Pintura y fotografía en la obra de Luis Gordillo

Luis Gordillo. Fotoalimentación
Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA)
Plaza Santa María, 3. Alicante
Hasta el 17 de enero de 2019

El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, con el apoyo del Ayuntamiento de Alicante presenta ‘Luis Gordillo. Fotoalimentación’, la primera exposición monográfica dedicada al artista sevillano, Luis Gordillo, en un museo alicantino y la primera también en la Comunitat Valenciana después de 25 años. Luis Gordillo es una de las figuras más influyentes y punto de referencia esencial del arte español del último medio siglo.

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) inaugura ‘Luis Gordillo. Fotoalimentación’, una muestra que ahonda en el Gordillo más cercano a la fotografía a través de 200 piezas de los años 70. Procedentes en su mayoría de la colección del artista, se trata de un conjunto importante, ya que son obras de las que Gordillo no ha querido desprenderse por considerarlas únicas y especiales.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

El artista explicó que en los años setenta empleó “la fotografía en blanco y negro con numerosos propósitos, pero quizás el más importante y el que he mantenido a lo largo del tiempo, es el de analizar los elementos orgánicos de la pintura, neutralizando y cosificando el gesto”.

“En la actualidad trato de crear espacios en los que la pintura y la fotografía dialogan e interactúan entre sí; intento articular maneras para la expansión de la fotografía en mi obra”, manifestó el creador sevillano, quien añadió que le seguía interesando “primordialmente la pintura como interrogación corporal; no obstante, la intervención técnica de la fotografía crea una tensión dialéctica, un espacio mental en crecimiento”.

Luis Gordillo durante la presentación de su exposición. Imagen cortesía del MACA.

Luis Gordillo durante la presentación de su exposición. Imagen cortesía del MACA.

La muestra fue presentada por el director del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, José Luis Pérez Pont, y la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, María Dolores Padilla, acompañados por la comisaria de la muestra, Rosa Castells y el propio artista. Pérez Pont señaló que la exposición profundizaba “en el conocimiento de Gordillo como una de las figuras más importantes en el arte español de los últimos 50 años”, destacando asimismo el impulso que se le está dando desde el Consorci de Museus a la provincia de Alicante en materia cultural con exposiciones como esta en el MACA, que ha permitido que Gordillo vuelva a la Comunitat Valenciana donde no exponía desde el año 1993.

Por su parte Rosa Castells, coordinadora del MACA, que ha comisariado la muestra junto al artista, subrayó que se trataba de una exposición “espectacular, una revisión de la experimentación fotográfica de Gordillo en los años 70 cuando nadie se interesaba por la fotografía”. Castells explicó que “el sistema de reproducción y multiplicación de la imagen conforma nuevas imágenes que vuelven a ser tratadas y así hasta el infinito” y agradeció al artista “que haya accedido a exponer en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, un museo pequeño, tras haberlo hecho en todas partes”.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Gordillo utiliza desde principios de los años 70 la fotografía con la finalidad de encontrar otras opciones al color dominante en su pintura, con el objetivo de abrir una investigación neutralizadora de su utilización violenta de colores complementarios. La exposición ‘Fotoalimentación’ muestra dos etapas con claras diferencias: una primera con el trabajo fotográfico de los 70, casi en su totalidad en blanco y negro y otra posterior donde ya aparece el color y la utilización de la nueva tecnología digital que le abre a Gordillo un campo casi infinito a la experimentación.

Luis Gordillo nace en Sevilla en 1934. Su carrera artística comenzó a mediados de los años cincuenta cuando decidió ser pintor tras licenciarse en Derecho y haber estudiado música. Vivió en París un clima de libertad entonces difícil en España y allí amplía sus conocimientos sobre la vanguardia. Su obra se conforma en los años sesenta recogiendo tres influencias básicas: el informalismo, el arte Pop y el geometrismo. Con estos elementos, algunos contradictorios, configura un estilo ya propio, que ha tenido una fuerte influencia sobre artistas de las siguientes generaciones.

Espectadores ante algunas de las obras de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Espectadores ante algunas de las obras de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

A partir de los años 80 alcanza su madurez creativa con un estilo artístico inconfundible que lo ha mantenido alejado de grupos y tendencias en una especie de automarginación. Gordillo es Premio Nacional de Artes Plásticas (1981) y el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (2007).

La práctica fotográfica experimental permite a Gordillo indagar sobre la construcción, reconstrucción y destrucción de la imagen. Técnicas de transformación como la fotografía pero también la imprenta, la fotocopia y el collage reciclándose y trabajando en espiral. A través de esas técnicas Gordillo adopta modos del arte óptico y constructivista como la seriación, la repetición, las variantes y diferencias entre lo casi idéntico que le permiten desdoblar, simultanear y copiar una misma imagen obsesivamente.

Tras su paso por el MACA, la exposición se mostrará en 2019 en el Centre del Carme de València y en el Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerní de Vilafamés, de la mano del Consorci de Museus.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Vista de la exposición de Luis Gordillo. Imagen cortesía del MACA.

Sobre el papel… del artista

‘El papel del artista’
Galería Rafael Ortiz
C/ Mármoles, 12. Sevilla
Inauguración: 18 de mayo a las 20.30h
Hasta el 27 de julio de 2016

El papel soporte. El papel del propio artista en la sociedad. Ambos, material y concepto, estarán presentes en esta muestra híbrida. No todo es papel, pero sí es papel.

