Por la eterna gloria de Lou Reed, en el Dublín de Gandía

Metal Machines Musics
Canciones de Lou Reed
Viernes 31 de agosto a partir de las 23’30 horas
Pub Dublín
Carrer de la Rioja, 38, Platja de Gandia.
Entrada gratuita.

lou reed

En ese recomendable santuario de rock and roll que se halla en la comarca valenciana de La Safor, el Pub Dublin de la Playa de Gandía, está previsto que este viernes se realice un homenaje al padre del rock alternativo, nada menos y nada más que Lou Reed.

pub dublin interior

Interior Pub Dublín de Gandía

Pero lo mejor del tema son los músicos que se van a encargar de tan magno evento ya que aseguran el disfrute generalizado. Hablamos de Oscar E. Briz, Pau Miquel Soler, Silvia Martí y Xavier Boronat que, para la ocasión, se harán llamar Metal Machines Musics en honor al controvertido y habitualmente denostado álbum que publicó el Gran Maestro neoyorkino en 1975.

pub dublin interior 2

Escenario Pub Dublín de Gandía

Se intuye pues que el cuarteto recibirá el indomable espíritu del tito Lou, de John Cale, de Sterling Morrison y de Maureen Tucker, e interpretarán algunos de los fabulosos temas de The Velvet Underground pertenecientes al período entre 1967 y 1970.

cartel metal machine musics lou reed

Cartel concierto Metal Machine Musics by Lou Reed

Por supuesto no faltarán clásicos de los 70 pertenecientes a míticos álbumes como “Transformer”, “Coney island baby” o “Berlin”. Ojalá se sumen a la causa perlas de los 80’s o 90’s y alguna sorpresa de ese extraordinario disco que este año ha cumplido 40 años, el “Street Hassle”.

Pues eso, una ocasión única, no me cabe la menor duda, ideal para despedir el caluroso mes de Agosto.

Juanjo Mestre.

Lanuca y su ‘Tibia turbia’ en el Carme Teatre

Lanuca
Presentación ‘Tibia Turbia’
Carme Teatre
Carrer de Gregori Gea nº 6 de València
Sábado 13 de mayo a partir de las 22,30 horas
Precio entradas: 8 € en http://www.carmeteatre.com/entradas

18387229_10212789097623680_1970348522_n

Uno de los discos más sorprendentes, originales, agradables y seductores de lo que llevamos de año en el panorama nacional español es “Tibia turbia” de Lanuca, el alter ego de Angela Bonet, con el que completa su “trilogía anatómica” tras “Pómulo” en el 2013 y “Gran Mandibula” en el 2015.

lanuca-presentación-tibia-turbia-2

Se trata de un trabajo donde ahonda profundamente en el concepto del amor desde una perspectiva tan sensible como introspectiva y poética.

Está formado por siete canciones. Tanto de “Mi revolver” como de la versión de “Mirando al mar” de Jorge Sepúlveda se han realizado sendos vídeos. Véanse enlace pinchando sobre sus títulos.

18448058_10212789092623555_680964887_n

A ellas se añaden cuatro preciosidades más de profundas letras como “Es por amor”, “Pétalo de abismo”, “Besos tormenta” y “Tibia turbia” más el instrumental “BBB”.

Musicalmente estamos ante un caso difícil de etiquetar, mas o menos sus canciones podrían ubicarse a mitad camino entre el velvetismo más melódico y el ambient-rock, con influencias de obras maestras como el “Street hassle” de Lou Reed o el “Before and after science” de Brian Eno.

18471181_10212789093583579_227581791_n

La presentación oficial de “Tibia turbia” será en el Carme Teatre de Valencia, sito en la c/Gregorio Gea nº 6, el próximo 13 de mayo a partir de las 22,30 horas, con un precio de entrada de 8 euros.

Para tan recomendable cita estará acompañada de Ana Santos al sintetizador, Vanessa Juan al cello y Manolo Bertrán a la guitarra, tres nombres de la escena local valenciana que también participaron en la grabación de este singular trabajo.

Juanjo Mestre.

El 40 aniversario de Television y su ‘Marquee Moon’

Television
Marquee Moon
Publicación 8 de febrero de 1977
Elektra records
40 aniversario

???????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????

Hoy, 8 de febrero del 2017, se cumplen 40 años desde la publicación del fundamental, seminal y esencial debut de TELEVISION. Estamos hablando de, nada menos y nada más, el “Marquee moon”, una obra que, pese a su mérito, influencia y reconocimiento por parte de críticos y entusiastas simpatizantes, se mantiene como uno de esos discos llamados “de culto” puesto que no ha obtenido una trascendencia popular acorde a la calidad e importancia de su contenido.

Para rendirle un merecido homenaje creo que tendríamos que contemplarlo con el uso de la máquina del tiempo hasta trasladarnos a un año clave de cisma roquero. Aunque algunos iluminados ya podían barruntar lo que se avecinaba, el año 1977 supuso, al fin y al cabo, la ruptura definitiva con unos sonidos setenteros que cada vez daban más signos de agotamiento. De una mayoría es sabido lo que en Europa implicó durante aquel año el “Never mind the bollocks” de los Sex Pistols pero lo que no resulta tan popular, salvo para frikis y amiguetes de las catacumbas rocanroleras, es la tremenda magnitud del CBGB neoyorkino.

--- television - marquee moon - 0

Es allí, en el célebre club underground de punk-rock y new wave donde se cocieron un buen número de propuestas musicales con vital importancia en el devenir de la música popular. Ramones, Blondie, Talking Heads,… fueron su cara más divulgada, pero allí, entre sus subterráneas paredes, transitaron otros nombres, tanto o más fundamentales pero menos afamados, como por ejemplo TELEVISION, la banda del egregio Tom Verlaine.

Digamos que “Marquee moon” fue, salvando honrosas excepciones menos obvias (como por ejemplo el homónimo de los Modern Lovers o el “Rock ‘n’ roll animal” del mismísimo Lou Reed), la primera gran obra musical que recolectó, amasó y troqueló el suculento patrimonio de la Velvet Underground. Digamos también que, además de su inclinación velvetiana en esta irrepetible masterpiece, el talento del Sr. Verlaine se aproximó tanto al pretérito reinado del glam de Bowie o Bolan como a la actitud y urgencia del punk coetáneo.

?????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????

Ocho coplillas, para qué más, sin residuos ni despojos. Muy difícil elegir una favorita. Quizás guardo especial cariño y devoción por “Friction”, la primera que escuché, con ese halo de “no futuro”, de desesperanza, de que los chicos acabarán de bruces entre barrotes de una pestilente mazmorra.

Pero al loro con ese inicio. “See no evil” es para volar muy alto, para lamer las heridas con esas guitarras que, entre Tom y Richard Lloyd, se muestran provocadoras antes de apostar por la melancolía en un tributo a la divina belleza como “Venus”, o por la hipnótica y oscura profundidad de escuchar la tormentosa “Marquee moon” que da título a esta emblemática POM (puta obra maestra para aquellos lectores que desconocen el significado de este vocablo). Fred Smith al bajo y Billy Ficca a la batería completaban un cuarteto de leyenda.

