«El teatro necesita del cine»

Entrevista a Sergio Villanueva
Festival Internacional de Cine de Valencia Cinema Jove
Del 17 al 24 de junio de 2016

Desde la primera hora que me enteré que venía Sergio Pérez Mencheta a presentar Los Comensales, quise hacerle una entrevista, pero ¡ay de mí!, Sergio no estaba por la labor. Mis preguntas sobre la adaptación de Capitán Trueno en la que él encarnó al personaje, se habían volatilizado. Quizás en otra ocasión pueda cuestionarle sobre aquella oportunidad fallida.

El caso es que aunque Mencheta tenía cosas más importantes que hacer que aguantar a pesados como yo, Sergio Villanueva, director del film, sí accedió a entrevistas. Llegué media hora antes al encuentro en el Hotel Astoria de Valencia, y me lo encontré trasteando su móvil en el recibidor. Como conocía su cara le saludé. Una de las chicas de prensa, todas muy profesionales y amables, me dijo que los otros medios se habían caído y que era el único, así que tenía todo el tiempo del mundo.

Nos desplazamos hasta el bar del Hotel y nos acomodamos en unas sillas, antes de la entrevista le pregunté por Tranvía a la Malvarrosa, donde Sergio tenía un papel. Nos contó que aquello fue una gran producción y que a día de hoy se la siguen recordando en Valencia. Le dije que la película reflejaba una Valencia que ya no existe, que es historia, y entonces sonreímos al hablar del Balneario de las Arenas.

Sacudimos los recuerdos y nos centramos en su ópera prima mientras me dice que pregunte cualquier cosa, lo que quiera, y así lo hago. Por la noche recordó en la presentación del film, junto a Mencheta, una de las preguntas que le formulé y que me agradeció bastante.

Sergio Villanueva. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Sergio Villanueva. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Javier Caro

Originals/ Inèdits: Les dues cares de la il·lustració

Originals / Inèdits. Il·lustradors D’Osona
Comissariat de l’exposició a càrrec de Ramon Ricart
ACVIC Centre d’Arts Contemporànies
C/ Sant Francesc, 1. Vic
Fins al 30 d´abril de 2016

ACVic Centre d’Arts Contemporànies és un equipament cultural públic per a la promoció de la creació, la investigació, la producció i la difusió de propostes vinculades a les pràctiques artístiques contemporànies. És un centre compromès amb el seu entorn immediat que treballa amb el context nacional i internacional, per difondre la seva pròpia activitat, per acollir i interactuar amb experiències, artistes i actors culturals externs, en una lògica de coparticipació en l’esdevenir global de les pràctiques artístiques contemporànies.

ACVic Centre d’Arts Contemporànies es posiciona amb una línia d’acció centrada en la relació entre l’activitat educativa, el territori i la interacció social. L’art creuat amb l’educació faciliten espais de producció que s’obren a l’experimentació. S’entén la pràctica artística com una pràctica que incideix, interactua i transforma l’espai social. Des d’aquest plantejament es persegueix generar una àmbit de confluència entre la producció artística i l’acció educativa, de manera que el fet educatiu esdevé una activitat emprenedora que incorpora elements de recerca, dinamitza aspectes de producció, incentiva la participació i necessita desplegar mecanismes de visibilitat i comunicació.

Exterior del ACVic Centre d'arts contemporànies. Cortesia del ACVic.

Exterior del ACVic Centre d’arts contemporànies. Cortesia del ACVic.

Tal com indica el seu nom, ‘Originals / Inèdits’ és una exposició, en dos espais, d’il·lustradors d’Osona, que mostra dues cares de la pràctica professional de la il·lustració.

D’una banda, s’han seleccionat il·lustracions originals que s’han reproduït en llibres o revistes (que s’exposen al costat de la Biblioteca Joan Triadú, a l’Espai Romeu). Els suports i les tècniques que utilitzen els il·lustradors per realitzar aquestes obres són diversos; sempre ha estat així, però actualment es poden establir dues categories molt evidents que es defineixen pel suport final de l’original en paper (en la seva rica i estimulant varietat) o en versió digital.

Encara que sembli que el concepte d’original, a primera pensada, només tingui sentit en les il·lustracions acabades sobre paper i que en les il·lustracions digitals aquest concepte perdi sentit, en la reproducció d’aquestes darreres il·lustracions també es produeixen unes transformacions que ens permeten mantenir vigent d’alguna manera la idea de l’original: la il·lustració feta o acabada a l’ordinador, en ser reproduïda també –igual que la finalitzada sobre paper– canvia de context, d’escala i sovint de color (per la mateixa impressió i el tipus de paper on s’imprimeix).L’il·lustrador –en molts casos– manté intacta l’estima per aquesta peça anomenada original (encara que a vegades “només” sigui el dibuix a llapis que escaneja per pintar a l’ordinador).

Tot això sempre amb el benentès que mantenim una certa fidelitat a la tradició parlant dels conceptes d’original i de la seva reproducció. A més de mostrar aquestes il·lustracions tal com van sortir de l’estudi del seu autor (que ja seria suficient), aquesta part de l’exposició també vol posar en evidència que els dibuixos dels contes, abans d’arribar a les mans del lector, viuen un procés que normalment no es fa evident als ulls del receptor final.

