La ceremonia mística de Rafael Amorós

Evanescència fixada, de Rafael Amorós
Galería Thema
Plaza de América, 4. València
Del 16 de febrero al 9 de marzo de 2018

La Galería Thema acoge la exposición  ’Evanescència fixada’, dedicada a la obra del artista Rafael Amorós. Dos años después de su exposición individual ‘De Gest a Sacra Flor’, Rafael Amorós vuelve para mostrarnos su nueva producción artística a través de las series de esculturas únicas místic y acull, y nueve obras originales sobre papel de distinto formato, del roig al negre, del groc al negre y del blau al negre.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Rafael Amorós (Albaida, 1964), muestra en su primera serie místic un trabajo más introspectivo en el cual predominan las formas más cerradas y cóncavas. Los materiales que utiliza contrastan y se complementan, el hierro oxidado como símbolo de lo humano, y el latón, como símbolo de lo sagrado, la luminosidad divina. Estamos, pues, en una ceremonia mística plena de simbolismo y sutilidades, en la que cada elemento escultórico flota entre misterio e indicación, ocultación y evocación.

Acull es un trabajo de acogimiento, lleno de libertad creativa, en el que las formas interactúan con el espacio abierto. En la serie acull, el artista utiliza el aluminio como superficie y soporte, que tiñe con pigmentos de color en rojo, negro o blanco, que aíslan el interior y exterior de la obra. La doble dualidad de fuerzas opuestas pero iguales, verticalidad y horizontalidad, la idea del pasado y el presente, que conviven en un mismo lugar, nos hacen confiar en lo positivo de lo eterno.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Obra de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

En del roig al negre, del groc al negre y del blau al negre, Amorós muestra la pintura como un gesto más concluido. Los tres colores primarios, el rojo, el amarillo y azul, se mezclan con pigmentos de color negro, potenciando su intensidad y permanencia. En una expresión del poeta Stéphane Mallarmé: “El azar al fin ha sido fijado”.

En esta exposición, Amorós, corre velos sobre la luz del alma humana con un trabajo de carácter intimista, que destaca por un exquisito dominio de la interacción de las formas y el color, que no se exponen, sino que insinúan, y que nos obligan a reflexionar sobre esos momentos efímeros que transcienden toda una vida.

Místic, de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

Místic, de Rafael Amorós. Imagen cortesía de Galería Thema.

“La misericordia es ayudarnos, y el arte es importante para ello”

Entrevista con Alejandro Mañas

Alejandro Mañas (Castellón, 1985) es un artista visual e investigador interesado en la mística y la espiritualidad en el arte contemporáneo. En su obra plantea, fundamentalmente, la creación de espacios para el cultivo de la interioridad y la búsqueda de conocimiento en la sociedad actual.
Dentro de unas semanas, Alejandro Mañas inaugurará junto a Pepe Beas, ART AL QUADRAT, Marie P. Guinnot y Carles Santos la exposición “Donde germinan los silencios”, comisariada por Irene Ballester y promovida por el Gobierno de Aragón, la galería Collblanc de Castellón y la Asociación Pozos de Caudé de Teruel. El proyecto expositivo propone “visibilizar la memoria, la verdad y la justicia”, es decir, erigir el arte frente al exterminio de la memoria histórica. Entrevistamos al artista con motivo de dicha muestra, donde presentará dos obras con una marcada voluntad de empatía.

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Telefoneo a Alejandro sin éxito. Me responde con un WhatsApp explicándome que no me puede atender, pero que me llamará cuando salga de la cárcel. ¿Cómo?, pregunto. Me comenta que colabora desde hace años con los Mercedarios, tradicionalmente los asistentes espirituales en el mundo penitenciario español. La labor voluntaria de Mañas se focaliza en acercar el arte y la plástica a los reclusos, como una vía de escape. No le interesa el motivo por el que están allí, tan sólo le importa, afirma, la persona.

