Las piedras con memoria de Nuria Riaza

La memoria de las piedras, de Nuria Riaza
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Del 11 de enero al 9 de marzo de 2019

‘La memoria de las piedras’ es la segunda exposición individual de Nuria Riaza en la galería Pepita Lumier. La artista, nacida en Almansa y afincada en València desde hace diez años, ha sabido gestar una carrera profesional a base de constancia unida a una capacidad de trabajo imparable. Esto le ha supuesto ilustrar para Warner Music, Penguim Random House, Valencia Plaza, Panenka o Glamour, entre otros; exponer de manera individual y participar en muestras colectivas en València, Madrid, Barcelona, Bilbao y Zaragoza y ser ganadora del Certamen de Minicuadros de Huestes del Cadí en Elda (Alicante).

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

El bolígrafo azul vuelve a ser su herramienta principal y el hilo gana protagonismo esta vez, rindiendo homenaje a las mujeres que hicieron la vida junto a las que la lucharon, a través del bordado. Una amplia muestra de dibujos con un sinfín de metáforas y de poesía, de técnica sobresaliente y cuidado extremo del concepto, de homenaje a las mujeres, nos acompañarán hasta el 23 de febrero en la galería.

“Puedo hablar de cualquier cosa usando un bolígrafo y un papel como medios de expresión, poniendo mis propias reglas, siempre cambiantes. Dibujo con bolígrafo porque así aprendo a aceptar que el error es parte de cualquier proceso. El hilo suele estar presente en la mayoría de mis dibujos, funcionando como un nexo que nos une a nuestras raíces y tradiciones”, explica la propia artista.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

“La memoria de las piedras cuenta algo crudo de manera poética. Se convierte en un eufemismo para poder hablar  de la memoria. De las pérdidas, el dolor, la soledad y el olvido. De un día en el que, no hace tanto tiempo, el derecho a la vida, a la libertad y al librepensamiento pasaron a ser un lujo”, añade.

Nuria Riaza cuenta que la historia “la escriben tanto los hombres como las mujeres. Aunque en conflictos armados la memoria colectiva se olvide de la figura femenina participando en ella, relegándola a un segundo plano, en la casa. Allí lo único que ha perdurado de ellas han sido sus mantelerías y pañuelos bordados”. Y concluye: “La memoria de las piedras habla del silencio de un país, de las flores secas y marchitas que esperan en hornacinas ausentes”.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

La masculinidad según las mujeres

Medul.la, de La Coja
La Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Del 5 al 10 y del 15 al 17 de diciembre de 2017

La última producción de La Coja está liderada por mujeres que hablan de la masculinidad a través de cuatro hombres intérpretes. Medul·la habla sobre el hombre pero sin contar con su propia voz. Medul·la centra la masculinidad en escena a través de las miradas de un equipo dominado por mujeres. Cuatro intérpretes (Miguel Sweeney,Ivan Colom, Santiago Martínez y Santi de la Fuente) encarnan los deseos, clichés y miedos de los ‘machos’ dejados llevar por la voz y el imaginario de Eva Zapico en la dirección escénica, Raquel Vidal en la producción, la música de Luna y Panorama de los Insecto, el audiovisual de Nerea Coll y la iluminación de Begoña Jiménez.

Un equipo formado por un 80% de mujeres (creadoras, músicos y expertas escénicas) experimentan con un grupo de mujeres que dejan ser obedecidos para escenificar cuestiones de género bajo el nombre Medul·la.

En palabras de Iñaki Moral, ayudante de dirección del proyecto, Medul·la es “un método de ensayo y error hacia la disolución de ese constructo doloroso que es ser hombre”. De esta manera, el último proyecto de La Coja Dansa es una exploración de los límites del concepto clásico de masculinidad, pero -esta vez- narrada por voces de mujeres.

Después de Fer-se un lloc y Desgel (2016), La Coja Dansa estrena Medul·la del 5 al 10 y del 15 al 17 de diciembre en La Rambleta (Valencia). Esta compañía de danza cuenta con una trayectoria artística extensa y diversa ya que lleva desde 2004 produciendo y girando creaciones propias de todo tipo de formatos escénicos y dirigido a todo tipo de público. Medul·la ha formado parte del proyecto Graneros de Creación que ha llevado a cabo conjuntamente Espacio Inestable y La Rambleta.

