Un políptico de sabores se lleva el Mardel

IV Convocatoria de Pintura Mardel
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

El Centre del Carme de Valencia acoge hasta el próximo 13 de noviembre la exposición de la IV Convocatoria de Pintura Mardel, con el apoyo del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Esta iniciativa pretende dar la oportunidad a los creadores de mostrar su trabajo y acceder a una ayuda a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico o facilitando la difusión y el conocimiento de su obra.

La convocatoria está dirigida a artistas entre 18 y 40 años, y en ella se concede un premio (dotado con 4.000€) y tres accésit. “Este año hemos decidido conceder cuatro accésit ante el éxito de la convocatoria y la calidad de los artistas que se han presentado. La exposición en el Centre del Carme muestra las obras de los 30 finalistas, entre los más de 200 proyectos que se presentaron”, explicó Amparo Martínez, en representación de la Fundación.

El jurado ha estado compuesto por José Luis Pérez Pont, director gerente del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; Nuria Enguita Mayo, directora de Gens Centre d’Art Valencia y editora de la revista Concreta y curadora, y por Bruno Leitao, director curatorial de Hangar – Centro de Investigación Artística de Lisboa y director del proyecto Cuatorial Clube. Como miembro del jurado, Pérez Pont señaló que “el premio busca la experimentación en el ámbito de la pintura y en este sentido las obras que hemos seleccionado van dirigidas a generar un concepto más amplio de la misma”.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premios

Durante la presentación de la muestra, se dio a conocer el fallo del jurado. La obra ‘Políptico de sabores’ del artista gallego Misha Bies Golas ha sido la ganadora de esta IV edición del Premio de Pintura Mardel.

La pieza, que toma la forma de un cartel de helados, hace un ejercicio crítico acerca de la autoría de la obra de arte y, como explicó el propio artista, “el políptico de sabores habla de un pintor que aborda la pintura con sumo respeto, desde lejos, más que con miedo a mancharse, con miedo a meterse en un terreno sagrado”.

Doble paño de Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Doble paño de la Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Asimismo, los cuatro accésits han recaído en las obras: ‘Doble paño de la Verónica’, de la artista argentina afincada en Madrid, Luciana Rago; ‘Señales de humo’ del alicantino Pablo Bellot; ‘Cambio flúor por fama’, del valenciano Carlos Peris; ‘The evidence’, de la artista andaluza afincada en Valencia, Marina Iglesias.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

En su obra, Luciana Rago parte de una investigación sobre pinturas canonizadas por la Historia del Arte que tiene como punto de partida la ‘Santa Faz’ (1931) de Zurbarán. Por su parte, Pablo Bellot presenta una instalación en la que muestra el estado de descomposición en la que se encuentra la sociedad y el hartazgo que le produce.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El valenciano Carlos Peris hace una reinterpretación de la pintura en la que “cambia fluor por fama”, una reflexión sobre el sector artístico valenciano en clave de humor.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Inspirada en los fotogramas cinematográficos, Marina Iglesias en su obra ‘The evidence’ muestra unos cuerpos semienterrados y postrados en el suelo que presentan una ambigüedad: parecen ser más bien muñecos o maniquíes cuyas caras rotas se funden con el suelo, una escena que invita a ser completada en la mirada del espectador.

El resto de artistas seleccionados y cuya obra puede visitarse también en el Centre del Carme son: Gil Gijón, Aaron Sanroman, Saskia Rodríguez Araña, Manuel Antonio Suárez, Luis San Sebastián, Ángela Cuadra Casas, Juan Jose Valencia, Yann Leto , Jose Luis Cremades, Roberto Guille, Jesús Herrera Martínez, Ángel Masip, Alejandra de la Torre, Bell Fulllana, Asensio Martínez Soler, Juan Luis Fernández González, Quique Ortiz, Rubén M. Riera, Kepa Garraza Álvarez, Alexis Hernández, Cristina Santos Muniesa, Iker Lemos, Víctor Melia de Alba, Luisa Pastor, Pau Sellés Alós.

