Gómez, que en el film interpretaba a Zape. Antes de la charla con la prensa pudimos ver el metraje, el cual nos sorprendió por el estilo narrativo, y por la espectacular puesta en escena que habían sacado del film con los escasos cinco millones de euros que les había costado la producción.

Toni Gómez (izda) y Oskar Santos, en la presentación de 'Zipi y Zape y la Isla del Capitán', en Valencia. Fotografía: Lorena Riestra.

Toni Gómez (izda) y Oskar Santos, en la presentación de ‘Zipi y Zape y la Isla del Capitán’, en Valencia. Fotografía: Lorena Riestra.

Elena Anaya haciendo de Pam está a un nivel excepcional, ejecuta su papel bipolar de villana consagrada con mucha presencia, sabiendo que debe infundir miedo y respeto a partes iguales, siempre con un toque algo infantil. Aunque no es menos cierto que la adaptación del universo de Escobar, que es eso solo, una libre adaptación, no se pierde en los chistes fáciles y nos muestra a unos Zipi y Zape con un sentido del humor divertido y fresco, con un lenguaje cercano al actual, sin parecer fingido. Prueba de ello eran las carcajadas de los niños que estaban a mis espaldas, que no paraban de reír cada vez que el gorila aparecía en pantalla.

A la salida y ante un nutrido número de curiosos y sobre todo de niños, nos pusimos a comentar los pormenores de la película con los dos protagonistas de la jornada que se habían pasado por Valencia. Oskar, orgulloso de este trabajo, más de lo que nos hizo entender de su ópera prima El Mal Ajeno, de la que nosotros hablábamos maravillas y él asentía no muy conforme. Y Toni, que estaba como en una nube, y no es para menos con un papel protagonista en una gran aventura, donde hasta el cartel se aleja de lo que solemos ver por estas tierras.

La primera parte fue un éxito, no solo nacional, entonces era previsible que se quisiera una segunda entrega. “A raíz del éxito de la primera, los productores son los que quieren una segunda parte –comenta Oskar- y vuelven a llamarme a mí y a Jorge Lara, y bueno, nosotros ponemos una serie de condiciones, que si querían hacer una segunda de Zipi y Zape había que cambiar a los niños y subirles la edad”.

Fotograma de 'Zipi y Zape y la Isla del Capitán', de Oskar Santos. Cines ABC El Saler de Valencia.

Fotograma de ‘Zipi y Zape y la Isla del Capitán’, de Oskar Santos. Cines ABC El Saler de Valencia.

Mientras se visiona el film uno ve que hay muchos guiños al cine de aventuras de los años 80, le preguntamos por estos, que suponemos más que intencionados para atrapar también a los padres. “Era como, voy a llevarme a Zipi y Zape a Indiana Jones, Regreso al Futuro o Los Goonies; la primera era sobre todo Los Goonies, en esta es sobre todo Regreso al Futuro y especialmente Peter Pan y Julio Verne, y la verdad es que con todo eso ha sido una gozada, ha sido un sueño hecho realidad”, explica el director.

La película se rodó en Hungría. ¿Cómo fue? “Teníamos la experiencia de la primera, éramos prácticamente el mismo equipo, con el mismo presupuesto y el mismo plan de rodaje, pero teníamos la experiencia adquirida, con lo cual ya sabíamos qué podíamos hacer y qué no podíamos hacer. En la primera no pudimos rodar nuestra gran secuencia de acción, equiparable a la que sería aquí el momento del calamar, la gran secuencia. No pudimos porque se nos iba de presupuesto y hubo que sacrificarla y reconvertirlo en algo más sencillo, y aquí puse mucho empeño para que todo el dinero estuviera concentrado en ese bloque final para que no faltara”.

“La base para mí de una película -continúa Santos- es siempre el guión, el guión tenía que estar cerradísimo y ser muy sólido, unos muy buenos actores, tanto los chavales como los adultos y Elena Anaya y el equipo técnico, que son todos unos crack, y con el esfuerzo de toda esa gente y su talento la película sale adelante”.

Sin más nos vamos del cine viendo un enorme reguero de personas que estaban deseosas de entrar a la sala a disfrutar del film, porque con este tipo de propuestas, la de la película y la de ‘Viva El Ciñe’, es más sencillo que la gente se anime a ver cine hecho en nuestro país.

Fotograma de Zipi y Zape y la Isla del Capitán, de Oskar Santos.