Bajo un título en cierto modo equívoco, se recoge en la exposición  una amplia colección de obras que nos permiten asomarnos desde muy diferentes perspectivas al mundo del arte más actual. La sociedad, inmersa en verdaderas contradicciones, defiende tanto la carrera tecnológica como la vertiente más ecologista; desde lo más grotesco hasta lo más banal; lo más puramente bello y lo más irracional. En este desasosiego actual, el artista nos ofrece sus códigos para forzar así al espectador a mantener una visión diferente y a cuestionarse las distintas soluciones.

El soporte se nos muestra crítico a la hora de valorarlo. Luis Gordillo siempre dice que el papel (soporte) es donde él trabaja más en libertad, sin la presión de la tela. Ese material humilde es también voluble, plegable, arrugable…

Pieza de Dorothea von Elbe. Imagen cortesía de la galería.

Pieza de Dorothea von Elbe. Imagen cortesía de la galería.

Con esta exposición, se cuenta con la participación de 33 artistas nacionales e internacionales, se pretende ofrecer una amplia panorámica de las distintas formas de hacer arte: obras en las que el único elemento que las compone es el papel (Nuno Henrique, Pedro Núñez…), otras en las que el papel es el soporte principal, ya sea con un tratamiento puramente figurativo (Carlos Forns, Carmen Laffón), más geométrico o lineal (José Ma Baez, Juan Suárez, Irma Álvarez-Laviada…), obras en las que el papel del artista es el de constructor de nuevos símbolos (Javier Palacios, Daniel Verbis…), y por último, aquellas obras que, realizadas en los más diversos materiales, tienen un claro mensaje socio-político que nos lleva a reflexionar sobre determinados comportamientos de nuestra sociedad actual y sobre el papel de agitador cultural que cumple siempre el artista (Antoni Socías, Eugenio Ampudia, Pedro G. Romero, Jesús Palomino…)

Sirva esta muestra, con la que se cierra la temporada expositiva 2015-2016, como homenaje a nuestra artista y queridísima amiga Isabel Garay, que recientemente nos dejó.

El IVAM, ¿En Tránsito hacia dónde?

En Tránsito
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 31 de agosto

Basta deletrear el contenido de la primera exposición del nuevo equipo del IVAM dirigido por José Miguel G. Cortés para extraer suculentas lecturas. La primera de todas se halla en el título: ‘En Tránsito’. Dice el propio director: “Estamos de mudanza, vivimos tiempos de cambio, momentos fluidos que nos alejan de circunstancias, actitudes y comportamientos pasados”. Frente a la solidez y el muro creado alrededor de la controvertida figura de su antecesora en el cargo, Consuelo Císcar, Cortés aboga por lo fluido, cuya corriente le aleje de esas actitudes cerradas de comportamientos pasados.

Detalle de la obra de Qing Li en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Detalle de la obra de Qing Li en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

E insiste: “No creemos en las certezas ni en las convicciones férreas. Apostamos por el movimiento, la mutación y la transformación constante”. Por eso pretende dejar “atrás las convenciones estáticas y las ideas fijas”, así como no temer “ni el cuestionamiento ni la incertidumbre”. ¿Acaso lo temía Consuelo Císcar? Así se desprende de esta declaración de intenciones, de ese querer alejarse de prácticas pasadas. “Iniciamos una etapa diferente en el IVAM”, una etapa que arranca con esa proclamación de hallarse “en tránsito”.

Obra de Bruce Nauman en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Obra de Bruce Nauman en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

Y para ese primer recorrido, Cortés ha querido rodearse de “un conjunto de artistas y de obras que, si algo tienen en común, es su deseo de no permanecer impasibles ni quietos”. Artistas como Dara Birnbaum, Carmen Calvo, Nacho Criado, Robert Frank, Hamish Fulton, Juan Genovés, Dionisio González, Luis Gordillo, Richard Hamilton, Gary Hill, Cristina Iglesias, Ángeles Marco, Gordon Matta-Clark, Juan Muñoz, Bruce Nauman, Miquel Navarro, Cindy Sherman o José María Yturralde. Pintura, escultura, fotografía, video. Todos ellos “rompiendo barreras, asumiendo riesgos, desbordando fronteras, planteando preguntas”.

Los 13 monitores en cruz de Gary Hill, en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Los 13 monitores en cruz de Gary Hill, en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

La división del conjunto expositivo en tres apartados, ‘Buceando entre escombros’, ‘Mutaciones’ y ‘Cartografías / Identidades fluidas’ ratifica esa pretensión de tránsito, de continua transformación, de deriva, tal y como apuntábamos en otro momento, relacionando este tiempo de cambio en el IVAM con la filosofía de la deconstrucción. De hecho, el apartado ‘Buceando entre escombros’ se abre con esta cita de Jacques Derrida: “Una deconstrucción, como su propio nombre indica, debe deconstruir desde un principio la propia construcción, su motivo estructural o constructivista, sus planes, sus intuiciones y sus conceptos, su retórica”.

Obra de José María Yturralde en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Obra de José María Yturralde en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

Jesús González Requena, en ‘El texto y el abismo’, de reciente publicación, analiza el carácter perverso (en tanto lógica discursiva, sin connotación ofensiva ni terapéutica) de la deconstrucción, que pone en solfa todo sentido cerrado para abrirse a múltiples sentidos. Sin duda, es preferible que las obras de arte se abran indefinidamente, en aquello que Barthes denominó un “hojaldrado de sentidos”. Pero al hacerlo, emerge “la fantasía del texto de la libertad absoluta”. ¿A qué precio?, se pregunta González Requena. “A costa de descomprometerse con todo sentido. Si todo sentido es posible, entonces no hay ningún sentido que me ate. Y eso, claro, resulta una idea muy tentadora”.