Este programa posibilita un lugar de trabajo para compañías valencianas, así como la exhibición de 9 actuaciones en la ciudad de Valencia. Todo ello para la consolidación de proyectos artísticos valencianos a medio y largo plazo. Medul·la también ha contado con el apoyo de l’Ajuntament de València y IVC-CulturArts.

Medul.la, de La Coja. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Medul.la, de La Coja. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Mujeres combatientes y víctimas

La voz dormida, de Dulce Chacón, por Euroscena
Sala Russafa
C / Dénia, 55. València
Del 23 al 26 de noviembre de 2017

Vida no hay más que una, pero la cordobesa Pepita Patiño ha tenido varias. La suya, real; pero también la que Dulce Chacón reflejó en la novela ‘La voz Dormida’, la que llevó al cine Benito Zambrano en la película homónima y la que ahora llega a las tablas de la mano de Euroscena.

La compañía toledana en 2015 obtuvo el Premio del Público de Sala Russafa al Mejor Espectáculo Nacional con su montaje de ‘La puta enamorada’. Esta semana, del jueves 23 al domingo 26 de noviembre, es la encargada de cerrar el ‘VII Ciclo de Compañías Nacionales’ del centro cultural de Ruzafa con el estreno en la Comunitat de ‘La voz dormida’.

La voz dormida. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La voz dormida. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El espectáculo pone sobre las tablas la represión sufrida por las mujeres que militaron o que simplemente estaban emparentadas con el bando perdedor de la guerra civil. Una realidad silenciada en esa ‘voz dormida’ que la protagonista de esta emocionante historia despertó.

“Hablar me sirve para recordar a mis muertos. Ya nunca tendremos la voz dormida al lado de la boca, hermana. La voz que no quiso contar que todos habían muerto, ha despertado”, escribió Dulce Chacón en una conmovedora historia, elegida Libro del Año por el Gremio de Librerías de Madrid. Después de la literatura y el cine, ahora llega a las artes escénicas de la mano de la adaptación teatral realizada por Cayetana Cabezas y la dirección de Julián Fuentes (Premio Max 2015 al Mejor Director de Escena y Mejor Espectáculo por Cuando deje de llover).

El proyecto arrancó impulsado por la actriz Laura Toledo, protagonista del montaje, a raíz de la muerte a los 91 años de la verdadera Pepita Patiño. Una mujer sencilla, que encarnó la memoria histórica y que ahora, en cada función, vuelve a la vida, luchando contra el olvido y encontrando una nueva oportunidad para sentir aquel amor por un maqui que la llevó a la Cárcel de las Ventas, donde se amontonaban otras muchas mujeres. Personajes de ficción, pero basados en hechos y seres reales, que vamos conociendo a partir de la mirada dulce de Pepita, en la que el amor es el cristal a través del cual se observa la más dura posguerra española. Una emotiva trama que sirve como defensa de la dignidad de las mujeres que sufrieron doblemente la contienda, como combatientes y víctimas, pero también por el menosprecio de su condición femenina.

Descrito por la crítica como una “pequeña joya teatral, que es un canto de amor y para la paz, la libertad y la justicia, un alegato a favor de la verdad” (Alberto Román, Diario Úbeda Ideal), la pieza ha emprendido una gira por el país, pasando por ciudades como Zaragoza, Córdoba o Sevilla, en la que se incorpora su visita a Sala Russafa.

Servirá para completar el ‘VII Ciclo de Compañías Nacionales’, que desde el 6 de octubre ha ofrecido siete propuestas, seis de ellas estrenos en la comunidad o ciudad. Una programación con la que Sala Russafa se marca cada año el objetivo de ofrecer una panorámica de la escena nacional mostrando el trabajo de formaciones de formato mediano, solvente trayectoria e interesante factura artística, pero que en raras ocasiones tienen la oportunidad de actuar para el público valenciano.

La voz dormida. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La voz dormida. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El mes de diciembre arranca en Sala Russafa con una iniciativa que por primera vez llega a Valencia. Se trata del Circuito Ibérico de las Artes Escénicas, fruto de la colaboración entre entidades privadas de gestión artística de Portugal y España. Un proyecto que lleva en funcionamiento desde 2015 y que en esta edición alcanzará las 80 representaciones.

