La obra en franco devenir de Carmen Ortiz

Posted on 12 enero, 2018 por Salva Torres

Devenir, de Carmen Ortiz
Galería MrPink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 26 de enero de 2018

“Mi naturaleza es optimista, pienso que siempre hay algo por delante. Es un devenir incierto, pero no inseguro”. Así explica su obra ‘Devenir’ la artista valenciana Carmen Ortiz, cuya escultura de 350 kilos y 2,5 metros de alto y ancho preside la galería MrPink. Junto a esta gran pieza dialoga en franca armonía otra más pequeña, a modo de hoja en blanco que parece levitar a escasos centímetros del suelo. Es la manera que tiene Ortiz de interrogarse sobre la existencia y las contradicciones del ser humano.

Obra de Carmen Ortiz en la exposición Devenir. Imagen cortesía de MrPink.

Contradicciones resumidas en ese contraste entre lo pesado de la escultura, su tremenda fuerza expresiva, y la fragilidad que denota su estructura plana entrecortada a la manera de la papiroflexia. “Es la gran interrogación entre lo fuerte y lo débil. Pero no creo que sea una contradicción, sino el refuerzo de lo que somos”. Y lo que somos, al menos para Carmen Ortiz, se fundamenta precisamente en esa insistencia por perdurar en el tiempo, a sabiendas del final que inevitablemente nos aguarda.

“Nunca hay un final o al menos no lo aceptamos. Descubres la luna y enseguida quieres ir a Marte y luego Júpiter. Pertenezco a la rama optimista de la naturaleza humana”. Por eso la artista dice jugar en su obra con el devenir como espacio intersticial entre dos mundos que se conectan entre sí. Conexión que ella establece dejando siendo la puerta entreabierta. “En mi obra siempre se abre alguna puerta”. Apertura ligada con su voluntad incansable de creación: “No puedo dejar de imaginar y de pensar; de evolucionar constantemente”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

María Tinoco, responsable de la galería MrPink, señala el “carácter espiritual” de su trabajo, destacando en esa evolución los sucesivos cambios del color negro, al gris y ahora el blanco, así como el paso de lo bidimensional a la tridimensionalidad de su actual “devenir”. “Yo con color no trabajo nunca. Indago en los pensamientos básicos y elementales que motivan las dudas eternas y, en este lenguaje, el color a mí no me aporta nada. Busco la introspección máxima; el pensamiento más libre que pueda”.

Libertad que transita del hierro al lienzo y viceversa, sometiendo lo duro y lo frágil a una misma tensión arquitectónica basada en diferentes planos. Tan pronto el hierro parece abrirse como si fuera papel, como el ligero papel constituirse en materia sólida. “Las esculturas están planteadas como interrogaciones: aberturas sutiles, ángulos, cambios”. Y Carmen Ortiz asegura que la luz es el otro elemento por explorar: “He empezado a meter una luz estática que espero vaya evolucionando”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

De hecho, sus esculturas necesitan de la luz para reflejar los cambios que las diferentes aperturas propician. He ahí el devenir abriéndose y cerrándose al mismo tiempo. O como dice la propia artista, cuestionándose lo que pudiera significar su deriva, “si el devenir está hecho o por hacer; si está condicionado o libre de ataduras”. Y apela a ese río “que discurre de forma diferente para cada uno”.

Carmen Ortiz crea sus esculturas para que el espectador pueda transitar por ellas; para que sienta correr el devenir por sus venas y se interrogue por él. “Por esa puerta entreabierta vemos el mundo como si fuera una rendija”. Rendija a cuyo través se cuela la incierta vida que la artista transita con paso firme, arriesgando con su obra nuevas formas de entenderla. “La inseguridad forma parte de todos los artistas y de todas las épocas. Ahora, con la crisis, quizás las puertas se estrechan un poco más, pero siempre se sale por algún lado, se encuentra una salida”. ‘Devenir’ es el “título intuitivo” que ha dado a su última y contundente creación, que MrPink acoge hasta el 26 de enero.

Instalación de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de galería MrPink

Salva Torres

Cosmología, filosofía de la naturaleza

Posted on 22 noviembre, 2016 por MAKMA

Cosmology, de Tactelgraphics
Galería Mr.Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: viernes 25 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 20 de enero de 2017

De nuevo, Tactelgraphics y la galería Mister. Pink unen esfuerzos y presentan su nueva exposición titulada ‘Cosmology’. Cosmología, del griego κοσμολογία («cosmologuía», compuesto por κόσμος, /kosmos/, «cosmos, orden», y λογια, /loguía/, «tratado, estudio») concepción integral, denominada también filosofía de la naturaleza, es la ciencia que estudia todo lo relacionado con los cosmos o universos. Un título adecuado para este proyecto, en el que los artistas de Tactelgraphics, Ismael Chappaz y Juanma Menero, directores de la galería de Arte Contemporáneo Espai Tactel y a su vez dueños del estudio de diseño Tactelgraphics, trabajan a partir de sus referentes ya fallecidos, para de ese modo generar su propia cosmología.

Se trata de fundamentar la elaboración de su identidad como individuos a partir del concepto de “generar una cosmología propia”, y todas las contradicciones que esta idea conlleva. Entre los referentes que Tactel plantean se encuentran personajes tan dispares como Alan Turing (considerado uno de los padres de la ciencia de la computación y precursor de la informática moderna), Arthur Russel (compositor y cantante estadounidense de carácter marcadamente experimental, que abarca los estilos disco, minimalista, o rock, habiendo colaborando con figuras como Philip Glass, David Byrne o Nicky Siano) o Brad Davis (conocido por su papel protagonista en la película «El expreso de medianoche» y «Querelle»).