Fotograma de Zipi y Zape y la Isla del Capitán, de Oskar Santos.

Javier Caro

El deslumbrante Your Majesties en Rambleta

Your Majesties
Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Jueves 22 de octubre de 2015, a las 20.30h

El montaje Your Majesties, Welcome to the Anthropocene, aborda la crisis de la conciencia y la impotencia humana a la hora de borrar las huellas indelebles de los excesos del pasado.

Imagen del espectáculo Your Majesties. Espai Rambleta.

Imagen del espectáculo Your Majesties. Espai Rambleta.

Llega una nueva era: ‘Anthropocene’, que marca la evidencia del impacto de la actividad humana en los ecosistemas terrestres. Todos estamos conectados en una red, pero íntimamente desconectados e infelices. El discurso que dio Obama cuando fue nombrado Premio Nobel de la Paz es el punto de partida de esta emocionante puesta en escena.

Esta gran producción de Vortice Dance Company -que se ha representado en lugares como  Nueva York, México o Brasil- cuanta con coreógrafos de primer nivel mundial como Claudia Martins y Rafael Carrico y con un elenco de excelencia. La escenografía y el impactante montaje audiovisual funcionan en estrecha simbiosis con la dinámica de la acción.

Imagen del espectáculo Your Majestic. Espai Rambleta.

Imagen del espectáculo Your Majestic. Espai Rambleta.

Europa, cabaret del desencanto

Europa, cabaret del desencant
Escena Erasmus
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
C / Universidad 2. Valencia
Sábado 4 de julio 2015, a las 22.30 horas

En el verano de 1932, Federico García Lorca y Eduardo Ugarte, con el apoyo del gobierno de la Segunda República, pusieron en marcha La Barraca, un grupo ambulante de actores universitarios  que llevaban el teatro clásico a las zonas más deprimidas de la península Ibérica. En 2009,  surgió en la Universitat de València Escena Erasmus, un proyecto que recoge el testigo de aquella iniciativa cultural pero con un contenido más amplio, pues los actores y actrices que participan proceden de distintos países de Europa con el único requisito de estar disfrutando una beca Erasmus.

Aunque la crisis económica redujo su radio de acción, no logró enterrar esta singular iniciativa que ha sido copiada por otras universidades europeas como la de Cagliari, Padua, Marburg y Ankara. Cada curso se elige una pieza específica, casi siempre un clásico adaptado a los tiempos actuales, sobre la que los alumnos y actores trabajan.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Este año una pieza informal y desenfadada con un toque musical al estilo cabaret sirve para poner en solfa las políticas de austeridad imperantes en Europa. Europa, Cabaret del Desencant, es el grito esperanzado de unos jóvenes convencidos de que es posible forjar un futuro mejor, aunque la Europa que habitan incite al desencanto. Desde su perspectiva personal cuentan las miserias de su país en un espectáculo con muchos contrastes cuyo formato es un alegre cabaret berlinés. Destapa el lado más acre de la realidad europea: la austeridad, la crisis, la inmigración, la desigualdad, la injusticia, etcétera.

Aparte de la puesta en escena y representación teatral propiamente dicha, Escena Erasmus supone una inmersión de los estudiantes y actores en la vida de los pueblos que visitan. Un estimulante intercambio entre los jóvenes europeos y los habitantes de distintas zonas rurales que favorece a ambas partes. Por otra parte, se da una sinergia con la escena teatral valenciana como demuestra la colaboración de dramaturgos de la tierra que participan este año en la escritura de los textos.  Son: Maribel Bayona, Xavier Puchades, Guada Sáez, Patri Pardo, Eugenia Sancho, Pasqual Alapont, Javier Sahuquillo, Josep Lluís Sirera y Daniel Tormo.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Once actores, seis pueblos

El pasado fin de semana se inició en Gátova la gira estival de Escena Erasmus en la que participan once actores y actrices de diversos países europeos. Nueve son mujeres, las más exóticas una de Bulgaria y otra de la República Checa, y por una vez no hay italianos entre los estudiantes e intérpretes. Con una obra crítica sobre la actual política de austeridad, Escena Erasmus recorrerá seis municipios valencianos: Alcublas (28 de junio), L’Eliana (1 de julio), Ontinyent (2 de julio), Cullera (3 de julio) y Montesa (5 de julio). En el Centre Cultural La Nau se representará el día 4 de julio, a las 22.30 horas, dentro del Festival Serenates 2015.