El centro cultural de Ruzafa se ha sumado preparando un ‘Ciclo de Teatro Portugués’, pionero en la Comunitat, que invita a los espectadores valencianos a descubrir algunas de las propuestas más interesantes de la escena lusa actual. Con sobretítulos en castellano, el viernes 1 de diciembre y el sábado 2 se estrenarán en la Comunitat, respectivamente, una versión del clásico contemporáneo ‘As criadas’ de Jean Genet y un montaje de creación propia, que ahonda en la cultura de raíces lusas: ‘Um punhado de terra’.

Mujeres y arte protagonizan De Par en Part

Festival de Par en Part
VI Bienal de Arte y Diseño
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 26 al 29 de octubre de 2017

Las mujeres están en el punto de mira del Festival de Par en Part, en Buñol, que abrió sus puertas este 26 de octubre. La mayoritaria presencia femenina ha sido uno de los propósitos de la Concejalía de Cultura y la organización del festival que buscan dar protagonismo y visualizar el papel de la mujer en el arte y en la sociedad, según afirma Arantxa Bonillo, codirectora del evento.

La muestra ‘La ciudad de las mujeres. Fotografía, espacios y género”, que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, propone pensar la ciudad como espacio político desde una perspectiva de género, enfrentándose así a la persistente exclusión femenina de lo público y reivindicando la condición de ciudadanía que ellas han conquistado.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Los siete proyectos sobrepasan el lenguaje fotográfico para descubrir otros como formas expresivas como la instalación audiovisual, el vídeo o la cartografía. Las autoras narran historias mediante diferentes mujeres y espacios: sus recorridos, sus acciones diarias, y se detienen para reflexionar sobre su papel en la vida política, la vida pública, su territorialidad y su representaciónen el espacio urbano.

Otro plato fuerte en De Part en Part es la exposición personal de la artista Elena Martí. Bajo eltítulo'”Frágil’, la muestra reúne un conjunto de obras de distintos formatos y técnicas con unelemento común, la fragilidad que nos transmiten los materiales con los que trabaja. Elena Martí elabora “paisajes” con elementos naturales y óxidos, regidos por la acción del tiempo y su efecto en la materia.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Las cinco intervenciones de arte urbano en el entorno de Buñol serán realizadas por mujeres, con muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Las otras intervenciones de street art irán de la mano de la artista uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta enespacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

De igual manera, destaca la mayoritaria presencia de artistas mujeres que presentan sus obras enlas 35 casas, locales y estudios abiertos al público durante los tres días de festival.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

Mujeres empoderadas

Imágenes de(l) poder-Cartografía de lo invisible, de Carmela García
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 17 de septiembre de 2017

Ahí están, mirándonos de frente, interpelándonos. Carmela García (Lanzarote, 1964) fotografía a mujeres, tanto solas como juntas en carácter asociativo, para mostrar con rotundidad su presencia. “Es una forma de posicionarse muy clara, sin artificios; quería que fueran retratos muy limpios, interpelando al espectador, diciendo aquí estoy”. El resumen de esa explicación está contenido en la frase “lo que no se ve no se nombra y lo que no se nombra no existe”, que figura en el mapa o búsqueda de ideas inscrito a modo de prólogo del proyecto expositivo Imágenes de(l) poder. Cartografía de lo invisible, que acoge el IVAM hasta el 17 de septiembre.

En torno a ese poder que se critica, al tiempo que se demanda, gira la exposición de Carmela García, que lo completa una instalación de video. En esta pieza, un equipo de fútbol de mujeres lesbianas ocupa una sala de juntas, símbolo de cierto poder, con un balón que viene a quebrar la seriedad del espacio. Tres grandes pantallas van mostrando diferentes puntos de vista de esa apropiación del poder que atraviesa el conjunto expositivo. “Las coloqué ahí naturalizando esa ocupación”, señaló la artista canaria.

Una joven frente a una de las obras de la exposición de Carmela García 'Cartografías de lo invisible' en el IVAM.

Una joven frente a una de las obras de la exposición de Carmela García ‘Cartografías de lo invisible’ en el IVAM.