Cabe añadir, que el proyecto ‘Cosmology’ está realizado en colaboración con el Creative Coder, Carlos Yanes. Por último, Francisco Ramallo nos recuerda que es “difícil tarea la de abordar la actividad artística de Tactelgraphics obviando la faceta en la que se han volcado en los últimos años (su labor al frente de la galería Espai Tactel), y que les ha servido para un mayor conocimiento de los engranajes del arte desde otras posiciones”.

Cosmology de Tactelgraphics. Imagen cortesía Míster Pink.

Tocata y fuga de Vicente Talens

Posted on 1 noviembre, 2016 por MAKMA

Desaparición, de Vicente Talens
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 116. Valencia
Hasta el 18 de noviembre de 2016

Recordemos que en julio Vicente Talens hizo desaparecer una galería. Un acto de ilusionismo matérico, de actuación breve, que introducía una propuesta conceptual expandida, el principio de algo más grande. Una intervención que nos llevaba ya entonces hasta su nueva exposición en la galería Mr. Pink que se podrá ver hasta el 18 de noviembre.

Una vez más, entrelazando ficción y realidad, Talens pone en cuestión los límites de la realidad más literal a través de un conjunto de piezas excepcionales, muy diferentes técnicamente, interrelacionadas precisamente a través del concepto que da título a la exposición: la desaparición como punto de unión, principio y fuga de obras que son mucho más de lo que parecen.

Vicente Talens junto a algunas de sus obras. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Vicente Talens, en su exposición. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Entrar en esta exposición es entrar en el amplio imaginario creativo de Vicente Talens, en su particular iconografía bien conocida, pero también en planteamientos que ponen de manifiesto esa vasta mirada de artista que cuestiona cualquier imagen suscitada en la realidad cotidiana y la extrae para componerla y descomponerla dentro de ese universo creativo que se ha ido tejiendo a lo largo de los años, las experiencias, las influencias, las lecturas, los encuentros azarosos y la práctica artística.

‘Desaparición’ es una propuesta multidisciplinar donde encontraremos desde el cuestionamiento de los márgenes actuales de consumo y mercantilización, tanto de los propios objetos como del arte mismo, como alusiones a diferentes personajes, figuras y artistas que han marcado el universo Talens, desde Zigmunt Bauman, Jarvis Cocker, Jean Giraud o Achielle Bonito Oliva, incluyendo una pieza que nos lleva directamente a uno de las grandes artistas que primero usa la desaparición como forma de depuración ulterior espiritual y pictórica, Kazimir Malévich, o la articulación de otra de las piezas presentadas al modo de Joseph Kosuth; todo esto marcado por una apelación constante a la desaparición.

Desaparición, de Vicente Talens. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

La desaparición como tumba, límite, principio, final, materia y camino; toda una meditación en torno a la huella, al vacío, al rastro, al cuestionamiento de los límites incluso epiteliales, a la caducidad de todo, a lo que queda de los otros y de nosotros, a la fugacidad de la existencia.

Y todo esto sin dejar de lado ese espíritu vital, luminoso, lleno de colorido y de humor, relacionado con esa mirada fascinada y profunda que parece impregnar todo lo que nos muestra Vicente Talens. Si ‘Desaparición Pieza n.01’, fue el principio y el fin del primer acto, ‘Desaparición’ es la obra teatral completa.

Obra de Vicente Talens. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

¿Existen los Paraísos Terrenales?

Posted on 17 junio, 2016 por Eduardo García Nieto

Paraísos terrenales
Sebastian Chisari, Christto & Andrew, Alex Francés, Miguel Ángel Gaüeca, Jules Julien, Javi Moreno, Miguel Rael, Michael Roy, Eduardo Sourouille, Javier Velasco
Iniciativa de Black Refuge
Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Inauguración: jueves 23 de junio
Hasta el 30 de julio de 2016

Blue is the universal love in which man bathes – it is the terrestrial paradise. (Derek Jarman, Blue, 1993)

No hay otros paraísos que los paraísos perdidos (Jorge Luis Borges, Los conjurados, 1985)

Algunas palabras están colmadas de anhelo. Quién no desearía el paraíso, no lo buscaría, no perseguiría su esencia, identificándolo, tal vez por un instante. ¿La pesquisa debería iniciarse en el lugar en el que existió, la tierra, o en el lugar que ocupa en nuestro imaginario?

Las palabras son llaves, por ejemplo, Pardes, el término hebreo que designa al jardín, al paraíso y que, al mismo tiempo, funciona como acrónimo de las cuatro posibles formas de interpretación: literal, alusiva, exegética y secreta o mística. La palabra se torna múltiple, poliédrica y el relato nos indica así las formas de desestabilizarlo, invitándonos a explorar sus distintas capas de sentido.

Obra de Javier Velasco. Imagen cortesía de Black Refuge.

¿Acaso te pedí, Creador, que de mi arcilla Me hicieses hombre? ¿Acaso te rogué Que de la oscuridad me ascendieses? (John Milton, El paraíso perdido, 1667)

El jardín de las delicias y el origen, el texto que desea ocupar un lugar al que retornar. La sociedad occidental ha soñado ese espacio, lo ha narrado, recreado, intentando que la idea fuese algo más real.

Pero es imposible habitar el paraíso, pese a que este, incómodo, resida en nosotros. El malestar por este lugar se plasma de manera clara en Frankenstein (1818) de Mary W. Shelley. La novela se inicia con una cita de Milton, pero su presencia continúa a lo largo de todo el relato. El paraíso perdido es una de las lecturas del ser creado por Víctor Frankenstein que rápidamente se identifica a sí mismo con Satán. Tenemos así a un personaje sin nombre, en busca, a lo largo del relato, de un igual mientras se esfuerza por aprender los códigos del entorno, vive ocultando su naturaleza debido a la presión social y que, al descubrir la idea del paraíso, decide identificarse con la fuerza negativa que nos expulsó de él. Podemos argumentar que una realidad mítica, incapaz de habitar el presente, pues reside en el pasado como perdida y en el futuro como promesa, no debería condicionar nuestra personalidad como le ocurre al protagonista de la novela, pero eso sería obviar que los relatos construyen nuestras identidades.

