La mujer y la ciencia ficción

#MAKMALibros #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Elia Barceló
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Domingo 2 de agosto de 2020

‘La mujer y la ciencia ficción’ es uno de los títulos más frecuentes en tertulias, mesas redondas, artículos de fanzines e, incluso, publicaciones académicas. O al menos lo ha sido hasta hace muy poco. 

Tenemos tanta costumbre de oírlo que casi ni nos llama la atención o, incluso, puede parecernos moderno, progresista, casi feminista, el unir estos dos términos tan dispares. ¿Tan dispares? Porque esa es la cuestión, que lo que implica ese título es que se trata de dos ámbitos que a nadie se le ocurriría poner juntos. ‘La berenjena y el chocolate’ o, todavía más atrevido, ‘La berenjena y la máquina de coser’. 

¿Alguna vez hemos tenido una tertulia, mesa redonda, conferencia o artículo sobre ‘El hombre y la ciencia ficción’? No, claro, porque se sobreentiende que ese es su dominio, tanto la ciencia como la ficción. Sin embargo, estadísticamente, hay menos lectores que lectoras (en cualquier género) y son muy pocos los hombres que leen ciencia ficción, comparados con los que prefieren la novela negra, el thriller, las historias de espías o los periódicos deportivos. Por no hablar de los que escriben ciencia ficción, que también son apenas un puñado entre los hombres que se dedican a otros géneros. 

ciencia ficción
Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

No obstante, a nadie se le ha ocurrido hablar de ‘El hombre y (el género que sea)’. Desde que existe la escritura, los varones han considerado que todo lo que tenga que ver con creatividad, reflexión, análisis o cualquier actividad del espíritu era de dominio masculino, y las mujeres lo hemos aceptado con más o menos naturalidad, porque siempre nos dijeron que las mujeres no servimos para eso, que las mujeres nunca habíamos aportado al mundo nada que valiera la pena.

En nuestras escuelas jamás nos dijeron que el primer texto occidental que se conserva fue escrito por Enheduanna, una mujer en Sumeria; nunca nos hicieron aprender nombres femeninos y sus obras –que existen, que existieron en todos los siglos, a pesar de las obvias dificultades por la falta de formación para las mujeres–; nos ocultaron los logros de nuestras antepasadas en las ciencias y las artes, para dejar solo –puntualmente– el recuerdo de algunas mujeres que se destacaron por su belleza, su santidad o su perfidia, los únicos campos en los que una mujer tenía derecho a destacar: Eva, Helena de Troya, Penélope, la Virgen María, Cleopatra, Isabel la Católica, Santa Teresa de Jesús, Lucrezia Borgia, Isabel de Inglaterra, Catalina de Rusia, Mata Hari… 

Ha costado mucho ir descubriendo pintoras, músicas, poetas, arquitectas, ingenieras, astrónomas, científicas de todas las ramas… y escritoras de género fantástico y de ciencia ficción. Se ha quitado importancia al hecho de que la primera novela de ciencia ficción –’Frankenstein’–, fue escrita por una mujer: Mary Shelley; y que las primeras novelas de terror fueron escritas por una mujer, que se hizo famosísima en su época: Anne Rathcliffe.

La ciencia ficción como género moderno dio un auténtico salto hacia la calidad literaria cuando, en los años sesenta del siglo veinte, irrumpieron las primeras mujeres en un panorama dominado por hombres que, en su mayor parte, escribían sin muchas ambiciones literarias para un público de hombres que se dedicaban a profesiones técnicas y no tenían mucha cultura de letras. 

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Las mujeres, que nos hemos formado en la lectura de obras clásicas de ciencia ficción escritas por hombres, sabemos hacerlo igual que ellos, pero hemos añadido muchos temas nuevos en el género por el simple hecho de que aportamos otra visión, otras preocupaciones. Las escritoras de fantástico y ciencia ficción hemos introducido temas de la enorme problemática del género y el sexo, temas de la maternidad, la reproducción… Problemas que siempre han existido en la realidad, pero que ningún hombre había considerado dignos de pasar a una novela.

A esto se añade que en los últimos tiempos hemos llegado a un nivel de exigencia literario que habría sido casi impensable cuando la CF era un dominio masculino para narrarle a los jóvenes técnicos e ingenieros pequeñas historias con protagonistas que empezaban siendo poca cosa y acababan siendo superhéroes, que rescataban a la chica florero –muchas veces la secretaria de la empresa donde trabajaba el técnico– del pérfido alienígena con pinta de insecto (el famoso BEM, por las siglas de Bug-Eyed Monster) y realizaban el sueño americano siendo ascendidos, comprándose un coche último modelo y una casa con jardín en un buen barrio periférico. 