Las fotografías y el video están arropadas con un discurso desplegado en la pared de la Galería 6 del IVAM, a base de referencias a mujeres como Lucía Sánchez, Sara Berenguer, Manuela Ballester o Alejandra Soler, de quien García recuerda este consejo: “No mires para atrás; me pareció un consejo heroico”. Quizás por eso las mujeres que fotografía Carmela García van siempre de frente. Como la propia artista al interrogarse por ese poder tan presente en la muestra: “¿Qué es el poder? El poder reside en ellas mismas”.

Hay muchas representadas, como la librera especializada en feminismo Heide Braun, Mariló Rodríguez, antorcha en mano del colectivo Jóvenes Desobedientes, las Heidis de ese equipo femenino, o las que forman parte de asociaciones como Women in Black, Mujeres Libres o Dones Progresistes, además de las mencionadas con fuerte pasado combativo durante la República. De hecho, este fue el hilo conductor de la exposición, tal y como señaló García: “Aquellas mujeres fueron muy combativas, muy modernas y herederas de toda esta lucha y resistencia a favor de la libertad”.

Obra de Carmela García de la exposición 'Cartografías de lo invisible' en el IVAM.

Obra de Carmela García de la exposición ‘Cartografías de lo invisible’ en el IVAM.

Imágenes de(l) poder es un proyecto específico para Valencia, tal y como recordó José Miguel Cortés, director del IVAM. Un proyecto que permite cartografiar la ciudad mediante “mapas que no encontraremos en las oficinas de turismo”, y a través de un trabajo “serio y reflexivo sobre esa parte ninguneada de la sociedad como son las mujeres en el espacio público, y más todavía si son lesbianas”, subrayó Cortés.

Para interpretar cada una de las imágenes se hace necesario inscribirlas en el conjunto. “Toda fotografía por sí sola está sujeta a interpretación, al igual que la propia representación”, de ahí que la artista aconseje su inscripción en el discurso teórico que la sustenta. Cortés intervino para decir que el trabajo de García “tiene una concepción espacial”, de manera que el carácter relacional se impone sobre cada una de las obras por separado. En una de ellas, de las pocas sin mujeres ocupando su espacio, se puede ver un escenario vacío con el telón bajado que, en su día, acogió a un colectivo de mujeres antifascistas. Pura representación.

Carmela García junto a Jose  Miguel Cortés. Imagen cortesía del IVAM.

Carmela García junto a Jose Miguel Cortés. Imagen cortesía del IVAM.

Y como el poder es también representación, Carolina García juega en la exposición con ella, mostrando en diversos puntos de Valencia a esas mujeres empoderándose de la ciudad con su sola presencia. “Al visibilizarlas les dotas de un poder que no tenían antes de tomar esos espacios”, indicó la artista. Según Cortés, su reflexión gira en torno “al proceso subjetivo de lo que tiene que ver con las empatías, con las pasiones o las amistades que van dando sentido a los colectivos”. Empatías y pasiones, eso sí, tratadas con la sobriedad de quienes miran a cámara muy seriamente.

Vista de la exposición 'Cartografías de lo invisible' de Carmela García. Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘Cartografías de lo invisible’ de Carmela García. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

30 Mujeres al límite

Treinta mujeres fascinantes en la historia de Valencia
Generación Bibliocafé
Vinatea Editorial

La mujer fue relegada durante siglos a papel de comparsa, personaje secundario en el gran teatro de la historia. Sólo se le permitía adquirir cierto protagonismo en función del varón al que estuviera vinculada. Madre, hija, hermana, esposa o amante. Excepto un puñado de mujeres que lograron hacer oír su voz por encima de la mordaza del androcentrismo, la mayoría quedó acallada e invisible. Pero las tornas han cambiado y en los últimos años asistimos a un movimiento espontáneo de recuperación de estas féminas ninguneadas en distintos campos, tanto en el arte como en la ciencia, tanto en tiempos de paz como en la guerra.