--- television - marquee moon - 2

Más crápula, y al mismo tiempo más iluminada es “Elevation”. No me extrañaría que en un posible sondeo fuese la preferida de los más fans. El noctambulismo más sensible y amargo se exhibe en “Guiding Light”, de esas canciones que crecen en sucesivas audiciones, tal y como seguramente haya podido sucederle a alguien a lo largo de estas cuatro últimas décadas tras escuchar y estremecerse con “Prove it”.

Muy atinadamente se clausura este clásico con “Torn curtain”, conteniendo las lágrimas, para recordar un pasado que dejó una indeleble huella, algo similar a lo que es en conjunto la desgarradora grandeza de uno de los discos más fundamentales de la historia del rock. Llegarían más destacables trabajos de Television (“Adventure”, “The blow up”) o de Tom Verlaine en solitario, pero nunca más tan geniales y tan monumentales como el “Marquee moon”.

--- television - marquee moon - 4

Please, que nunca se haga muy popular, que una minoría privilegiada de resistentes podamos continuar disfrutando del más moderno y vanguardista disco de los últimos cuarenta años.

Juanjo Mestre

* Texto adaptado para Makma del artículo también publicado en el Espacio Woody/Jagger.

El aullido ubuesco de Aldo Alcota

Conversación con el artista y poeta chileno Aldo Alcota, con motivo de su reciente participación en Russafart 2016 y en la Revista de Arte y Literatura Canibaal

Merodear y reflexionar en torno de los turbios y densos cuerpos limítrofes que solidifican el encuentro entre obra -artística y literaria- y biografía exige aproximarse al inmediato devenir de individuos en sempiterno ejercicio atlético de su condición indisoluble, a perfiles sin descanso ni rutinas del ser, figuras volcanizantes que, aún dormitando, claman desde lo onírico una permanente vindicación de su fértil aullido.

Un complejo cómputo de estas contingencias existenciales cobran morfología natural en la figura de Aldo Alcota (Santiago de Chile, 1976), cuasi-inefable hombre de atributos ubuescos (un oremus por el disoluto patafísico Alfred Jarry) y radical cosmogonía de lo consuetudinario, cuya narración mítica palpita permanentemente en su conversación con la revista Makma.

Obra perteneciente a la serie 'Mundo Bruto' expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Obra perteneciente a la serie ‘Mundo Bruto’ expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

EL ALIMENTO/ LA OBRA

Los galpones comerciales de IMT (Literato Azorín, 35) y L’envers Du Decor (Cuba, 43) han sido refugio material de una selección de la obra reciente del chileno, consecuencia de su participación nominal en la quinta edición de Russafart, que ha permitido exhumar su intervención plástica en desechos rudimentarios, gabinetes de computadoras, papel pintado y objetos efímeros -”me gusta intervenir cosas en desuso, revivirlas, darles una nueva vida”, así como diversos dibujos sobre cartones encontrados que procuran componer un mapa comunicativo propio del movimiento ‘L=A=N=G=U=A=G=E poets’ norteamericano, con Charles Bernstein, Hanna Weiner o Clark Coolidge a la cabeza -”todos hablando a la vez, con diferentes tipos de energía”-.

Alcota manifiesta sumarísimamente el influjo dominante y explícito de la Patafísica, el Dadaísmo, y el Surrealismo, o la heteróclita humedad de lo sótanos de Pierre Molinier y el Marqués de Sade, la irreverencia de Eduardo Haro Ibars y el puerto erótico y delictivo de Jean Genet, si bien “algún crítico diría que lo mío es un arte ubuesco, de lo monstruoso, de la deformación de la corporalidad”. A propósito de alguno de sus trabajos asevera que “este es un tiempo de fragmentación. Por ello no son cuerpos en su totalidad, sino fragmentos (…) una especie de laboratorio del desmembramiento”

Sobre los anaqueles del IMT reposa su impía serie ‘Mundo Bruto’, una colección de collage sobre el frágil soporte de bandejas alimentarias de cartón -”comencé a emplearlas como recurso en 2007”, que se aproxima a personajes ínclitos, dementes, chamanes y magos, políticos y beodos “que viven un delirio surrealista”, como es el caso de la presente secuencia de ministros del Imperio británico extraídos de una enciclopedia sobre la época victoriana. “Trabajo sin boceto, soy primitivo, arrojo todo, papel, tinta y pintura (…) me seduce la precariedad del soporte mínimo, povera, de una bandeja para comer. Mi arte es alimenticio. Los ojos devoran la imagen”, es por ello que postula “que el ojo sea una mandíbula para comer imágenes”.

Detalle de varias piezas de Aldo Alcota expuestas en L’envers Du Decor, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Detalle de varias piezas de Aldo Alcota expuestas en L’envers Du Decor, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

SANTIGO DE CHILE/ DERRAME/ LA GÉNESIS

Reflexionar sobre el raquis teleológico de la obra de Alcota exige recurrir, de un modo ineludible, al denominado contexto de producción, acudir al origen del primer destello, que en el caso del autor capitalino -hijo de la dictadura, en tanto que nacido en pleno Régimen Militar, comandado por el general Augusto Pinochet- se remonta a una adolescencia perfilada por el influjo de uno de sus profesores de Liceo, Luis Reyes, quien le inoculó el ímpetu de salir de Chile y viajar al Viejo Continente -”había estado en Francia, en París, hablaba de arte en sus clases, de Salvador Dalí y de Miguel Ángel”-.

Con posterioridad, Aldo Alcota cursa estudios de periodismo en la Universidad Andrés Bello de Chile y se fraguan con ahínco sus inquietudes primigenias. Con los escritores y poetas Rodrigo Hernández, Rodrigo Verdugo y Roberto Yáñez Honecker -nieto del ínclito y denostado Jefe de Estado de la RDA-, entre otros, funda en 1999 la revista ‘Derrame’, que nomina al homónimo y ulterior grupo surrealista y cuyo título procede anecdóticamente “de haberse derramado una copa de vino sobre un libro de Vicente Huidobro”; sobre ella asevera que “algún día será leyenda”. ‘Derrame’ supervive durante ocho números, en los que se homenajea al surrealista portugués Cruzeiro Seixas y se dan cita nombres como Joan Brossa, Chema Madoz, Rosamel de Valle, el Grupo Mandrágora o Carlos de Rokha, con la pretensión, en muchos casos, de retomar la atención sobre figuras postergadas injustamente al olvido literario y artístico.

Paralelamente, irrumpe en la existencia de Alcota la agreste y nicotínica presencia de la poeta de la Generación del 50 chilena Stella Díaz Varín, popularmente conocida como La Colorina y determinante musa de Alejandro Jodorowsky; “la conocí en la Feria del Libro de Santiago de Chile. Yo había estado ese día con José Donoso (…) fue una de mis maestras. Se pintaba el pelo de color verde y llevaba un tatuaje de una calavera atravesada por un puñal (…) murió en 2006, tras diez años de amistad”. Acerca de Stella afirma que “era un vendaval, fuerte, capaz de golpear a un hombre. Allí golpeó a muchos escritores que la ninguneaban. En Chile se hablaba de esas anécdotas, que era buena para el boxeo (…) siempre he querido reivindicar su figura como poeta”.