Las mujeres actuales en la ciencia ficción hacemos cualquier cosa que queramos hacer, porque somos capaces de hacerlo. Hay quien se decanta por el space opera, la gran épica, la parodia, la literatura prospectiva o extrapolativa, la lírica, el terror, la novela enigma… Hay quien trata temas de primer contacto, de robótica, de catástrofes ecológicas, de dilemas éticos, de procreación, de diferentes posibilidades sexuales y eróticas, de batallas galácticas…

No hay ningún camino cerrado para nosotras y las mujeres más jóvenes, las que están empezando ahora, seguramente ni siquiera saben, más que desde una distancia histórica, que hubo un tiempo en que tuvimos que luchar por nuestro derecho a escribir lo que quisiéramos. Hubo un tiempo en el que a mí, por poner un ejemplo personal, un importante escritor alemán me dijo que “cómo es posible que una chica tan joven y tan simpática haya escrito un relato tan espantoso” (se refería a ‘Loca’, que estuvo nominado al Ignotus de 1994 y acaba de ser reeditado en la antología ‘Insólitas’, compilada por Teresa López-Pellisa y Ricard Ruíz) y que cuando escribiera “algo más bonito” (sic), le encantaría poder publicármelo. 

Nunca volví a mandarle nada y, desde entonces, he escrito con total pasión y libertad, he encontrado editoriales que han querido publicarlo, así como lectoras y lectores a los que no les ha importado que la autora fuera una mujer y escribiera ciencia ficción. 

‘Demon Girl III’, de la ilustradora De la Cage.

Elia Barceló

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

La mirada del deseo

Entre tus líneas, dibujos de Nacho Casanova en Estudio 64 (Carrer de Benicolet, 2. Valencia). Hasta el 31 de julio
Un palco en el teatro del mundo. Colección pura formalidad, fotografías de Cueto Lominchar en la Sala Oberta de La Nau. Hasta el 12 de septiembre de 2017

Desde las Venus paleolíticas a los retratos cubistas de Picasso. De las opulentas modelos de Rubens a las estilizadas de Modigliani, el cuerpo femenino ha sido tema recurrente de los artistas como representación de la belleza y el deseo de poseerla. Nuevos tiempos y nuevas técnicas no han agotado ese filón como demuestran las exposiciones de Cueto Lominchar y Nacho Casanova presididas por la imagen de la mujer. Dos manifestaciones distintas y complementarias del arte voyeur.

Un mosaico de miles de recuadros que, a modo de teselas, captura imágenes de mujeres anónimas que deambulan por la calle. Un mural de instantes encadenados. Un calidoscopio de colores contundentes que compiten y se realzan entre sí. Un palco en el teatro del mundo. Colección pura formalidad, la exposición de Cueto Lominchar obliga a aguzar la vista, desafía al ojo a escrutar entre los fragmentos que conforman un retablo gigante. No se trata de buscar a Willy o resolver un acertijo, sino de descubrir la dinámica latente en una nutrida serie de imágenes fijas que funcionan por acumulación pero que no son en absoluto redundantes, pues descubren lo que hay de diferente en lo que parece una repetición de lo mismo.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen cortesía del autor.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen cortesía del autor.

Comisariada por Ricardo Forriols, la exposición reúne sólo una pequeña parte del archivo fotográfico de Cueto Lominchar, selección de dos mil imágenes entre cerca de 800.000, en torno a una idea vertebral: la ventana del estudio del artista como un palco abierto al teatro del mundo.

“Todas las fotos de esta exposición han sido registradas desde un mismo punto de vista, la ventana de un edificio de la Avenida Barón de Cárcer de Valencia desde el año 2000 hasta la actualidad. Son momentos, y personas que entraron en el ángulo de visión que la cámara y su objetivo podía visualizar desde esa ventana, que actuaba como un obturador y también como un cómodo palco en el teatro del mundo en el que observar lo cotidiano en su estado más dinámico, imprevisible e irrepetible”.

El conjunto aparece ordenado y clasificado, según archivo, día y hora. Se divide en cinco colecciones temáticas, materia de otros tantos otros foto-libros monográficos. Mujeres que simplemente caminan, sus sombras en el asfalto, mujeres que extienden un brazo en determinada dirección, entrando en el portal, ocultas tras una farola o semáforo. También una serie de abalorios, tatuajes y una dedicada a estampados textiles con la que intenta aislar elementos que luego se mezclan al azar como rizomas o fractales.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen cortesía del autor.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen cortesía del autor.