Ismael Teira: Hace unos meses se publicó en Italia un libro donde el Papa Francisco habla de su idea del arte, recalcando que “el arte no debe descartar a nada ni a nadie, como la Misericordia.” ¿Crees que se puede aplicar esta máxima al mundillo del arte contemporáneo, excluyente per se?
Alejandro Mañas: No creo que el arte contemporáneo sea excluyente, si es eso a lo que te refieres, o por lo menos reduciría ese calificativo sólo a “el mercado del arte”. El arte desvela verdades, desvela aquello secreto y oculto, una búsqueda insaciable de interior, de encontrarse, de ser. Ahí es donde reside la encarnación de la belleza, la creación artística del ser humano, la espiritualidad. Esto es la búsqueda de lo sagrado. Cuando el arte trata de desvelar este misterio, la belleza se hace patente y las pasiones de la vida quedan reflejadas; por ello la belleza nos une, es donde el arte se hace universal porque comparte sentimientos que todos somos capaces de comprender. Con esta vía de creación, de búsqueda del misterio, el ser es capaz de encontrarse con el objeto, y también con Dios. La misericordia es ayudar a nuestro prójimo, y el arte juega un importante papel en ello.

IT: Dada la vocación abiertamente católica de tus obras, ¿te has sentido alguna vez rechazado?
AM: Pues sí, me lo han dejado caer más de una vez. Pero, en realidad, aunque mi obra busque en esas fuentes, estas sirven también para las demás religiones, incluso para los que no tengan ninguna religión, porque la temática que investigo nos une a todas por igual. Artistas como Oteiza, Henri Mattise o Gina Pane, por nombrar algunos, también son católicos.

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IT: En cualquier caso, la presencia de la religión católica en la Historia del arte occidental no es baladí. A la par de esto, la Iglesia jugó siempre una importante labor como promotora de grandes obras, sobre todo en Roma donde has vivido una temporada. ¿Qué fue para ti lo más importante de esa etapa?
AM: Para mi Roma es emoción, es fantasía, es fuente creativa. He estado tres veces, pero esta última fui por una beca para investigar sobre la espiritualidad y la mística, y aproveché para estudiar también los espacios sacros. Quedé enamorado de la iglesia de Santo Stefano Rotondo. Cuando la visité estaban ensayando música sacra para una boda. Yo allí sólo, la música y el espacio sacro: fue una experiencia transcendental. Recorrí también los espacios donde se rodó el multipremiado film La grande bellezza, de la que soy fan, fan. De Roma me lo quedo todo, y cuando hablo de ella parece que se me haya quedado algo allí, necesito volver… Roma es espiritual.

IT: De hecho, expondrás previsiblemente este año en una colectiva en la Ciudad del Vaticano, junto a otros artistas católicos ¿Cuáles son tus referentes artísticos?
AM: Son muchos, pero me quedo con Richard Tuttle, porque es el que me apasiona. Me encantan sus obras, y su capacidad de envolver en misterio sus piezas. Es capaz de involucrarte en ese misterio, de atraparte y conseguir enamorarte del objeto: te abre su espiritualidad y te encierra en su silencio. Rothko y su mística está presente siempre, sus cuadros son para mi puertas y ventanas que te adentran hacia el misterio, que te llevan hacia un camino de trascendencia. Y junto a él, Kapoor; sus obras son un libro abierto hacia la contemplación. José Val del Omar me llega, con su obra experimental y su mecamística, me apasiona. Y cómo no, el artista Wolfgang Laib con influencias de los místicos; o Bill Viola con su fuente predilecta que es San Juan de la Cruz.

IT: Tu trabajo e investigación artística giran en torno a la mística, un término confuso por manido. Podrías resumirnos ¿qué es para ti la mística?
AM: El tema de la mística hoy se vuelve complejo y líquido, pues es un tema subjetivo, una experiencia interior ¿Cómo definir la mística?, pues como un camino de comprensión, de entrega, de intimismo y de conocimiento, del cual se desprende un amor absoluto. La mística es experiencia.
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El espíritu del Purgatori ocupa El Carmen

Un ataúd en el Purgatori
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 24 de enero de 2016

Un ataúd preside la exposición del Centro del Carmen. Y alrededor de él, 12 videos van escupiendo imágenes de algunas de las acciones llevadas a cabo por El Purgatori durante los años 90. Entre ellas, la sonada intervención en las naves de Cross para oponerse a su demolición; el vía crucis con una gran M a la espalda criticando a MacDonalds, o la autocrítica contenida en ‘El gran circo del arte’. Así las gastaban una veintena de artistas valencianos que en 1991 se aglutinó en la vivienda, estudio, galería y local underground de Ulises Pistolo en la Plaza del Ángel. Artistas con ganas de mostrar su obra, agitar la cultura y saltarse las normas básicas del mercado del arte.