Las autoras del libro junto al editor de 'Treinta mujeres fascinantes en la historia de Valencia'. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

Las autoras del libro junto al editor de ‘Treinta mujeres fascinantes en la historia de Valencia’. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

A este movimiento corresponde un libro de relatos que sorprendió como uno de los éxitos de venta en la pasada Fira del Llibre, ‘Treinta mujeres fascinantes en la historia de Valencia’ (Vinatea Editorial). Un trabajo coral de una treintena de autoras, parte de ellas miembros del colectivo Generación Bibliocafé, que recrean las vicisitudes de personajes femeninos del pasado desde reinas y santas a putas y asesinas. Mujeres que vivieron vidas más o menos novelescas, al límite. Con este libro se estrena la nueva editorial Vinatea a cargo de Salvador Raga, artífice de un proyecto literario con cariz solidario, pues tanto la editorial como las autoras ceden sus derechos a la Penya Valencianista presidida por José María Tomás y Tío, que tutela a niños y adolescentes en riesgo de exclusión social.

Las mujeres fascinantes no fueron elegidas según criterios de excelencia moral, sino atendiendo al interés e intensidad de sus vidas, a su carácter novelesco. Así, aparecen por riguroso orden cronológico, desde la época romana a nuestros días, reinas y aspirantes a reinar, artistas y científicas, pero también dementes, brujas, prostitutas y asesinas. La única viva es la química Pilar Mateo famosa por sus investigaciones contra el mal de Chagas y otras enfermedades endémicas.

Cada relato incluye una ficha sobre el personaje y la autora correspondiente. “Todas las mujeres que incluye el libro vivieron al límite del abismo sin conformarse con aquello que el destino les tenía reservado”, dice Raga. “Remitiéndome al título, puedo decir que todas las historias que recoge son fascinantes, aunque no todas las mujeres fuesen admirables. Fueron hijas de su tiempo y relatan la Valencia que para bien o para mal vivieron”.

Marisol Sales. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

Marisol Sales. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

Con apenas 16 años Marisol Sales es la benjamina del grupo de escritoras, estudiante de Bachiller y creadora de la saga fantástica ‘Las Crónicas del Ángel’. Demuestra sus magníficas dotes de narradora en su relato ‘Providencia sobrenatural’ en el que describe los sucesos ocurridos tras el hallazgo, en abril de 1447, del cuerpo incorrupto de una joven, Angelina Bertran en el cementerio de la parroquia de San Lorenzo.  “Salva Raga me propuso el caso de Angelina y de  lo que ocurrió tras su exhumación y luego tuve que documentarme para poder escribir la historia, siendo fiel a la Valencia de la época”, cuenta Sales.

“No fue fácil ya que Angelina no fue conocida en vida, sino que la quisieron convertir en santa después de desenterrar su cuerpo incorrupto ocho años después de haber fallecido. Fui a la biblioteca Nicolás Primitiu a buscar toda la información posible. Me sumergí en un montón de libros de la época medieval en Valencia y después de cuatro horas tomando notas de calles, forma de vida sociocultural, influencia religiosa, etcétera me fui a casa y con toda la información empecé a darle forma a la historia y a meterme en la piel de cada personaje. Cuando terminé quedé muy satisfecha con el resultado y esta nueva experiencia quizá de pie en un futuro que me atreva a escribir alguna novela histórica”.

Patricia Conde. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

Patricia Conde. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

La polifacética Patricia Conde, licenciada en Comunicación Audiovisual, piloto y futbolista recrea el ambiente de los burdeles valencianos que en la Edad Media fueron célebres en todo el orbe cristiano. Su relato se titula ‘Las tres mujeres del burdel: Maria, Foytama y Nuzeya’, nombres de tres musulmanas, que ejercieron la prostitución durante la Edad Media. “Me hablaron de estas tres valientes y no pude resistirme a sumergirme en su realidad e intentar comprender las decisiones que tomaron y su forma de vida”, dice Conde.

“Parece que la Edad Media es algo del pasado pero yo veo referencias a esa época cuando se produce una matanza, un hecho primitivo, o algún acto de intransigencia. Además, el legado medieval configura nuestras ciudades, nuestras costumbres, nuestras tradiciones, nuestras lenguas y nuestra manera de vivir. Siempre podemos aprender muchísimo del pasado, aunque viendo nuestra historia da la sensación que inevitablemnte repetimos los mismos errores”, concluye Conde.

María Tordera. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

María Tordera. Imagen cortesía de Vinatea Editorial.