“Con todo este material he creado una especie de banco de imágenes en el que es posible insertar una secuencia, como los fotogramas de una película. Cada colección aísla uno de esos gestos que se consolidan al asociarse y que enfatizan, en su reiteración, la vitalidad y la belleza de los protagonistas de ese escenario colectivo que llamamos mundo. En este caso, un pequeño fragmento de este enorme territorio por el que deambulan cada día, en cada segundo, los misterios mas ocultos de los hechos explícitos y expuestos a la contemplación de las miradas curiosas y atentas a su relato”.

Uno de los aspectos más interesantes de la muestra es la colección Pura Formalidad, en la que Cueto Lominchar establece a modo de duetos de danza una sucesión de imágenes emparejadas, las suyas y las que atesora su mente empapada de cultura visual: pintura, escultura, cine, fotografía, etcétera.  Por medio de esa comparación o diálogo sugiere la posibilidad de un eco coincidente que parece atravesar nuestra historia desde la imagen en gestos, poses y actitudes que se repiten.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

‘Plasmo mi deseo’

Combinando el lápiz con las nuevas tecnologías, Casanova difunde su obra a través de Instagram, donde cuenta con más de 36.000 seguidores la mayoría mujeres. Hasta final de mes se puede ver parte de su obra en Estudio 64, una colección de 30 piezas bajo el título Entre tus líneas, dibujos minimalistas que en escuetos trazos sugieren y seducen. Inició este proyecto hace un año, aunque no es nuevo en las lides eróticas, pues, en 2013 publicó un libro titulado Pornográfica (Diábolo) traducido simultáneamente a cuatro idiomas. Participará en breve en una exposición colectiva de arte erótico en Malmö (Suecia) y publica sus dibujos en revistas de todo el mundo, desde Nueva Zelanda a Estados Unidos, Francia e Italia. Ha publicado un par de novelas gráficas y tiene en marcha un par más.

“Trabajo en varios dibujos a la vez, y algunos nunca acaban de resolverse correctamente”, comenta. “Otros salen enseguida. Reflexiono mucho cuánta información voy a sustraer de mi arte final, y ese proceso es lento. Pero hay dibujos con los que me llevo peleando meses. Y otros salen en una hora desde el boceto hasta el arte final. En mi carpeta hay unos 600  diferentes. Solo he publicado en mi cuenta alrededor de 200. De los otros 400, muchos permanecerán ocultos para siempre. Otros irán saliendo pese a que voy produciendo nuevos. Me gusta tomarme mi tiempo y reflexionar bien qué publico y qué no”.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

Como varón heterosexual centra su deseo en el cuerpo femenino. Lo que no quiere decir que no aprecie la belleza del cuerpo masculino e intente representarla. “Incluso tratando de traducir esa belleza hacia ese elemento que busco: el deseo sexual. Pero esto es muy subjetivo, y yo no trato de ocultar que estoy representando mi propio deseo”.

No marca en absoluto la línea entre lo erótico y lo pornográfico . “Este tema se lo dejo a mis espectadores. Supongo que lo que a unos nos parece sugerente, a otros les puede parecer directamente pornográfico, y viceversa. Esto, junto con reconstruir partes del dibujo, es un trabajo que les demando a mis espectadores. Yo dibujo lo que me apetece, y me mantengo neutral. Mi única intención es plasmar mi deseo. Nunca tengo muy claro cuándo va a aparecer la chispa de la inspiración, y tampoco me es fácil apresarla. Puedo ver una foto y puedo ver que contiene líneas que quiero dibujar, pero puede no ser el foco principal de la imagen. Me peleo con ella hasta que encuentro algo que me gusta. O simplemente me imagino algo, como la marca de la ropa interior sobre la piel, y busco referencias que contengan algo que quiero dibujar. Con eso monto un puzzle que poco a poco voy dejando en una imagen lo más minimalista posible”, concluye Casanova.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

CONVOCATORIA MULIER MULIERIS #11

Convocante: MUA Museu Universitat d´Alacant
Dotación: exposición
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 12 de diciembre 2016