De su etapa santiaguesa recuerda su primera exposición individual, en 2001, bajo el título ‘Jarry Monster’, en la que el escritor y crítico de arte italiano Enrico Baj le dedica unas palabras de ensalzamiento de su naturaleza ubuesca. Mención ineludible merece rememorar la censura de su obra en una exposición en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en 2004, según recoge el diario Tiempo Libre: “Tras detectar la presencia de minúsculos penes y senos en alguna de las composiciones del autor, el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura intentó excluir esas obras. Ante ello, el artista decidió abortar el montaje”.

Diversas imágenes del álbum personal de Aldo Alcota. De izquierda a derecha, con Anne Éthuin, Édouard Jaguer, Stella Díaz Varín, Carlos Sedille y Jean Benoît. Fotografías cortesía del artista.

Diversas imágenes del álbum personal de Aldo Alcota. De izquierda a derecha, con Anne Éthuin, Édouard Jaguer, Stella Díaz Varín, Carlos Sedille y Jean Benoît. Fotografías cortesía del artista.

PARÍS/ LA ARCADIA SURREALISTA

Portando su reciente licenciatura, se traslada por primera vez a Europa -”mis padres, quienes me han apoyado mucho y a quienes admiro, me regalan el viaje”- y recala en París durante cuatro meses con un visado de turista que no osa mancillar -”intenté quedarme pero no tuve la valentía de permanecer como ilegal (…) qué hubiera sido de mí si me hubiera quedado en París”-. Allí se hospeda en la casa de uno de los miembros del Grupo Surrealista Derrame, el franco-peruano Carlos Sedille, periplo sobre el recuerda que “fui a su casa en la afueras. Tuve una relación delirante con su padre, un veterano de la guerra de Argelia, lepeniano y obsesionado con Napoleón”.

En París contacta con el eximio escultor surrealista Jean Benoît, quien “fue uno de los grandes amigos de Jodorowsky”. Benoît es recordado, entre otras singularidades, por su confección de insólitos trajes, como el de su pieza ‘El testamento del Marqués de Sade’, en el marco de la Exposición Internacional de Surrealismo -“en el apartamento de Joyce Manosur hizo un ceremonial primitivo-surrealista y con un hierro candente se marcó en el pecho las iniciales de Sade, secundado por Matta (Roberto)”, ante la presencia de André Breton-. Sobre una de sus creaciones (‘El traje del necrófilo’), Alcota escribe para la revista satírica chilena The Clinic. Con Benoît comparte una experiencia con un apurado desenlace superviviente: “Acudíamos a una exposición de Roberto Matta, Jorge Camacho y Gerardo Chávez. Benoît me invita a beber cerveza en un bar, vamos borrachos por París y casi nos arroya un autobús. Fue una experiencia alucinante”.

Igualmente, mantiene relación con el poeta y crítico de arte parisino Édouard Jaguer, a quien “todos los martes lo veía. Cenaba una botella de vino con galletas” y entabla relación con el pintor surrealista cubano Jorge Camacho y su esposa Margarita -”sabía de él por referencias enciclopédicas (…) pensaba que algún día lo conocería”. En el transcurso de una exposición y ante un cuadro de André Michaux, conversan acerca de la propia obra de Alcota y Camacho le reporta una sugerencia determinante a partir de entonces: “tienes que deformar más (…) y empecé a deformar las figuras”.

Por mediación de los Camacho y el auxilio de “una joven húngara que trabajaba en una galería parisina” se aproxima a la obra del poeta cubano Reinaldo Arenas, erigido desde entonces en una referencia. “Margarita Camacho me regaló ‘Antes que anochezca”, la celebrada autobiografía del autor. “Hay una frase de Arenas que me ha impactado mucho: yo escribo por venganza”; esto supone la revelación de un escritor a la contra que “yo comparto” -”Camacho (Margarita) decía que era un genio”-. Años después, conoce en Valencia al escritor cubano Juan Abreu, amigo y figura decisiva de Reinaldo y compañero de la denominada Generación del Mariel, en referencia al Éxodo del Mariel, que supuso el exilio masivo de cubanos hacia el puerto de Miami, en 1980.

Imagen de varias publicaciones y referencias del archivo personal de Aldo Alcota. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Imagen de varias publicaciones y referencias del archivo personal de Aldo Alcota. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

EL MEDITERRÁNEO/ PENÚLTIMO PUERTO/ COLMILLO CANIBAAL

En 2007 arriba en Valencia -tras los fortuitos e inesperados pasos de su hermano Miguel Ángel, chef de referencia afincado en Londres, en la actualidad- matriculado como visitante en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos y posteriormente cursa un máster de gestión cultural. Acerca de esta experiencia Alcota manifiesta que “vine con otra concepción del arte. Había una práctica muy fanática por artistas como Antonio López, pero yo llegaba con otro discurso, influido por Roberto Matta, el arte primitivo o Basquiat”. De esta etapa recuerda las clases de Enrique Tormo, “de Arte Africano y Arte de Oceanía. También a Facundo Tomás, un hombre provocador, gran teórico del arte. Llevó una exposición sobre el Equipo Crónica a Chile y allí pude verla”, años atrás. Con ulterioridad, trabaja en el MUVIM en calidad de becario durante dos años y medio -”gané experiencia museística. Viví todo el conflicto con Román de la Calle”.

Tras este período “conocí a Ximo Rochera (director de la Revista de Arte y Literatura Canibaal) en el taller de literatura LAB, en la galería Imprevisual (dirigida por el cubano Arístides Rosell). Lo impartía Manuel Turégano (editor del sello Contrabando). Allí coincidí con Fran Amador Luna, Bárbara Blasco y Edu Reptil”, entre otros. Entablada la relación con Turégano, publica su primer poemario ‘Guayacan/ Virgen Bacon’ en Contrabando, tras haber formado parte de la antología ‘Por donde pasa la poesía’ (Baile del Sol Ediciones). Por su lar valenciano han transitado diversos poetas latinoamericanos, como Héctor Hernández Montecinos o Enrique Winter, amén de poetas visuales como el catalán JM Calleja, lo que le ha permitido “reconciliarme con la poesía. Puedo afirmar que en Valencia me he iniciado como tal”.

2013 supone la génesis de la revista Canibaal, comandada desde sus orígenes por Ximo Rochera y en la que Alcota ha sido director de arte y ahora colaborador y corrector, en compañía de Sergio Pinto Briones -”gran amigo, con quien he hecho diversas performance”. En la actualidad, forman parte del equipo directivo de Canibaal Jesús García Cívico y Pablo Miravet, “compañero de andanzas nocturnas, con quien realizo grandes homenajes a Lou Reed, Candy Darling (transexual amiga de Dalí y Capote, actriz en las películas de Andy Warhol) y Michi Panero.

Portada del número 6 de la Revista Canibaal, 'Carne y Metaliteratura'. Fotografía cortesía de la revista.

Portada del número 6 de la Revista Canibaal, ‘Carne y Metaliteratura’. Fotografía cortesía de la revista.