L’altra part de l’exposició Originals / Inèdits recull una tria d’il·lustracions que, per una raó o altra, no s’han publicat i que ara podem treure a la llum a ACVic Centre d’Arts Contemporànies. No hi ha cap més pretensió que conèixer obra desconeguda, il·lustracions que s’han quedat al calaix o a la carpeta, de projectes estroncats, inacabats, personals…, en definitiva, inèdits dels quals ara podrem gaudir. Cal destacar que, en conjunció amb una tendència que també es dóna a la resta del nostre país, a Osona hi ha una gran efervescència en el món de la il·lustració: als noms històrics de referència hi podem sumar un bon grapat d’il·lustradors en actiu de gran qualitat i un gruix considerable de dibuixants que cobreixen amb riquesa la diversitat estilística i de gèneres pròpia de la il·lustració.

Cultura, mucha exhibición y poca producción

Todo por la cultura pero sin los artistas
Comunicado de AVVAC

Desde AVVAC (Asociación de Artistas de Valencia, Alicante y Castellón) queremos mostrar nuestra preocupación ante las medidas adoptadas por la nueva corporación política de la Generalitat Valenciana, cuya gestión tiene entre sus objetivos mejorar el sector profesional en el ámbito cultural. Concretamente, nos inquietan ciertos planteamientos relacionados con la creación artística contemporánea.

Creemos que a pesar de haber contado con nuestra participación en los encuentros previos a la creación del Código de Buenas Prácticas redactado por la Conselleria de Cultura, dicho documento no incluye medidas concretas y efectivas dirigidas a mejorar el sector artístico profesional.

En aquel primer encuentro hicimos entrega de un escrito en el que se detallaban las necesidades del sector, así como una serie de medidas encaminadas a darles respuesta. Estas medidas fueron consensuadas por las asociaciones profesionales del sector en 2012, y renovadas y actualizadas por AVVAC para dicho encuentro. Se incluía también en el documento  un resumen del ‘Manual de Buenas Practicas’ firmado por el Ministerio de Cultura en el 2007 y el ‘Documento 0’ para la Gestión de los Centros de arte contemporáneo. Además, se entregó en aquella reunión un análisis que tenía como objeto facilitar el trabajo de los nuevos gestores políticos. Sin embargo, parece que nuestras aportaciones no han sido tomadas en consideración.

De izquierda a derecha, Albert Girona, Vicent Marzà y Carmen Amoraga. Generalitat Valenciana.

De izquierda a derecha, Albert Girona, Vicent Marzà y Carmen Amoraga. Generalitat Valenciana.

Como se puede comprobar, en ese nuevo documento se proponen medidas concretas sobre la gestión cultural, pero no se alude a los productores artísticos. La interpretación sobre la aplicación en el sector de arte contemporáneo de ese manual de buenas prácticas queda abierta, lo que resulta peligroso para nuestro colectivo. Por ejemplo, no se ataja el problema de la explotación del artista en el sector profesional al eludir pronunciarse sobre la necesidad de remuneración de éstos; así como tampoco se menciona la necesidad de crear contratos por obra y servicio.

Nos ha sorprendido no haber sido citados para colaborar en la redacción o revisión de este documento. Tampoco hemos sido informados ni invitados a su presentación pública. Todo esto nos lleva a sospechar que dicho evento tenía un interés más propagandístico que efectivo, puesto que a pesar del título de ‘Código de las buenas prácticas’, este documento no corrige la situación anterior y nos coloca de nuevo en una posición de vulnerabilidad evidente.

Por otro lado, creemos que los presupuestos de cultura presentados para el próximo año son claramente continuistas y otorgan un papel preponderante a las políticas culturales anteriores. Esto frustra enormemente las expectativas de cambio, ya que dichas políticas son las que han desestructurado el sector artístico profesional de nuestra Comunidad. Se siguen barajando presupuestos de grandes cifras destinados a grandes instituciones públicas que dejan de lado, entre otras cosas, las convocatorias públicas que resultan esenciales para un desarrollo profesional del sector. De nuevo son los grandes gestores culturales los que deciden las partidas económicas a invertir.

Se desatiende así el compromiso que conseguimos por parte de la Conselleria de Cultura en nuestro primer encuentro, donde se planteó un cambio de paradigma en la política cultural que apostara claramente por una política de producción en lugar de por una política de exhibición, basada en grandes producciones.

Por otra parte, no queremos destacar únicamente los aspectos negativos de este documento. Celebramos la propuesta de regulación de los concursos públicos, que redundará en una mayor democratización y profesionalización del sector.

De izquierda a derecha, Albert Girona, Vicent Marzà y Carmen Amoraga. Generalitat Valenciana.

De izquierda a derecha, Albert Girona, Vicent Marzà y Carmen Amoraga. Generalitat Valenciana.