11 CONVOCATÒRIA D’ARTS VISUALS
MULIER MULIERIS
Mulier mulieris proposa una reflexió plural i compromesa amb la construcció de nous imaginaris femenins a través de l’art.
A qui va dirigida?
Artistes de qualsevol sexe, edat i nacionalitat.
Recepció de les propostes
El termini de recepció de propostes serà del 17 de novembre al 12 de desembre de 2016, tots dos inclusivament.
Documentació
Les/els participants hauran d’enviar la proposta en un únic PDF que no excedisca els 5 MB. NO
S’ADMETRÀ UNA ALTRA CLASSE DE FORMAT.
L’índex del PDF serà:
1. Dades personals amb còpia del DNI
2. Descripció del projecte
3. Fitxa tècnica
4. Imatges de l’obra o sèrie
5. Currículum
No serà necessari presentar l’obra físicament.
El tema tindrà relació amb l’objecte de la convocatòria.
S’admetrà qualsevol tipus de disciplina artística.
En cas de tractar-se d’obres amb particularitats de muntatge, s’hi hauran d’adjuntar les instruccions corresponents.
ADREÇA A LA QUAL S’ENVIARAN LES
PROPOSTES:
Correu electrònic: mua.convocatorias@ua.es
Decisió
El museu publicarà la llista amb les persones seleccionades en la pàgina web www.mua.ua.es al final de gener. Només estes rebran notificació per correu electrònic.
Exposició
L’exposició es farà durant el març i maig de 2017.
Es podrà modificar la data si l’organització ho requereix.
El nombre d’obres exposades podrà variar depenent de les característiques i del nombre d’artistes que se seleccionen.
El museu editarà un catàleg de la mostra, del qual es remetran exemplars a els/les seleccionats/des.
Responsabilitat
El Museu de la Universitat d’Alacant procurarà la bona conservació de les obres durant el temps que estaran en el seu poder.
Devolució després de l’exposició
Es preveu un fons per a devolució d’obra en virtut de la disponibilitat pressupostària i fins a un límit legal de 600 € en total.
El museu coordinarà amb cada participant la devolució de l’obra.
Drets
Els organitzadors es reserven el dret de modificar o prendre iniciatives no regulades per aquestes bases amb l’objectiu de millorar l’organització de la convocatòria.
La participació en aquesta convocatòria implica l’acceptació d’aquestes bases, com també de les decisions del jurat.

Bases completas
Portada: imagen de varias obras de la pasada edición 2015

Más ‘Bodas de Sangre’ en Flumen

Bodas de sangre, de Jose Saiz
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Del 22 de octubre al 20 de noviembre de 2016

El Teatro Flumen se viste de gala con los nuevos estrenos. Tras el éxito de ‘Bodas de Sangre’ la pasada temporada, repone este espectáculo producido por Teatro Flumen bajo la dirección de Jose Saiz. El reestreno oficial fue el jueves 27 de octubre y se mantendrá en cartel hasta el 20de noviembre. Por otro lado, el viernes 28 de octubre inauguró un nuevo espectáculo de Saga Producciones bajo la dirección igualmente de Jose Saiz, ‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’, que estará en el Flumen hasta el 19 de noviembre.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

‘Bodas de Sangre’ nos cuenta la tragedia poética de Lorca al compás del flamenco más puro. Esto es lo que dice la sinopsis: «Un pueblo andaluz. Una boda. Dos familias enfrentadas. La novia sigue enamorada de su antiguo novio Leonardo. Una vez celebrada la ceremonia, se entrega a él y huyen juntos apasionadamente. El esposo abandonado los persigue y, cuando encuentra al amante de su mujer, lo desafía a un duelo de navajas».

El sentido trágico de la vida, la muerte y la violencia que acompaña a los hombres durante toda su vida, se va manifestando a través de los presagios y el dolor de la madre en la reposición de ‘Bodas de sangre’.

‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’ permitirá revivir los grandes éxitos de Los Rodríguez, en este homenaje teatralizado como nunca antes se había visto. El espectáculo cuenta de manera extra oficial la vida y obra de este grupo mítico.

Madrid 1990. Julián Infante y Ariel Rot deciden volver a unirse tras ‘Tequila’. Para ello cuentan con Germán Vilella a la batería y traen desde Argentina a Andrés Calamaro. ¡Qué mejor forma de empezar nuestra historia!

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

Mujeres «crajeadas»

‘Accipite et manducate ex hoc omnes: Hoc set enim corpus meum, quod pro vobis tradetur’ de Crajes (Carla Rendón y Jessica Ruiz)
Plastic Murs
C/ Denia, 45. Valencia
Inauguración: 16 de septiembre de 2016 a las 20.00 h

Mirada inocente, vulva sangrante, cadera andrógina, pecho incipiente; múltiples expresiones del cuerpo femenino deseante castigado una y otra vez por la doble moral opresora y violenta. Es lo que se palpa en el ambiente generado por Crajes, colectivo que aborda los conceptos de deseo, dolor y placer contextualizados a partir de la iconografía concreta de las artistas que lo integran: Carla Rendón y Jessica Ruiz.