Imagen del video de Dara Birnbaum en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Imagen del video de Dara Birnbaum en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

Preferir esa fantasía deconstructora del “texto maravilloso que dice mil cosas”, permite “escapar de la cosa que realmente te dice. Ésa que es la que realmente te escuece” y que Requena sitúa en el centro de todo texto, de toda obra de arte. El centro que, precisamente por focalizar el nudo de especial densidad en la experiencia del sujeto, los discursos deconstructivos evitan. Escombros, mutaciones, identidades fluidas: he ahí el eco de esa falta de sentido por exceso de sentidos. Lógico, pues, que la “presencia del cuerpo como espacio en proceso continuo” se vincule metafóricamente “con el paisaje y el territorio”, tal y como se propugna en el apartado ‘Cartografías’. Un cuerpo abocado al cambio permanente y terriblemente confundido.

“El andar condicionaba la mirada, y la mirada condicionaba el andar, hasta tal punto que parecía que sólo los pies eran capaces de mirar” (Robert Smithson, abriendo el apartado ‘Mutaciones’). Pues eso.

Fotografía de Cindy Sherman en la exposición 'En Tránsito' del IVAM.

Fotografía de Cindy Sherman en la exposición ‘En Tránsito’ del IVAM.

Salva Torres

Las fotografías de Luis Gordillo

Luis Gordillo. G/K Fotografías
Galería Carolina Rojo
Paseo de Sagasta, 72. Zaragoza
11 de junio – 26 de julio, 2014
Programa oficial de PhotoEspaña’14

El programa oficial del Festival PhotoEspaña’14 en Zaragoza incluye la exposición G/K Fotografías de Luis Gordillo, de la que es comisario, en la galería Carolina Rojo.

En su texto “Notas sobre lo que busco”, Georges Perec señaló los puntos cardinales de su escritura: “el mundo que me rodea, mi propia historia, el lenguaje, la ficción”, asuntos que nunca enfocó de manera individual aunque lo hiciera desde perspectivas particulares, como anota Guadalupe Nettel en su presentación a la primera edición en castellano de Lo infraordinario. El ensayo “¿Acercamiento a qué?”, publicado en Cause commune en 1973, introduce el libro: “Quien nos habla, me da la impresión, es siempre el acontecimiento, lo insólito, lo extraordinario: en portada, en grandes titulares”; para, a continuación, preguntarse: “Lo que realmente ocurre, lo que vivimos, lo demás, todo lo demás, ¿dónde está? Lo que ocurre cada día y vuelve cada día, lo trivial, lo cotidiano, lo común, lo ordinario, lo infraordinario, el ruido de fondo, lo habitual, ¿cómo dar cuenta de ello, como interrogarlo, cómo describirlo?”. Se trata, por tanto, de inventariar lo habitual, de interrogar lo cotidiano, quizás para “fundar nuestra propia antropología”.

Luis Gordillo, G/K 13D, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, G/K 13D, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo comparte mucho con Georges Perec. Los polos de su obra, la urgencia por retener en ella algo de la obsesiva tarea que supone la construcción de la identidad, o el interés extraordinario por las herramientas con las que trabaja, tan fundamentales para ensayar y experimentar nuevas posibilidades. Toda la obra de Gordillo es una interrogación continua de lo que sucede a su alrededor, que parece realizada, como la escritura de Perec, y al decir de Nettel, para un espectador ideal a quien no es preciso explicarle nada.

Luis Gordillo, Dúplex, 2002. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, Dúplex, 2002. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

La fotografía es una buena herramienta para inventariar lo habitual. Aunque no siempre ha sido estrictamente así desde que Gordillo decidió incorporarla en su obra, en los años sesenta del siglo XX. Como el propio artista ha señalado, la fotografía es un instrumento especialmente eficaz en el interminable desarrollo procesual de su pintura por dos razones fundamentales: le permite huir de la esquizofrenia del color, y facilita la introducción natural del azar y el automatismo. Técnica clave en su laboratorio experimental, Gordillo también ha utilizado la fotografía para registrar el proceso pictórico. Algunos de sus cuadros testimonian los hallazgos que aporta la fotografía;  y el color de la pintura transforma el de las fotografías.

Exposición de Luis Gordillo en la Galería Carolina Rojo, Zaragoza.

Exposición de Luis Gordillo en la Galería Carolina Rojo, Zaragoza.

G/K es el título de la serie fotográfica que Luis Gordillo inició en 2013. Todas las cosas de su entorno cotidiano tienen cabida en ella, hasta configurar una topografía atenta a lo habitual de lo que se vive. El paisaje de su jardín, la mesa de ping pong, la piscina, fragmentos de sillas o tazones, fragmentos de cómic, los escenarios de sus viajes…,, son algunos de los motivos que conjugan la composiciones visuales, seductoramente extrañas en un espacio abierto a múltiples líneas de fuga de sedimentación temporal compleja que, en ocasiones, organiza en imágenes dobles. Quizás no sean más que respuestas a preguntas fragmentarias apenas indicativas de un método, que diría Perec, pero esenciales para captar nuestra verdad.

Chus Tudelilla

Luis Gordillo, G/K 13 c, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

Luis Gordillo, G/K 13 c, 2014. Imagen cortesía del artista y Galería Carolina Rojo.