Juan Sánchez, Premio Mardel 2014

II Premio de pintura Mardel
Inauguración de exposición y resolución de premiados
Centro Municipal de las Artes de Alicante

El 4 de diciembre, Mardel presentó la exposición de los artistas galardonados del II Certamen de Pintura. La exposición recoge obra del primer premio, Juan Sánchez, así como de los autores galardonados con accésit: Javier Palacios, Keke Vilabelda, Ignacio Estudillo e Iker Lemos. La resolución premiada fue decidida por un jurado formado por Pilar Tébar, Ángel Masip, José Luis Martínez Meseguer, Luisa Pastor y José Luis Pérez Pont.

Cuadro plegable, de Juan Sánche (primer premio); Imagen cortesía de la organización.

Cuadro plegable, de Juan Sánche (primer premio); Imagen cortesía de Mardel.

Con este certamen, Mardel pretende dar la oportunidad a jóvenes intérpretes y creadores de mostrar su arte, y acceder a una ayuda económica a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico, becas de formación o facilitando la difusión y conocimiento de su obra a través de exposiciones colectivas, audiciones musicales o lectura de poesía y narrativa corta.

Ente, de Javier Palacios (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Ente, de Javier Palacios (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

Panóptico acid house, de Keke Vilabelda (accésit); imagen cortesía de Mardel.

Panóptico acid house, de Keke Vilabelda (accésit); imagen cortesía de Mardel.

La música, la literatura y las artes plásticas, especialmente la pintura, están representadas en el proyecto mardel, que como fin último pretende hacer de la expresión artística una forma de comunicación y divertimento. Sería interesante asomarse a otras culturas, todas ellas con un estigma común: la capacidad humana de comprensión y respeto mutuo a través de los símbolos-lenguaje-formas-sonidos que conforman el conocimiento como medio de bienestar.

Construcción nómada, de Iker Lemos (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Construcción nómada, de Iker Lemos (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

Naturaleza: dos esculturas, de Ignacio Estudillo (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Naturaleza: dos esculturas, de Ignacio Estudillo (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

 

 

A Quemarropa en Espacio Trapézio

Residencias A Quemarropa 2014
Espacio Trapézio
C/ Agusto Figueroa, 24. Mercado de San Antón, 2º planta. Madrid
Inauguración: Sábado, 15 noviembre – 13 h
Hasta el 14 de diciembre de 2014
La exposición se inaugura con la visita guiada de “El pelotón de ejecución” , una puesta en común de los artistas participantes de la primera convocatoria de la residencia.

Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Últimos preparativos. Cortesía Colectivo Cristal

Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Últimos preparativos. Cortesía Colectivo Cristal

La exposición Residencias A Quemarropa 2014 es el resultado de la iniciativa que el Colectivo Cristal, formado por Miriam Martínez Guirao, Arántzazu Ros, Saúl Sellés y Juan Fuster, puso en marcha el pasado mes de julio a raíz de las carencias percibidas al respecto por el colectivo en el entramado cultural de la ciudad de Alicante. Interesados principalmente en la creación contemporánea, el colectivo intentó generar una herramienta que hiciera fluir la información entre diferentes generaciones de artistas y profesionales del arte, construyendo una plataforma que ayudara a construir vínculos tanto dentro de la ciudad como en el exterior.

Joaquín Artime. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Joaquín Artime. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

A quemarropa como residencia, fue pensada en calidad de workshop para que los 10 artistas seleccionados gestionaran la difusión y proyección de su obra durante un periodo de 3 semanas (7 al 25 de julio). En el transcurso de la residencia los participantes disfrutaron de un programa de visitas de agentes y profesionales del sector artístico como críticos, comisarios, galeristas y otros artistas, en un espacio céntrico de la ciudad, la galería Parking Gallery, que constituyó la base de operaciones de la residencia. A su vez se generaron actividades en otros espacios de la ciudad de Alicante como The October Press, el Freaks Art Bar, el Fab Lab Alicante, el Maca Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Alicante o la cooperativa Mistos.En la residencia participaron como profesionales las galerías Aural (Alicante), Espai Tactel (Valencia), Galería T20 (Murcia), los críticos y comisarios Javier Duero y José Luis Pérez Pont, y los artistas Aurelio Ayela, Marlon de Azambuja, Eduardo balanza, Javi Moreno, Pablo Bellot, Olga Diego, Luisa Pastor, Elio Rodríguez, Susana Guerrero.