Como conclusión, queremos enfatizar la necesidad de que el estudio del sector del ‘Plan Estratégico de la Cultura’ planteado por la Conselleria esté formado por profesionales independientes (donde AVVAC ha tenido la oportunidad de proponer un representante al igual que otras asociaciones), y que además se tengan en cuenta sus análisis y valoraciones. Esto nos parece fundamental para que dicho estudio y sus posteriores conclusiones sirvan para promover un cambio real de paradigma que revierta en el sector profesional y que permita repensar los presupuestos que se invierten en cultura. Es necesario para esto partir de datos concretos y ver de qué forma y a través de qué canales se realiza esta inversión para su mayor aprovechamiento.

Queremos por ello tender de nuevo nuestra mano al sector político y ofrecemos nuestra colaboración en todo aquello que pueda revertir en la mejora del sector artístico. Reivindicamos que estos planteamientos tengan un alcance que vaya más allá de lo mediático, materializándose en medidas concretas que mejoren las condiciones laborales y económicas de nuestro sector para lograr una profesionalización largamente reivindicada.

Junta Directiva de AVVAC

Harddiskmuseum en ANT de Punto

[A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas
Galería Punto
C / Barón de Cárcer, 37. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 14 de noviembre de 2015

La Galería Punto reúne a seis de los artistas más activos en el panorama nacional e internacional de las nuevas tecnologías en la exposición [A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas, que se inaugura este viernes 18 de septiembre, con motivo del Abierto Valencia 2015.

A.N.T., según explica su comisario Jorge Lopez, «surge como una vía de comunicación entre la tecnología y los discursos artísticos contemporáneos, los procesos de producción y re-producción digital», traduciendo «modelos tangibles de información, luz y sonido». Los artistas que intervienen son: José Antonio Orts, Hugo Martínez-Tormo, Bosch & Simons, Rafael Lozano-Hemmer, Enrique Radigales y Solimán López, quien presenta en primicia su Harddiskmuseum.

No es un museo ni una galería virtual. En su interior no habrá obras físicas que una vez fotografiadas puedan contemplarse on line. Nada de eso. La originalidad del Harddiskmuseum, proyecto que Solimán López ha desarrollado en la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia, es que los trabajos depositados en su disco duro se encontrarán off line. Sólo podrán verse en el interior de sus “paredes” o carpetas creadas para tal fin. De manera que los artistas seleccionados mostrarán su obra en exclusividad. “Hablamos de artistas que trabajan con la idea de lo intangible en su discurso”, explica su creador.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum contará con la participación de una primera serie de esos media artists de lo intangible. “Estamos todavía cerrando el acuerdo de su participación”. En todo caso, recalca Solimán López, serán artistas importantes a nivel nacional e internacional. Esta primera exposición denominada Líquido marcará la pauta de las siguientes, previstas en Madrid, Londres y Nueva York.

Se dará valor al arte digital y a los artistas que trabajen en ese formato, creando piezas originales que formarán parte de la colección del museo de lo intangible y de las exposiciones que se vayan programando. “Las obras no existirán físicamente y únicamente se podrán ver en los archivos digitales” del Harddiskmuseum. Solimán López también destaca que se trata de “un proyecto colaborativo”, ya que de momento “no hay dinero para la producción de las obras y el pago a los artistas”. Hasta que haya un patrocinador global del museo.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Quien se ha hecho cargo de los costes derivados de la programación, las carpetas físicas del disco duro, escritorio 3D, web e imagen corporativa es ESAT, en cuyo Laboratorio de Investigación en Arte y Tecnología se ha gestado el museo. Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) y Droide Comunidad han apoyado el proyecto.

“El sonido también tendrá su espacio”, subraya Solimán López. Los nombres de los artistas valencianos Llorenç Barber y Lucía Peiró salen a colación, ya que sus intervenciones musicales efímeras y performances, respectivamente, son ejemplos del arte intangible que se potenciará en el Harddiskmuseum. Arte representado de forma digital o que dependa para activarlo de diferentes interfaces físicas para ser visualizado. “No cabrán obras que no sean digitales”, remarca su creador.

Como apunta el propio López a la hora de justificar el proyecto, “la figura del museo, centro de arte, espacio cultural o galería, está totalmente relacionada con la idea de un entorno tridimensional, pero ¿acaso un disco duro en su interior no es arquitectura?” No sólo eso: ¿acaso un disco duro no da respuesta a las preguntas que hasta ahora respondía un museo? Y Solimán López se refiere a la memoria y el trabajo de los artistas, a sus huellas, no sólo inscritas en paredes, colecciones y archivos museísticos, sino también ahora en formatos digitales. En la Galería Punto de Valencia verá la luz este museo de lo intangible con proyección internacional.

ANT Arte y Naturalezas Tecnológicas en Galería Punto.

Imagen de la exposición [ANT ]Arte y Naturalezas Tecnológicas en Punto. Cortesía de la galería. 