Imagen de la exposición 'Un ataúd en el Purgatori'. Centro del Carmen.

Imagen de la exposición ‘Un ataúd en el Purgatori’. Centro del Carmen.

La exposición Un atáud en el Purgatori viene a recordar aquel movimiento artístico desenfrenado en el que “nadie se cortaba a la hora de expresarse”, coinciden Oscar Mora, Juan Domingo y el propio Pistolo, como representantes de aquel colectivo, y Salvia Ferrer, comisaria de la muestra y autora del documental que repasa su historia. “Son acciones potentes y rabiosamente actuales”, señala Ferrer. “Nuestras apariciones molestaban”, sostiene Pistolo, quien subraya la importancia que supuso moverse en la transición de lo analógico a lo digital.

La muestra ofrece un recorrido video gráfico en torno a ese espíritu libertario. Sus primeras actividades, de carácter místico, se sustentaban en cierto “pensamiento mágico” ligado a ese ataúd símbolo del grupo. Hubo luego un segundo Purgatori en la sala cedida en 1996 por el abogado Paco Ruiz en la calle Salvador. Del espíritu místico se pasó a otro más inclinado a la pluralidad de acciones críticas, ya sea contra la religión, la moda, la corrección política o el materialismo del mercado. Cientos de billetes de 2.000, 5.000 y 10.000 pesetas, encontrados en una bolsa fuera del Banco de España en Granada, aparecen troceados en finas tiras como parte de una instalación iluminada. Es una más de las múltiples manifestaciones de su irreverente forma de entender el arte.

Imagen de la exposición 'Un ataúd en el Purgatori'. Centro del Carmen.

Imagen de la exposición ‘Un ataúd en el Purgatori’. Centro del Carmen.

“El mundo del arte nos veía como unos intrusos. Frente al modo muy cerrado de actuar de las galerías, nosotros apostábamos por lo interdisciplinar”, destaca Pistolo, cuyo solo nombre asociado al de Purgatori, además de las pintas de los artistas, provocaba cierto miedo: “Nos veían como marginales”, apostilla. Aún así, lograron introducirse en las instituciones oficiales y tener su lugar en ARCO, al lado de otras propuestas alternativas e independientes. Juan Domingo afirma que ésta puede ser una de las razones por las que se disolvió el colectivo en 2001. “Algunos no veían con buenos ojos que participáramos en esos espacios públicos”. También influyeron cuestiones de tipo más personal.

Imagen de la exposición 'Un ataúd en el Purgatori. Centro del Carmen.

Imagen de la exposición ‘Un ataúd en el Purgatori. Centro del Carmen.

Salvia Ferrer insiste en poner en valor el trabajo de Purgatori, por el que pasaron artistas como Chema López, Xavier Monsalvatge, Bartolomé Ferrando, Carlos Mallol, Isbel Meseguer o Inma Picó.  “Los propios artistas se unieron para gestionar su propia obra”, dice. Y lamenta que toda esa “fuerza y mensaje tan interesante” no haya tenido continuación: “Ahora el sistema cultural valenciano es más pasivo”. Óscar Mora atribuye el fin de Purgatori a que la gente se volvió “más individualista”, aunque apunta cierta “vuelta a los espacios colectivos”. Entonces llegaban a hacer cuatro exposiciones al mes, con las 2.000 pesetas mensuales que ponía cada artista: “El volumen de trabajo era enorme”.