Fruto de la referencia al ciclo ‘Literatura y alcohol’, desarrollado por Canibaal, durante los meses precedentes, en la conspicua carnicería literaria Slaughterhouse, Alcota repasa su propio devenir etílico, determinante en su proceso de extraversión: “el alcohol es un excitante para poder hablar. Desde pequeño sufro de una pequeña tartamudez. Cuando bebo puedo leer ante el público, entro en un mundo de excitación y de delirio. Me siento como ‘El barco ebrio’ de Rimbaud, la alucinación de Bukowski. Con Stella (Días Varín) bebía mucho. Suponía olvidarse un poco de la crudeza del mundo, entrar en otra fase, de tranquilidad y de excitación a la vez, de catarsis (…) es como si estuviera aquí el dios Pan y todo empezara a enloquecer”.

Por Canibaal han transitado nombres decisivos como Nazario Luque Vera  -”conocer a Nazario ha sido uno de los momentos más grandes de mi vida. Caminar con él por barrio gótico barcelonés en compañía de Ximo Rochera (…) imaginar la Barcelona de Ocaña y Camilo…”-, Ana Curra o Enrique Vila-Matas, sobre el que recuerda que “pude conocerlo en la Feria del Libro de Santiago de Chile en 2002. Le regalé un cuaderno mío de poesía y dibujos (…) tiempo después me escribió un mail en el que me decía: he pensando en ti. Espero que te vaya bien”. Este encuentro pudo fructificar años más tarde, cuando Alcota le requiere para escribir en la revista -”desde entonces es un colaborador absoluto de Canibaal”.

A propósito del último número de la revista, ‘Carne y metaliteratura’, concluye que “el siglo XX, tan violento, ha supuesto una gran representación de la carne y la corpolaridad desgarrada, un colmillo canibal que devora a unos y a otros. La revista va acorde con los tiempos. Como afirma Woody Allen: el mundo es un gran restaurant”. En base a estos precedentes, Aldo Alcota no dubita en confesar que “el gran tema de hoy es el hambre, el físico y el espiritual”.

El artista y poeta Aldo Alcota, frente a una de sus obras expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

El artista y poeta Aldo Alcota, frente a una de sus obras expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

Al crepúsculo con la Bantastic Fand

Bantastic Fand
Welcome to desert town
(2016)

Bantastic Fand - Makma 1Inmediatamente después de que comienza a sonar el nuevo disco de Bantastic Fand se comprende la bellísima imagen de su portada. Porque “Can’t you see?” puede sonar al alba o en cualquier otro instante en que brillen los rayos del sol pero todo el contenido de “Welcome to desert town” es crepuscular, de esos que ganan al ocaso del día cuando el astro rey comienza a perderse en el horizonte, de esos que sirven de tregua para hallar ociosa satisfacción tras una jornada compleja y estresante.

Desde Cartagena para el mundo su líder Nacho Para (voz, guitarra acústica y armónica) junto a Paco del Cerro (voz y batería), Alfonso Gomariz, Iván Estefanía (guitarras), Chencho Vilar (bajo), Ramon García y Quique Simón (a los teclados) y Paloma del Cerro (coros y percusión) tenían una importante dificultad, contratiempo o misión, al menos cara a la galería porque entiendo que ellos han ido a su bola, a hacer lo que realmente les apetecía y con lo que disfrutaban. Para el resto de los mortales hablo de superar o al menos igualar esa excelente opera prima que se publicó a finales del 2014 y que llevaba por título “Strong enough to refuse”, brillante y siempre recomendable combinación de guitarras eléctricas y acústicas con sabor americano.

Bantastic Fand - Makma 2Bajo los rayos de sol más otoñales “Down the river” es una excelente pieza que galopa entre los Jayhawks de la primera etapa con Mark Olson y en la que mejor debería cabalgar el Boss desde hace mucho, demasiado tiempo. Por su parte, a buen seguro que “Givin’ up the battle” tendría la bendición de Gary Louris si llegase a sus oídos, quizás por ese motivo pueda ser mi favorita del disco.

“Find the door” son las mencionadas botas pero ahora para calzarlas al amanecer, para afrontar el día que se avecina, mientras que en “Something ‘s going on”, en “My invention”, en “Goodbye” y en “Muses” están los sueños que se pierden, esos desengaños y decepciones que siempre aparecen, eso que se dice tantas veces de que nada es para siempre.

Quizás, y valga la redundancia insistiendo con ese quizás, “Everybody’s rockin” contiene las claves del objetivo de este nuevo trabajo, el que cohabiten referencias musicales tan dispares e interesantes a modo de tributo como los Beatles, Neil Young, la Creedence Clearwater Revival, Gene Vincent, Bob Dylan, Jackson Browne, Robert Johnson, Lou Reed, Little Richard, JJ Cale, B.B,King, The Byrds, Van Morrison, Marvin Gaye, Eagles, Grateful Dead, Chuck Berry, Roy Orbison, Beach Boys, Otis Redding, The Doors, Elvis Presley, Dire Straits, The Band, Tom Petty, Steppenwolf, Ray Charles, Bo Diddley, Buddy Holly,Bob Marley, The Who,…

Bantastic Fand - Makma 3 - Welcome to desert town

Portada Welcome to desert town” de Bantastic Fand

 

Bantastic Fand lo han conseguido con “Welcome to desert town”, a mi gusto superan incluso su anterior álbum y se asientan definitivamente en un estilo donde no es habitual hallar en España muchos proyectos interesantes. Me gustan esos discos que son homogéneos, donde el todo destaca en conjunto por encima de coplas concretas, con mención especial en esta ocasión para un joven como Pablo Vizcaíno, coletrista junto a Nacho Para.

Pues eso, estamos ante uno de esos discos que son para oir y también para escuchar, sobre todo cuando el mundo se relaja, por ejemplo al ocaso del día.

JJ Mestre

* Texto adaptado para Makma del artículo publicado en siguiente enlace del Espacio Woody/Jagger.

Rafael Berrio, entre lo efímero y lo eterno

Rafael Berrio en concierto
+ La Gran Esperanza Blanca (en acústico)
Sábado 6 de febrero del 2016 a partir de las 23’00 horas
Deluxe Pop Club
Calle Poeta Más y Ros, 42, Valencia

00 - Rafael BerrioNo sucede todos los días que uno pueda tener el privilegio de ver en directo a un artista de la talla de Rafael Berrio. El tesón y el entusiasmo de la gente de PitaSound Prom, de El Barrejat y de El Club de Amigos del Crimen es de mucho agradecer porque va a hacer posible el actual e ilusionante anhelo de un grupo de acérrimos admiradores del donostiarra con su actuación en el Deluxe Pop Club de Valencia ante un reducido aforo de 60 afortunados.

02 - Rafael Berrio Javi Gafotas y Cisco-Fran

Imagen de antaño cortesía de Cisco Fran con Rafa Berrio, Javi Gafotas (Club de Amigos del Crimen) y Cisco Fran (LGEB) en una de las visitas del
donostiarra a Valencia.

Rafael Berrio va a presentar junto a Joseba B.Lenoir y Fernando Lutos Neira uno de esos discos que el que suscribe jamás dejará de recomendar, de esos que se puede decir que están por encima del bien y del mal, de esos que se sabe a ciencia cierta que han bebido de la pócima de la eterna juventud para embaucar a miembros de generaciones actuales y venideras que sean capaces de valorar la grandeza que atesora. Y para más inri en el idioma castellano, casi nada.