Esta iniciativa es posible gracias al apoyo de la Universitat de València y del Área de Cultura de la Diputación de Valencia. Desde 2010, más de 20.000 personas han visto los espectáculos en las distintas giras en las que han participado a lo largo de la geografía española. Desde hace tres años recorren municipios valencianos. Hasta la actualidad se han llevado a cabo más de 40 representaciones en la provincia de Valencia que han sido vistas por 8.000 espectadores.
Además de la implicación de distintos vicerrectorados de la Universitat de València (Cultura e Igualdad, Internacionalización y Cooperación, Participación y Proyección Territorial), el proyecto cuenta con el patrocinio de la Fundació General de la Universitat de València y la colaboración de la Fundación SGAE.

Escena Erasmus. Cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant.  Cortesía de la Universitat de València.

Bel Carrasco

Tomorrowland: El lobo de la esperanza

Tomorrowland, de Brad Bird
Con George Clooney, Britt Robertson, Hugh Laurie, Raffey Cassidy
Estados Unidos, 2015

Si hay un rasgo excepcional y admirable de la especie humana es su capacidad de crear relatos. Relatos míticos, filosóficos, científicos, artísticos con los cuales configurar y legitimar las instituciones, los pensamientos y la ética. Relatos que narran nuestro modo de moldear, pensar y crear el presente y el futuro de la humanidad.

Y sobre esta idea se asienta la película de ciencia-ficción Tomorrowland: en la fuerza del relato como espacio para orientar el futuro de la humanidad. Si esa es la premisa, hay una cuestión sobre la que pivota la historia del film de Brad Bird: ¿qué palabras compondrán el contenido del relato que dé sentido a nuestro futuro?

Britt Robertson, George Clooney y Raffey Cassidy en un fotograma de 'Tomorrowland', con la Ciudad de las Artes de Valencia al fondo.

Britt Robertson, George Clooney y Raffey Cassidy en un fotograma de ‘Tomorrowland’, con la Ciudad de las Artes de Valencia al fondo.

Para contestar esta pregunta la película narra la fábula indígena de los dos lobos: “En el mundo hay dos lobos: uno oscuro que habla de desastres y desesperación y otro luminoso que inspira optimismo y esperanza. ¿Cuál vivirá? El que tú alimentes.”

El lobo de la esperanza

Tomorrowland es una anomalía dentro de las películas de ciencia-ficción actuales. En las últimas décadas los filmes de este género se han caracterizado por contar historias apocalípticas. Películas catastrofistas, entrópicas, desesperanzadoras, donde la humanidad se extingue o el planeta tierra desaparece, sin ninguna posibilidad de resurgimiento. Una ciencia-ficción fruto del relato posmoderno que ha configurado el sentido del presente y el futuro de finales del siglo XX y principios del XXI. Sí, un relato posmoderno que ha alimentado durante muchos años al lobo “oscuro” con palabras como descreimiento, relativismo, sospecha, corrupción, avaricia, hasta moldear unos  individuos apáticos y dirigir a la sociedad a la anomia.

Britt Robertson en un fotograma de 'Tomorrowland', de Brad Bird.

Britt Robertson en un fotograma de ‘Tomorrowland’, de Brad Bird.

Tomorrowland critica el pensamiento de este relato posmoderno o, si seguimos con la fabula indígena, lucha contra el lobo “oscuro”. Tomorrowland alimenta al lobo “luminoso” con palabras como ilusión, optimismo, creación, invención, educación, orientadas a la emancipación de la humanidad. Una luminosidad que se refleja no sólo en el obvio mensaje,  sino también en la puesta en escena -iluminación, vestuario…-  que construye.

Tomorrowland no es una buena película, a nivel estético-narrativo. Ahora bien,  es interesante  por ese énfasis que pone en marcar la importancia  de las palabras, de los relatos para insuflar “valor e ilusión” o “cobardía y desesperanza” para  ver la realidad presente y crear nuestro futuro.

George Clooney en un fotograma de 'Tomorrowland', de Bard Bird.

George Clooney en un fotograma de ‘Tomorrowland’, de Brad Bird.