Salva Torres

El arte enseñado de otra manera

Curso de Creatividad Digital & Media Art
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia

La manera en la que accedemos a la información, la experimentamos y la compartimos ha cambiado. En este marco, la creación artística también. En el primer Curso de Creatividad Digital & Media Art, ESAT propone un modelo de enseñanza del arte y de sus procesos creativos totalmente innovador y de calidad, dentro de los parámetros establecidos por la sociedad digital.

La nueva cultura, basada en la implementación en nuestras vidas del espacio electrónico, ejemplificado en internet y en sus redes sociales online, ha modificado de forma sustancial la manera en la que accedemos a la información, la experimentamos, la compartimos, adquiriendo conocimientos y formando un nuevo pensamiento.

Por su parte, la creación artística actual ha transformado profundamente sus procesos productivos. Las prácticas artísticas contemporáneas utilizan de forma natural y espontánea los nuevos medios y se desarrollan dentro de este escenario que ha construido la sociedad digital, de la que forman parte los artistas y creadores.

ESAT, desde su compromiso con la sociedad, propone ahora un modelo de enseñanza del arte y de sus procesos creativos totalmente innovador y de calidad, dentro de los parámetros establecidos por la sociedad digital en la que vivimos hoy, ofertando el 1er Curso de Especialización en Creatividad Digital y Media Art [CDMA], dirigido a nuevos perfiles creativos en la era digital para artistas, creadores de todas las ramas, graduados o licenciados en Bellas Artes y en Diseño y profesionales de cualquier disciplina creativa, que deseen profundizar en el conocimiento y en la práctica de los sistemas productivos del arte con nuevos medios.

Curso de Creatividad Digital & Media Art. Imagen cortesía de ESAT.

Curso de Creatividad Digital & Media Art. Imagen cortesía de ESAT.

PERFIL INTERDISCIPLINAR

Para la selección de los alumnos, los responsables del curso aceptan perfiles interdisciplinares. Se valorará especialmente poseer conocimientos de tipo medio en el uso de herramientas y procesos tecnológicos, así como demostrar alguna experiencia en cualquier rama o campo creativo (plástico o audiovisual) mediante la presentación de currículums y portfolios.

El Curso de Especialización en Creatividad Digital y Media Art [CDMA] utiliza el concepto actual de Medialab como entorno de aprendizaje, creación, producción y difusión. El desarrollo de los trabajos prácticos será permanentemente tutorizado y asesorado por los responsables docentes del curso, quienes emplearán sistemas basados en estrategias actuales de desarrollo del conocimiento, como think-tanks, brainstormings, foros y debates presenciales de entornos vivenciales dentro del propio espacio de trabajo del curso, foros y chats online, lo que se completará con la realización de actividades puntuales fuera del centro.

Perfil Artístico:
Artistas audiovisuales – Media-artists
Diseñadores gráficos

Perfil Humanidades & Comunicación:
Creadores interdisciplinares
Creativos
Comisarios de Media Art
Gestores culturales de la Sociedad
Digital:
Teóricos de Media Culture

Perfil Técnico:
Programadores
Diseñadores Web
Media Designers
Diseñadores de Producto – Ingenieros

Conocimientos medios de herramientas y programas infográficos

Curso de Creatividad Digital & Media Art. Imagen cortesía de ESAT.

Curso de Creatividad Digital & Media Art. Imagen cortesía de ESAT.

OBJETIVO DOCENTE

El curso, dirigido por José Ramón Alcalá, pretende formar a los alumnos en los nuevos modelos de creación en el arte contemporáneo, adiestrándoles técnica y conceptualmente en el uso de los nuevos medios y herramientas tecnológicas y preparándoles para su inserción laboral en la sociedad digital actual, mediante metodologías basadas en el emprendimiento y en la construcción de un pensamiento colaborativo propio, prestando especial atención a las relaciones entre el arte y las industrias creativas y culturales.

Para ello, ESAT pone a disposición del curso los medios técnicos y humanos necesarios para poder crear de forma efectiva durante los nueve meses de su duración una comunidad de pensamiento y actuación creativos, con una metodología experimental, ágil y actualizada utilizando el concepto de Medialab como espacio vivencial permanente donde compartir de forma retroalimentaria experiencias, ideas, conocimientos y propuestas prácticas, aprendiendo directamente con los artistas y profesionales del mundo del arte digital contemporáneo más relevantes: Christopher Lindinger, Lara Sánchez Coterón, Vicente Guallart, Peter Bosch & Simone Simons, Solimán López, Fred Adam & Verónica Perales, etc. serán algunos de los docentes de este posgrado.

ESAT apuesta por modelos eficientes con propuestas pedagógicas experimentales. El CDMA es un curso de titulación propia que capacita a los profesionales que quieran resolver y dar respuesta a la problemática creativa del mundo actual. Un curso necesario para todo profesional que necesite desarrollar su profesión.

http://mediaart.esat.es/

Curso de Creatividad Digital. Imagen cortesía de ESAT.

Curso de Creatividad Digital & Media Art. Imagen cortesía de ESAT.