Para Ferrer, aquello cuajó por la “necesidad tan potente que tenían de expresarse”, favorecida por las condiciones de “absoluta libertad” que ofrecía Purgatori. Libertad basada en la “desacralización de cualquier objeto”, que descontextualizaban para “romper su imagen y darle otro uso”. Como el ataúd: “En el fondo, son cuatro tablas de madera”. Tablas a las que siguen aferrándose como muestra del poder que tiene el arte libre de ataduras. “Ahora creo que hay cierta autocensura”, concluye Domingo.

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Imagen de la exposición 'Un ataúd en el Purgatori'. Centro del Carmen.

Imagen de la exposición ‘Un ataúd en el Purgatori’. Centro del Carmen.

Salva Torres

Meditaciones, un libro para entender el alma

Meditaciones, de Enrique Rosell
Editorial Círculo Rojo

“El ayuno es muy útil como herramienta creativa. Con su práctica se instala un estado de extrema lucidez, sensibilidad, captación de otras realidades, conocimiento de uno mismo y los demás y se abre camino la espontaneidad, la sinceridad y la libertad creativa.”

Oriente y su mística lleva mucho tiempo siendo la cuna de un nuevo estilo de vida, un estilo de vida que nos acerca cada vez más a nosotros mismos. Algo que por supuesto en Occidente no hemos sabido hacer. El ayuno es una práctica que realizan yogis de todo el mundo, pero que también ha calado fuerte en el ideario común, en la parcela más personal de nuestro quehacer diario. Ayunar es un modo de encontrarse con uno mismo, de conocer sus límites, eso que parece que buscamos en maratones interminables o en montañas infernales. Encontrarnos en el laberinto en el que a cada uno le ha tocado vivir es una suerte de lucha interna.

Enrique Rosell ha escrito tres libros, en sus tres obras ha buscado el misticismo, la interiorización de nuestras miserias como seres humanos. En ellos ha destripado sus ideas para aclarar las nuestras. Ahora acaba de autopublicar, con todo el esfuerzo que supone eso, su tercer trabajo en papel. Meditaciones, nace con ganas de enseñar, de ser nuestro maestro, el sensei que nos inicie en algo desconocido para nosotros. Nos hace reflexionar sobre la importancia de los privado, de lo íntimo de ser uno con nuestro cuerpo.

Mi vida experimentó un cambio desde 1993, cuando fui diagnosticado de Esquizofrenia Catatónica. Desde entonces he ido probando métodos, técnicas, o terapias como el vegetarianismo, el yoga, la meditación… El ayuno parecía un paso natural e inicié su práctica con curiosidad y entusiasmo. Proporciona unas sensaciones únicas, cuyos paralelismos sólo puedo comparar con el uso de sustancias psicodélicas, que he consumido. Opera un cambio de conciencia, suave y natural, una ingravidez y una sensación de ligereza y lucidez, un hermanamiento con toda forma de vida, la recuperación de un ritmo más lento y conforme a nuestra naturaleza, autoestima, fuerza de voluntad y la posibilidad de pasar hambre “controlada”, lo que ayuda a comprender un fenómeno tan espantoso como es la falta de algo básico como la comida entre millones de personas en el mundo”, dice el autor sobre lo que le ha impulsado a escribir este ensayo.

Llevo practicando ayunos desde 2010. Con el tiempo, se me ocurrió que podría llevar una especie de diario de todo lo que se me ocurría en esos 2 días que lo practico, todo lo que pensaba o experimentaba, y a la vez compartirlo con unos posibles lectores, interesados en el tema. A la vez pensé que podría constituir una especie de experimento literario y a la vez psicológico, con un cierto toque “científico”, y con esa idea surgió “Meditaciones”.

Enrique hace de lo difícil algo fácil, llevar un diario, no debe ser complicado, pero abrir en canal sus ideas y vomitarlas en un libro, siempre es algo complejo, sobre todo, y como sucede en el libro, lo hace de forma seria y sincera. Quizás la mente se despeje un poco más cuando no esté supeditada al deseo de comer, tal vez la densidad espacial se expanda y se aprecien detalles insospechados. Jamás he hecho ayuno, me veo inútil en ese terror, podría caer en la obviedad de decir que me gusta comer, y quedarme en esa frase que dice en realidad poco. Quizás ayunar me  convertiría en alguien diferente, con unos reflejos cambiado, no sé si a Enrique le ayuda a crecer o a llegar a lugares distintos.