Begoña Siles

Gabi Ochoa: “Ya no se hace periodismo”

Las guerras correctas, de Gabriel Ochoa
Espai Rambleta
Bulevar sur, esquina Pío IX. Valencia
Jueves 4, viernes 5 y sábado 6 de junio de 2015, a las 20.30h
Charlas coloquio de Jordi Évole (4 de junio) e Hilario Pino (día 5), al término de la representación

Felipe González, presidente del Gobierno entre 1982 y 1996, fue entrevistado en TVE por Iñaki Gabilondo en enero de 1995. La pregunta en torno al denominado terrorismo de Estado practicado por los GAL contra ETA levantó ampollas: “Organizó, autorizó o toleró usted la guerra sucia del GAL?” Aquello fue cara a cara. De eso hace ya 20 años. Ahora, otro presidente del Gobierno, Mariano Rajoy, ha llegado a comparecer ante los medios de comunicación a través de un televisor de plasma para evitar preguntas comprometidas.

Chani Martín, Manuel Solo, Luis Callejo y César Tormo en 'Las guerras correctas', de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

De izquierda a derecha, Chani Martín, Manolo Solo, Luis Callejo y César Tormo en ‘Las guerras correctas’, de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

Gabi Ochoa, que presenta del 4 al 6 de junio en La Rambleta su obra ‘Las guerras correctas’ dramatizando aquella entrevista, establece esa comparación para afirmar: “Actualmente no se hace periodismo”. Y recuerda la frase de George Orwell: “Periodismo es publicar lo que alguien no quiere que se publique. Todo lo demás son relaciones públicas”. Fue Jordi García Candau, entonces director de Televisión Española, quien propuso a Gabilondo esa entrevista al presidente que, un año después, perdería las elecciones sin duda minado por el asunto de los GAL.

“Gabilondo me contó, en una cita que tuve con él durante dos horas y media,  todo lo relacionado con la gestión de aquella entrevista”, explica Ochoa. Para documentarse, también se reunió con García Candau, pero no ha podido hacer lo mismo con Alfredo Pérez Rubalcaba, entonces portavoz del Gobierno, y el propio Felipe González. “Nunca me han dicho que no, pero tampoco que sí; se limitan a decirme desde el partido que están ocupados”.

Manolo Solo (izquierda) y Luis Callejo en 'Las guerras correctas', de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

Manolo Solo (izquierda) y Luis Callejo en ‘Las guerras correctas’, de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

¿Miedo? Gabilondo, según recuerda Ochoa, insistió a la hora de preguntar a González si era “políticamente responsable” de los GAL. Y tanta fue la insistencia del entrevistador, como insistente la negativa del entrevistado. Negativa que todavía pesa en el ánimo de Iñaki Gabilondo. “Él insistió en el tema de los GAL, porque era un asunto candente, y aunque no fuera conocedor de ello Gabilondo dice que insistió para que Felipe González pudiera al menos reconocer su responsabilidad política”. Jamás lo hizo.

‘Las guerras correctas’ es teatro documental del que hace menos de un mes tuvimos otro buen ejemplo con la obra ‘Ruz-Bárcenas’, de Alberto San Juan, en el Teatro Talía de Valencia. “Más que una moda yo diría que, con la crisis económica, hay más conciencia social y el creador tiene que implicarse con esa realidad”, admite Ochoa. Manolo Solo, que en el espectáculo de San Juan interpretaba al juez Ruz, se mete ahora en la piel de González. Luis Callejo es Iñaki Gabilondo, mientras Chani Martín y César Tormo se encarga de dar vida a Rubalcaba y García Candau, respectivamente.

Manolo Solo (izquierda) y Luis Callejo en 'Las guerras correctas', de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

Manolo Solo (izquierda) y Luis Callejo en ‘Las guerras correctas’, de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

“La verdad es que pasados 20 años no sé si hemos avanzado en periodismo o retrocedido”, destaca Ochoa. Ruedas de prensa sin preguntas, connivencias entre los grandes medios de comunicación y los emporios empresariales, amén de la transformación orwelliana del periodista en relaciones públicas, confirman la tendencia al sospechoso silencio de un periodismo que, al igual que sucede en lo político, debería ser objeto de una sana mutación.

Con ‘Las guerras correctas’, Gabi Ochoa viene a reclamar cierta vuelta a las esencias periodísticas. “Hay que volver a hacer periodismo de verdad”. Él se limita, mediante una “puesta en escena sobria”, a recrear ese ambiente del periodista pretendiendo arrancarle la verdad a quien la esquiva. Quién sabe si la guerra correcta a la que se refiere Ochoa en su obra, tiene que ver con esa lucha por vencer la resistencia de quien no quiere que algo se publique. “La ficción permite interpretar la realidad, ir más allá de los hechos observables”. Ochoa arroja luz allí donde proliferan las sombras.