Obra de Álex Francés. Imagen cortesía de Black Refuge.

(…) si es posible que los lineamientos del paraíso terrenal surjan de la vida ordinaria, entonces esta última tiene que haber sido concebida, no como algún tedioso lugar de contingencia secular y existencia «normal», sino más bien como el producto final de la maldición y el encantamiento (Fredric Jameson, Documentos de cultura, documentos de barbarie. La narrativa como acto socialmente simbólico, 1981)

Uno de los elementos que aparecen en el análisis que Jameson hace de las narraciones mágicas es el paraíso. Este teórico defiende que, al igual que otras realidades míticas, su elaboración parte de nuestra realidad más próxima; no podemos entenderlo sin construirlo desde nosotros mismos. Así que edificamos una idea que nos excluye y que, además, esta dotada de una característica como es la naturalización (1). Las teorías feministas ya señalaron el subterfugio de lo “natural” y lo “neutro” como valedores de un status quo en el que es muy fácil sentirse desplazado o no integrado.

Obra de Jules Julien. Imagen cortesía de Blak Refuge.

El paraíso se convierte así en una heterotopía perversa pues es un lugar ritual vinculado con lo hegemónico. Este hecho nos obliga a vivir en la constante búsqueda de este no lugar, mientras dejamos que esta travesía nos trasforme, sin ser conscientes que su posible hallazgo nos encerraría en la norma. Aunque, como la palabra y su sentido, puede que la norma se desordene, fragmentándose.

Una exposición colectiva son fragmentos, en este caso, diez artistas que nos permiten aproximarnos a distintos paraísos o, mejor dicho, a como esta idea nos ha trasformado, modificando nuestras identidades.

Encontramos así propuestas atravesadas por estas realidades, en las que nociones como recuerdo, deseo, ruina, cuerpo… se entrelazarán proponiéndonos distintas lecturas de la misma palabra.

Obra de Sebastián Chisari. Imagen cortesía de Black Refuge.

Sebastian Chisari (Casablanca, Marruecos; 1990) utiliza la huella para hablarnos del deseo, de cómo un mismo escenario puede generar múltiples interpretaciones. Christto & Andrew (San Juan, Puerto Rico, 1985 y Johannesburgo, Sudáfrica, 1987) parten del análisis de una identidad en conflicto como es la de la sociedad de Qatar. Alex Francés (Valencia, 1962) toma el cuerpo como espacio de representación y ausencia donde la manualidad del tejido se confunde con lo orgánico de las formas. Miguel Ángel Gaüeca (Bilbao, 1967) reflexiona sobre la dificultad de conseguir los ideales de belleza para construir un relato en torno a la imagen, el recuerdo y la perdida. Jules Julien (Bagnols-Sur-Cèze, Francia, 1975) nos confronta con una hiperrealidad construida en la que un color, el azul, condiciona nuestra recepción al estar cargado de connotaciones culturales.

Obra de Javi Moreno. Imagen cortesía de Black Refuge.

Javi Moreno (Sant Joan d’ Alacant, 1982) recurre al cuerpo adolescente para enunciar los conflictos sobre su sexualización, inocencia o nuestro anhelo de juventud. Miguel Rael (Lorca, España, 1974) trabaja sobre lo intangible, sobre el misterio y la capacidad de comunicar de la forma y el signo. Michael Roy (La Rochelle, 1973) se sirve de “Me acuerdo” de Joe Brainard y Georges Perec para construir un relato sobre la memoria. Eduardo Sourrouille (Basauri, Bizkaia; 1970) nos habla de nuestras redes familiares y de afecto utilizando a los animales como personificación de actitudes y comportamiento. Javier Velasco (La Línea de la Concepción, Cádiz; 1963) contrapone la artificialidad del laboratorio –azul de metileno, mercurio..- con la organicidad de nuestros cuerpos para evidenciar conflictos.

Y a todo esto se suma otra identidad, la de la persona que, con su propio paraíso interior, contempla esta muestra.

(1) Para una lectura del paraíso y su relación con lo “natural” véase Northrop FRYE, Anatomía de la crítica: cuatro ensayos, Monte Avila, Caracas, 1977

Eduardo García Nieto

¿Es posible alcanzar el paraíso?

Posted on 9 mayo, 2016 por María Ramis

‘Paraísos artificiales’
Jose Ramón Ais, Ana Barriga, Sergio Belinchón, Xavier Deloray, Leo Gutiérrez Guerra, Jesús Madriñán, Deva Sand, Kalo Vicent y Nelo Vinuesa
Las Naves, espai d’innovació i creació
C/ Juan Verdeguer 16, Valencia
Hasta el 18 de junio de 2016

El romanticismo moderno de Baudelaire continúa teniendo una gran trascendencia sobre un gran número de artistas, sobretodo en numerosos que tratan las artes plásticas visuales. No sorprende que en sus poesías y ensayos estuviera presente una continuada relación entre arte y drogas, casi como si de una pareja inseparable se tratara. Esta dualidad ha sido una analogía continuada desde la bohemia parisina del XIX, y sino que se lo digan a Ken Kesey y al ponche de ácido lisérgico que, desde otra perspectiva, también ayudó al periodista Tom Wolfe…

El ensayo ‘Paraísos artificiales’ publicado en 1860 narra todo un viaje, ese que le llevó a escribir ‘Un comedor de opio’ y ‘El poema del hachís’. Desde entonces, y obviando el escándalo que la propia persona de Charles Baudelaire producía en su coetánea sociedad, prácticamente no existen tabúes en lo referente a la recepción de estos estímulos exteriores a la hora de crear. En palabras de Francisco Ramallo “Se trata de una práctica ya conocida en tiempos primitivos, que ha originado praxis tan interesantes como la escritura automática de Masson o el arte psicodélico (…)”. Por supuesto, no se trata de exaltar el consumo en ningún momento, ya que las diez propuestas artísticas reflexionan en torno a la pregunta lanzada por Baudelaire “¿qué sentido tiene trabajar, labrar el suelo, escribir un libro, crear y dar forma a lo que fuere, si es posible acceder de inmediato al paraíso?”.