Hablamos, claro, de “Paradoja”, uno de los álbumes más brillantes que se publicaron durante el recientemente finalizado año 2015, el tercero de la trayectoria de Rafael Berrio en solitario tras su paso por bandas como UHF en la década de los ochenta, como Amor a Traición en los noventa y como Deriva en la década 00. Se trata de un trabajo donde se aleja del tono acústico, intimista y más cercano a la chanson francesa de “1971” o “Diarios”, y donde sin dejar ese existencialismo que rodea todas sus composiciones se aproxima más al rock alternativo de Lou Reed con adicionales arreglos de guitarra cercanos al noise pop de bandas alternativas de finales de los 80 y principios de los 90.

03 - Rafael Berrio Javi Gafotas y Cisco-Fran

Otra imagen de antaño cortesía de Cisco Fran (La Gran Esperanza Blanca) junto a Rafa Berrio

Pero por encima de todo con el Sr. Berrio siempre hay que destacar unas letras con un ingenio y un calado espectacular a partir de, en este caso concreto, un título muy apropiado. Porque en “Paradoja” lo que impera son ideas a veces extravagantes y otras de apariencia absurda que juegan entre el sinsentido y la lógica, en las que cualquier cosa que produce satisfacción da valor a la vida, donde incluso la mitología y la cultura clásica griega recuperan protagonismo. En definitiva, entre lo efímero y lo eterno, en una liturgia existencial que siempre vuelve al inicio, como rezan algunas de sus canciones.

01 - cartel berrioA partir de las 22’30 se abrirán las puertas de la sala y a las 23’00 horas el grupo valenciano de La Gran Esperanza Blanca en acústico y en formato trío (Cisco Fran, Fede Ferrocce y Chiti Chitez) se encargará de abrir el espectáculo con algunas de las canciones que componen otro de los grandes discos del pasado 2015, el titulado “Tren fantasma”. Será sobre las 23’30 horas cuando está previsto que RAFAEL BERRIO y sus acompañantes nos hagan disfrutar un poco más de la vida con su arte.

JJ Mestre

Repensar la ciudad a partir de Rogelio López Cuenca

ROGELIO LÓPEZ CUENCA. “Els pronoms febles”
Galería PazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
Del 10 de diciembre al 9 de enero de 2016
Comisario: Jose Luis Perez Pont
Programa de actividades paralelas
-10 diciembre, 19h. Asamblea Solar Corona
“El Solar Corona. Un modelo de autogestión en autorreflexión”
Después de cuatro años llevando a cabo múltiples tareas de gestión, cuidados, construcción, comunicación, cultivo, asociación, etc. llevados por el ímpetu del día a día los miembros de la asamblea necesitan sentarse a reflexionar. Echar la vista atrás para tratar de entender el camino recorrido y mirar al futuro. ¿Necesita reformularse el Solar Corona? ¿Nos afectan los recientes cambios de los gestores de la ciudad?
Los miembros de la Asociación Solar Corona están llevando a cabo una serie de asambleas especiales para tratar de responder a estas y otras preguntas. Estos encuentros que internamente llamamos “cumbres” se realizan siempre en otros espacios distintos del solar. Esta asamblea será en abierto.
El solar de Corona es un espacio gestionado y dinamizado por vecinos/as y diferentes asociaciones del barrio del Carmen, situado en el casco histórico de la ciudad de Valencia, en la misma calle Corona que da nombre al proyecto.
Se trata de un espacio al aire libre, de carácter comunitario, para la realización de actividades sociales y culturales, tanto por parte del colectivo que gestiona el espacio, como por las diferentes entidades y vecinos que desean hacerlo.
Al mismo tiempo, el solar también cumple la función de ser un pequeño parque comunitario en un centro histórico caracterizado por la falta de espacios públicos, de manera que varios días a la semana el solar abre sus puertas para uso y disfrute de los más pequeños.
La fórmula de uso del espacio está regida por un contrato de cesión de uso por parte del propietario donde se fijan las condiciones para ello, y que es renovado año a año entre ambas partes.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-11 diciembre, 17h. Mujeres y Punto / 19h. Conferencia de Mercè Galán
+Encuentro: Mujeres y Punto. “No quiero ser un huevo frito”
La teoría del huevo frito hace referencia al aislamiento que sufre una mujer en una relación de pareja insana o de maltrato. Ya que la mujer se ve obligada a dejar de vivir su vida para vivir para él, otorgándole la autoridad a él y viviendo para su cuidado.
Si la mujer y el hombre son representados gráficamente por círculos, podemos decir, que la mujer sufre un gran aislamiento de su mundo, y su eje pasa a ser su pareja; el hombre sigue manteniendo su familia, sus amigos, su trabajo, etc. Aspectos a los que ella se ve obligada a renunciar.
En una relación sana, si seguimos con la misma representación gráfica, la mujer mantiene su mundo con su familia, su trabajo, sus amigos, su tiempo libre y su pareja, forma parte de ese mundo. Ambos tienen una relación igualitaria y ninguno se ve obligado a renunciar a nada involuntariamente.
Mujeres y Punto es un colectivo abierto en el que participan
principalmente mujeres, pero también algunos hombres, que a través de la realización de labores tradicionalmente femeninas como tejer o hacer ganchillo, llevan a cabo acciones artísticas en el espacio público. Se reúnen una vez a la semana y también reciben por correo postal y otros medios aportaciones de personas que participan en la distancia en sus proyectos, bajo el objetivo de igualdad de género, en todos los ámbitos públicos.
Actualmente están trabajando en un proyecto que identifica el nombre de las calles de una zona de Valencia, el barrio de Ruzafa, en el que de unas 35 calles, 8 se refieren a ciudades o países, 26 tienen nombre de hombres y solo 1 hace referencia a una mujer. Están llevando a cabo una acción, tejiendo cuadrados de 20 x 20 cm. en morado, para intervenir las placas de las calles, así como invitando a otros colectivos a extender la acción a otros barrios de la ciudad. En la Galería pazYcomedias llevarán a cabo uno de sus encuentros semanales, a la vez que realizarán la presentación de su dinámica de trabajo, en el contexto de la exposición de Rogelio López Cuenca, en referencia directa a algunos aspectos abordados en la misma.
+Conferencia: Mercè Galán. “Cautivas del silencio. Representaciones
desde el arte contra la violencia de género”
Cautivas del Silencio hace referencia a dos tipos de invisibilidad por un lado, la que sufren las mujeres en el hogar y que algunas artistas recogen en su trabajo, y por otra parte, la invisibilidad que sufren las propias artistas en la esfera del arte, en cuanto a una baja presencia o participación en galerías, ferias e Instituciones museísticas. A diferencia de que lo que sucede en el espacio público, la violencia que ocurre dentro de las cuatro paredes de la casa, suele estar oculta y silenciada, por ello, es tan importante visibilizarla y
denunciarla y el arte es una de las prácticas con gran capacidad comunicadora e incluso catalizadora.
Mercè Galán es artista intermedia. Doctora por la Universidad Politécnica de Valencia, su investigación se ha centrado principalmente en torno a las prácticas artísticas contemporáneas que se imbrincan con la violencia y el género desde una perspectiva feminista. Seleccionada a cursar un año en el Centro de Arte y Tecnología de la National University of Australia con la Beca Promoe, colaboró en varios grupos activistas feministas y queer en la reivindicación de sus derechos. En Valencia participó en el nacimiento del grupo Zona de Intensidad del Colectivo Lambda, así como del grupo artístico CVG (Contra la Violencia de Género). Es cofundadora del portal de arte Submergentes.org, y colabora con artículos en el portal Feminicio.net. Como docente invitada ha impartido talleres y seminarios, tanto a nivel tecnológico con el uso de cámaras y edición, como a nivel teórico. Su obra fotográfica y videográfica ha sido seleccionada en distintos certámenes.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-14 diciembre, 19h. Conferencia de Ángel Álvarez
Conferencia: Ángel Álvarez. “A cada uno lo suyo / Suum cuique / Jedem das Seine”
Una significación de la tipografía como lenguaje y reflexión de cómo sus valores formales y de uso pueden alcanzar connotaciones sociales e ideológicas en base a acontecimientos del siglo XX.
Ángel Álvarez, es diseñador gráfico, editor y profesor de tipografía en el Máster de Diseño e Ilustración de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Desde Tipode Office centra su trabajo en la tipografía como lenguaje aplicada a diferentes campos, fundamentalmente al diseño editorial. Dirige el proyecto Open Publishing Room donde reflexionar sobre la práctica editorial.
Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Home, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