Una escena de la obra 'Las guerras selectas', de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

César Tormo (izquierda) y Luis Callejo en una escena de ‘Las guerras selectas’, de Gabriel Ochoa. Imagen cortesía de La Rambleta.

Salva Torres

Fuente Ovejuna, contra el abuso de poder

Fuente Ovejuna. Ensayo desde la violencia
Dirección: César Barló
Produce: Cía AlmaViva Teatro (Madrid)
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Viernes 22 y sábado 23, a las 21.00h, y domingo 24 de mayo, 19.00h

Sala Russafa estrena en la Comunidad Valenciana del 22 al 24 de mayo una propuesta de la compañía madrileña AlmaViva Teatro que ha cosechado excelentes críticas a su paso por Méjico y ciudades españolas como Madrid o Salamanca.

‘Fuente Ovejuna’ retoma el texto escrito por Lope de Vega, obra cumbre del Siglo de Oro, en un nuevo acercamiento marcado por un fuerte componente físico y de performance. Un “ensayo desde la violencia” que recrea el ambiente asambleario resurgido en los últimos tiempos y que intercala textos actuales entre los versos originales para enlazar con nuestra época el abuso de poder que sufren los habitantes de un pequeño pueblo en manos de su Comendador.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cinco actores, ataviados con ropas ligeras, rodilleras y manos vendadas, interpretan la oposición de fuerzas entre la gente humilde y el poder violento y corrupto de los gobernantes. Ingredientes que convierten ‘Fuente Ovejuna. Ensayo desde la violencia’, en una interesante reflexión para esta semana de elecciones.

A través de los cuerpos de los intérpretes, se muestra el crisol de luchas que tienen lugar sobre el escenario: traicionera entre los poderosos, cariñosa entre los amantes, explosiva cuando al pueblo se le acaba la paciencia.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

César Barló adapta y dirige esta obra que interpretan Juan Carlos Arráez, Beatriz Llorente, Alberto Gómez, Luna Paredes y Sergio Torres, combinando el dominio del verso y la plasticidad física de la puesta en escena.

Sobre el escenario recuperan una historia escrita a principios del siglo XVII, basándose en los hechos reales ocurridos en 1.476, capaz de retratar a la perfección la impotencia, la búsqueda de unión y la agresividad que recibe el pueblo en pleno S. XXI.

Un montaje en el que una sociedad, huérfana de referentes, vuelve la mirada hacia sí misma para encontrar la solución a la injusticia, hermanando a los individuos que la integran, actuando todos a una.

VÍDEO: https://www.youtube.com/watch?v=3omxbxCjS3k

Escena de Fuente Ovejuna.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

 

Radio City vuelve con su Teatro Extravagante

VI Muestra de Teatro Extravagante
Radio City
C / Santa Teresa, 19. Valencia
Todos los domingos del 2 al 30 de noviembre, a las 20.30h. 3€

Radio City no desiste en su empuje y apoyo por la cultura y organiza la VI Muestra de Teatro Extravagante entre el 2 y el 30 de noviembre. Durante todos los domingos del mes, el local de la calle Santa Teresa se convierte en un escenario improvisado donde cinco compañías harán disfrutar a todos los asistentes con humor, sorpresas, risas y buenas interpretaciones. Una apuesta por la variedad, el atrevimiento, la puesta en escena original, y lo más importante, la extravagancia, un término que evoluciona de muchas y muy distintas formas, en este caso relacionado con el mejor de sus significados.

En su sexta edición, la Muestra de Teatro Extravangante presenta cinco compañías valencianas con propuestas bien diferentes. Los cinco espectáculos seleccionados para este año son: ‘Pa tí pa mí’ de Kankaneo Teatro (día 2); ‘Y si hablaran de nosotras’ de Anna Albaladejo (domingo 9); ‘Pecadilly Circus’, de Rosamari Producciones (16); ‘Esto a Freud le encantaría’ de Anna Kurikka y Sara Gumbretch (23), y ‘Vedette a ciegas’ de Miguel Vicente Clager (30).