 

Luis Gordillo: XXL/XXI

Luis Gordillo: XXL/XXI
Artium. Sala Norte
Francia Kalea, 24. Vitoria-Gasteiz
Inauguración 9 de abril a las 19:00 h.
Hasta el 24 agosto de 2014

El artista sevillano ha realizado una selección entre las piezas más recientes de su producción, prestando mayor atención a las de grandes formatos, así como a las series en las que actualmente sigue trabajando.

Una muestra expositiva en la que Gordillo pretende trasladar la imagen caleidoscópica de taller al espacio expositivo, es decir, presentar el trabajo del artista menos mediatizado o influenciado por otros intereses que no sean los propios de la experiencia estética, de su realidad creativa actual.

Luis Gordillo "No te miro no te veo" (XXL/XXI - 2010). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo “No te miro no te veo” (XXL/XXI – 2010). Imagen cortesía de Artium.

¿Qué veremos? Collages de imágenes en evolución, obras en proceso, imágenes fraccionadas, fotografías, reproducciones y pinturas que configuran el macrocosmos en el que conviven archivos de documentos, cuadernos y pequeños objetos que se ordenan meticulosamente en submundos, seleccionados a partir de todo tipo de asociaciones e ideas.

El titulo de la exposición, XXL/XXI, podría leerse como una referencia al código empleado en las tallas para la ropa, en este caso extra-grande/21. Desde él se incide en el tamaño, obras que llegan a alcanzar los 5 metros de longitud y un elevado número de elementos; al tiempo que sitúa cronológicamente estos trabajos en estos últimos diez años, en el siglo XXI.

Luis Gordillo "Firmamentos interiores B" (XXL/XXI - 2010). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo “Firmamentos interiores B” (XXL/XXI – 2010). Imagen cortesía de Artium.

Un desarrollo evolutivo del trabajo: donde una obra incluye el germen de la siguiente, por medio de procesos como el desdoblamiento, el corte, el pliegue y la repetición… Unos trabajos que incluyen medios fotomecánicos y digitales, cualquier tipo de herramienta que multiplique las posibilidades de análisis de la imagen y que faciliten la unión, en un mismo cuerpo de obra.

Luis Gordillo "Parque jurásico" (XXL/XXI - 2009). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo “Parque jurásico” (XXL/XXI – 2009). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo "Contraespejos" (XXL/XXI - 2012). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo “Contraespejos” (XXL/XXI – 2012). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo nace en Sevilla en 1934. Comienza a pintar tarde, tras licenciarse en Derecho, y es a partir de su encuentro con la pintura informalista francesa, a finales de los 50, cuando da inicio a un trabajo marcadamente personal. Posteriormente conoce el pop y a partir de 1963 comienza a psicoanalizarse, una experiencia que afectará profundamente a su trabajo. En 1967 forma parte del grupo Nueva Generación, promovido por el pintor y crítico Juan Antonio Aguirre, para convertirse, poco después en la principal influencia para una generación de jóvenes pintores, como Carlos Alcolea, Guillermo Pérez- Villalta, Carlos Franco o Rafael Pérez-Mínguez, entre otros. En 1974 el centro M-11 de Sevilla organiza la primera muestra antológica de su obra, a la que le seguirán una innumerable sucesión exposiciones, nacionales e internacionales, que llega hasta hoy. En 1981 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1996 la Medalla de oro al mérito en las Bellas Artes. En el 2007, año de su gran exposición antológica en el MNCARS, es nombrado premio Velázquez de las Artes Plásticas.

Director del proyecto: Enrique Martínez Goikoetxea

Luis Gordillo "Globuloso Chicloide Selvático" (XXL/XXI - 2010). Imagen cortesía de Artium.

Luis Gordillo “Globuloso Chicloide Selvático” (XXL/XXI – 2010). Imagen cortesía de Artium.

El balance de las galerías valencianas en ARCO

Galerías valencianas en ARCO, JustMad y ArtMadrid: del 19 al 23 de febrero
Balance expositivo

Entre la “patraña” del IVA y el continuo trajín de la gente, coleccionistas (medio millar en ARCO, según la organización), curiosos y público en general, las galerías valencianas que acudieron a las distintas ferias de Madrid no dieron abasto. A Mira Bernabeu, que tomó hace nueve años junto a Miriam Lozano el testigo de Pep Benlloch en Espai Visor, la sonrisa le delataba. El Museo Reina Sofía le había comprado la serie completa de 60 fotografías de Sergio Zevallos. “Estamos muy satisfechos”, dice ahora con más calma. Pasado el aluvión, prefiere no echar las campanas al vuelo. “No se puede hablar de señal de recuperación”. No al menos hasta que pasen “dos o tres años que confirmen este aire de mejora”.

Mira Bernabeu y Miriam Lozano, de Espai Visor, en Arco. Imagen cortesía de la galería.

Mira Bernabeu y Miriam Lozano, de Espai Visor, en Arco. Imagen cortesía de la galería.

A Mira Bernabeu se le ve cauto, quizás atemperado el éxito de Madrid por la realidad de Valencia. “Este año las ventas han estado equilibradas entre coleccionistas nacionales y extranjeros”. Eso sí, valencianos, ni uno. “Los coleccionistas valencianos compran sólo pintura en ARCO, lo cual es un poco provinciano”. Entre eso y que “no ha habido propuestas arriesgadas”, salvo la “pieza de cristal de Dan Graham”, y sí “un alza de lo tradicional”, Mira Bernabeu prefiere seguir a lo suyo, que es pensar ya en la próxima feria de arte en Colonia.