Obra de Nelo Vinuesa. Imagen cortesía de la organización.

Nos adentramos en esa reinterpretación del paraíso a través de la obra de Jorge Fuembuena. ‘The Warner them park’ es una gran fotografía de un paisaje urbano subdividido por el propio marco. El artista, en su afán por redescubrir la realidad centra la mirada del espectador a través de la imagen partida. En esta pieza perteneciente a la serie ‘Inside Insect’ investiga y homenajea el trabajo de Luis Buñuel, que también se relacionó con la vanguardia parisina. Diferente paisaje pero reconocible a su estilo es el que muestra Nelo Vinuesa, donde la naturalidad se esconde bajo los monocromos y acaba por desaparecer. Vinuesa, como siempre, nos traslada a paisajes soñados pero artificiales, bucólicos pero sintéticos… Con esta sensación regresamos al ‘Palacio Ingrávido’ de Deva Sand que pudimos disfrutar hace poco en la galería Mr.Pink. La instalación encaja dentro de la muestra ya que continua con el idilio planteado por Baudelaire donde los sueños juegan un papel esencial en la búsqueda del paraíso, para Sand el paraíso se encuentra en su interior.

La fotografía es una constante a lo largo de la muestra y vuelve a actuar justo enfrente de la instalación de Sand con piezas creadas por José Ramón Ais y con Sergio Belinchón. El hiperrealismo que desprende Ais lo toma de los antecedentes románticos de Baudelaire aportando, con esas naturalezas imposibles despejadas de intervención humana, el toque de materia imprevisible, de paraíso temible. Belinchón, por su parte, continua con esa carencia de humanidad pero recalcando lo surreal y fotografiando grandes construcciones fantasmales o animales ingentes, o jugando con la paradoja de fotografiar una playa abarrotada.

Xavier Delory expone su personal ‘Villa Saboye’ ideada por Le Corbusier en una serie de fotografías donde se aprecia el edificio como si hubiera sido abandonado y profundamente maltratado. Esta estética ruinosa hace reflexionar al espectador sobre el factible paso del tiempo, ¿es el paraíso, tal y como lo entendemos, infinito? Con ‘Apnea’ Leo Gutiérrez Guerra plantea otra posibilidad para el edén, una bajo el agua. Haciendo hincapié en una poética de nuevo relacionada con el mundo de los sueños, Gutiérrez compone una metáfora que sale de la fotografía para convertirse en una escultura de mármol de una aleta.

‘Apnea’ de Leo Gutiérrez. Imagen cortesía de la organización.

Tras la inmersión, se aproximan las últimas paredes. En la esquina más visible del espacio, Ana Barriga nos desprende de la centralidad en su obra pues le propone al observador, a través de la experimentación con la pintura, que trate de completar los huecos que va dejando en blanco. Provoca así que nos alejemos de la realidad, aunque al mismo tiempo tratemos de permanecer en ella. Del gallego Jesús Madriñán podemos ver una muestra de sus fotografías donde la retratística barroca de la pintura ha dejado paso a las nuevas tecnologías y a formas de ocio nocturno, aunque sin perder la solemnidad. Imágenes de naturaleza nocturna acompañan a estos personajes creando un contexto nuevo, en el que parecen no encajar; al igual que Baudelaire no encaja en su época. Por último, Kalo Vicent dirige su mirada hacia un proyecto autobiográfico, de ensoñaciones y narrativa personal, donde muestra cuál es su experiencia en su propio nirvana terrenal.

Este último grupo de obras da paso a lo que se avecina, pues una vez haya terminado ‘Paraísos artificiales’ se dará paso a ‘Paraísos Terrenales’, donde otra serie de artistas nos aportarán su particular visión sobre este concepto tan aprovechado a lo largo de la Historia. Los intermediarios que han hecho posible llevar a cabo esta muestra colectiva se hacen llamar ‘Black Refuge’ un grupo conformado por Ismael Chappaz, Juanma Menero y María Tinoco. Los dos primeros son directores de Espai Tactel y del estudio de diseño Tactelgraphics. Por su parte, Tinoco dirige la galería Mister Pink y, ambas galerías formar parte de LaVAC. Es por eso que quizá podamos identificar a artistas que ya han trabajado con estas galerías, reconocemos piezas de ambos ambientes, pero que quedan unificados bajo este interesante proyecto que pone en valor literatura, fotografía, instalación, escultura y en general, la interdisciplinariedad de las artes bajo la atenta mirada teórica que nos proporcionó en su día el gran poeta maldito Charles Baudelaire.

Obra de Jesús Madriñán. Imagen cortesía de la organización.