El ayuno es muy útil como herramienta creativa. Con su práctica se instala un estado de extrema lucidez, sensibilidad, captación de otras realidades, conocimiento de uno mismo y los demás y se abre camino la espontaneidad, la sinceridad y la libertad creativa. Ayunar es un acto de introspección, de repliegue sobre uno mismo, de soledad, pero a la vez de conexión con todo lo que nos rodea y cuyas sensaciones más cercanas, como ya he comentado, son las que experimenta el consumidor de sustancias psicodélicas”.

Se puede deducir de las pausadas palabras del sonriente Enrique que la trascendencia de la persona se puede alcanzar con el ayuno, o al menos es un principio, “El misticismo está presente en todos y cada uno de nosotros, consciente o inconsciente. La mística, a pesar de la desvalorización que las iglesias oficiales han producido en el fenómeno religioso, es un componente humano. Significa buscar la trascendencia, experimentar nuestra conexión con nuestro yo más íntimo y a la vez con el universo. Esto era más frecuente o común en sociedades mal llamadas primitivas, porque eran más simples y a la vez más naturales, espontáneas y sin tanto conocimiento científico ni normas o leyes sociales. La mística es una llamada al autoconocimiento, a la búsqueda de respuestas, a “sentir”, más que a “pensar” y es un oasis en un mundo tecnificado, normativizado, programado y previsible. En mi caso, también he buceado en métodos ascéticos y místicos y forma parte, con otros muchos, de lo que entiendo por vida plena. El ayuno es también una forma de mística y siempre me han atraído las personas que utilizan su propia vida como búsqueda de experimentación, a pesar de los riesgos. No entiendo la vida sin mística, pero tampoco sin materialismo, porque ambos mundos son complementarios, como los árboles, que tienen una parte aérea y luminosa y otra subterránea y en tinieblas”.

Enrique parece un sabio en sus palabras, su mundo se abre paso a la vulgaridad para hacernos entender, de un modo placentero y nada impositivo, que hay muchas más cosas que las que nuestros ojos pueden ver. Abrir en libro es como atreverte a abrir el pestillo de una ventana antigua y asomar la cabeza por ella, no temblar al sentir el frío, pues esa sensación es nuestra, es parte de nuestra libertad de ser. En el libro encontraremos su visión de este país nuestro, pero siempre desde el ayuno, “Aparte del universo propio del ayuno, desde su práctica, sus sensaciones, sus luces y sus sombras, (este libro) es la excusa perfecta para observar y comentar la sociedad contemporánea, la realidad española, el sistema de valores imperantes, el actual estado de crisis económica, política, social e ideológica. Y como no, la realidad de un enfermo mental, su universo, sus experiencias, sus recuerdos, sus sueños, su intento de ayudar a quienes acaban de ingresar en este extraño “club”. “Meditaciones” es un libro de reflexión, de filosofía, de crítica, pero también de autoayuda, de humor, de amor, de amistad y de sano cachondeo.

Pero, ¿es una acto de rebeldía un libro con esta temática y con su especial socarronería?, “Escribir algo interesante y antisistema, aunque sea minoritario, es ya un acto de rebeldía. Todo lo que rompe con el estatus quo, con los valores dominantes o contra lo “correcto”, llámese capitalismo, patriarcado, liberalismo o el mundo clasista, ya constituye una rebeldía. No soy un revolucionario, nunca lo he sido, y creo que el arma de transformación es la educación y la cultura, y mis libros intentan hacer reflexionar, adoptar otras pautas, describir el verdadero rostro de nuestra sociedad y promover alternativas. Podría también entenderse que ayunar en una cultura consumista es un acto de paradoja, de absurda oposición, y de delirante locura, pero también de resistencia pacífica”.