Pau Figueres y Clara Sánchez. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Pau Figueres y Clara Sánchez. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Los residentes seleccionados en la primera convocatoria de la residencia dan forma a la muestra. Alicia García Núñez, íntimamente relacionada con la palabra, su investigación comienza en lo textual, pero incluye cualquier pieza gráfica resultante de su trabajo. Ana Pastor, trabaja alrededor de la dualidad identidad/muerte, el ser y el no-ser, trabaja con el cuerpo/carne, el dolor, la superación del trauma por la muerte, y lo plasma a través de su propio fluido vital, la sangre. Elena Sevilla, rescata de la memoria sucesos que no se sabe si existieron realmente o se han inventado por extraños, dolorosos e impactantes. Las imágenes superpuestas de Félix Gilabert Chiquillo narran los cambios convulsos y emociones que se generan en la adolescencia y acaban construyendo y asentando nuestra personalidad. Las letanías de Joaquín Artime nacen de la conjunción del lenguaje como barrera social, cultural y física en la interrelación de las personas. María Moldes utiliza el móvil como herramienta de trabajo en la calle para investigar las identidades que nos rodean por medio del retrato.Pau Figueres Clara Sánchez Sala muestran un trabajo conjunto que surgió en la residencia, donde unen la inquietud por el entorno, reflexionando acerca de éste y la manera de construir y habitar la existencia. Sara Caballero expone el conflicto existente entre los grupos étnicos que viven en la cuenca del río Xingu, Amazonas. Senna Theuwissen describe su ir y venir en constantes mudanzas a lo largo de su trayectoria vital.

María Moldes. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

María Moldes. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Shenna Teuissen. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Shenna Teuissen. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Sara Caballero. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Sara Caballero. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Félix Chiquillo. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Félix Chiquillo. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Alicia García Núñez. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Alicia García Núñez. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Elena Sevilla. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Elena Sevilla. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Ana Pastor. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Ana Pastor. Residencias A Quemarropa en Espacio Trapézio. Cortesía Colectivo Cristal

Bases II Convocatoria Mardel de pintura

II Convocatoria Mardel

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Pretende dar la oportunidad a jóvenes intérpretes y creadores de mostrar su arte, y acceder a una ayuda económica a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico, becas de formación o facilitando la difusión y conocimiento de su obra a través de exposiciones colectivas.

Cristina Toledo. Bag-it. Primer premio de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía de la artista y la organización.

Cristina Toledo. Bag-it. Primer premio de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía de la artista y la organización.

PARTICIPANTES
Artistas plásticos españoles o residentes en España con edades comprendidas entre 18 y 35 años a 1 de enero de 2014.

MODALIDAD
Se establece una única modalidad: Pintura

CARACTERISTICAS
Cada participante podrá presentar una sola obra a concurso de la que sea autor y propietario, y que no haya sido premiada o seleccionada en otras convocatorias, así como un breve texto explicativo de la obra (máximo 200 palabras). Se establece una medida de 100cm en su dimensión menor.

DOTACION
Un primer premio de 3.000 euros . El premio conlleva la cesión de la obra a la entidad convocante. Se concederán además tres accésits.

INSCRIPCION-RECEPCION
Primera Fase:
De 15 de septiembre a 15 de octubre de 2014 se enviará una fotografía en formato digital de un máximo de 2 Mb y 300 p.p.p. de la obra a concursar, hechas sin cristal, para la preselección.

Las fotografías se enviarán en formato .jpg a través del Boletin de suscripción que aparece en la página de mardel, junto con un dosier fotográfico en formato PDF de otras obras (entre 3 y 5) de su propia producción.

Segunda Fase
En noviembre de 2014 se comunicará los artistas seleccionados, los cuales enviarán su obra del 17 al 27 de noviembre inclusive en las condiciones y al lugar que se indica. Se realizará una exposición en el Centro Municipal de las Artes de Alicante que será inaugurada el 4 de diciembre 2014.

Las obras se presentarán bajo los siguientes condicionantes:
1. La obra deberá entregarse debidamente embalada y protegida con material resistente, reutilizable para su devolución. En el embalaje deberán figurar además los datos del remitente.