-15 diciembre 18h. Proyección documental “A tornallom” / 19h. Mesa redonda: Pasado y futuro de la huerta. Una mirada desde el presente. Salón de actos del IVAM. Centre Julio González
A partir de la proyección del documental “A tornallom”, que aborda la problemática de las políticas de desarrollo urbano llevadas a cabo en las últimas décadas en Valencia y sus efectos en zonas como La Punta.
Participan en la mesa redonda:
-Javier Canales, arquitecto y miembro de Per l’Horta
-Jordi Belver, afectado y miembro de Per L’Horta
-Antonio Montiel, secretario general de Podemos CV Podem
-José Juan Martínez, miembro de Artxiviu de l’Horta
-Daniel T. Marquina, miembro de Artxiviu de l’Horta
Per L’Horta és un moviment social hereu de la primera Iniciativa Legislativa Popular per la protecció de l’Horta de València (ILP) constituit formalment com associació sense ànim de lucre.
Per L’Horta no pretén ser un grup més en defensa del territori, sinó que vol ser catalitzador de totes aquelles accions o polítiques que vagen encaminades a l’aconseguiment dels objectius que es proposaven a la ILP. És a dir, accions i polítiques per la protecció de l’Horta de València, de posar en valor aquest paisstge, el seu patrimoni agrícola, hidric i cultural i històric.
Per L’Horta pretén ser un moviment cívic que incidisca en la realitat per canviar l’estat actual de menyspreu cap a l’agricultura i els valors patrimonials del nostre món rural.
Los protagonistas de la historia agraria de la Huerta de Valencia desaparecen sin que hasta hoy nadie se haya ocupado de recoger, ordenar y divulgar sus recuerdos y experiencias.
Este formidable caudal de saberes, indispensable para entender estos paisajes culturales del agua, es el objeto de Artxiviu de l’Horta, un proyecto que indaga en esta memoria y esta realidad, y que pretende ser archivo y vehículo de conocimiento y conservación.
Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Los pronombres, 1993. Cortesía Galería pazYcomedias.

-16 diciembre, 20h. Concierto: Grup Instrumental de València
LIVING ROOM MUSIC
John Cage Dream (1948)
para piano
Luciano Berio Lied (1983)
para clarinete
Cole Porter Ev’ry Time We Say Goodbye (1944)
para voz y piano
Johann S. Bach Musikalisches Opfer BWV 1079
Sonata Sopr’il Sogetto Reale:
Largo
Allegro
para flauta, violín y violonchelo
György Ligeti Sonata für Violoncello/Dialogo (1948/53)
para violonchelo
Erroll Garner Misty (1954)
para clarinete, violín, violonchelo y piano
Erik Satie Gnosienne I (1890)
para piano
Vinícius de Moraes Valsinha (1970)
para voz, clarinete, violonchelo y piano
John Cage Living Room Music (1940)
para cuatro intérpretes
G. F. Händel Lascia Ch’io Pianga de Rinaldo (1711)
para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y teclados
Lou Reed Femme Fatale (1967)
para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y percusión
GRUP INSTRUMENTAL DE VALÈNCIA
Carmen Bou, voz
José Mª Sáez Ferríz, flauta
José Cerveró, clarinete
Carlos Apellániz, piano
Mª Carmen Antequera, violín
Mayte García, violonchelo
Joan Cervero, director
Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

Rogelio López Cuenca. Bauhausiedlung, 2002. Cortesía Galería pazYcomedias.