 

La conquista del lector adolescente

La sepultura 142, de Juan Ramón Barat
Editorial Bruño

¿Cómo conquistar al reacio lector adolescente? ¿Cómo conseguir que los chicos  entre los 12 y 17 años dejen de atender el móvil y escrutar pantallas para centrarse en la lectura? El escritor valenciano Juan Ramón Barat tiene una fórmula que da buenos resultados. Tras casi 30 años como profesor de Literatura en el Instituto de Benimámet, conoce a fondo los sueños e inquietudes de sus alumnos y por ende los de la gente de esa conflictiva edad. Eso le permitió hace tres años crear un personaje que engancha a los chavales, un detective con un sexto sentido por el que percibe lo que los demás no ven. Intriga detectivesca, fantasía, amor, amistad y una dosis de cultura, que siempre va bien.

Daniel Villena en apariencia es un chico de lo más normal. Estudia Ciencias de la Información en Madrid, tiene una novia y compañera de clase, una hermana algo insoportable y una típica familia de clase media, su padre es médico. Pero Daniel también posee una faceta oculta y cierta propensión a meterse en líos que Barat sabe explotar como experto narrador. Es el protagonista de su trilogía juvenil editada por Bruño que le ha proporcionado muchas satisfacciones.

Portada del libro 'Deja en paz a los muertos', de Juan Ramón Barat. Cortesía del autor.

Portada del libro ‘Deja en paz a los muertos’, de Juan Ramón Barat. Editorial Bruño. Cortesía del autor.

“Daniel Villena me va a dar muchos quebraderos de cabeza”, comenta Barat. “Lo digo con amor, porque me he encariñado mucho con él. Se trata de un muchacho entrañable: noble, serio, responsable, inteligente, guapo. Un muchacho que se mete en problemas sin buscarlos. Problemas de muertos, desaparecidos, asesinatos. Y es que Daniel tiene unas cualidades especiales que nadie más posee. Es intuitivo, astuto, pero sobre todo tiene la capacidad de comunicarse con el más allá y penetrar en el tenebroso mundo de los muertos. Eso le genera problemas sin límite”.

El primer volumen de la serie, Deja en paz a los muertos recibió el Premio Hache, concedido por los propios lectores, y existe el proyecto de llevarlo a la gran pantalla. José Enrique March, profesor del CEU San Pablo y director de cine y el productor Antonio Mansilla ya han escrito el guión y están planificando la primera fase de la producción.

Portada del libro 'La sepultura 142', de Juan Ramón Barat. Editorial Bruño. Cortesía del autor.

Portada del libro ‘La sepultura 142’, de Juan Ramón Barat. Editorial Bruño. Cortesía del autor.

Contacto con los jóvenes

Barat reconoce que parte del éxito de la serie –La sepultura 142 es la segunda parte ya en las librerías, y este verano escribirá la tercera—se debe a su contacto diario con los jóvenes. “Sé cómo piensan, qué les gusta, por dónde van sus preferencias”, dice. “Sólo tengo que observarlos, escucharlos, fijarme en los libros y géneros que más les atraen”.

La clave para conectar con los jóvenes, según Barat es “ponerse en su lugar, observar el mundo con sus ojos”. No vale decir ‘en mi época, los jóvenes volvíamos a casa antes de las diez de la noche’, o cosas parecidas. El mundo ha cambiado. Está cambiando siempre.  Hablo con ellos, juego con ellos, riño, discuto, río, bromeo. Sé por dónde van los tiros”.

El autor es indulgente con los menores. “La mayoría de chicos que van al instituto son buena gente, incluso los que no estudian. No se han planteado en serio su futuro y todavía piensan que la vida les va a dar oportunidades sin cuento”.

Juan Ramón Barat. Imagen cortesía del autor.

Juan Ramón Barat. Imagen cortesía del autor.

Crítica a la ESO

No lo es tanto con los políticos, a los que acusa de alargar la ESO de forma contraproducente. “Los que no quieren estudiar deberían comenzar un módulo o formación profesional a los catorce años, incluso antes”, afirma. “Es una barbaridad que tengan que cursar la ESO obligatoriamente antes de meterse en un ciclo profesional. Los que no quieren estudiar no terminan la ESO a los dieciséis años, sino a los diecisiete o dieciocho, porque repiten uno o dos cursos. En resumen, no empiezan un módulo profesional de grado medio hasta los diecisiete o dieciocho años. Esto es una barbaridad”.

Autor versátil

Natural de Borbotó, Juan Ramón Barat, es un escritor versátil que cultiva todos los géneros y escribe tanto para jóvenes como para adultos. Ha publicado un par de libros de poesía: El héroe absurdo (Hiperión) y La brújula ciega (Pre-Textos) y ha ganado varios premios: el Ateneo Jovellanos de Gijón, el Leonor de Soria o el Ciudad de Torrevieja. También tiene poemarios infantiles y juveniles como Sólo para niños, Palabra de juglar o Poesía para gorriones. Piezas dramáticas: Anfitrión y el otro, una versión actual sobre la obra de Plauto llevada a los escenarios por el grupo Alquibla de Murcia, Una de indios y El reino de los mil pájaros. Se siente especialmente satisfecho de sus novelas: 1707 el sueño perdido, de tipo histórico e Infierno de neón, que denuncia el tráfico de mujeres en la España actual.