Fantasía, imaginación y creatividad a raudales han hecho que sus obras, con distintas técnicas y formatos, predominando en esta ocasión el papel, aborden los principales tabúes de nuestra sociedad en torno al cuerpo. Encontramos en ellas imágenes recurrentes que remiten a la enfermedad, la herida, la sangre o el cuerpo corrupto pero siempre sensual a la par que mórbido, atravesando los límites de lo políticamente correcto para denunciar el cinismo y la hipocresía à la manière del Divino Marqués.

Carnario III de Crajes. Imagen cortesía Plastic Murs.

Carnario III de Crajes. Imagen cortesía Plastic Murs.

La ambigüedad y provocación al contemplar un rostro femenino lagrimoso esbozando una mueca que hace dudar de si goza o se revuelve para liberarse lleva a una reflexión sobre el atractivo del cuerpo yacente, como el célebre minotauro de Picasso que aparentemente fuerza a una joven cuyo cuerpo parece sin embargo estremecerse de placer. Se respira un ambiente de necrofilia en esas escenas cargadas de simbolismo y es que el cadáver que asoma en las obras de Crajes no está siendo ultrajado, mantiene una erección que se confunde entre ciertas sombras y un errático barroquismo que acumula personajes diminutos, huesos y objetos, superpuestos en el escenario pasional. Respecto a las mujeres,nínfulas rodeadas de insectos y masturbadas por gatitos, unas gozan de una especie de delirio sadomasoquista mientras que otras están siendo claramente abusadas, apuñaladas, atadas, vejadas, soportando un daño que tiñe sus pálidos torsos de sangre y sumerge sus almas en tinieblas.

Se trata de una toma de conciencia sobre las raíces de la doble moral con base educacional judeo-cristiana, motivo por el cual escogen un título en latín aludiendo a los orígenes de la Eucaristía: Tomad y comed, este es mi cuerpo, que será entregado por vosotros. En él se señala la traición inminente de Judas en contraposición a las buenas intenciones del bíblico Jesús que entrega su carne y su sangre en un acto de fe. La reminiscencia religiosa de la que nuestra sociedad actual no consigue desprenderse a menudo culpa a la víctima, en especial si es mujer, por haber mostrado su cuerpo tentador o bien anula su identidad si queda viuda, cubriéndola con el velo negro y esperando, en ambos casos, que jamás se recupere, que sienta el yugo del heteropatriarcado, se doblegue y no replique pero… Inevitablemente lo hace evidenciando los infortunios de la virtud.

Marisol Salanova*

* Texto cortesía de Plastic Murs

Iconografía de mujer en el Ayuntamiento

Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936). Construyendo géneros   Comisariada por Mireia Ferrer Álvarez
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento
C / Arzobispo Mayoral s/n. Valencia
Hasta el 10 de julio de 2016

La exposición ‘Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936). Construyendo géneros’,  plantea una aproximación desde la perspectiva de género a los modelos representacionales mediante los cuales se ha construido la imagen de la mujer en la modernidad y cómo esta ha jugado un papel determinante en la conformación de las prácticas sociales y de nuestro imaginario colectivo. La muestra ha sido comisariada por Mireia Ferrer Álvarez, profesora del Departament de Història de l’Art de la Facultat de Geografia i Història de la Universidad de Valencia.

La exposición se estructura en cuatro temas: Mujer, muerte y enfermedad; Femme Fatale; el ángel del hogar y la New Woman. En ellos se abordan tipologías iconográficas como la Ofelia moderna, la tísica sublime, el dolce far niente, las vírgenes a medias, la animalidad, la mujer diablo, Eros y Tanathos, la prostitución, o la Nueva mujer.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía de la comisaría.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía de la comisaria.

Componen la muestra más de medio centenar de pinturas, grabados y dibujos, de artistas valencianos, entre los que se cuentan Joaquín Sorolla, Cecilio Pla, Manuel Benedito, José Benlliure, José Mongrell, José Manaut, Antonio Fillol, Arturo Ballester, Peppino Benlliure, Fernado Cabrera Cantó o Alfred Claros, entre otros.

Una propuesta para meditar sobre el papel del arte como reflejo de la mentalidad de una época y al mismo tiempo como elemento activo en la construcción del imaginario colectivo femenino.

Cartel de la exposición.

Cartel de la exposición.