-17 diciembre, 17h. Colectivo CraftCabanyal / 19h. Plataforma Salvem el Cabanyal // 19.30h. Conferencia de Fernando Flores
+Encuentro: CraftCabanyal. “Bordando la Orden Ministerial CUL/3631/2009 de 29 de diciembre para su cumplimiento”
Como signo de reconocimiento a la Orden Ministerial, la cual ha amparado y salvaguardado el patrimonio del barrio Cabanyal – Canyamelar – Cap de França el colectivo CraftCabanyal está realizando una nueva acción artística a desarrollar por todas las personas que quieran participar junto a numerosos vecinos y vecinas del Cabanyal, como homenaje a la Orden Ministerial y al mismo tiempo una acción reivindicativa de su cumplimiento, así como la necesidad de solicitar al actual equipo de gobierno iniciativas que permitan visualizar cuanto antes signos de recuperación de una situación que actualmente es intolerable y que no se puede prolongar más en el tiempo, así como iniciar el compromiso de todos con la revitalización y que permita sobre todo a los vecinos recuperar las condiciones de vida dignas que han perdido, particularmente en las zonas más afectadas por la degradación del barrio.
En la galería se celebrará de 17 a 19h una sesión abierta en la que sumar la participación para llevar a cabo este proyecto simbólico, para que cada persona puede bordar una letra, un trazo, una palabra… contribuyendo a formalizar el deseo de protección del barrio del Cabanyal mediante el cumplimiento de esa Orden Ministerial.
+Presentación: Emilio Martinez Arroyo. “El Cabanyal: en estado crítico”
El barrio del Cabanyal es un Conjunto Histórico Protegido de la ciudad de Valencia, declarado Bien de Interés Cultural en 1993. Desde 1998 el barrio está amenazado por un proyecto municipal que pretende ampliar una avenida que pretendía atravesar su parte central. La plataforma Salvem el Cabanyal se crea para oponerse a este plan, considerando que el resultado de partir un Conjunto Histórico en dos mitades no son dos medios Conjuntos Históricos, sino la destrucción del patrimonio de todos.
El Cabanyal-Canyamelar es desde finales del XIX un barrio de Valencia, el barrio marinero de la ciudad. Guarda todavía el sistema urbano reticular derivado de las barracas, antiguas viviendas típicas de la zona valenciana.
Una vez más se ha producido la eterna confrontación: entre la conservación del patrimonio o el “desarrollo especulativo” de una ciudad. Desde el siglo pasado los habitantes del Cabañal han vivido con la amenaza de la prolongación de la Avenida Blasco Ibáñez, hasta que llegó la construcción de la estación de RENFE en la confluencia con la Avenida de Serrería. Se creía que ahí se finalizaba la historia de una Avenida-Paseo, que tenía su inicio-final en los jardines de Viveros y su final-inicio en la estación de RENFE y en el barrio del Cabanyal. Era la tan deseada conexión de Valencia con los Poblados Marítimos.
Pero en el Pleno del Ayuntamiento de Valencia del día 24 de Julio de 1998, el Partido Popular, que gozaba de mayoría y en contra de las demás fuerzas políticas (Partido Socialista, Esquerra Unida y Unió Valenciana), aprobó el anteproyecto de Prolongación de la Avenida Blasco Ibáñez hasta el mar. El proyecto de prolongar la avenida supone la destrucción de 1651 viviendas, destruyendo la trama urbana de este conjunto declarado Bien de Interés Cultural (BIC), al seccionar la población en dos mitades totalmente aisladas.
Durante estos últimos 17 años, Salvem el Cabanyal ha llevado a cabo una ingente labor como estructura ciudadana, interviniendo en numerosas esferas públicas y privadas, con el objetivo de preservar este conjunto patrimonial. Tras el cambio de gobierno municipal resultante de las elecciones del pasado 24 de mayo, la situación se encuentra cada vez más en un estado crítico. Emilio Martínez aborda con su presentación la posición de Salvem el Cabanyal tras los últimos movimientos políticos.
+Conferencia: Fernando Flores. “Espacio público y espacio privado ¿derechos diferentes?”
¿Es la vivienda un derecho del espacio privado? La libertad de manifestación ¿lo es solo del espacio público? ¿Y nuestra privacidad? ¿Y la libertad de información? Los derechos son una red delicada e interdependiente que se extienden por todo nuestro espacio vital, superando la separación de lo público y lo privado. La debilidad de uno de ellos afecta a todos los demás.
Fernando Flores es profesor de Derecho Constitucional, miembro del Institut de Drets Humans de la Universitat de València. Trabaja sobre sistemas de protección de derechos fundamentales; partidos políticos, democracia participativa y procesos constituyentes. También sobre temas relativos a seguridad y defensa.
Ha sido Director del gabinete del Secretario de Estado del Ministerio de Justicia, Asesor de la Vicepresidenta Primera del Gobierno, Secretario General Técnico del Ministerio de la Presidencia y Director General de Relaciones Institucionales del Ministerio de Defensa.
Rogelio López Cuenca
-9 de enero, 19h. Conferencia de Raúl de Arriba
Conferencia: Raúl de Arriba. “Economía del sábado noche”.
Desde el estallido de la crisis global, la política económica ha recobrado un nuevo protagonismo. Tanto el plano de la reflexión científica, como la praxis (con intervenciones públicas inimaginables hasta hace poco, como las nacionalizaciones de empresas) o la discusión pública (con tertulias televisivas en horarios de máxima audiencia dedicadas a la economía), reflejan este renovado interés por la política económica. ¿Es posible resumir sus temas clave en unas cuantas frases cortas?
Raúl de Arriba es doctor en Economía y profesor titular de la Universidad de Valencia. Actualmente es director del Máster Oficial en Política Económica y Economía Pública de dicha Universidad. Ha sido investigador visitante en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (Francia) y en el Núcleo de Investigación en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales (Portugal). Ha publicado más de 60 trabajos entre artículos, libros y capítulos de libro sobre temas de política económica internacional, pluralismo y creatividad en la economía y política económica. Adicionalmente, es guionista y realizador de los documentales Brass Sounds (2003) y La fábrica (2005), producidos por el Programa de Naciones Unidas para el Desarrollo.

Lazarillo, ejemplo de supervivencia

Lazarillo, de Iria Márquez y Chema Cardeña, a partir de la obra anónima Lazarillo de Tormes
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Sábado 31 de octubre (17.00h) y domingo 1 de noviembre (12.30), 2015

Hay quien se empeña en clasificar las cosas y quien prefiere saltarse las barreras. La programación de esta semana de Sala Russafa pasa por alto las etiquetas con el estreno de Lazarillo, una pieza que parte de El Lazarillo de Tormes, obra cumbre de la literatura del S.XVI, para crear un divertido espectáculo para niños.

Iria Márquez y Chema Cardeña son los autores de este texto que sigue la línea característica de la compañía valenciana Arden, revisitando  obras y personajes clásicos para darles una nueva vida. “En nuestras tres producciones familiares anteriores habíamos partido de cuentos clásicos universales para revisitarlos. Ahora hemos querido reivindicar una de las mejores obras de la literatura española que, además, tiene un peso en nuestra cultura importantísimo” remarca Cardeña, quien también dirige la pieza.

Lazarillo, de Chema Cardeña e Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Lazarillo, de Chema Cardeña e Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La obra original representa una infancia en pleno S.XVI, muy alejada de las situaciones que conocen los niños de hoy día, “pero también muy coincidente, en algunos aspectos. Hemos querido remarcar mensajes como la importancia de luchar por uno mismo, por salir adelante, porque hay muchos chavales que están viendo esto en casa cada día, mientras que en la televisión los héroes parecen ser quienes no hacen nada”, explica el coautor y director de la Lazarillo.

En su salto a las tablas, este clásico se adapta para los más pequeños en un curioso formato. En la versión libre que Arden estrena en Sala Russafa, los protagonistas son dos centenarias marionetas de un viejo teatrillo a las que dan vida los actores Omar Sánchez y J.R. Torres. Cuando descubren que su amo va a retirarlas, intentan remediarlo ensayando duramente una de las piezas que interpretan en su pequeño escenario, Lazarillo de Tormes.

Pero, por más que se esfuerzan y perfeccionan su interpretación, la cosa no mejora, ya que el problema está en el desinterés de los niños por el teatro y por ese tipo de historias. Así pues, el reto no sólo será que la función continúe, sino capturar al público con las andanzas de un joven sirviente que ha de sobrevivir al hambre y a las tretas de sus amos.

Manteniendo el sello de Arden, esta divertida pieza que estará en cartel este fin de semana y volverá en navidades, mezcla el texto original de la obra clásica con las nuevas aventuras de estos dos títeres de carne y hueso en un original montaje para espectadores a partir de 5 años que les acerca una obra y un género, la picaresca, que han marcado nuestra herencia cultural.

Alicia en Wonderland, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Alicia en Wonderland, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Alicia en Wonderland

Hasta el día 8 de noviembre, el centro cultural de Ruzafa mantiene en cartel Alicia en Wonderland, una ácida y muy libre versión para adultos del clásico de Lewis Carroll que cumple 150 años. En este caso, Chema Cardeña escribe y dirige esta comedia multidisciplinar en la que Alicia se presenta como una treintañera multititulada que intenta insertarse en la vida laboral.