2. En el dorso de la obra deberá figurar el título y año de realización así como el nombre y apellidos del artista y fotocopia del D.N.I.

3. Cada artista podrá concurrir con un máximo de una obra, corriendo a su cargo los gastos de envío y retorno de las mismas. Las obras estarán aseguradas durante el período de exposición.

Alejandro Casanova. Bata estampada, perra y terraza. Segundo accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

Alejandro Casanova. Bata estampada, perra y terraza. Segundo accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

DIRECCION DE ENVIO
La dirección de envío y recogida es:
Centro Municipal de las Artes.
Pza. Quijano, 2 (Centro Histórico), Alicante

Se recibirán obras entre el 17 y el 27 de noviembre de 2014 inclusive en horario de 10 a14h.
Posteriormente, las obras (excepto la ganadora) deberán retirarse entre el 12 y el 16 de enero de 2015. Las no retiradas dentro del plazo fijado quedarán en propiedad de la organización convocante.

JURADO
-José Luis Martínez Meseguer. Crítico de arte y comisario de exposiciones
-Angel Masip. Artista
-Luisa Pastor. Artista
-José Luis Pérez Pont. Crítico de arte. Presidente de la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)
-Pilar Tébar: Crítica de arte. Vicepresidenta por Alicante de la Associació Valenciana de Crítics d’ Art (AVCA)

El fallo del jurado, inapelable, podrá ser declarado desierto y se dará a conocer en la apertura de la exposición.

El hecho de participar en el concurso conlleva la aceptación de todas y cada una de las bases.

Rubén Martínez. Desmemoria. Tercer accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

Rubén Martínez. Desmemoria. Tercer accesit de la Convocatoria de Pintura Mardel 2013. Imagen cortesía del artista y la organización.

A Quemarropa funciona!

Tras el cierre de la primera semana de Residencias A Quemarropa, con la visita de Luisa Pastor, Aurelio Ayela, Javi Moreno, Javier Duero y Javier Palacios, la transformación de Parking Gallery, de galería de arte a taller y showroom artístico sigue su proceso hasta el 26 de julio.

Javi Moreno en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Javi Moreno en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Para ayudar a la promoción artística y las relaciones profesionales de los residentes, la organización de Residencias A Quemarropa ha elaborado una agenda de formación, tutorización y visitas. Esta se inicio el pasado lunes 7 de julio, donde los residentes pudieron hablar y compartir experiencias tanto laborales como personales con artistas como Luisa Pastor, Aurelio Ayela, Javi Moreno y Javier Palacios, cerrando la semana con la intervención de Javier Duero. Tras el cierre de la primera semana se entablan las primeras sensaciones, según la organización, “ésta es una manera de entablar un engranaje intergeneracional de lazos entre los diferentes profesionales del sector, de intentar acercar a diferentes agentes artísticos bajo un mismo techo, en Alicante, y con el objetivo de  impulsar una unión que revitalice y empuje la gestión cultural y el desarrollo de proyectos de calidad.  Desde visitas privadas a los residentes, hasta un número de jornadas de puertas abiertas, A Quemarropa busca convertirse enuna plataforma de encuentro para los artistas de la zona (pretendiendo abrir su campo hacia un panorama más nacional e internacional)”.

Luisa Pastor en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Luisa Pastor en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Siguiendo la agenda programada, durante las dos siguientes semanas el público podrá visitar la galería diariamente a partir de las 19:00h de la tarde, teniendo la oportunidad de hablar y compartir experiencias directamente con los artistas residentes.  Como parte especial del proyecto, los residentesmostrarán en una pequeña presentación abierta al público dossiers de su obra durante los días 17, 18 a partir de las 18:00 h. y 24 de julio  que se realizarán en la sala Freaks a las 19.00h.

El jueves 17 a las 19:00h Residencias A Quemarropa celebrará una mesa redonda para debatir sobre el funcionamiento y la elaboración de espacios y proyectos culturales independientes, contando con los puntos de vista de Luisa Martí (La ballena Imantada), Natalia molinos (Freaks Bar), José Luís Carrillo (Mistos), Carlos Balsalobre (l’espai), Patricia Navarro (El paseo Vintage), Francisco Sarabia (Diario de un ocioso), Ana Alarcon (Revista 34).