UN ARCO “SÓLIDO”

Entre el “ARCO del cambio” y el “ARCO muy digno” se mueven Olga Adelantado, de la galería Luis Adelantado, y Rosa Santos. La primera dice que los coleccionistas españoles “se han movido este año”; vamos, que han empezado a comprar de nuevo. En su caso, obras sobre todo de Darío Villalba, Luis Gordillo y el joven Rubén Guerrero. “Se ha criticado de ARCO que ha sido más tradicional, pero a mí me ha parecido más sólido”, remacha Olga. Rosa Santos se mostraba igualmente contenta: una de sus artistas, Andrea Canepa, había obtenido el Premio a la Joven Artista Revelación, lo cual ha supuesto la adquisición de obra para el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles. DKV Seguros también compró obra de Greta Alfaro.

Obra de Andrea Canepa en el stand de la galería Rosa Santos en ARCO.

Obra de Andrea Canepa en el stand de la galería Rosa Santos en ARCO.

“Me han comprado los coleccionistas españoles que suelen hacerlo”, principalmente obra de Xisco Mensua y Chema López. Lo que a Rosa Santos le seguía causando extrañeza era el confuso asunto del IVA. “Nos ha afectado de manera negativa, porque mucha gente, incluidos periodistas, siguen pensando que aplicamos el 10%, incluso había gente que alucinaba cuando le hablábamos del 21%”. Graciela Devincenzi, de Alba Cabrera, presente en ArtMadrid con One Project del artista Rubén Fuentes, subraya que la mal explicada bajada del IVA hace quedar al galerista como “el malo de la película”. Al ser únicamente el artista quien puede aplicar ese 10% en la venta de su obra, a las galerías “incluso nos puentean”, sostiene Devincenzi, todavía recuperándose del inmenso trajín ferial.

Obra de Antonio Fernández Alvira en el stand de Espai Tactel en JustMad. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Antonio Fernández Alvira en el stand de Espai Tactel en JustMad. Imagen cortesía de Espai Tactel.

LA AUSENCIA DE CONSUELO CÍSCAR

Vicente García, de Vali30, vuelve de ArtMadrid con una “impresión buena”. La Casa de Cristal del Centro Cibeles fue testigo de largas colas para entrar. Hasta un total de 20.000 visitantes. Vicente García vendió sobre todo obra de Antonio Gadea, Manolo Páez y Equipo Crónica. Lo del IVA no le parece crucial. “Es importante en las subastas y, sin duda, en ARCO, porque allí la compra es institucional”. Más importancia le da al hecho de que Madrid sea una ciudad “mucho más abierta que Valencia”, donde todos los que pasan por allí se sienten “cómodos” y alejados del “localismo” que observa tanto en Valencia como en Barcelona.Ismael Chappaz, que junto a Juanma Menero lleva la galería Espai Tactel, ha vuelto de JustMad “muy bien para la época en que estamos”. Los primeros días no paraban de descolgar obra de su stand, vendiendo principalmente piezas de David Méndez Alonso, Antonio Fernández Alvira y Javier Palacios. Del IVA dice que es “un desastre” que no se resolverá hasta que no haya una Ley de Mecenazgo. Y le extrañó no ver a la directora del IVAM Consuelo Císcar, que estuvo presente la pasada edición, cuando directores como Manolo Borja-Villel, del Reina Sofía, visitan “todos los años” la feria.

Obra de Rubén Fuentes en el stand de Alba Cabrera en ArtMadrid. Imagen cortesía de la galería.

Obra de Rubén Fuentes en el stand de Alba Cabrera en ArtMadrid. Imagen cortesía de la galería.

“PEQUEÑA RECUPERACIÓN”

De “patraña” califica Juan Cárdenas, de Kir Royal, lo del IVA, aunque piensa que el problema de fondo del mundo del arte no es ése: “La mayoría de galerías no sale fuera, cuando lo importante sucede en Nueva York, Londres y ahora China, que tras abrirse al exterior es un país de oportunidades”. Él ha vendido en JustMad obra de Keke Vilabelda y Fernando Bayona. “Los coleccionistas se han animado, dejando atrás esa mala de conciencia por comprar en tiempos de crisis”. Nacho Agrait, de Punto, piensa que hay una “pequeña recuperación”, a pesar de la “confusión” creada por la bajada del IVA: “Ha sido un parche mal puesto”.

Vicente Benlliure, de la galería Benlliure, estuvo en ArtMadrid y vio “algo más de alegría que otros años”. No se vende como hace seis o siete, pero sí “mejor que hace dos años”. En su caso, obras sobre todo de Manolo Valdés, Carmen Calvo o Chillida. Trinidad Hernández, de la galería Del Palau, habla de “trampa” del IVA y se queda con los contactos adquiridos en ArtMadrid. Julián Romero, de Trentatres Gallery, que acudió al Just On Paper de JustMad con las artistas Henrike Scholten y Raquel Carrero, regresa igualmente ilusionado con su participación en la feria por los contactos logrados: Feria de Estrasburgo y Swab de Barcelona. Las galerías valencianas, incluidas PazyComedias (JustMad), Aural de Alicante y Cànem de Castellón (ARCO), regresan pues con buenas sensaciones, a pesar del viento desfavorable de la crisis ¿amainando? y el mareo de una pésimamente explicada bajada del IVA. Habrá que seguir remando.