María Ramis

Eclécticos en la galería Mr. Pink

Posted on 18 noviembre, 2015 por MAKMA

Eclécticos, con Quique Marzal, Ismael Teira, Sandra Ferrer, Javier Pastor, Carmen Ortiz, Sara V. Molina, Natalia Domínguez y Javier Velasco
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 18 de diciembre de 2015

La galería Mr. Pink acoge la exposición Eclécticos, propuesta de muestra colectiva, que comparten Quique Marzal, Ismael Teira, Sandra Ferrer Gallego, Javier Pastor, Carmen Ortiz, Sara V. Molina, Natalia Domínguez y Javier Velasco. En ella se aúnan el carácter y personalidad de cada artista en una apuesta común, tratando diversos temas que se han trabajado en pareja, explotando así la conexión entre los artistas, que aporta una dimensión nueva y un mayor magnetismo en las piezas expuestas.

Este experimento expositivo pone de manifiesto la complicidad entre las parejas, creadas “ad hoc” para la muestra, con un nexo de unión, ya sea temático, estético o práctico, pero en todas ellas se aprecia el resultado del tránsito entre artistas, del transvase emocional y de la conexión entre las obras creadas.

La clave del experimento es que las parejas se entendieran, dinamizar eso que les une, con el fin de crear obras nuevas, puesto que el nexo no es la obra, sino el resultado de la unión. Cada pareja ha propuesto el hilo conductor por el que desarrollar su trabajo, llegando finalmente a crear piezas en común o contrapuestas, enfrentadas, de inspiración mutua, el producto de una reflexión, de un discurso, del entendimiento y la copula.

Tras la puerta, de Sandra Ferrer Gallego y Javier Pastor, plantea, como sugiere el título, lo que la puerta esconde, lo que no se ve, lo oculto a los ojos de la sociedad, la intimidad. Con esta línea temática, presentan dos registros diferentes de una misma dimensión, lo personal, lo íntimo, lo particular, un misterio que desconocemos, esto es lo que tengo, esto es lo que soy. Estas piezas comparten un espíritu intimista, aunque “lo que hay detrás de la puerta distorsiona mucho”.

Obra de Ismael Teira en la exposición Eclécticos. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Paisaje Ibérico, de Quique Marzal e Ismael Teira, es un trabajo en el que estos dos artistas muestran dos elementos significativos y presentes en el paisaje español, las palmeras y el toro de Osborne. Estas dos piezas puestas en común, reflexionan sobre el paisaje, la sociedad actual, de su relación y del engaño visual que esto puede generar, es decir, lo que se ve no siempre representa la realidad.

Obra de Natalia Domínguez. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Javier Velasco. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Una silla es una silla; una silla es un poema; un poema es una silla, de Javier Velasco y Natalia Domínguez, aprovechan las rupturas, sinergías y cortocircuitos de la comunicación, jugando con los significados asociados a los objetos, evidentes o incorporados, apropiándose de los mismos para construir un nuevo código, que modifique y ponga en cuestión el significado de aquello a lo que nos enfrentamos.

Obra de Sara V. Molina. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Incipit, de Sara V. Molina y Carmen Ortiz, plantean la utilización de la obra del otro artista como punto de partida para la creación de otra nueva, estableciendo un diálogo, un intercambio de miradas tamizadas por la edad, la identidad y la personalidad, una obra basada en una visión alternativa del otro, creando una interrelación, un par.

Resistencias invisibles en Fundación La Posta

Posted on 3 febrero, 2015 por Juan Fabuel

La resistencia invisible de lo cotidiano I: Reificación
Be Andr y Regina de Miguel
Fundación La Posta
C / Pintor Fillol, 2. Valencia
Hasta el 14 de febrero, 2015

Uno de los aspectos claves para entender el mapa de conocimiento proyectual trazado en la Fundación La Posta es el diálogo entre arte, tecnología, ciencias sociales y arquitectura. Este marco de actuación multidimensional genera sinergias capaces de plantear las cuestiones más importantes en la actualidad y en ese contexto nos sentimos capaces de aportar algo al discurso cultural actual como una organización constituida sin ánimo de lucro. Esta nueva forma de multi-dimensionalidad es, en palabras de Mosquera “una prisión sin muros”, y nos recuerda que el mejor laberinto en el mundo es el desierto y que en la mayor parte del siglo XXI los artistas han encontrado refugio entre sus espacios olvidados.

Con la atención puesta en ese diálogo entre disciplinas que tiende a generar la tensión necesaria para la creación y que de alguna forma define y tamiza las identidades de los actores culturales del siglo XXI, he esbozado ‘La Resistencia Invisible de lo Cotidiano’, una iniciativa que se completa con dos exposiciones (La Resistencia Invisible de lo Cotidiano I: Reificación / La Resistencia Invisible de lo Cotidiano II: Equívoco) y que persigue habilitar esos espacios generados entre diferentes territorios del conocimiento para hacerlos visibles y respirables.

Imagen del video de Regina de Miguel en la exposición 'Las resistencias invisibles de lo cotidiano I: Reificación'. Fundación La Posta.

Imagen del video de Regina de Miguel en la exposición ‘La resistencia invisible de lo cotidiano I: Reificación’. Fundación La Posta.

Creo firmemente en la capacidad del arte como elemento transformador en cualquiera de los ámbitos de la vida, pero esencialmente del tejido social. Admiro la capacidad que posee para vehicular pensamientos y sensaciones que de otra forma no serían incorporados ni estructurados como componente estética y experiencial particular. Esta relación entre arte, la cotidianeidad y la resistencia entre equivalentes y no entre opuestos, me ha llevado a plantear una serie de diálogos entre artistas que trabajan aspectos relacionados con esos procesos.

En un momento social muy comprometido, donde la estructura se desmorona y el sistema muestra demasiadas heridas abiertas, la idea de una resistencia invisible que fluye desde los trabajos seleccionados sirve como reactivo de la función transformadora del arte. He buscado establecer un diálogo entre agentes que se mueven en un entorno global pero que alcanzan a resolver a través de sus trabajos problemas específicos. Esas “diferencias similares” permiten que los trabajos aborden perspectivas diferentes sobre temas comunes generando voces individuales totalmente integradas en un proyecto conjunto.