Amor de madre

“Fue mi madre la que, sin ella saberlo, sembró para siempre en mi alma el amor por la literatura”, cuenta. “Nunca olvidaré aquellas tardes junto al brasero, mientras caía la lluvia sobre la plaza donde creció mi infancia. Vivíamos en una casa campesina y pobre de un pueblo de la huerta llamado Borbotó. Nos envolvía un olor de naranjas y de hierba recién cortada, de paja seca y estiércol de vacas. Mi madre cosía y yo escuchaba embelesado aquella tierna voz suya que me narraba lejanísimas e inolvidables historias de hadas, duendes, brujas y príncipes encantados que jamás han dejado de circular por mi corazón. Una tarde de aquellas me fue revelado el secreto de la felicidad: el amor que mi madre me ofrecía en cada uno de sus gestos era un amor sin condiciones, absoluto. El mejor legado que un adulto puede entregar a un niño”.

Barat.

Juan Ramón Barat. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Giovanna Ribes, con La Familia

La Familia, de Giovanna Ribes
Comienzo del rodaje: viernes 12 de junio, 2105

El próximo 12 de junio se encienden las cámaras para el segundo largometraje de la directora valenciana Giovanna Ribes producida por Taranná Films. Después del éxito de su debut en el mundo de la ficción con Un Suave Olor a Canela que se estrenó en cines el pasado noviembre, la directora se embarca en otro proyecto, La Familia, donde reflexiona sobre las varias etapas de la vida y las relaciones familiares.

Giovanna Ribes (izquierda) con el elenco artístico de La Familia. Imagen cortesía de Taranná Films.

Giovanna Ribes (izquierda) con el elenco artístico de La Familia. Imagen cortesía de Taranná Films.

El equipo artístico cuenta con algunos de los actores y actrices más reconocidos en la Comunidad Valenciana y a nivel nacional. Mireia Pérez y Lola Moltó vuelven  a ser elegidas como protagonistas después de sus excelentes interpretaciones en Un Suave Olor a Canela; Pep Cortés, con su larga trayectoria en cine y televisión, protagoniza el complejo personaje del abuelo Roger.

Será acompañado por el joven y prometedor Ciro Maró en su segundo proyecto de largometraje como protagonista. El reparto también cuenta con las colaboraciones especiales de Sergio Caballero, Hwidar Abdelatif y Joan Gadea.

La directora opta otra vez para una película totalmente valenciana, con respecto a la producción y a las localizaciones, incluso apostando por el valenciano como idioma principal. La Familia recibió ayuda a Guión y Producción de CulturArts IVAC, y cuenta con la colaboración de la productora francesa MC2 Productions. Se espera su finalización en otoño.

Giovanna Ribes preparando el rodaje de La Familia. Cortesía de la autora.

Giovanna Ribes preparando el rodaje de La Familia. Cortesía de Taranná Films.

 

ARCO y zombies

ARCO Madrid 2015
Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015

Hay quien cree que no ha pasado nada y por eso actúa como si nada hubiera pasado. Visitar ARCO hoy es una experiencia muy parecida a la que podía tenerse cuando se visitaba ARCO hace pongamos 25 años. Demasiado parecida. Es cierto que en su andadura la Feria ha pasado por momentos variopintos en cuanto a su oferta se refiere, pero en cualquier caso, y salvo alguna rara excepción, siempre ha predominado el aspecto comercial, que es por otra parte el que confiere sentido al evento.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Así pues, el ARCO de este año podría ser calificado de sobrio; sí, sobrio; hay quien diría elegante pero yo no llegaría a tanto. Y por sobrio entiendo una disposición de stands muy ordenada y racionalista y una selección de galerías cuya oferta podría calificarse de clásica; entendiendo por clásica esa producción que fundamentalmente se encuentra destinada a cubrir paredes y algún que otro hall exquisito.

Pero, ¿qué tiene que ver todo esto con la realidad? Y es aquí donde no queda otro remedio que ponerse antipático.

ARCO siempre es el producto de su director y de su equipo. Y cada edición es el resultado de una decisión. Yo lo he visitado y conocido el mismo día de la inauguración, que como es sabido sólo se encuentra abierto a profesionales. Precisamente es en este punto donde se encuentra la clave de la tesis que quiero plantear, en eso que pueda colegirse del concepto «profesionales».

Para empezar yo diría que hay un sector muy amplio y con muchos intereses dentro del mundo del comercio del arte que sigue creyendo que el arte es lo mismo de hace 30 años. O dicho de otra manera, que sigue sin percatarse de los radicales cambios que se han producido en la sociedad civilizada desde que apareció la primera verdadera promoción de nativos digitales; que además coincide en fecha con la determinante caída de Lehman Brothers.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Para que la feria obtenga un aspecto u otro, lo primero que hace cualquier comité es determinar la interpretación que del concepto Arte hace dicho comité (de hecho las variables que durante su existencia nos ha proporcionado la Feria de Arte se han debido a la diferente forma de interpretar ese concepto; y para eso está el director y el comité de selección, siempre tan controvertido). Pero para que la feria obtenga su sentido la organización debe asumir, en primera instancia, que lo expuesto debe ser vendible. Y entender el arte como un producto elitista (en sus diversos grados, pero elitista), o sea, debe seguir creyendo en el carácter sagrado del producto expuesto que resulta desproporcionadamente caro en comparación a otros productos cuya función se encuentra más clarificada.