Eva García Guerrero y María Tordera son las escritoras que más se han remontado hacia atrás en el tiempo. La primera con Aras y Estelas que cuenta la vida de la liberta romana Viria Acte. En ‘La ciudad del paraíso’ Tordera se centra en la figura de la poeta Alarudhia que vivió hacia la mitad del siglo XI. “Aunque existen muy pocas referencias históricas, según fuentes de la época era una erudita, una mujer sabia, con una gran memoria y gran capacidad para enseñar a los demás”, dice Tordera.

“Tenía discípulos hombres, lo que llama mucho la atención. En 1009 las tensiones internas de Al-Ándalus desembocan en una guerra civil y Alarudhia tuvo que vivir estos cambios históricos y adaptarse a ellos. Era mawlá, cuya traducción sería cliente en el sentido romano, pero su situación sería probablemente más parecida a una sierva. No se conserva ningún poema de Alarudhia, así que pensé que debía visibilizarla poniendo en primer lugar aquello que amó, la poesía. Es la razón por la que utilicé en el relato una prosa poética inspirada en los grandes cantores árabes de los jardines de Balansiya: al-Zaqqaq, Ibn Jafaya y al-Russafí”.

Desde famosas artistas como Lucrecia Bori a oscuras asesinas como la envenenadora Pilar Peña, la última mujer ajusticiada por garrote vil. Y así, hasta una treintena de figuras femeninas muchas de ellas rescatadas de las sombras del olvido. Una encomiable tarea que tendrá continuación en un segundo volumen.

Portada del libro.

Portada del libro. Vinatea Editorial.

Bel Carrasco

CONVOCATORIA MULIER MULIERIS #11

Convocante: MUA Museu Universitat d´Alacant
Dotación: exposición
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 12 de diciembre 2016

11 CONVOCATÒRIA D’ARTS VISUALS
MULIER MULIERIS
Mulier mulieris proposa una reflexió plural i compromesa amb la construcció de nous imaginaris femenins a través de l’art.
A qui va dirigida?
Artistes de qualsevol sexe, edat i nacionalitat.
Recepció de les propostes
El termini de recepció de propostes serà del 17 de novembre al 12 de desembre de 2016, tots dos inclusivament.
Documentació
Les/els participants hauran d’enviar la proposta en un únic PDF que no excedisca els 5 MB. NO
S’ADMETRÀ UNA ALTRA CLASSE DE FORMAT.
L’índex del PDF serà:
1. Dades personals amb còpia del DNI
2. Descripció del projecte
3. Fitxa tècnica
4. Imatges de l’obra o sèrie
5. Currículum
No serà necessari presentar l’obra físicament.
El tema tindrà relació amb l’objecte de la convocatòria.
S’admetrà qualsevol tipus de disciplina artística.
En cas de tractar-se d’obres amb particularitats de muntatge, s’hi hauran d’adjuntar les instruccions corresponents.
ADREÇA A LA QUAL S’ENVIARAN LES
PROPOSTES:
Correu electrònic: mua.convocatorias@ua.es
Decisió
El museu publicarà la llista amb les persones seleccionades en la pàgina web www.mua.ua.es al final de gener. Només estes rebran notificació per correu electrònic.
Exposició
L’exposició es farà durant el març i maig de 2017.
Es podrà modificar la data si l’organització ho requereix.
El nombre d’obres exposades podrà variar depenent de les característiques i del nombre d’artistes que se seleccionen.
El museu editarà un catàleg de la mostra, del qual es remetran exemplars a els/les seleccionats/des.
Responsabilitat
El Museu de la Universitat d’Alacant procurarà la bona conservació de les obres durant el temps que estaran en el seu poder.
Devolució després de l’exposició
Es preveu un fons per a devolució d’obra en virtut de la disponibilitat pressupostària i fins a un límit legal de 600 € en total.
El museu coordinarà amb cada participant la devolució de l’obra.
Drets
Els organitzadors es reserven el dret de modificar o prendre iniciatives no regulades per aquestes bases amb l’objectiu de millorar l’organització de la convocatòria.
La participació en aquesta convocatòria implica l’acceptació d’aquestes bases, com també de les decisions del jurat.