Kankaneo Teatro es una de las propuestas de la VI Muestra de Teatro Extravagante de Radio City. Imagen cortesía de Radio City.

Kankaneo Teatro es una de las propuestas de la VI Muestra de Teatro Extravagante de Radio City. Imagen cortesía de Radio City.

‘Pa tí pa mí’ es un espectáculo dinámico, divertido y disparatado donde el público ordena y manda. Son ellos los que sugieren los temas, los que impulsan a sus dos actrices,  Kanka y Neo (Elba Ruíz y Zahira Montalvo), a exprimir todas sus capacidades interpretativas del teatro gestual. Kanca y Neo son dos transeúntes de la vida, traficantes de sueños, ambiguas y polivalentes trasparentes, transgénicas, que cruzan Despeñaperros en busca de nuevas emociones. Eso son Kancaneo Teatro, un duo de improvisación que llega desde Madrid para abrir con fuerza la Mostra de Teatro Extravagante de Radio City.

Y si hablaran de nosotras en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

Y si hablaran de nosotras en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

‘Y si hablaran de nosotras’ se pregunta: ¿Quién no ha soñado alguna vez con salir en los medios de comunicación y ser el centro de todas las miradas? Pero, ¿qué pasa si un día nos encontramos en el epicentro de una noticia, digamos un desahucio? Anna Albadalejo interpreta junto a Maribel Bayona esta historia del presente, versionada y dirigida por la propia Anna, creadora, dramaturga, directora y actriz que combina su desarrollo profesional entre la palabra y el movimiento.

Pecadilly Circus en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

Pecadilly Circus en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

Rosamari Producciones vuelve con un cabaret gamberro y divertido, ‘Pecadilly Circus’, lleno de pecados divinos, pecados secretos, pecados dorados, oscuros, divertidos, soñados, cumplidos y excesivos, protagonizados por Rosana Gimeno y Marino Muñoz. Porque “pecadillys” hay muchos, pero pecadoras y pecadores hay más. No habrá absolución posible, pero sí verdaderas locuras divertidas.

Anna Kurikka y Sara Gumbretch han creado ‘Esto a Freud le encantaría’ a partir del material recibido de personas soñadoras de todo el mundo. Sueños de personas reales, sueños reales de personas soñadoras, personas soñadoras con sueños reales ¿Quién decide sobre nuestros sueños? ¿Decidimos con qué soñamos? ¿Todavía nos está permitido soñar? Esta obra se encuentra en el abismo entre el sueño y la realidad.

Vedette a ciegas en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

Vedette a ciegas en la VI Muestra de Teatro Extravagante. Imagen cortesía de Radio City.

Miguel Vicente Clager es Liz Stardust en ‘Vedette a ciegas’, una gran musa y artista de los noventa que sobrevive a la decadencia de su presente trabajando de vedette en una sala de variedades. El sueño dorado vivido en los noventa como estrella en el cielo del star system queda enterrado por los numerosos escándalos que protagonizó, relacionados con el alcohol, las drogas y las malas influencias. Años después de su alocada época de estrellato encuentra en una acogedora sala de variedades un espacio personal donde revivir sus años dorados en las pasarelas y donde dar rienda suelta a sus hilarantes ideas e imitaciones de otras artistas. ‘Vedette a ciegas’ es una obra multidisciplinar donde el vídeo, el audio y la imagen nos muestran las diferentes realidades de Liz y donde los dos grandes protagonistas son el humor y la provocación.

Anna Kurikka y Sara Gumbretch protagonizan la obra 'Esto a Freud le encantaría', en el Teatro Extravagante de Radio City. Imagen cortesía de Radio City.

Anna Kurikka y Sara Gumbretch protagonizan la obra ‘Esto a Freud le encantaría’, en el Teatro Extravagante de Radio City. Imagen cortesía de Radio City.

La triple tragedia de Medusa

Medusa, de Sara Baras
Festival d’Estiu Sagunt a Escena
Martes 12 de agosto, 2014

Fundir la estética griega clásica y la pasión dinámica del baile flamenco es uno de los retos que vence Sara Baras  en su montaje ‘Medusa’, que se podrá disfrutar el 12 de agosto en el Festival d’Estiu Sagunt a Escena. Estrenada con gran éxito en el Teatro de Mérida la pieza proseguirá su gira por otras localidades y festivales. Cuenta la triple tragedia de la bella sacerdotisa de Atenas, violada y luego condenada por la diosa, que la convierte en un monstruo capaz de petrificar a los hombres con una mirada, decapitada por el héroe Perseo.