Obra de Be Andr en la muestra ‘La resistencia invisible de lo cotidiano I: Reificación’. Fundación La Posta.

Los artistas invitados a formar parte de la primera parte del proyecto son Be Andr y Regina de Miguel, ambos afincados en Europa -Andr en Londres y de Miguel en Berlín- y con lugares de procedencia distintos a los lugares en los que viven y trabajan. El hecho de ser artistas habituados a desenvolverse en un entorno ajeno al de sus lugares de procedencia -Andr es noruego y de Miguel es española- les ha permitido trabajar desde esa mirada global condicionada por factores locales ajenos.

Sin duda el poder de la migración ejerce una influencia excepcional a la hora de establecer nuevos códigos con los que evaluar y situarse en el mundo. Regina de Miguel y Be Andr son capaces de restaurar mediante su obras cuestiones necesarias relativas a los códigos culturales, científicos o textuales hegemónicos y pretendidamente consolidados. Ambos artistas, desde lugares estéticos y conceptuales diferentes, se acercan a esa resistencia invisible que genera la duda de lo establecido y no elegido, planteándose cómo sacrificar parte de lo aprendido para evocar nuevas situaciones que transforman la realidad, ya sea la suya, la nuestra o la que compartimos.

Imagen del video de Regina de Miguel que forma parte de la exposición de Fundación La Posta.

Imagen del video de Regina de Miguel que forma parte de la exposición ‘La resistencia invisible de lo cotidiano I. Reificación’. Fundación La Posta.

Juan Fabuel

Rubén Guerrero brilla en Abierto Valencia

Posted on 25 septiembre, 2014 por MAKMA

Abierto Valencia 2014
Fiesta de entrega de premios
Noche del miércoles 24 de septiembre
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia

La Secretaria Autonómica de Cultura de la Conselleria de Educació, Cultura i Esport, Julia Climent, entregó en el Centro del Carmen el premio de la Generalitat Valenciana a la Mejor Exposición de Abierto Valencia 2014 a Rubén Guerrero de la Galería Luis Adelantado. Y lo hizo en el marco de una celebración que reunió a representantes de las 21 galerías de arte que componen LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) y que han organizado esta apertura conjunta que se completará con visitas guiadas para el público a lo largo del fin de semana.

Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, con el premio a la mejor exposición del Abierto Valencia 2014, entregado por la Secretaria Autonómica de Cultura, Julia Climent, a su lado. Centro del Carmen. Foto: Nacho López Ortíz.

El acto se completó con tres importantes Premios Adquisición, muy repartidos, pues Hortensia Herrero, de la fundación que lleva su nombre, entregó los galardones a Sean Mackaoui de la Galería Set, Nuno Nunes-Ferreira de Paz y Comedias y Guillermo Ros de Galería 9. DKV Seguros, de la mano de Alicia Ventura y José Antonio García, entregaron sus Premios Adquisición a Alfredo Rodríguez de Mr. Pink y a Rubén Guerrero de Luis Adelantado, mientras que José Gandía Blasco se decidió por las exposiciones de Sean Mackaoui de Espai Set y Nelo Vinuesa de Espai Tactel.

José Gandía Blasco, en el centro, tras entregar los premios patrocinados por Gandía Blasco, junto a los galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d’Art, y Nelo Vinuesa, de Espai Tactel. Foto: Nacho López Ortíz.

La entrega de premios reunió a los galeristas, en el claustro gótico del Centro del Carmen, con la colaboración del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, con la degustación de postres del Grupo de Restauración Vicios Italianos, los vinos de las bodegas de Terres del Alforins, las cervezas de Turia, vodka de Belvedere, Federica, el arancello de Valencia y los combinados de Dicoval. Además del equipo de José Arte, el mobiliario de Gandía Blasco y la producción de Cuchita Lluch de La Lista y Vanesa García Gatzsch de GMG.

Alicia Ventura y José Antonio García, entre los galardonados por DKV Seguros, Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, y Alfredo Rodríguez, de Mr. Pink. Foto: Nacho López Ortíz.

Alicia Ventura y José Antonio García, entre los galardonados por DKV Seguros, Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, y María Tinoco, de Mr. Pink. Foto: Nacho López Ortíz.

Pero Abierto Valencia fue mucho más, ya que todas las galerías hicieron una inauguración conjunta desde las 17 hasta las 22 horas que animaron sus barrios pues se asociaron con un restaurante, ultramarinos, bar o local de su entorno y ofrecieron un catering a todo el que quiso acercarse a conocer sus exposiciones de apertura de temporada.
A lo largo de estos días, se espera la asistencia de más de 3000 personas que podrán disfrutar de más de 300 obras de artistas nacionales e internacionales. Esta expectación viene marcada por los ARCO Gallery Walk, visitas guiadas realizadas por AVALEM, que conectarán las distintas galerías en tres rutas. Así, el que quiera conocer la historia de las galerías, sus peculiaridades y sus artistas con más profundidad, no tendrá más que apuntarse a las visitas guiadas gratuitas en el correo asociacionavalem@gmail.com que se realizarán el viernes 26 por la tarde y sábado 27 por la mañana.

Hortensia Herrero, de la Fundación que lleva su nombre, junto a sus galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d’Art, Nuno Nunes-Ferreira, de PazyComedias, y Guillermo Ros, de Galería 9. Foto: Nacho López Ortíz.

Son precisamente estas rutas las que recorrió el prestigioso jurado compuesto por Javier Díaz Guardiola, coordinador de la sección de arte y arquitectura de ABC Cultural, Maribel López, directora comercial y de programas comisariados de ARCOmadrid y Javier Hontoria, crítico independiente que, junto a los representantes de cada uno de los Premios de Adquisición otorgados por Gandía Blasco, DKV Seguros y la Fundación Hortensia Herrero, seleccionaron las obras que pasarán a formar parte de su colección entre las más de 300 expuestas.