Bases completas
Portada: imagen de varias obras de la pasada edición 2015

Gatos, mujeres y arte de Shag

‘Drinking Spree’ de Josh Agle
La Fiambrera Art Gallery
C / Pez 7. Madrid
Del 9 de septiembre al 5 de noviembre de 2016

La exposición ‘Drinking Spree’ se construye alrededor de seis obras nuevas, realizadas especialmente para esta muestra. En todas ellas, pinturas acrílicas sobre madera, los protagonistas son una mujer, una obra de arte, un gato, y un cóctel (varios de los elementos y símbolos recurrentes en los cuadros de Shag). Acompañan a estas pinturas originales una selección de serigrafías procedentes de la colección privada del artista y otras de su producción reciente, todas ellas a la venta. ‘Drinking Spree’ hará las delicias de los muchísimos seguidores de Shag, además de ser una ocasión inmejorable para conocer al artista (que asistirá a la fiesta de inauguración), y disfrutar de su obra original en directo.

Sobre el artista

Detrás de la firma Shag se esconde el artista norteamericano Josh Agle, nacido en California en 1962 (su nombre artístico está formado por las dos últimas letras de su nombre y las dos primeras de su apellido). Shag, que empezó siendo un favorito de culto después de su primera exposición en la influyente galería californiana La Luz de Jesús en 1998, es uno de los más conspicuos representantes del movimiento Lowbrow. En los últimos años se ha convertido en un exitoso artista cuyas obras son coleccionadas por famosas estrellas de Hollywood, (como Whoopi Goldberg, Ben Stiller, Seth Green, Rob Zombie, o Nancy Sinatra entre otros muchos) y  expone en las mejores galerías de Nueva York, Los Angeles, o Sidney.

La obra de Shag se distingue por un estilo único que partiendo de la ilustración y el grafismo americano de mitad del siglo veinte, recrea escenas teñidas de ironía y de humor travieso más características de nuestro tiempo. Sus cuadros, de apariencia kitsch, líneas claras y colores brillantes, celebran el consumismo y la buena vida; sus personajes beben, fuman, y comen en escenarios estilosos y sofisticados, en casas de Richard Neutra o John Lautner, amuebladas por los Eames, Eero Saarinen, Arne Jacobsen y George Nelson. El punto de vista de Shag es el de un espectador distante, al que lo que realmente interesa es la historia que se intuye detrás de las imágenes, la cual no explica, y su narrativa misteriosa e inquietante. No faltan la crítica y la sátira, que utiliza a veces en la ridiculización de algunos personajes.

Pousse Cafe, Shag. Imagen cortesía de la galería.

Pousse Cafe, Shag. Imagen cortesía de la galería.

“Inicialmente estaba inspirado por artistas anónimos de los años 50 y 60, así como por algunos ilustradores que me eran familiares como Gene Deitch, Jim Flora o Rolly Crump. Mi idea era coger lo que era viejo arte comercial y promocional de la época y usarlo de una forma más contemporánea añadiendo un poco de sarcasmo, ambigüedad, y humor negro. Conforme mi carrera ha ido avanzando he mirado a otros artistas cuya obra es plenamente reconocible y forma parte del panorama de la cultura pop, como Edward Gorey, Keith Haring o Andy Warhol”.

Agle, nacido en el seno de una familia mormona, creció en Hawai y luego Los Angeles. Comenzó estudios de contabilidad y arquitectura para abandonarlos al poco tiempo por Bellas Artes, graduándose en la Universidad de California en Long Beach. Al principio de su carrera se dedicó a la ilustración comercial, apareciendo sus diseños en medios como TIME o FORBES entre otros clientes, (y a tocar la guitarra con grupos como The Tiki Tones o The Huntington Cads) pero a finales de los años 90, con la explosión del arte lowbrow y la cultura tiki, decide centrarse principalmente en su arte y sus exposiciones, seleccionando enormemente desde entonces sus encargos comerciales (por ejemplo la serie de cuadros realizados para Disney para la conmemoración del 40 aniversario de Disney World). En palabras de Billy Shire, coleccionista y fundador de la galería La Luz de Jesús, “Shag ha creado un nuevo estilo que podría denominarse como el hipster-cool del siglo XXI”.