A lo largo del resto de la residencia, los seleccionados continuarán con una serie de visitas de artistas plásticos (Olga Diego, Pablo Bellot, Elio Rodríguez y Susana Guerrero), galeristas, críticos y comisarios (José Luis Pérez Pont, Galería EspaiTactel, Galería T20 y Galería Aural). Entre otras colaboraciones Mistos permitirá el uso del plato de fotografía de sus instalaciones.

Aurelio Ayela en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Aurelio Ayela en A Quemarropa. Cortesía Colectivo Cristal.

Luisa Pastor: La capacidad política de la forma

Luisa Pastor Mirambell (Alicante,1977). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada (2001), Diploma de Estudios Avanzados [DEA] por la Universidad Miguel Hernández de Elche (2010). Sus trabajos se ha asentado básicamente en dos grandes líneas de investigación: el género y la ciencia. Becada por diversas instituciones y laureada en diversos certámenes, actualmente reorganiza sus cuarteles en estos tiempos convulsos para las artes y la cultura, a la vez que prepara su tesis doctoral.

Luisa Pastor, "Horno".

Luisa Pastor, “Horno”.

“Cosoypego”, tu alias, ¿es un poco signo de estos tiempos: arte, artesanía vs. practicidad, trabajo en serie, industrialización? Coser y pegar es una forma de “pintar sin pintura” y al mismo tiempo de investigar sobre el propio material y sus posibilidades plásticas. Evidentemente, el material también habla: si usas el óleo, hay unos referentes; si usas el hilo, hay otros y esto tiene unas connotaciones que pueden influir en la lectura final de una obra. Pero para mí, más allá de esta cuestión formal, “coser y pegar” se convierte en una herramienta de reflexión extraordinaria, que me permite plantear la construcción de una idea, que es lo que realmente me importa. Por eso, más allá de un fin en sí mismo, “coser y pegar” es un medio idóneo para la producción de una idea o un concepto. Es cierto que las herramientas de trabajo que utilizo se pueden encontrar en cualquier casa y soy consciente de que no son las de una sociedad industrial y mecanizada. Mi forma de trabajar implica un trabajo manual, más minucioso, de mimo con el objeto y el soporte y, por supuesto, se aleja de los procesos de reproducción en serie. En esta sociedad llena de prisa, donde el tiempo pasa rápido, detener la mirada implica una ruptura del tiempo “cotidiano”: es un acto subersivo –marcadamente político– que me parece realmente interesante. A veces, de manera (quizá) inconsciente, es el detalle de un objeto determinado el que consigue “detener” el tiempo, haciendo que el espectador abandone su día a día cotidiano y se adentre en el tiempo de la obra, en donde se inicia una especie de conversación íntima, hecha a base de miradas y silencios; otras veces soy yo, de manera consciente, la que busca objetos determinados, que considero que tienen posibilidades para crear ese juego de comunicación con el espectador. En cualquier caso, en ambas ocasiones, el material (hilo, botón, cerilla, cuerda, etc.) queda supeditado a un proceso de resignificación en función de la idea. Pienso en esos “chicos que bordan”: David Cata, Antonio Fernández Alvira y Francesco Vezzoli, por citar algunos, ¿coser es una labor de género o algo está cambiando? Durante siglos, el bordar y el zurcír siempre han estado ligados a la imagen femenina de la mujer en el hogar, al ámbito privado de la casa, a la eterna Penélope del «Home, sweet home», que hace y deshace sin descanso, mientras espera que Ulises vuelva a casa. Por suerte, todo está cambiando y hay muchos artistas que transgreden –con ese bordardo intencionado– los límites que impone el patriarcado. Pero también creo que no siempre que se trabaja con hilo hay una propuesta reivindicativa detrás. Para muchos artistas, el hilo es un material como cualquier otro, que permite alcanzar unos resultados concretos, para cubrir unas necesidades puramente plásticas: una línea puede estar hecha con un lápiz o con un hilo y eso implica la elección de un objeto en cuanto a sus posibilidades formales, hecho que –por supuesto- no supone obviar la capacidad política de la forma.