Otro de los retos asumidos por Baras, Premio Nacional de Danza 2003, responsable también de la dirección, la iluminación y el diseño de vestuario,  consiste en mantener una narración lineal más allá de una sucesión de números de baile. Para ello combina la danza con la palabra declamada por el actor Juan Carlos Vellido, que interpreta a la conciencia de la protagonista con textos rimados del cantautor Javier Ruibal.

Escena de la obra 'Medusa', de Sara Baras. Festival d'Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

Escena de la obra ‘Medusa’, de Sara Baras. Festival d’Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

“Ha sido la obra más fiel a lo que quería contar”,  afirma la bailarina gaditana. “No ha sido un pretexto para bailar, sino hacer un guión para una historia y no salirme de ahí en ningún momento”.

Fundir dos códigos estéticos aparentemente opuestos como el universo griego, estático y contenido, y el mundo flamenco, potencia y movimiento se ha resuelto con brillantez. Convertir los tacones en sandalias y las túnicas en batas. O viceversa. Y, sobre todo, los elementos de baile: el tritón de Poseidón que agita David Martín, las armas exhibidas por el cuerpo de baile, el escudo de Perseo. Elementos que limitan el juego de brazos. “En estos tres meses hemos pasado hasta cuatro horas bailando con las armas”, cuenta Baras y potenciando el zapateado, la gran baza de la bailaora.

¿Qué representa este montaje en el conjunto de su trayectoria? 

Medusa significa un paso adelante y no sólo para mí sino también para la compañía. La identidad como dramaturgia flamenca de esta pieza es muy diferente y hemos crecido sobre todo a nivel interpretativo.

¿Qué es lo que le fascinó de este  personaje mitológico?

Me enamoró descubrir que detrás del monstruo con cabellos de serpiente había una mujer violada y castigada injustamente por un juego de dioses. Necesitábamos defenderla  y eso hacemos en cada función.

¿A quién le gustaría dejar petrificado con una mirada? 

Me gustaría dejar petrificado al Síndrome Rett y a todas las enfermedades crueles como ésta, una enfermedad que se da solo en las niñas y es un sufrimiento horroroso de ellas y de sus familias. Colaboro con una fundación que llevan los papás de Martina que se llama Miprincesarett  y su labor es admirable. Pienso en ellas y sus familias y sueño que alguien tuviera el poder de dejar petrificada ésta y otras enfermedades tan crueles.

Escena de la obra 'Medusa', de Sara Baras. Festival d'Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

Escena de la obra ‘Medusa’, de Sara Baras. Festival d’Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

La tragedia de Medusa es similar a la que padecen muchas mujeres en algunos países que tras ser violadas sufren el rechazo de la gente. ¿Qué opina al respecto?

Soy partidaria de defender a todas las personas que sufren injusticias. Es increíble que dentro de la mitología haya historias que miles de años después se sigan repitiendo. Es doblemente doloroso pensar en el sufrimiento de esas mujeres.

Hace poco se cumplió el décimo aniversario de la muerte de Antonio Gades. ¿Qué recuerda del gran maestro? 

Antonio Gades marcó un antes y un después en la danza de nuestro país. Su disciplina, su seriedad, su orden y su puesta en escena eran impecables. Nos trasmitió el amor y el respeto por nuestro arte y por nuestros maestros. Yo tuve la suerte de verlo bailar muchas veces y de conocerlo personalmente. Era una pasada, uno de esos genios de los que nunca dejas de aprender.

¿Por qué el ballet es un arte minoritario en España? 

Sinceramente yo no considero que el ballet sea un arte minoritario en España, aunque en estos momentos debido a las circunstancias tan complicadas que vivimos hay muchas compañías de danza que no han conseguido mantenerse y muchas personas que no pueden permitírselo.

¿Qué recuerdos guarda de Valencia? 

Todos muy buenos. No sé cuántas veces he bailado allí pero tengo clavado la entrega del público valenciano que es maravilloso. Tenemos muchas ganas de volver con nuestra ‘Medusa’ y espero que sea una noche tan mágica como su público.

Una escena de la obra 'Medusa', de Sara Baras. Festival d'Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

Una escena de la obra ‘Medusa’, de Sara Baras. Festival d’Estiu Sagunt a Escena. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco