La mirada errante (como la vida)

Maschi e Buchi, de Francesco Filangeri
Librería Railowsky
C / Gravador Esteve, 28. Valencia
Inauguración: viernes 14 de septiembre de 2018, a las 19.30h

Arquitecto al tiempo que fotógrafo, la fotografía acabó prevaleciendo como actividad profesional de Francesco Filangeri (Palermo, 1969). Si la formación como arquitecto la adquirió  de forma reglada, cursando estudios y obteniendo el grado en la Universidad de Palermo, su preciso conocimiento técnico de la fotografía procede de los años en que fue asistente en el estudio palermitano de Giuseppe Cappellani. Atento a la antropología de los espacios urbanos, Filangeri ha trabajado en Roma, Londres, Florencia, Palermo y Valencia, aunque nunca se ha interesado por el  genio de esos lugares.

“Vagar por las ciudades ha sido mi principal trabajo”, declaró este disciplinado cultivador del arte de deambular por las calles, una práctica asociada al urbanismo moderno que tuvo su gran eclosión en el París de Baudelaire o en el Berlín de Weimar. Celebración de la errancia como actividad significativa y también forma de resistencia, medio de combatir -reclama la urbanista Paola Berenstein Jacques en su Elogio aos errantes (2012)-, la pérdida de la experiencia física urbana como hábito cotidiano.

Francesco Filangeri. Imagen cortesía de Railowsky

Francesco Filangeri. Imagen cortesía de Railowsky

Maschi e Buchi es una serie formada por 14 dípticos que reúnen fotografías de hombres de diferente edad y de agujeros y cavidades también diversas. La brusca animalidad de la palabra maschi [machos] parece complementarse con la también desnuda referencia a los buchi [agujeros], que bien pueden evocar la genitalidad femenina y el alumbramiento de la vida. Fue la primera exposición de Filangeri y en cierto modo es un compendio de sus intereses, registros y recursos visuales. Como en un juego de espejos, estos dípticos de personas y lugares anónimos se entretienen en las porosas fronteras entre figuración y abstracción, entre fotografía y pintura, y sugieren irónicos contrastes y analogías en las formas, las escalas, las texturas o la tonalidad. Valgan de ejemplo ese joven cocinero cuya cabeza se trasmuta en capitel corintio, o la calidad rocosa del rostro de un hombre entrado en años junto a unos cantos rodados.

“Callejear -escribió Balzac-, es admirar sublimes cuadros de dolor, de amor y de alegría, es ver retratos graciosos o grotescos, es sumergir la mirada en el fondo de mil y mil existencias.”  Mil y mil existencias como las que contemplamos en estas imágenes. La fotografía es una instantánea y tiende por ello a suspender el curso del tiempo, pero esta galería de rostros y figuras que inicia un sonriente niño y culmina un anciano en precario equilibrio, nos recuerda, por el contrario, el maravillado e incesante fluir de la vida, y nos ofrece  un fugaz e intenso sentimiento del tiempo.

Filangeri

Obra de Francesco Filangeri. Librería Railowsky

Salvador Albiñana

Arquitectura caduca, naturaleza perenne

‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño
Librería Railowsky
Gravador Esteve 34, València
Hasta el 9 de septiembre de 2018

Los artificios creados por la mano del hombre están condenados a sucumbir al deterioro si son abandonados a su suerte. La naturaleza circundante, sin embargo, se regenera a sí misma y permanece incólume, aunque sufra cambios al ritmo de las estaciones y alguna baja. Lo caduco y lo perenne son las manecillas de un reloj metafórico que marca la evolución del paisaje y de quienes lo contemplan con mirada calma y profunda.

Imagen de la arquitectura deshabitada perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la arquitectura deshabitada perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Es el mensaje que transmite ‘Huellas/Traces”, la sugerente exposición de la fotógrafa Pilar Pequeño, compuesta por 27 piezas en blanco y negro y color, que se puede ver en la librería Railowsy hasta el 9 de septiembre de 2018. Se trata de un trabajo realizado por Pequeño en dos etapas distintas –la primera entre los años 2000 y 2005, y la segunda entre 2012 y 2016–, en torno a un par de edificios de un significado muy especial para ella –uno situado en la desembocadura del río Miño y otro en el Mar Menor–.

Un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación de la naturaleza de los lugares abandonados. Situados ambos a la orilla de dos mares –-el Atlántico y el Mediterráneo–, representan dos tipos muy diferentes de arquitectura y de clima que reflejan cómo el entorno geográfico condiciona el carácter de las ruinas. La imagen de la palmera enmarcada en el pórtico –correspondiente a la serie sobre el Mar Menor–, primero viva y años después decapitada, es paradigmática de ese tratamiento de la mutación temporal: Tempus fugit.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

“Las ruinas me fascinan”, afirma Pequeño, que disfruta de sus vacaciones familiares en Altea (Alicante). “Empecé a fotografiarlas en 1975, en concreto las del Balneario de Mondariz. A estas les dediqué un estudio más profundo a lo largo de varios años, con un intervalo de tiempo”.