Y la autoedición, ¿sería también un acto de rebeldía?, “Para escritores que empiezan es la mejor opción. Una editorial convencional sólo apuesta por inversiones “seguras”, por autores consolidados o productos que puedan dar dinero rápido. Por otro lado, los porcentajes que dejan al autor suelen ser de entre el 20 y el 30 % de las ventas. Publicar un libro con autoedición implica pagar tú los costes de impresión de la obra y distribuirlos por tu cuenta, casi siempre en tiradas limitadas, pero también la posibilidad de ganar algo más, puesto que conoces a los clientes potenciales (muchos de ellos amigos, familiares o conocidos) y vas creando unas expectativas en tu entorno más inmediato. Además autoeditarse es una guerra contra los intermediarios entre el autor y el lector, que se aprovechan y se benefician de tu propio trabajo, casi sin arriesgarse ni haber trabajado en ello”.

Llegados hasta éste punto, uno se para y reflexiona algo, podría levantar ampollas un libro que habla, apartando el lado místico que conlleva encartado, y parece hacer apología del ayuno, cuando asistimos a una devastación social, donde hay gente, entre ellos niños, que no pueden comer en nuestro país. “La única manera consciente y voluntaria de ponerse en situación de conocer lo que es el hambre que padecen millones de personas en el mundo, es practicando el ayuno. Para conocer un problema de verdad, hay que experimentarlo, es el camino más directo. Por tanto llamar demagógico o burgués al ayuno es absurdo, porque no se trata de una pose o de una moda, sino de un proceso de minimalismo, donde uno intenta curarse y a la vez mostrar solidaridad, empatía y cercanía con mucha gente que pasa hambre de modo voluntario y a la vez, paradójicamente, se ahorran alimentos. El ayuno enseña que se puede vivir con poco, que la medicina natural está al alcance incluso de los más humildes y que lo importante no es nadar en la abundancia o cometer excesos alimenticios, sino todo lo contrario. El ayuno no es demagógico o burgués, sino un método popular, barato y sencillo, donde se ahorra dinero, se gana salud y te hermana con el hambre mundial y con las clases que padecen muchas necesidades, y que por tanto un burgués o un rico quizás nunca entiendan, porque su universo es el de la abundancia, el exceso y el despilfarro”.

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Javier Caro

Si después de haber leído la entrevista deseas comprar el libro, puedes hacerlo a través de:
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Cazadoras Asociados: el arte se pone a tiro

Galería de tiro, por Cazadoras asociados
Sala de la Muralla
Colegio Mayor Rector Peset
Plaza Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Hasta el 8 de mayo

El artista es un cazador. No persigue animales furtivos y salvajes, sino resignificar lo insignificante o lo que pasa desapercibido. El artista empuña sus armas –la línea, el color, el volumen, la electrónica- para alumbrar lo que no se suele, o no se quiere, ver y obligar a hacerle frente, mirarlo de otra manera, y pensarlo. Y, como el cazador, cultiva la paciencia, anda alerta, se arriesga y persevera.

Vista general de la exposición 'Galería de tiro', en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

Vista general de la exposición ‘Galería de tiro’, en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

Esta afinidad y, en especial el hecho de haber realizado las reuniones de constitución como colectivo en la antigua sede de una asociación de cazadores, impulsaría a un grupo de artistas de consolidada trayectoria individual a adoptar el nombre de Cazadoras asociados para las acciones, o exposiciones, que emprendieran juntos. No tardarían mucho en convocar una con el arte de la caza como leitmotiv. Su resultado se muestra en esta sala.

La exposición reúne 17 piezas, una por cada uno de los participantes. Todas ellas tienen como referencia la diana, dispositivo utilizado como blanco de tiro y figura polisémica donde las haya.

Vista de la exposición 'Galería de tiro', en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

Vista de la exposición ‘Galería de tiro’, en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

De manera paradójica, el uso recurrente de los círculos concéntricos, motivo que habitualmente conforma la diana, resalta la singularidad de cada obra, su propio “relato”, un relato derivado del código expresivo, las inquietudes y la intención de cada autor.

Algunas de las obras están gobernadas por la crítica al abuso de poder o a la violencia, otras incluyen alusiones autobiográficas o remiten a la filosofía zen, la literatura o el arte; las hay que interaccionan con el espectador…; todas emocionan.

Obras de la exposición 'Galería de tiro', en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

Obras de la exposición ‘Galería de tiro’, en el Colegio Mayor Rector Peset. Cazadoras asociados.

Puestas en común, configuran una sugestiva galería de tiro. A su vez, entablan diálogos cruzados entre ellas que propician nuevas interpretaciones, matices inesperados. Se trata de dejar que la mirada se cobre, complacida, la perturbadora verdad que contienen.

Buen tiro.

Adenda: los participantes en la exposición son Ximo Amigó, Julio Bosque, Calo Carratalá, Enrique Carrazoni, Toni Domènech, Antonio Girbés, Jarr, José Morea, Guillermo Peiró Roggen, Manolo Rey Fueyo, Pepe Romero, Manuel Sáez, Bia Santos, Sebastián Nicolau, Rubén Tortosa, Lukas Ulmi y Joan Verdú. Por su parte, el también miembro del colectivo y gerente del IVAM, Joan Llinares, se suma por primera vez a una de las acciones del grupo retomando así una actividad en la que dio sus primeros pasos profesionales.

Obras de la exposición 'Galería de tiro', en el Colegio Mayor Rector Peset. Gentileza de Cazadoras asociados.

Obras de la exposición ‘Galería de tiro’, en el Colegio Mayor Rector Peset. Gentileza de Cazadoras asociados.

Toni Picazo

La razón poética de Marusela Granell

Marusela Granell
Razón poética
Galería Walden Contemporary
C / Denia, 74. Valencia
Hasta el 9 de enero de 2015

La Galería Walden Contemporary presenta la exposición  La razón poética de la artista Marusela Granell. Una suerte de homenaje al pensamiento y nuestra condición de seres orgánicos a través de la mirada de la poeta y pensadora María Zambrano.

A diferencia de trabajos anteriores, en los que la artista siempre ha reconocido y reivindicado un arte enteramente formalista, alejado aparentemente de lo conceptual, y donde la importancia de lo decorativo es reivindicado a través de la naturaleza e investigación de los materiales. Ahora profundiza precisamente en la necesidad de la investigación del texto, que al igual que en el disfrute de su lectura plantea la importancia del disfrute de la forma. En este sentido, Granell, presenta como primer retrato, de una serie de cerebros-retrato a María Zambrano y su razón poética. Y de ahí la importancia de que los cerebros sean formalmente bellos.

Hay una búsqueda de lo esencial a través del uso de los mínimos elementos que nos acerca a una pintura a caballo entre lo formal y el paisaje orientalista.  Un proceso de trabajo donde los materiales en bruto recrean grandes espacios de silencio y serenidad donde descifrar el sentir de lo oculto. Papeles casi desnudos, apostillados en el tiempo, desgastados, cansados de ser arte se inscriben en una mística de la penumbra, de la metafísica y como expresión poética. Una total desposesión que dan asilo a las realidades que el racionalismo ha arrojado al exilio.

Imagen cortesía Galería Walden Contemporary.

Imagen cortesía Galería Walden Contemporary.

Acompañan a la pieza “cerebro-María Zambrano”, dos grandes paisajes pintados con óleo sobre papel.  Paisajes pintados, rotos, descompuestos que posteriormente han sido unidos en cierto modo de manera casual, como si la idea fuera permitirles ser de otra manera, desposeer la obra para dejarla ser.

La muestra nos introduce a través de la obra “Claro de bosque” una suerte de puerta de grandes dimensiones, cuya enmarcación nos invita a adentrarnos  a través de esta particular cosmovisión, ya que si bien la mística sucede dentro del alma, también está fundada en la naturaleza propia del hombre y en modo alguno es ajeno a lo humano. Gestos, pinceladas, collages, rastros que deja la pintura, paisajes de  nuestro yo más profundo habitados por pájaros. Un lugar donde la obra encuentra finalmente una dimensión casi espiritual.