Y es aquí donde ARCO me parece una feria absolutamente desfasada. Pero no desfasada por su contenido sino desfasada por su propia existencia en la medida en que nada tiene ya que ver lo allí expuesto y ofrecido con lo que vive toda esa avalancha de nativos digitales que desde 2007 se nos ha venido encima.

Y es que ese carácter lineal que nos inculcó un entendimiento hegeliano de la Historia hacia el despliegue del Espíritu Absoluto ha tocado a su fin. Y muerto el perro se acabó la rabia. Sin Historia no hay posibilidad de Arte. Y por eso la inauguración de ARCO parecía un congreso de gerontología. ARCO ha decidido (o por mera supervivencia, o por puro convencimiento, lo cual sería mucho peor) que el público al que se dirige no puede ser otro que aquel al que su edad no le permite cambiar de hábitos. Es decir, la organización de ARCO ha decidido dirigirse a los que no les queda otro remedio en la vida que creer que no han hecho el primo durante toda su vida. Comprando a precios muy altos lo que muy poca gente estaría dispuesta a comprarle a ellos a precios muy bajos.

Ésta y no otra ha sido la elección de los organizadores: la de atraer a gente que está más cerca de la muerte que de su nacimiento. Así, una feria que exhibe un producto obsoleto (aunque más o menos interesante o decorativo) para gente que está medio muerta.

O por decirlo de otra manera: ARCO se dirige a quien no sólo tiene una casa… sino varias. Sin embargo los jóvenes de hoy ni la tienen ni la quieren, y en sus prioridades no se encuentra la de hipotecar su vida por una casa, sobre todo cuando no saben dónde les va a tocar vivir ni por cuánto tiempo. Su casa es inestable, por lo que sus paredes sólo pueden ser virtuales.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Alberto Adsuara

PhotOn Festival aumenta su beca

PhotOn Festival
Beca para talentos noveles del fotoperiodismo internacional

Photon Festival celebra su quinto aniversario con el lanzamiento de una de las mayores becas de España para talentos noveles del fotoperiodismo internacional. En esta edición el festival crece y aumenta su beca en una apuesta por el fotoperiodismo como forma de comunicación y como indispensable herramienta para el cambio social.

Desde sus inicios, PhotOn Festival ha realizado una gran apuesta por los autores de cualquier edad que, aun sin una trayectoria profesional consolidada, presentan sólidos e interesantes trabajos en el campo del documentalismo y el fotoperiodismo. Siempre pegado a la actualidad, PhotOn premia los trabajos iniciados en los dos últimos años aunque la investigación de los mismos continúe todavía abierta.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

La beca PhotOn 2015 se compone de dos premios. #Premioollerosphotonfestival: El ganador recibirá un premio económico de 2.000 euros entregado por Olleros Abogados en forma de cheque nominativo. Además, la organización del festival realizará la producción expositiva del trabajo del ganador y la mostrará dentro del circuito oficial de la sexta edición del festival en 2016. Esta producción expositiva está valorada en cerca de 2.000 euros.

#Premiofujiphotonfestival: El ganador del premio obtendrá una cámara profesional Fujifilm X-T1 con un objetivo Fujinon XF18-135mm valorada en 1.600€.

El plazo de presentación de trabajos termina el 31 de marzo de 2015 y la deliberación de los premios se realizará, como cada año, durante la semana del festival. Además del equipo organizador PhotOn, el jurado de los premios estará compuesto por los profesionales del fotoperiodismo internacional cuyos trabajos se presentan durante la semana del festival.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

Fotoperiodistas como Manu Bravo, premio Pulitzer 2013 por su cobertura de la guerra en Siria; Samuel Aranda, World Press Photo 2011 por su trabajo de las revueltas en Yemen; Gorka Lejarcegi, premio Ortega y Gasset 2001 o Pedro Armestre, premio Ortega y Gasset 2014, han sido miembros del jurado en las ediciones anteriores.

En 2015 está confirmada la participación como jurado de Daniel Berehulak, fotoperiodista que realizó una potente cobertura de la epidemia del Ébola y Xaume Olleros, fotógrafo valenciano portada de Time el pasado mes de octubre con su trabajo de las protestas en la Umbrella Revolution.

Las bases del concurso están publicadas en la web del festival (www.photonfestival.com) y en sus redes sociales en Twitter y Facebook.

PhotOn Festival está organizado por un equipo de cerca de una decena de profesionales del fotoperiodismo y la comunicación que de manera no remunerada luchan por el fomento del fotoperiodismo. El festival organiza charlas, proyecciones, visionados de portfolios y un circuito expositivo por los principales espacios culturales del centro de Valencia como el IVAM, el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, el Mercado Central o la sala La Metro de Metrovalencia.