El desafío de la igualdad

Mujer e igualdad: participación política y erradicación de la violencia
Diversas autoras, coordinación Ruth Abril Stoffels
Universidad CEU Cardenal Herrera

La presencia de la mujer en la vida política ha aumentado de forma notable en las últimas tres décadas, pero todavía no alcanza la deseable paridad. En 1982, las mujeres diputadas y senadoras en España representaban el 4% del total, treinta años después esta cifra se sitúa entre el 33 y el 36%. Lo mismo sucede a nivel local, donde la media de concejalas es del 35%. Solo en el caso de los parlamentos autonómicos la media de diputadas sube hasta el 43%.

Es unos de los reveladores datos que ofrece el estudio multidisciplinar, ‘Mujer e igualdad: participación política y erradicación de la violencia’, que se presentó el pasado 14 de abril en el Palacio Colomina de Valencia. Coordinado por la profesora agregada de Derecho y directora de la Unidad de Igualdad de la Universidad CEU Cardenal Herrera, Ruth Abril Stoffels, incluye textos de 16 profesores universitarios, juristas y expertos en distintas áreas.

El libro aborda también el estado actual de la protección institucional y jurídica de los derechos de las mujeres y su tratamiento en los medios, el cine y la publicidad. Además, la violencia física y verbal en la infancia y un glosario de términos vinculados al “discurso del logro de la igualdad”.

Fotograma de 'El silencio de los corderos', de Jonathan Denme.

Fotograma de ‘El silencio de los corderos’, de Jonathan Demme.

El aumento de la presencia de la mujer en la política  contrasta con el estancamiento del número de víctimas de violencia de género. Una media de 50 en los últimos 15 años, que ha llegado a 75, en 2008 y 73 en 2010. El decano de la Facultad de Derecho de la CEU-UCH, Joaquín Marco, destaca al respecto la pervivencia del patriarcado en la sociedad española, la menor posibilidad de independencia económica de las mujeres, las doctrinas jurídicas sobre la protección de la privacidad del hogar y la familia y la inacción del Estado en su papel de “catalizador del cambio social”, necesario para erradicar este tipo de violencia.

A nivel internacional el panorama es aún más preocupante. Según la catedrática de Derecho Internacional de la CEU-UCH, Susana Sanz, la violencia contra la mujer varía entre el 13 y el 61%, según los Estados, aunque las cifras no solo son destacables en los países menos desarrollados: “En la UE, entre el 40 y el 50% de las mujeres ha experimentado algún tipo de acoso sexual en el trabajo. En Estados Unidos, el 83% de las niñas entre 12 y 16 años afirma haber sufrido ese acoso sexual en la escuela”.

El libro  también analiza los retos y problemas de la Ley 1/2004 de violencia de género y las garantías procesales específicas para las mujeres que sufren violencia, como la asistencia letrada a las víctimas o la dispensa del deber de declarar por relación conyugal. La profesora de Derecho Procesal de la CEU-UCH Rosa Pascual destaca: “La no declaración de la víctima en el juicio oral de un caso de violencia de género puede afectar directamente al resultado del proceso si resulta ser la única prueba de cargo existente”. En este sentido, las abogadas especialistas en esta materia Concepción García y María José Hurtado subrayan  que “solo informando a las víctimas de las medidas existentes para protegerlas y dándoles acceso a la independencia económica podrán salir del ciclo de violencia en el que están inmersas”.

Fotograma de 'El club de la lucha', de David Fincher.

Fotograma de ‘El club de la lucha’, de David Fincher.

Crítica a los medios

¿Cuál es el papel de los medios de comunicación en la lucha contra la violencia machista? La profesora de Periodismo de la CEU-UCH Begoña Echevarría plantea las recomendaciones y decálogos de la profesión, como los de la FAPE o la Unió de Periodistes Valencians. “Es imprescindible que los medios sigan incorporando la violencia de género a la agenda pública, pero hay que visibilizarla mejor. Hay que tratar con mayor profundidad  sus causas y consecuencias, dar la voz a expertos y a las propias víctimas, y publicar también noticias positivas sobre aportaciones eficaces para afrontar el problema”. La violencia representada y la “imagen de la mujer que aún nos venden”, tanto en el cine como en la publicidad, las series de televisión o los videojuegos, son también abordadas en esta obra por Begoña Siles y Chari García.

Elia Saneleuterio, profesora de Didáctica de la UV, y Rocío López, profesora de Psicología de la Educación de la CEU-UCH, analizan la violencia física y verbal en la infancia, tanto en la escuela (bullying) como a través de las redes sociales. En 2012, el ciberbullying afectaba ya al 4% de los escolares, unos 180.000 cada año.