Ambiente de la entrega de premios de Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente de la entrega de premios de Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

Abierto Valencia es ya la cita ineludible que atrae a coleccionistas, amantes del arte, expertos, críticos, comisarios, artistas, pues las galerías realizan, además, importantes descuentos estos días, pero también pretende que su nombre se defina a través del acercamiento del arte, de forma abierta y sencilla, al público en general.

Ambiente durante la noche de entrega de los premios de Abierto Valencia 2014 en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la noche de entrega de los premios de Abierto Valencia 2014 en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

GALERIAS Y EXPOSICIONES DE ABIERTO VALENCIA 2014
La II Edición de Abierto Valencia cuenta con exposiciones tanto individuales como colectivas y de grupo, como la de Nelo Vinuesa en Espai Tactel, galería ganadora del premio Abierto Valencia en su primera edición, nuevas obras del pintor sevillano Rubén Guerrero en Luis Adelantado, una recopilación de proyectos realizados en Valencia del 2005 al 2010 del dúo formado por Gómez & González en Espai Visor, las pinturas de Willy Ramos en Alba Cabrera y de Víctor Mateo en Rosalía Sender. Además contará con el proyecto comisariato por Aramis López de Alex Francés en Rosa Santos; la aportación de Galería Cuatro con obras de Ana Vernia, mientras que Paz y Comedias presenta las pinturas del portugués Nuno Nunes-Ferreira.

Ambiente durante la noche de entrega de premios de Abierto Valencia en el claustro gótico del Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la noche de entrega de premios de Abierto Valencia en el claustro gótico del Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

Por su parte, las más veteranas, como son Benlliure, Del Palau y Thema contarán con una amplia selección de sus artistas. En Galería Thema, concretamente, los artistas son Rafael Armengol y Pedro Esteban en la exposición Palimpsesto (capitulo1), al igual que, en una línea más joven, Trentatres con Hélène Crécent, Roberto Mollá y Jimmy Molina entre otros. En Mr. Pink, proponen en esta ocasión un proyecto comisariado que incluye a jóvenes artistas de las galerías más punteras del panorama español como también son punteros los collages del anglo-libanés Sean Mackaoui en SET Espai d´Art o las propuestas de Punto y Area 72 respectivamente, al traer la obra del conocido artista Manuel Vilariño y un proyecto de instalación de Ángel Masip y Julia Mariscal. Finalmente en Valencia, Galeria 9, se presenta con Pablo Lambertos i Guillermo Ros.

Ambiente durante la entrega de premios del Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la entrega de premios del Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

En Alicante se podrá ver la exposición “Racionalismo Levantino” de David Sardaña & Iñigo Lanz en Parking Gallery y en Jávea las pinturas de Antonio Abellán en Isabel Bilbao. Sin olvidar Aural de Alicante que muestra, por primera vez en España, el proyecto de Armando Miguélez (Tucson, Arizona) “Somewhere closet or anywhere but here”. Más al norte, ya en Castellón, Canem, con Arancha Goyeneche, y Collblanc, con Ramón Roig, finalizan una serie de propuestas que no dejarán indiferente a nadie.

Ambiente de Abierto Valencia durante la noche de entrega de premios en el Centro del Carmen. Imagen por cortesía de la organización.

Ambiente del Abierto Valencia durante la noche de entrega de premios en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

El nuevo director del IVAM, José Miguel García Cortés (en el centro de la imagen), junto a Ismael Chappaz (de izda a dcha), Olga Adelantado, Rosa Santos y Álvaro de los Ángeles. Foto: Nacho López Ortíz.

De izquierda derecha, las galeristas Elena Grunder, María Tinoco y Reyes Martínez. Foto: Nacho López Ortíz.

El fotógrafo Nacho López Ortíz (izda) y el reportero Tonino Guitian.

Azucena González y su frágil equilibrio

Posted on 27 febrero, 2014 por Salva Torres

You and me and the cat, de Azucena González
Galería Mr. Pink
Avenida Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 7 de marzo

La vida es puro desorden, inestabilidad, caos. Si la percibimos ordenada, estable y segura es porque, después de todo, nos esforzamos para que así sea. Las herramientas que hemos ido fabricando desde la noche de los tiempos han servido para eso: para dominar segmentos de lo real de forma que la indomable naturaleza se vuelva dócil. He ahí la parte amable de la existencia, el hogar dulce hogar que nos mantiene a resguardo de la intempestiva vida. La neurosis, de la que dio buena cuenta Freud, no es más que la obsesión por el orden amenazado a diario. Azucena González (Valencia, 1980) se hace cargo en su obra de la fragilidad que nos constituye, por mucho que lo olvidemos parapetados tras los múltiples caparazones ideológicos.

Obra de Azucena González. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Y lo hace, como quien sintiendo fríos los dedos junta sus manos, a base de la temperatura que ofrece el color. You and me and the cat, tal es el título de su exposición en Mr. Pink, está compuesta por una serie de obras en la que prima el intenso color como antídoto a la fragilidad que domina el conjunto. Es como si Azucena González, sobrecogida por el temor que provocan esos objetos a punto de caer, esas figuras encerradas en dudosas habitaciones, sintiera la necesidad de abrigarse de color. Como siente la necesidad de aprovechar diversas jaulas y vestirlas, con el fin de transformar su esqueleto vacío en algo parecido a humildes moradas.