La quinta edición del festival se lleva a cabo gracias al patrocinio de la Fundación Cañada Blanch, el Centro Cultural La Nau, Olleros Abogados, y Metrovalencia. Arquitectura Racional y Fujifilm España colaboran en esta quinta edición en la que la cerveza oficial es Cervezas Turia.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

Fotografía de Irving Villegas. Imagen cortesía de PhotOn Festival.

La Sala Off reabre con música y vientos

El cazador de vientos, de Toñi Forascepi
Sala Off
C / Turia, 47. Valencia
Días 9 y 11 de enero de 2015, a las 19.00h

Mestral, Ponent, Garbí o Llebeig, Llevant, Gregal o Tramuntana. Son algunos de los poéticos nombres de las brisas y vientos que acarician las tierras valencianas para alivio del calor cada vez más tórrido. Todos ellos protagonizan la pieza musical con la que la Sala Off se pone de nuevo en modo ‘on’ después de seis años de silencio y unas obras de aislamiento acústico para evitar quejas vecinales que provocaron su cierre. Una buena noticia para los amantes de las artes escénicas y el teatro independiente.

Actores y público al final de la función de 'El cazador de vientos' en Sala Off. Fotografía: Cecilia Cristolovean.

Actores y público al final de la función de ‘El cazador de vientos’ en Sala Off. Fotografía: Cecilia Cristolovean.

‘El cazador de vientos’ es una pieza de teatro musical para todos los públicos diferente y atrevida, dirigida por Toñi Forascepi y basada en un texto del premiado escritor y dramaturgo valenciano Vicente Marco. “Creé un texto dramático a partir de unas indicaciones de la escuela, en concreto de su director Pedro Jiménez Acosta”, dice Marco. “Deseaban que contuviera los elementos propios del género: amor, romanticismo, buenos, villanos y algo de humor. Compuse El cazador… a partir de una idea inicial que me facilitó la primera directora del proyecto Anaís Duperreim. A partir de ese momento mi trabajo concluyó y ellos se pusieron en marcha”.

La obra habla de los sueños, de la posibilidad de imaginar un mundo diferente, de la fuerza de las personas y de las verdades escondidas tras la realidad que nos rodea. Inspirada en las canciones favoritas de los valencianos, recrea la hipotética situación de Krog, un anciano que recoge los vientos en grandes maletas con la intención de que lo empujen muy lejos, y evitar que su familia lo ingrese en una residencia geriátrica. Con la ayuda de la música, las emociones y los recuerdos invaden el escenario. Se mezclan situaciones reales con ficticias, desdibujando así los límites que separan la realidad de la ficción.

Nueve actores que también son cantantes y bailarines muestran su potencial creativo en escena. Pertenecen a la Compañía Off, que en febrero de 2013 estrenó ‘Flechas del Ángel del Olvido’, de Jose Sanchis Sinisterra, dirigida por  José Zamit. En el actual montaje colaboran varios profesores de la Escuela Off, con una puesta en escena característica del género musical supervisada por Toñi B. Forascepi.

Una escena de 'El cazador de vientos', de Toñi Forascepi, en Sala Off. Fotografía: Cecilia Cristolovean.

Una escena de ‘El cazador de vientos’, de Toñi Forascepi, en Sala Off. Fotografía: Cecilia Cristolovean.

15 años en escena

Pedro Giménez y Rafael Cruz fundaron hace 15 años la Escuela Off. Desde entonces el centro contribuye a la formación, producción y exhibición de las artes escénicas valencianas. En estos años se han realizado una treintena de montajes propios, se han formado en artes escénicas a más de 5.000 alumnos y han impartido clases 50 profesores. ‘El cazador de vientos’ estará en cartel hasta el 11 de enero y se representa a las 19 horas.

Con esta pieza musical se abre una temporada en la que Off busca reencontrarse con su público y dar a conocer gran parte del trabajo que se hace en la escuela día a día. Tanto por parte del personal docente en activo, como por los más de 200 alumnos que pasan por sus aulas durante el año, que tendrán un espacio donde mostrar proyectos escénicos. En algunos casos, con puestas en escena de gran nivel profesional.

Festival europeo

La segunda semana de febrero la escuela y la sala Off acogerán el festival europeo Ministry for Favourite Songs, una de las últimas actividades de este proyecto internacional. La escuela y la sala se convertirán en espacio de acogida de diferentes creaciones que marcan tendencia por su calidad artística en los países participantes.

Durante estos días, artistas de toda Europa se darán cita en Off para intercambiar impresiones y experiencias, y clausurar este proyecto que durante dos años ha estado viajando por los países que participan en un interesante intercambio artístico, que ha tenido a la música como principal protagonista.

Una escena de 'El cazador de vientos' en Sala Off.

Una escena de ‘El cazador de vientos’, de Toñi Forascepi, en Sala Off. Fotografía: Cecilia Cristolovean.

Bel Carrasco