Luisa Pastor, "Caja e caudales".

Luisa Pastor, “Caja de caudales”.

El bordado, la costura, también ha sido la marca de la casa de Helena Almeida o Ana de Matos, pero ninguna de las tres lo habéis realizado como delicada tarea femenina, como lorquiana faena femenina esterilizadora, sino más bien como combativa labor reivindicativa. ¿Hay que luchar desde dentro, desde el propio género? Muchas veces se realiza un trabajo que luego el espectador, el crítico, o un familiar, te dan una visión que nunca te hubieras planteado. Las interpretaciones pueden ser muchas y de muchas índoles y ese caldo de cultivo me parece muy positivo, porque enriquece el concepto de subjetividad frente a otras disciplinas más analíticas. En el arte contemporáneo, cada cuál se apropia de la obra en la medida de su conocimiento estético y también teórico. El grado de implicación dependerá de la capacidad del espectador de interactuar y reflexionar con la obra: cuanta mayor implicación, más profundidad discursiva para comprender (y comprehender) la obra. Por el contrario, otras veces, se tiene muy claro lo que se quiere decir y se direcciona la mirada del espectador, se cierra al máximo el abanico de las posibles interpretaciones, para intentar que la idea comunique de una forma clara y que llegue al espectador con un mayor acercamiento. En mi caso, a pesar de las múltiples interpretaciones que puedan hacerse, mi labor combativa –de manera quizá muy sutil– trabaja haciéndose cargo de las implicaciones del género, pero creo que tiene más que ver con un posicionamiento político desde la forma, el concepto, con el fin de invitar a la reflexión –desde el collage– de la relación que tenemos con todo lo que nos rodea. Por eso, respecto a la pregunta que me haces sobre mi posicionamiento frente al género, te responderé con una bonita frase de Basho, que siempre me ha parecido muy significativa y dice así: «antes de pintar un bambú, has de dejarlo crecer dentro de ti».

Luisa Pastor, "Neuronal System".

Luisa Pastor, “Neuronal System”.

Tus primeras obras, delicadas piezas, collages sobre hojas de libro de contabilidad, primer estandarte de tus quehaceres artísticos, ¿obedecen a que hay un debe y un haber? ¿Hay una contrapartida hacia la igualdad? El “Debe” y el “Haber” están seguidos de la palabra “Saldo” en los libros de contabilidad. Cuando empecé a utilizar este soporte de hojas de facturas que compraba en anticuarios, estaba aún estudiando en Granada. Para mí, una estudiante con pocos medios económicos, esta frase fue toda una contradicción reveladora. Esas hojas -en donde no hacía falta ni una gota de pintura, porque entendía que ya estaban pintadas por el paso del tiempo-, se convertían –para mí– en un escenario extraordinario, que me permitían contar historias que quedaban amparadas bajo la cortina de lluvia del “Debe-Haber-Saldo”. Los materiales que utilizaba eran la mínima expresión, como puede ser la aguja, el botón, algún recorte del semanal del periódico o, a veces incluso, alguna minucia oxidada que encontraba por la calle. Todo ese micromundo iba tomando forma en esas hojas regladas por un capitalismo agresivo, que se manifestaba hoja tras hoja bajo la imposición económica del “Debe-Haber-Saldo”. Y era ahí donde yo encontraba un punto de tensión sustancial, para comenzar a hablar con elementos encontrados o de muy poco valor económico. Los trabajos fueron evolucionando en su complejidad hacia el concepto de mercancía y de industrialización, que materialicé en una serie de collages sobre el engranaje – el corazón de la máquina- y, posteriomente, la máquina. En tu serie «Neuronal System» vemos unos dibujos, y unos collages (con una cotidianas alubias), que nos recuerdan aquellos que Santiago Ramón y Cajal hiciera en sus investigaciones, esas anatomías del sistema neuronal que lo llevaran hacia el Nobel. ¿Por qué crees que desde lo cultural, lo artístico, se vive tan alejado de lo científico? Y eso que, a veces, el arte se anticipa a la ciencia. El plan de estudios está diseñado para formar a personas muy especializadas en un ámbito muy concreto, ya sea en nanotecnología, bioquímica o restauración de pergamino. Con la especialización se consigue un avance estratégico hacia la investigación e innovación de un producto puesto al servicio del mercado. De ahí que la especialización interese tanto para el crecimiento de un país. Tanto la ciencia como el arte, parten de planteamientos muy parecidos en cuanto a la observación, la reflexión, la valoración por parte del otro, la imaginación, la necesidad de llegar a algo nuevo, etc., pero la ciencia juega con la ventaja de que tiene un impacto socioeconómico más inmediato y eso provoca un distanciamiento respecto a las carreras llamadas de letras.