Obra de Darío Villalba. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obra de Darío Villalba. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Salva Torres

Programación de 2014 en Artium

Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
C/ Francia Kalea, 24 (Vitoria-Gasteiz)  

Exposiciones

Albur de amor de Teresa Serrano
Del 31 de enero al 23 de marzo  

Artium abre su programa expositivo 2014 con Albur de amor, de Teresa Serrano, una de las más interesantes y contundentes artistas visuales latinoamericanas, cuya producción se refiere en gran medida a cuestiones de género en un sentido amplio. La muestra incluye sobre todo fotografías y trabajos audiovisuales, y está organizada con carácter temático: la violencia de género, el control del otro, las obsesiones y miedos propios, la comunicación y el aislamiento, los prototipos femeninos y los nuevos caminos de solidaridad y reconstrucción.

Albur de amor

Teresa Serrano. Fotografía de la exposición Albur de amor. Imagen cortesía de Artium

Pinturas de Juan Mieg y Luis Gordillo 
Del 9 de abril al 24 de agosto 

A pesar de integrar dos exposiciones distintas, las correspondientes a Juan Mieg  y Luis Gordillo, previstas para el inicio de la primavera, establecen numerosas conexiones: dos artistas nacidos en la misma década, que han mantenido a lo largo de casi 50 años de trabajo la misma pasión por la pintura, dos creadores que han participado activamente en la renovación del lenguaje artístico en el siglo XX y que en el XXI mantienen la misma coherencia y el mismo deseo obsesivo de pintar.

Mieg, uno de los más sólidos representantes de la pintura vasca contemporánea, presenta en esta exposición alrededor de 50 pinturas de grandes dimensiones que reflejan fielmente su particular autorretrato psicológico: a partir de un lienzo en blanco, sin un camino previamente trazado, Mieg afronta el trabajo en solitario, aislado del mundo, con las “persianas cerradas y la mente abierta”.

Por su parte, Luis Gordillo, una referencia de la pintura española, muestra 25 de sus últimos trabajos, todos ellos de gran formato. A diferencia de Mieg, el artista sevillano confronta conscientemente su universo particular con multitud de estímulos exteriores. La serie principal del proyecto responde a conceptos como evolución o derivación y varios títulos remiten a Darwin: una obra incluye el germen de la siguiente, de la que a su vez deriva una nueva pieza, en un proceso que podría ser infinito. En otras obras, sin embargo, se observa cómo el autor se enfrenta al lienzo en blanco, con la ayuda tan sólo de su paleta y sus evocaciones.

Juan Mieg. Lancelot

Juan Mieg. Sin Título. 100 x 81 cm. Óleo sobre lienzo. Cortesía de Artium

Violencia invisible
De septiembre 2014 a enero 2015 

Para septiembre está prevista la inauguración de Violencia invisible, una coproducción de Artium con el MOCAB de Belgrado. A partir de obras de artistas internacionales la exposición analiza diferentes aspectos de la violencia en distintos contextos sociales e históricos y en relación a un contexto pan-europeo. La muestra explora las distintas capas de violencia invisible dentro de la cotidianeidad, en contexto doméstico, en la vida diaria, y en el ámbito de la publicidad y los medios de comunicación. Aunque referidas inicialmente a territorios marcados por formas específicas de violencia, éstas pueden ser en todo caso extrapolables a un territorio global.

En absoluto. Colección Artium
desde el 3 de octubre de 2014.

El programa de Artium de 2014 culmina en octubre con una nueva presentación de la Colección Artium. La presentación trata de poner de relieve el valor y la profundidad de un vasto patrimonio cultural como es esta Colección. La nueva exposición muestra cómo este mismo patrimonio, suma de voces, autores y obras, conforma una red, una visión del mundo, capaz de articular numerosos discursos sobre la naturaleza humana, sus relaciones y sus deseos. La propuesta es una negación de lo absoluto, de una visión simple y totalizadora de la realidad, ya sea planteada en términos políticos, estéticos o intelectuales. Paralelamente, obras de la Colección integrarán una nueva exposición educativa, como apoyo a los diferentes programas escolares y para otros públicos que desarrolla Artium.  

Praxis
Artium da continuidad a Praxis, un programa artístico experimental que en 2014 cumple cinco años. Bajo el título genérico Less Poetry-Menos poesía, cinco artistas (Greta Alfaro, Elena Bajo, Juan López, Carl Palm y Alex Reynolds) presentarán sendos proyectos centrados en los procesos artísticos con la intención de reivindicar la “indeterminación poética” que parece estar diluyéndose en los discursos artísticos hegemónicos, abogando además por una mayor participación del público a la hora de completar las obras. El desarrollo de estos cinco proyectos estará acompañado de una serie de encuentros periódicos con agentes culturales que aporten distintos puntos de vista sobre las “poéticas” en el arte y la cultura contemporáneas.

Otro programa artístico que se verá representado en una exposición es el de los cuadernos de notas que recibe cada visitante de Artium, cuyas tapas son mensualmente ideadas por un artista distinto, en general creadores del entorno geográfico del museo. Las obras originales realizadas para los ejemplares de 2013 serán expuestas a partir de primavera en la Antesala del Museo. Entre los artistas participantes se encuentran José Ramón Amondarain, Chema Cobo y Belén Sánchez Albarrán.

Por otro lado, la Biblioteca de Artium presentará en 2014 dos nuevas exposiciones bibliográficas. La primera de ellas ofrecerá una muestra del género de la novela gráfica en los fondos de la Biblioteca, se abrirá con motivo del Día Internacional del Libro y contará con ejemplares de algunos de sus principales representantes: Will Eisner, Richard Corben, Fernando Fernández, Horacio Altuna  o Moebius. La segunda abordará el mundo del diseño publicitario y se inaugurará en el mes de octubre.