Fotograma de 'American Psyco'.

Fotograma de ‘American Psycho’, de Mary Harron.

Bel Carrasco

La más fuerte…¿o no?

La más fuerte, de Bramant Teatre
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Del 8 al 17 de abril de 2016

Sala Russafa cierra la quinta edición del ciclo de programación que desde febrero ha dedicado a las compañías valencianas con una de las formaciones más prestigiosas de la escena local, Bramant Teatre, con más de 20 espectáculos en una trayectoria que arranca en 1998 y en la que han recibido reconocimientos como las nominaciones a los Premios Max como Mejor Espectáculo Nacional por ‘Construyendo a Verónica’ y al Mejor Espectáculo Revelación por ‘Reencuentros’, así como numerosos galardones y nominaciones en los Premis de les Arts Escéniques de la Generalitat Valenciana y Premis Abril.

Del 8 al 17 de abril presentan el estreno absoluto de ‘La más fuerte’, una versión libre del texto escrito por August Strindberg que sirve para completar la trilogía de teatro naturalista emprendida por la compañía.

Amparo Ferrer Báguena en 'La más fuerte', de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

Amparo Ferrer Báguena en ‘La más fuerte’, de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

“Queríamos tocar a los autores más significativos de este movimiento que casi podríamos decir que es el germen del teatro que se hace hoy día. Empezamos en 2013 y con Ibsen, con la adaptación de ‘Casa de Muñecas’. Después vino Chéjov con ‘Tío Vania’, el año pasado. Y esta vez nos hemos ido a por otro autor controvertido, pero que sin duda ha marcado las artes escénicas”, comenta Jerónimo Cornelles, autor de la versión que se estrena.

En la segunda mitad del siglo XIX, Strindberg creó ‘La más fuerte’, una pieza breve y para dos actrices, de las que una permanecía prácticamente muda durante toda la representación. Ahora, Cornelles la ha convertido en un nuevo espectáculo con algo más de hora de duración, trasladando la acción a la época actual, introduciendo cambios en los caracteres, creando un nuevo personaje y alargando la trama.

La más fuerte, de Bramant Teatre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La más fuerte, de Bramant Teatre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Él mismo, junto a Teresa Crespo y Amparo Ferrer Báguena, interpreta el encuentro entre una mujer y hombre en una cafetería, en Nochevieja. Ambos han compartido experiencias con otro individuo al que se hace constantemente referencia y al que, curiosamente, también conoce la camarera que les atiende, tercer vértice de un interesante triángulo de personajes.

“Me parece muy estimulante tomar como base obras que son una referencia indiscutible y trabajar con ellas para transformarlas, actualizándolas, incluyendo nuevas tramas, estableciendo relaciones inesperadas entre los personajes o inventando algunos, pero siempre con el sello de Bramant”, admite el autor e intérprete que, a diferencia del último montaje, en esta ocasión deja la dirección en manos externas, concretamente en las de Chema Cardeña.

“La idea de hacer una versión sobre este texto nació de él, así que lo más natural era pedirle que colaborara aportando su visión como director, que siempre es muy novedosa y que ha enriquecido el espectáculo”, comenta Cornelles, a quien la experiencia previa con Cardeña en numerosas obras como ‘El Idiota en Versalles’, ‘7 Reinas’ o ‘De Hiroshima y Nagasaki’, le ha otorgado la confianza necesaria para centrarse en la interpretación en este nuevo proyecto.

Jerónimo Cornelles en 'La más fuerte', de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

Jerónimo Cornelles en ‘La más fuerte’, de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

Cardeña imprime un ritmo muy dinámico y un tono de comedia para acercarse a una trama capaz de congelar la sonrisa en el espectador. A través de la conversación que va desarrollándose en el encuentro que recrea la pieza, se deslizan temas como la dependencia emocional, el maltrato psicológico y físico o la perversidad de las relaciones que pueden llegar a establecerse entre los seres humanos.

“Era necesaria una vis cómica para poder asumir los temas tan serios que se tratan en el texto de Strindberg y que reflejan cómo, dos siglos después de haberse escrito esta historia, la psicología humana no ha cambiado demasiado en algunas cosas”, apunta Cornelles.

Lo que sí cambian son las conclusiones que puede extraer el espectador al ver la nueva propuesta de Bramant. “Ya no será tan sencillo juzgar si la más fuerte es quien se lanza a hablar o el que se atreve a escuchar”, señala el autor de esta versión que hasta el 17 de abril programa Sala Russafa.