Luisa Pastor, "Caja Zapatos".

Luisa Pastor, “Caja Zapatos”.

En cambio, para mí, el artista y el científico no están tan alejados. De hecho, entiendo al artista como un científico. Matisse decía: «el artista es un explorador» y yo comparto esta opinión. El arte se nutre de todo, no tiene ningún reparo en servirse de la herramienta que necesite, ya sea científica, tecnológica o totalmente rudimentaria, si para ello consigue la finalidad que busca. En cuanto a si el arte se adelanta a la ciencia, me viene a la cabeza la figura de Leonardo da Vinci y su «Códice Atlántico» de más de mil hojas, donde hay anotaciones de sus estudios sobre urbanismo, arquitectura, física, astronomía, botánica, óptica, matemáticas e incluso bocetos de máquinas textiles, máquinas para volar o máquinas para excavar canales, entre otras tantas cosas. En la actualidad, el potencial que ofrecen las nuevas tecnologías está modificando a pasos vertiginosos los procesos creativos de los artistas, el taller se ha convertido en -muchos casos- en un espacio con una altura de 2,41 cm, por un ancho de 32,5 cm, de profundidad 22,7 cm y con un peso de 2,06 kg con una interfaz a modo de soporte. ¿No es curioso que en latín ars, artis se designara para la palabra arte y este mismo calco para los griegos fuera techné?

Luisa Pastor, "Sr_Sra-Sra_Sr".

Luisa Pastor, “Sr_Sra-Sra_Sr”.

¿Qué proyecto llevas ahora entre manos? Tu próxima serie o interés. Para este año tengo varios proyectos, pero realmente el proyecto que más me interesa es el de sumergirme de lleno en mi tesis doctoral. Creo que después de tantas lecturas y reflexiones podré abordar algunos proyectos que tengo en mente, con una visión más amplia y más precisa –en su desarrollo plástico y conceptual- y ese crecimiento personal con la obra creo que me vendrá muy bien, para ahondar en la profundidad de los micro mundos dentro de la instalación. Un tema que me apasiona y que llevo pensando algún tiempo. José Luis Martínez Meseguer

Luisa Pastor.

Luisa Pastor.

Estos son los premiados en EAC 2013

Encuentros de Arte Contemporáneo. EAC 2013
Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert
Departamento de Arte “Eusebio Sempere”

El Jurado de este certamen, presidido por el Diputado de Cultura de Alicante, Juan Bautista Roselló Tent, y compuesto por Elena Aguilera, Juana María Balsalobre, Pepe Calvo, Susana Guerrero, Remedios Navarro, Luisa Pastor, José Luis Pérez Pont, José Piqueras y Emilio Roselló ha adjudicado la dotación de 12.000€ entre obras de fotografía, vídeo, pintura y dibujo, de los siguientes artistas:

ROSANA ANTOLÍ GISBERT
CAYETANO GARCÍA NAVARRO
OLALLA GÓMEZ JIMÉNEZ
DIEGO OPAZO COUSIÑO
SAÚL SELLÉS
MIRIMARI VÄYRYNEN

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Imagen cortesía del MUA

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Dibujo. Tinta sobre papel. 76,5 x 60,5 cm.  3.000 euros

Rosana Antolí (Alcoy, 1981) viene desarrollando a través del dibujo y el vídeo una definida línea de trabajo que recurre a los instintos, a la animalidad del ser humano, como resorte para conectar con nuestros orígenes y volver a un “yo” primitivo que la sociedad ha ido progresivamente constriñendo. “My animal dance” pone en contacto las formas de ser más instintivas, entre las que se encuentran la atracción física y el impulso sexual, en una búsqueda de nosotros mismos alejados de los hábitos civilizados y los buenos modales como síntoma de ruptura con lo establecido.