A lo largo del añoel centro-museo seguirá fiel a su responsabilidad como motor cultural de primer orden, mediante conferencias, mesas redondas, cursos y talleres vinculados a la cultura actual, y con propuestas de artes escénicas en las que dará prioridad a la presentación de artistas locales. El cine tendrá de nuevo una presencia especial, con ciclos como el dedicado a mujeres directoras de cine, el relacionado con la novela gráfica, un tercero sobre el tema de la inmigración y finalmente otro sobre el género “animé” de animación japonesa.

También tendrá continuidad el programa Gauart de arte y música electrónica que Artium organiza en colaboración con Kubik.  Además, contará con un programa especial para el Día Internacional de los Museos, así como para el Día del Libro, con propuestas ya habituales de la Biblioteca: exposición de novela gráfica, “bookcrossing” y lecturas compartidas. En octubre tendrá lugar una nueva edición de los bienales Encuentros de Bibliotecas de Arte Contemporáneo organizados por Artium.

Vitoria_-_Artium_08

Vista del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium.

Los monstruos que todos llevamos dentro

Monstruo. Historias, promesas y derivas. Fundación Chirivella Soriano
Palau de Joan de Valeriola
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 8 de septiembre

Hay dos posiciones del espectador que se enfrenta a una exposición sobre monstruos. Una, la neurótica, consiste en defenderse de ella, atribuyendo tamaña monstruosidad al genio creativo, de manera que todo cuanto allí se despliega, aún excitando su imaginación, finalmente no va con él. La otra, llamémosla romántica, se definiría por su adhesión a unas imágenes que le conmueven y de las que se nutre para explicar la sinrazón del mundo que le rodea. En ambas, el monstruo objeto de la exposición queda reducido a simple categoría, ya sea ésta conservadora o provocativa.

Relámpago de agua, obra de Chema López, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Relámpago de agua, obra de Chema López, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

El monstruo, en tanto expresión radical de nuestra condición humana amenazada de muerte, es otra cosa. Diríamos, incluso, que es la cosa en sí. O lo que es lo mismo: aquello que se resiste precisamente a una rápida catalogación. Cuando el monstruo comparece, ya sea en forma de extraña figura externa o inclasificable sensación interior, conviene prestarle la debida atención porque, en el fondo, moviliza con su inexplicable presencia las tensiones que nos constituyen. Entremos, pues, con cautela y singular disposición de ánimo a la exposición de la Fundación Chirivella Soriano que, bajo el título de Monstruo. Historia, promesas y derivas, se muestra estos días en el Palau de Joan de Valeriola de Valencia.

L'home del martell, obra de Martín Caballero, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

L’home del martell, obra de Martín Caballero, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Sin título y, entre paréntesis, locura, es como Marina Núñez denomina su aproximación a esos monstruos. Y lo hace a través de unos ojos desorbitados, cuya mirada desencajada y sin freno aparente nos coloca en el centro mismo de la monstruosidad aludida. Freud, al hablar de las zonas erógenas, otorgó el máximo protagonismo al ojo, por encima de los genitales, al ser la mirada foco principal de entrada de múltiples sensaciones, en ocasiones devastadoras. La pulsión escópica como fuente de goce siniestro. Queremos verlo todo, sin límite alguno, dado que el límite se asocia con las peores prácticas represoras de un pasado autoritario que aborrecemos. Pero la mirada, una vez abiertas de par en par las compuertas de lo visible, da pie a su vez a la proliferación de monstruosas imágenes por exceso de una luz que quema.

Detalle de la obra de Mery Sales, Mujer elefante III, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas.

Detalle de la obra de Mery Sales, Mujer elefante III, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas.

En el fondo, lo monstruoso tiene que ver con ello: con esa dificultad para regular el flujo de energía que en tropel nos habita. A veces comparece en forma de tirano, cuyas formas excesivas provocan pánico, o mediante las igualmente desatadas fuerzas de la naturaleza. También lo hace a través de nuestra propia demanda interna, fuente de ansiedad y de idéntica voluntad desmedida. Se ve en la obra de Marina Núñez, ya sea en esa locura que procede del ojo mismo, de su incontenible visión, o en esos rostros deformados por efecto o, mejor, defecto de una mirada incapaz de gestionar su propia percepción.

Sn título (monstruas), video monocanal de Marina Núñez, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Sn título (monstruas), video monocanal de Marina Núñez, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

En esta misma línea del ojo exacerbado, también del ojo cariacontecido tras contemplar las consecuencias de su propia falta de límites, se halla la obra de Chema López (Relámpago de agua), de Javier Palacios (Ausencia), de Enrique Marty (El intruso o su serie Amnesia), de Curro González (El durmiente), de José Luis Fajardo (El mirón de la noche), o de Santiago Ydáñez. Y del ojo, al cuerpo, objeto igualmente de misteriosas transformaciones fruto de esa incontenible pulsión que nos habita. Los ejemplos se suceden: la Mujer elefante de Mery Sales, el Oh! pobre niño gordo de Luciana Novo, el Enano de Rosa Martínez Artero, el No sé por qué de Carmen Calvo, el Hecho un Monstruo de Pepe Yagües, L’home del martell de Martín Caballero, el Antropomorfo de Luis Gordillo, la Arcada de grandeza de José Hernández, De ir y venir de Miguel borrego, o El colgado de Rómulo Royo.