Amparo Báguena en 'La más fuerte', de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

Amparo Ferrer Báguena en ‘La más fuerte’, de Bramant Teatre. Imagen del video de Escaparate Visual.

Las nueve mujeres de Grupo Art

Exposición Colectiva Día Internacional de la Mujer
Grupo Art. Taller Susi Lizondo
Lotelito
C/ Barcas, 13. Valencia

Con motivo del Día Internacional de la Mujer se inauguró en Lotelito una muestra de pintura donde nueve mujeres que habían participado previamente en el Grupo Art del Taller de Susi Lizondo exponían, a modo de ejercitamiento culminatorio, los resultados de la interiorización de sus creaciones más personales. El pequeño formato de las obras favorecía el conjunto de la exposición, la cual todavía se puede disfrutar en el ambiente relajado donde Lotelito suele llevar a cabo exposiciones.

Isabel Chaume, Lydia Davalillo, Merche Genís, Elena González, Yolanda Montero, Soledad Osuna, Carmen Sanchis, Mar Suria e Inma Tasso son las artistas «geniales, creativas, sabias, divertidas y atrevidas”, según palabras de la propia Susi Lizondo, cuyos trabajos se pueden ver. Obras que se inspiran en Turner, Morandi, Picasso o Freud; creaciones que van desde el paisaje al retrato pasando por el expresionismo abstracto. Una lección histórica donde cada una pinta lo que ve y su representación del mundo dando como resultado nueve estilos muy personales y dispares. Lizondo explica: “la emoción es lo que importa y a ellas les llega con estas pinturas de pequeño formato que van a mostrar en su segunda exposición colectiva”.

Hace unos años, la artista comenzó a impartir talleres de pintura para que todos los no profesionales que estuvieran interesados en este arte, pudieran conocerlo de cerca y llegar a expresarse a través del pincel. Susi Lizondo es Licenciada por la Universidad de Bellas Artes de Valencia en la especialidad de pintura. Vive y trabaja en esta ciudad, donde ha desarrollado casi toda su carrera, además de en Roma donde estudió Diseño Gráfico y realizó varias exposiciones. La pintora posee obras en colecciones privadas en Alemania, Brasil, Portugal, Italia, y EE.UU.

Una de las obras expuestas. Mar Suria. Imagen cortesía de Susi Lizondo.

Una de las obras expuestas. Mar Suria. Imagen cortesía de Susi Lizondo.

Allioli fotográfico en Russafa

‘L’allioli de María’, de Jordi Piris
Sporting Club Russafa
C/ Sevilla, 5. Valencia
Hasta el 31 de marzo de 2016

Durante el mes marzo podrás adentrarte en el valenciano barrio Russafa y toparte casi de frente con ‘L’allioli de María’, una nueva apuesta del Sporting Club Russafa que narra desde una perspectiva fotográfica muy particular temas como el erotismo, el misticismo, la oposición entre el bien y el mal, y el mediterráneo. Todo ello, apostando por la figura de la mujer como la herramienta visual que potencia el lineal recorrido expositivo.

Si bien es cierto que la fotografía de Jordi Piris, también coordinador de la muestra, acompaña al espectador en todo momento; se remarca continuamente la multidisciplinareidad, que queda congelada en dichas fotografías. En este proyecto se pueden observar trazos de danza, diseño, pintura, escultura e incluso el trabajo del artista fallero José Lafarga. El diseño gráfico y pinturas han sido obra de Carmen Signes, las esculturas de Elena Martí Manzanares y de Jesús Martín-Lorente; y algunas muestras de vestuario a modo de pieza escultórica de Jessica Muñoz.

Vista general del montaje expositivo.

Vista general del montaje expositivo.

Como si de una gran superproducción se tratara, otros profesionales han trabajado en el maquillaje, peluquería, puesta en escena e iluminación de las fotografías. Incluso, nos cuenta Lucía Peiró, que el día de la inauguración varios cocineros regalaron a los asistente la elaboración de diversos aliolis de colores. La gastronomía más mediterráneo, no solo se menciona en el conjunto de la exposición, sino que también quiso emerger de las fotografías para hacerse realidad. Añadiendo, aún más si cabe, mayor pluralidad.

El proyecto, además de poner en valor las diferentes disciplinas que pueden llegar a intervenir alrededor de una sola idea, desea culminar con la edición de un foto-libro cuya narración se constituya a través de la secuenciación de imágenes fotográficas. ‘L’Alioli de María’ es una extraña mezcla artística que sorprende y que, por todo lo que conlleva su elaboración, anima a indagar en dispares y aún más ajenas materias.

María Ramis