Obra de Azucena González. Imagen cortesía de Mr. Pink

Sus series, casualidad o no, de seis piezas, entre bodegones, objetos colocados al borde mismo de tarimas, peanas y mesas, figuras solitarias o en difícil comunicación, además de las diversas jaulas, parecen habitadas por un temblor lejano a punto de echarlo todo a perder. Como si cierta falla telúrica estuviera aguardando el momento propicio para desencadenar la catástrofe. Los flanes de gelatina son metáfora apropiada de ese temblor próximo a desfallecer. Un mal día, producto de un sueño mal conciliado, un encuentro desafortunado, una frase pronunciada de forma inoportuna o el simple desliz de un secreto que nunca debió aflorar, pueden ser razones suficientes para que todo se vaya al traste.

Obra de Azucena González. Imagen cortesía de Mr. Pink

You and me and the cat, así de sencillo. Tú, yo y el gato: los tres, haciendo diarios ejercicios y cabriolas para que todo encaje y, de repente, tan frágil universo se descompone. Si tal cosa no sucede en la obra que Azucena González muestra en la galería Mr. Pink, es porque después de todo prima la alegría del color. No hay rostro oculto, ni gesto cariacontecido, ni jaula vacía, que no pueda revestirse de tonos amables que contengan el inminente desastre. Está, sin duda, anunciado, próximo a desencadenarse (la planta, la gelatina, incluso alguna que otra figura, se hallan al borde del precipicio), pero finalmente la luz prevalece por encima de las sombras, de la fragilidad que atraviesa el conjunto expositivo de Azucena González.

Obra de Azucena González. Imagen cortesía de Mr. Pink

Salva Torres

Only Paper, una vuelta a los orígenes

Posted on 11 octubre, 2013 por Salva Torres

Only Paper. Exposición colectiva

Espai Rambleta

Bulevar Sur esquina Pío IX. Valencia

Hasta el 7 de noviembre

La tan cacareada muerte del papel parece haberle dado vida. La pasada semana se presentó en Valencia la revista de humanidades y economía La maleta de Portbou, en puro papel. Y, ahora, María Tinoco y Cristina Chumillas han comisariado una exposición ecléctica, que tiene, eso sí, como denominador común el papel. Un total de 14 artistas, completamente diferentes entre sí, exhibe su obra realizada en diferentes tamaños y formato, pero toda ella en papel. Only Paper es, sin duda, un título apropiado para reflejar esa unanimidad artística en torno a un soporte material que muchos dan por muerto, ante el arrasador avance de la tecnología, pero que no deja de renacer de sus cenizas.

Obra de Moisés Mahiques para Only Paper en Espai Rambleta.

Terminará siendo un objeto de culto al que acudirán los amantes de la buena vida artística. Entretanto, ahí sigue, mostrándose fuerte como Ulises ante el canto de sirenas digital que amenaza con hundirlo. Para ello, María Tinoco y Cristina Chumillas se sirven de 14 artistas cuya fuerza mayor reside en la consistencia que les proporciona tan frágil papel. Papel de todos los estilos, temáticas y colores. Papel ilustrado, collage, dibujo, “papercut”, diseño y hasta viñetas de cómic. Todo ello en la planta cuarta de Espai Rambleta, diseño de Tactelgraphics y que el DJ Cryïng Hemeroteqüe se encargó de sonorizar durante la inauguración.

Detalle de la obra de Tactelgraphics para Only Paper en Espai Rambleta.

Siendo el papel el elemento aglutinador de Only Paper, el variopinto abanico de propuestas de la exposición deja de chirriar bajo el manto protector de esa principal línea argumental. De este modo, el batiburrillo deja de ser tal para transformarse en un caleidoscopio de propuestas que tan pronto arrancan una sonrisa irónica al espectador, como le producen una acidez estomacal fruto del cóctel amargo que destilan en conjunto algunas imágenes.

Predominan las propuestas irónico festivas de El Rotor, Sergio Mora, Sobelman Corta y Pega (Elisa Gómez Sobelman), (Mamen) Agente Morillas y, ya más mordaces, Marcos Martínez, Valero Doval y, sobre todo, Eneko Las Heras, cuyo humor destila un aroma próximo al que destapa Chema Madoz con sus imaginativas fotografías. Elena Mir y Felipe Pantone se salen de ese universo crítico y sardónico, para plantear sutiles juegos ópticos mediante relieves y manieristas grafismos.

Detalle de la obra de Rafa Fonteriz para Only Paper en Espai Rambleta.

Tactelgraphics (Ismael Chappaz y Juanma Menero) prefiere enfundarse el chándal y mostrar un inquietante rostro cubista, que bien pudiera remitir al provocador manifiesto futurista de Marinetti (“no hay belleza sino en la lucha”). Como luchando anda Paula Bonet, con sus rostros de mirada angelical, mejillas sonrosadas y una mirada que por fuera seduce, mientras aflora cierta angustia existencial en sus pupilas. Las viñetas de Rafa Fonteriz, dentro de un marco narrativo de cine negro, también muestran esa contrariedad de lo bello y lo siniestro.

Obra de Agente Morillas para Only Paper en Espai Rambleta

Y mientras todos ellos emplean entre tres y 11 imágenes para rendir pleitesía al papel, Antonio Fernández Alvira y Moisés Mahiques concentran sus respectivas propuestas en una sola imagen. Fernández Alvira, en esa línea de tensión que, en el fondo, recorre el conjunto, muestra dos cuerpos en lucha salpicados de guirnaldas y medallas, como estampa histriónica del poder. El dibujo “reiterativo” de Moisés Mahiques sobresale por su minucioso trabajo de figuras en bucle sobre fondo negro. Quizás sea ésta, de hecho, la mejor manera de decir que el papel sigue vivo, por su inacabada trayectoria en tiempo de sucesivos enterramientos.

Detalle de la obra de Eneko para Only Paper en Espai Rambleta

Salva Torres