Obra de Santiago Ydáñez, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Obra de Santiago Ydáñez, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Completan la monstruosidad, lógicamente los Insomnios de Rafael Tejedor, el extraño cepillado de José Paredes, el descoyuntamiento de Alfonso Fraile, la abstracción de Josep Guinovart el barrido de Joan Aguado, la Identidad secreta de Dadi Dreucol, la mirada elefantiásica de Daniel Coves, el Retrato de Antonio Saura, la dama kafkiana de Antonio Camaró, el rostro grotesco de Julián Pacheco, el Jocker de Chema Cobo, los deformados personajes de Jorge Carla, los fantasmas de Daniel Jordán, la mecánica de Juana Francés, o el Hombre lobo de Cristina Lama.

Elefant man, obra de Daniel Coves, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas.

Elefant man, obra de Daniel Coves, en la exposición Monstruo. Historias, promesas y derivas.

Monstruo. Historias, promesas y derivas es una exposición singular para acercarnos al temor que, en tanto seres contradictorios, limitados por los dictados culturales y a su vez impelidos a desprendernos de sus ataduras, nos constituye. Más allá del extenso catálogo de monstruosidades que la Fundación Chirivella Soriano muestra en el Palau de Joan de Valeriola, lo que la exposición refleja, y de la cual deberíamos empaparnos, es la tensión de una humanidad en constante pugna con su propia energía autodestructiva.

Sin título (locura), obra de Marina Núñez, en la exposición Mostruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Sin título (locura), obra de Marina Núñez, en la exposición Mostruo. Historias, promesas y derivas. Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

Salva Torres

La noche de las galerias de arte valencianas

LA NIT DE L’ART
17 de mayo de 2013
Valencia

Las 19 galerías pertenecientes a La VAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana), organizan la segunda edición de LA NIT DE L’ART que se celebrará en esta ocasión el viernes 17 de mayo con motivo del Día Internacional de los Museos.
Su intención es crear un circuito de galerías, aunando esfuerzos, para dar a conocer, de una forma más distendida, las distintas propuestas culturales que se generan en estos espacios. Para ello, de forma excepcional, las galerías permanecerán abiertas hasta la medianoche, extendiendo el horario habitual, para así facilitar el recorrido por todas las galerías.
Entre las actividades programadas hay una amplia oferta que combina la cultura y el ocio en un ambiente festivo. Exposiciones de artistas nacionales e internacionales, inauguraciones, conciertos, premieres de videos y degustación de vinos y tapas, todo ello con una intención clara de generar un acercamiento del público en general a las galerías de arte contemporáneo.
Las galerías valencianas se encuentran repartidas en tres barrios importantes de la ciudad: Ciutat Bella, L´Eixample y Ruzafa. Las galerías de Alicante y Castellón participarán en el evento con una exposición conjunta de sus artistas en la Sala del Tossal.

Nit de l'art 2013

PROGRAMA:

GALERIA DEL TOSSAL
del 17 al 23 de mayo
Exposición: “NIT DE LES GALERIES AL TOSSAL”
Isabel Bilbao: Josep Ginestar
Cànem: Geles Mit
Collblanc: Toño Camuñas

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

ALBA CABRERA C/ Félix Pizcueta 20
Exposición: “De puño y letra” de Laura Iniesta
degustación de vinos de la bodega: LA VIÑA-ANECOOP. de FoGaleríant de la Figuera.

BENLLIURE C/ Ciril Amorós 47
Exposición: Eduardo Chillida, Obra Gráfica.

DEL PALAU C/ del Palau 10
Exposición: “Imaginadas” Matilde Alonso

KESSLER BATTAGLIA Passatge de Giner 2
Exposición: “Perder el tiempo”
de Sara Galàn y Edu Comelles
Degusta-acción Caterings Olga Padilla

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

KIR ROYAL C/ Reina Na Germana 24
Exposición: Scrapbook – Jovenes Artistas Italianos
Colaboración Con Zelle Arte Contemporanea Palermo. Vino de honor

LUIS ADELANTADO C/ Bonaire 6
Exposición: “The future through the past”
Morten Slettemeas Jon Rafman
Premiere de 3 nuevos vídeos de Jon Rafman.
(Futurist Metropolis, Op Art Shopping Mall y Yiffy Cathedral)
Vino de honor

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

PAZYCOMEDIAS Pl/ Col·legi del Patriarca 5
Exposición: Ana Esteve Llorens
Vino de honor

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

PUNTO Avd/ Baró de Càrcer 37
Exposición: Ouka Leele
Concierto de EGM presentando su último disco “Principio Activo” Ricardo Esteve (guitarra), Ribert Molina (bajo) y David Gadea (percusión)
Cortos de Ouka Leele durante la exposición
Vino de honor

ROSALÍA SENDER C/ de la Mar 19
Exposición: Guinovart
Vino de honor

ROSA SANTOS C/ de la Bosseria 21
Exposición: “Opus 2012” Juanli Carrión
Vino de honor

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

SET ESPAI D´ART Pl/ Miracle del Mocaoret 4
20:00 – 23:00h Firma de catálogos por el artista
20:00 – 24:00h Audiovisual “Pièce de résistance/
The landscape in his mind” de Ibán Ramón
Vino de honor

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d'Art

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d’Art

ESPAI TACTEL C/ Dénia 25
Exposición: “Nobody said it was easy”
Antonio Fernández Alvira
Vino de honor

TRENTATRÉS C/ Sueca 33
Exposición: Diego Sáinz
Vino de honor