La pieza cuenta con una espectacular puesta en escena que combina la interpretación con danza y música en directo, incluyendo versiones de Lou Reed, Bob Marley o The Rolling Stones, entre otros, a cargo de la Naipes Band. Las coreografías son del bailarín y Premio Max 2007 Toni Aparisi. Y un nutrido elenco formado por los propios Aparisi (a quien sustituye Miguel Machado en algunas funciones) y Cardeña,  Iria Márquez, Jaime Vicedo, José Doménech, Darío Torrent, Miryam Garcés, Juanjo Benavent y  Rosa López dan vida a particulares versiones del resto de famosos personajes de Carroll en un hábil retrato caricaturesco de nuestra sociedad y clase política.

Cartel de Lazarillo. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cartel de Lazarillo. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Ezra Furman, talento, contrastes e informalidad

Ezra Furman
Concierto: martes 3 de noviembre del 2015  a las 22:30 horas
Lugar: Espai Rambleta
Bulevar Sur, esq. calle Pío IX, Valencia
Entradas: Anticipada 12 € – Taquilla 15 €

EZRA FURMAN - Perpetual motion people - 2

El inminente mes de noviembre se presenta muy interesante a nivel musical en la capital del Turia.

Tras su paso por Las Armas de Zaragoza y por la Sala El Sol de Madrid durante los próximos 1 y 2 de noviembre, el excéntrico, desinhibido y difícil de clasificar Ezra Furman aterrizará el 3 de noviembre en el Espai Rambleta de Valencia para culminar al día siguiente su gira española en el Sidecar Factory Club de Barcelona.

EZRA FURMAN 4Y lo hará con su tercer álbum en solitario bajo el brazo (metafóricamente hablando, claro), acompañado de su banda The Boyfriends, aunque realmente se tendría que hablar del sexto disco de este artista ya que antes se publicaron sus tres primeras aventuras musicales de estudio donde estaba escoltado de forma oficial por The Harpoons.

EZRA FURMAN - Perpetual motion people - A

Portada disco Ezra Furman – Perpetual motion people (2015)

“Perpetual motion people” es un disco que puede servir a Ezra Furman para confirmarlo definitivamente en el panorama musical internacional y, sobre todo, para dejar de ser un artista de culto. De nuevo las influencias de Jonathan Richman y de los Violent Femmes con ese deje vocal a lo Gordon Cano son lo primero que se detectan aunque su combinación con el punk, el pop, el glam o el garage le permite conectar con nombres como Beck, David Bowie, Marc Bolan, Lou Reed o Johnny Thunders.

Es capaz de crear enormes contrastes entre sus canciones, desde evocaciones hawaianas a la new wave, pasando por típicas raíces americanas o de doo-woop. A destacar temas del mencionado último álbum que presenta como “Lousy connection”, “Haunted head” o “Body was made”.

EZRA FURMAN 3.Aviso para navegantes. Estamos ante un artista que se halla en plena efervescencia, ahora es el momento ideal para verle en directo. Esperamos que no decepcione y que además luzca un buen modelito (a ser posible con chaquetilla, falda y sus estupendísimos collares de bolas).

JJ Mestre

Moby Dick en el océano de la Sala Russafa

Moby Dick, de Herman Melville, dirigida por Marta Alonso, con ilustraciones de Manuel Marsol
Estreno en la Comunidad Valenciana
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Sábado 24 (17.00h) y domingo 25 (12.30) de octubre de 2015

Sala Russafa comienza la programación familiar de esta temporada trasladándose a la misteriosa isla de Nantucket. Desde allí, el centro cultural invita a espectadores a partir de 5 años a subir a bordo del ballenero Pequod, escenario de la gran aventura escrita a mediados del S.XIX por Herman Melville.

Este fin de semana, la compañía madrileña Vuelta de Tuerca estrena en la Comunitat Valenciana su versión de Moby Dick, un proyecto que nace de la Casa del Lector después de que el dibujante Manuel Marsol fuera galardonado con el III Premio Internacional de Álbum Ilustrado.

A través de sus ilustraciones, los espectadores surcarán el mar de día y de noche, soportando olas, avistando pájaros y animales marinos. Una original escenografía con proyecciones que refuerza la ambientación musical en directo y la interpretación de los actores Karlos Aurrekoetxea, Guillermo Llansó y Nacho Vera, dirigidos por Marta Alonso.

Un montaje de impactante puesta en escena para una aventura que ha marcado a lectores y escritores durante generaciones Sobre el escenario encontramos al capitán Ahab, quien busca sin cesar, en la inmensidad del océano, a una gran ballena blanca de tal fiereza que no hay barco que se acerque a ella sin resultar dañado, ni marinero que pueda darle caza. Bien lo sabe el capitán, al que, de un bocado, dejó sin la pierna que ahora sustituye por una prótesis construida con la mandíbula de un cachalote.

Ahab la tiene más cerca de lo que cree, pero su obsesión le ciega. Por ello, la complicidad y la ayuda del público serán fundamentales para que el Pequod se enfrente de una vez por todas con Moby Dick en el océano de Sala Russafa.

Escena de Alicia en Wonderland, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Alicia en Wonderland, de Chema Cardeña. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Alicia en Wonderland

En la programación para adultos, Sala Russafa le da la vuelta a un clásico de la literatura infantil. Chema Cardeña es el autor y director de Alicia en Wonderland, una versión para adultos del clásico de Lewis Carroll que cumple 150 años y que, en este nuevo montaje, resulta perfecto para retratar ‘el país de las maravillas’ que nos rodea.

Segunda semana en cartel para el regreso de esta coproducción de Sala Russafa y la compañía valenciana Arden que protagoniza una Alicia crecidita, harta de acumular títulos pero seguir siendo becaria a los 30 años. Iria Márquez interpreta a esta joven que, en su lucha por hacerse un hueco en el mercado laboral, descubrirá que hay un mundo al otro lado del espejo capaz de despertar el temido pensamiento crítico.

El teatro, la música en directo y la danza se reúnen en esta comedia cargada de mensaje, ironía y realismo, que permanecerá en Sala Russafa hasta el 8 de noviembre. El bailarín y coreógrafo Toni Aparisi (al que sustituye Miguel Machado en algunas funciones) da vida al sarcástico gato Chesure de Cheshire; mientras que  Rosa López es una déspota y salerosa Reina de Corazones. José Doménech es el Sombrerero Loco; Darío Torrent, La Liebre y Miryam Garcés interpreta a una elocuente Condesa Muda. Jaime Vicedo es un apresuradísimo Señor Blanco  y el propio Cardeña se mete en la piel de un pasadísimo Señor Azul.

Versiones de grandes temas de Bob Marley, Lou Reed, The Police o Pink Floyd a cargo de la Naipes Band (dirigida por David Campillos y con la colaboración de Johnny B. Zero y José Montoro) ambientan esta disparatada comedia, un alucinante y alucinógeno retrato de nuestra sociedad de alto voltaje político, que invita al público su papel como ciudadano.

Escena de Moby Dick. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Moby Dick, de Marta Alonso. Imagen cortesía de Sala Russafa.