Granell es doctora en Bellas Artes y recibió el Premio Nacional  Angel Herrera a la Solidaridad  en 1999, y el Premio del Ministerio  de Cultura por la promoción  del arte contemporáneo español   (2000). Ha expuesto en lugares tan variados como la Berliner Kunst (2004), el Museo de la Ciudad, en Valencia (2004) o el Oxid, en Wintertur (2005).

Imagen cortesía Galería Walden Contemporary.

Imagen cortesía Galería Walden Contemporary.

Una mujer llamada Teresa

‘Teresa de Ávila’, de Enrique Belloch
Teatro Talía
C / Caballeros, 31. Valencia
Hasta el 14 de septiembre

Algunos personajes históricos poseen un carácter tan universal y potente que mantienen su vigencia a lo largo de los siglos. Vidas intensas, obras brillantes que se reutilizan una y otra vez como materia prima de historias imaginarias. Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida como Santa Teresa de Jesús, es uno de esos personajes memorables e inmortales. Su figura ha inspirado desde composiciones musicales a obras de teatro, o películas, como las de Juan de Orduña (1961) o Josefina Molina (1984).

La gran mística y viajera se sube de nuevo a escena en un montaje dirigido por Enrique Belloch que estrena la temporada del teatro Talía, ‘Teresa de Ávila’ y permanecerá en cartel hasta el 14 de septiembre. Blanca Beneito, una  actriz de 25 años, se pone en la piel de una mujer adelantada a su tiempo, capaz de enfrentarse al poder.

Una escena de 'Teresa de Ávila', de Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

Una escena de ‘Teresa de Ávila’, de Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

“Fue muy activa y muy fuerte, de una gran determinación para hacer las cosas que quería”, dice Beneito. “En este aspecto me identifico mucho con ella, pero fue duro ponerme en situación para encarnarla a lo largo de su vida, desde los 15 a los 67 años”.

Fue Beneito quien instó a Belloch para montar una pieza en la que pudiera demostrar sus dotes actorales. La obra elegida, una de las escritas por José María Rodríguez Méndez, ‘Teresa de Ávila’, que Belloch recibió como legado tras la muerte de su amigo y colega.

Un ‘milagro’ de la santa

Recién salido de una de esas malas rachas en las que se acumulan de forma dramática golpes y pérdidas, el veterano hombre de teatro y cine reemprende una nueva etapa bajo el efecto milagroso de la santa y el apoyo de sus incondicionales amigos. “He pasado una temporada de pena y aflicción por la muerte de seres queridos y la desaparición de mi productora a causa de los impagos de Canal Nou”, confiesa. “Pero ya he salido del hoyo gracias en gran parte a la ayuda de mis amigos”.

Varios de ellos participan en el proyecto: Francis Montesinos en el vestuario, Ángel Aguadé en la escenografía, Paco Belda en la iluminación y el cineasta José Enrique March en la producción.

Una escena de 'Teresa de Ávila', con Blanca Beneito, dirigida por Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

Una escena de ‘Teresa de Ávila’, con Blanca Beneito, dirigida por Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

Rodríguez Méndez fue un gran amante de los escritores místicos, pero en esta obra resalta sobre todo la dimensión humana de Teresa, “una mujer de mucho carácter, incluso agresiva y violenta, que plantó cara a los poderes establecidos”, dice Belloch. Decidió incorporar los personajes de dos pícaros, que encarnan Pablo Carbonell e Isidoro Gasque, para darle “más forma y agilidad espectáculo”.

Escoltada por ellos,  Beneito describe a lo largo de 80 minutos, todo un tour de forcé, la evolución de una mujer singular, apoyada por cambios de vestuario a modo de liturgia que se realizan en escena. De la lujosa ropa de noble al sobrio hábito de monja.

El montaje incluye la actuación del coro Veus en l’aire, acompañado de música de cítara interpretada por monjas del Convento Carmelitas Descalzas de Puzol. La obra forma parte de los actos de celebración del V Centenario del nacimiento de Santa Teresa que se celebra el próximo año.

Blanca Beneito en una escena de 'Teresa de Ávila', de Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

Blanca Beneito en una escena de ‘Teresa de Ávila’, de Enrique Belloch. Imagen cortesía de Teatre Talia.

Bel Carrasco