Cayetano García Navarro. Una inmensa alegría rebosa mi cuerpo. Imagen cortesía del MUA

Cayetano García Navarro. Una inmensa alegría rebosa mi cuerpo, 2012. Fotografía digital. 100 x 150 cm.  1.500 euros

Cayetano García Navarro (Alicante, 1973) parte de la premisa de no pretender realizar un análisis teórico del paisaje mediante su trabajo fotográfico, sino acercar al espectador a sus propias vivencias y experiencias a través de sus imágenes. “Walking around the nature” muestra espacios naturales idílicos en los que la imagen se ve sometida a una vibración que la desdibuja, a la vez que la acerca a una idea emocional del entorno, alzando ese instante a la categoría de recuerdo palpitante.

 

Olalla Gómez.Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. 20 fotografías 30 x 30 cm. c/u. 3.000 euros. Vídeo monocanal 4’47”. 500 euros.

Cuando el Senado de la antigua Roma decretaba la Damnatio Memoriae se procedía a eliminar cualquier elemento o inscripción que recordara a él. Olalla Gómez (Madrid, 1982) se apropia de esta referencia y la trae al actual contexto sociopolítico, borrando simbólicamente las imágenes representadas en las monedas de uno y dos euros. En el centro de las mismas introduce frases y pronunciamientos ciudadanos con los que el cuerpo social reclama un lugar central en la economía con una presencia no mediada.

Diego Opazo Cousiño. Imagen cortesía del MUA

Diego Opazo Cousiño. s/t, 2010. Vídeo. 1’23” loop. 1.450 euros

Diego Opazo (Santiago de Chile, 1966) engloba bajo el título de “Movimiento natural de los hechos” una serie en desarrollo de vídeos, entre los que se encuentran “Tíber” y “7:59”. Son trabajos que ponen el acento en hechos cotidianos con los que convivimos y que, a fuerza de repetición, nos pasan inadvertidos. Para reforzar formalmente la idea de eterno retorno nos muestra planos fijos en los que el movimiento viene determinado por los agentes naturales y humanos o por la interacción de ambos.

Saúl Sellés. Imagen cortesía del MUA

Saúl Sellés. #Acción, ejercicio de suelo y distancia, 2012. Vídeo 6’58”. 250 euros. Partitura 1 y Partitura 4, 2012. Dibujos vectoriales y cinta de raso.  200 x 90 c/u. 150 euros c/u.

Las “vídeo-acciones” de Saúl Sellés (Alcoy, 1986) surgen de la investigación alrededor de los estímulos que relacionan el deporte y la competición con los ideales estéticos y el culto al cuerpo, así como el papel entre narcisista y voyeur que cumple el espectador como parte de ese entramado. El propio artista, convertido en ejecutor, desarrolla lo que él denomina un espectáculo de seducción que se acompaña de “partituras de performance”, conformadas por dibujos vectoriales.

Mirimari Väyrynen. Imagen cortesía del MUA

Mirimari Väyrynen. Fragmentado, 2012. Óleo sobre lienzo y madera quemada. 146 x 220 cm. 2.000 euros

Mirimari Väyrynen (Helsinki, 1976) profundiza en los temas medioambientales para presentar al espectador una problemática global, con causas locales pero efectos que se desplazan sin atender límites ni fronteras. Pinta paisajes de bosque a base de capas que laboriosamente va superponiendo, hasta lograr unas imágenes vibrantes que interpreta como autorretratos. Para sus instalaciones emplea árboles naturales, madera quemada y ceniza, entre otros elementos para activar la conciencia del espectador.

(Extractos del texto de José Luis Pérez Pont, publicado en el catálogo de EAC 2013)

Más de 300 artistas han concurrido a este certamen y 24  fueron seleccionados para formar parte de la exposición que se muestra hasta el 23 de diciembre en la sala EL CUB del MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE ALICANTE, con obras de diversos lenguajes y prácticas artísticas actuales.