Surcando L’Horta valenciana

‘Solcades’ de María José Planells
Galería 9
C / Conde Salvatierra, 9. Valencia
Hasta el 15 de abril de 2016

‘Solcades’ es un conjunto dinamizador de varias disciplinas que giran entorno a una misma idea. Obra gráfica, instalación, libro de artista e incluso una acción performática, son los enclaves que la artista utiliza para poner en valor a la mujer desde una perspectiva que podría resultarnos muy cercana. Mezclando técnicas de grabado como el grabado calcográfico, la litografía, el linograbado o la xilografía, Planells consigue crear texturas que hacen de su estética algo reconocible.

Tomando la premisa de que las mujeres han sido, desde siempre, las responsables de aportar alimentos y cuidados a los hijos, María José Planells forma un discurso de visibilización de este papel. Una verdad que ha sido, en muchas ocasiones, olvidada y menospreciada. De este modo, tomando como referencia próxima a las mujeres de L’Horta de Valencia plantea un recorrido expositivo en el que desea crear una dualidad continua entre el cuerpo humano y la naturaleza. De ahí que prácticamente todas sus piezas posean ese carácter natural que se ve claramente reflejado en obras como ‘Celular I’ (2016) o ‘Petjada arrel’ (2014).

'Celular I' (2016) Litografía. Imagen cortesía de la galería.

‘Celular I’ (2016) Litografía. Imagen cortesía de la galería.

El título de la exposición se toma de una de las piezas centrales, ‘Solcades’ (2016), que podría resumir perfectamente el doble significado de toda la exposición. Dicha pieza se compone de una litografía y fotolitografía que se expande por el suelo, escribiendo con tierra oscura la palabra que parece repetirse: solcades. Esta obra parece haber sido elegida para explicar el conjunto de la exposición.

Se recoge de ella un un doble significado relacionado con la palabra. El grabado, como técnica principal, lleva implícito una hendidura en el papel, un surco que, al finalizar, acabará conformando la obra. Al mismo tiempo, a raíz del sugerimiento continuo de lo agrícola que la artista no olvida en ningún momento, se forma la imagen mental de un surco de tierra que va tomando forma conforme observamos la exposición. Desde luego, la artista Maria José Planells ha conseguido dejar huella con sus leves y etéreos grabados.

'Solcades' (2016) Litografía y fotolitografía. Imagen cortesía de la galería.

‘Solcades’ (2016) Litografía y fotolitografía. Imagen cortesía de la galería.

María Ramis

Cuatro mujeres supervivientes

La sal que ens ha partit, de la compañía Fil d’Arena
Sala Ultramar
C / Alzira, 9. Valencia
Jueves 11, viernes 12 y sábado 13 de febrero, 2016, a las 20.00h

Diez paneles de policarbonato soportan a la vez que son soportados, transforman el espacio y generan imágenes evocadoras. Sobre ellos y debajo de ellos, cuatro mujeres pelean por sobrevivir. Un espectáculo potente con imágenes evocadoras que une teatro, danza y escenografía practicable.

Desde la sala recuerdan que este trabajo es otra forma de mostrar una creación que se asienta en la voz autorial. “Son muchas la compañías de danza que trabajan desde este prisma y en Ultramar queremos mostrar estos trabajos porque sabemos que el público va a salir encantado con lo que ha visto”.

La sal que ens ha partit. Fotografía de Brais Rouco por cortesía de Sala Ultramar.

La sal que ens ha partit. Fotografía de Brais Rouco por cortesía de Sala Ultramar.

La sal que ens ha partit, de la compañía Fil d’Arena, podrá verse en tres únicas funciones, los días 11, 12 y 13 de febrero a las 20 horas. Las entradas tienen un precio general de 10 euros y y pueden conseguirse a través de la página web de la sala, en el apartado reservas (www.salaultramar.com/reservas) y en los canales de venta de  www.atrapalo.com

Además, la sala mantiene para este fin de semana los descuentos habituales para alumnos de las escuelas de arte dramático y de la Universidad de Valencia. “También continuamos con la promoción de descuentos del 20% sobre el precio de las entradas para aquellos que acudan con una entrada del Teatre Micalet a taquilla, queremos hacer público y público del barrio”, comentan desde Ultramar. Todos los descuentos pueden consultarse en la web de la sala www.salaultramar.com o directamente en taquilla.

Fotografía de Brais Rouco por cortesía de Sala Ultramar.

La sal que ens ha partit. Fotografía de Brais Rouco por cortesía de Sala Ultramar.