El edificio del Bajo Miño, en Pontevedra, está situado cerca del lugar donde pasó su infancia, en la frontera con Portugal. “A finales del siglo XIX fue construido por los Jesuitas para albergar un selecto centro de enseñanza donde iban a estudiar los hijos de la burguesía de la época. Una cuna del saber, germen de las universidades de Deusto y Comillas. Allí estudió mi padre. Luego se le dio otros usos y hoy se encuentra en estado ruinoso”.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Mar Menor, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

El otro espacio que cautivó a la fotógrafa, en el extremo  opuesto de la península, tiene también su historia. Era la vivienda de Ramón Franco, el héroe del Plus Ultra y hermano del dictador, que fue  durante una época jefe de la base militar de Murcia. “Lo descubrí por casualidad cuando fui al Mar Menor con mi marido, que es muy aficionado a los deportes náuticos”, recuerda Pequeño. “Entonces se podía acceder libremente a él y me gustaba ir allí a pasear y a leer, a observar con calma los cambios de la luz a lo largo de las horas”.

Pequeño utilizó imágenes en blanco y negro hasta que, entre 2009 y 2016, fue adoptando el color, yendo más allá del cromatismo tradicional. Invernaderos, paisajes y plantas son motivo ineludible de su objetivo y, con ellas, el agua, la luz, la vida y la muerte. “Me gusta controlar todo el proceso de elaboración de la fotografía y antes eso era imposible trabajando con color”, comenta. “Con las cámaras digitales ya es posible y por eso me pasé al color”. En ‘Huellas/Traces’ está muy presente esa dualidad, blanco y negro versus color, que enfatiza la sensación del paso del tiempo, al resaltar su efecto transformador tanto sobre la piedra como en el paisaje.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

“La diferencia entre la ruina y el escombro es la memoria”, escribe Rosa Olivares en el libro catálogo editado con motivo de la exposición. “La vida que albergó ayer lo que hoy es piedra; estas paredes que ya no protegen a nadie ni a nada fueron colegio, casa, universidad, campo de concentración, albergaron no solo a personas, a niños, a hombres, sino a sus sueños y a sus miedos (…) Pilar Pequeño realiza un trabajo casi de estudio arqueológico volviendo a los mismos lugares abandonados, que no parecen interesar a nadie, repletos de historias de otros tiempos”.

Por su parte, María Teresa Gutiérrez Barranco señala: “Huellas es un relato visual sobre la poética del paso del tiempo. En él confluyen avatares de dos recorridos. Dos escenarios que se funden en una única narración personal (…), un profundo y conmovedor diálogo con dos edificios que van muriendo lentamente. Transformación del fin en un nuevo comienzo”.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición 'Huellas/Traces', de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen perteneciente a la serie realizada en el Bajo Miño, incluida en la exposición ‘Huellas/Traces’, de Pilar Pequeño. Fotografía cortesía de la artista.

Bel Carrasco

 

 

 

 

 

 

 

 

Saura: “siempre estoy pensando en el futuro”

Entrevista al director de cine, fotógrafo y escritor Carlos Saura, con motivo de la presentación su última novela, ‘Ausencias’, editada por el sello Laborinto
Librería Railowsky
53 Fira del Llibre de València

El eximio director de cine Carlos Saura ha recalado en la ciudad, en compañía del editor Emilio Pascual y del catedrático de la Univesidad de Alcalá de Henares Antonio Fernández Ferrer, para presentar ‘Ausencias’ –cuarta novela del autor, publicada por el sello madrileño Laborinto–, invitado por la Librería Railowsky y en pleno cronograma de la 53 Fira del Llibre de València.

Con tal motivo y tras los encuentros con el público celebrados en La Llotgeta y en la sede de la Librería Railowsky, Makma entrevista en los Jardines de Viveros (entre rúbicras y dedicatorias) al provecto y prolífico autor aragonés con el fin de aventurar una mirada reflexiva sobre algunos aspectos de su cosmogonía metodológica.

Se presenta en Valencia con su cuarta novela, ‘Ausencias’, polarizada en torno de la ausencia fotográfica, de la cámara como germen y elemento vertebrador y, a la par, como enigma.

Sí. Aunque no me gusta desvelar demasiadas cosas de la novela, la asuencia proviene de un libro de Diane Arbus, la fotógrafa americana (por cierto, maravillosa). Me compré un libro sobre su obra en Madrid y tenía una página rasgada, rota, y me pareció como una especie de violación de un libro tan precioso. Lo iba a devolver y entonces pensé: “en vez de devolverlo, voy a pensar qué es lo que había en esta página”. Entonces comencé a escribir la novela.

¿Se advierte usted en la narrativa transitando por un territorio libérrimo, en comparación con otros oficios artísticos?

No. Lo que pasa es que escribir es un proceso solitario, es una maravilla. En el cine escribir un guión es igual, estás solo, pero luego tienes que hacer una película y estás con cuatrocientas personas; es un lío trabajar con un grupo tan grande de gente. En cambio, dibujar, pintar, escribir música (no interpretarla, claro) o escribir una novela son procesos solitarios y todo lo que ocurrre te sucede a ti, no hay nadie que te pueda ayudar; eso me parece muy interesante.

Carlos Saura, durante un instante del acto de presentación de su novela 'Ausencias', en La Llotgeta. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Carlos Saura, durante un instante del acto de presentación de su novela ‘Ausencias’, en La Llotgeta. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Sin duda, un concepto que puede ajustarse a su perfil creador es el dilentantismo, en tanto que usted ejerce y se nutre de múltiples campos, influjos e inquietudes.

Es verdad. Yo digo siempre que soy un aficionado de todo. De la fotografía menos, porque he sido profesional y puedo ser un buen fotógrafo si quiero, aunque no me interesa serlo tampoco. Pero en cuanto a todo lo demás, excepto el cine, son cosas periféricas que me sirven, en el fondo, para cultivarme y estar con la cabeza despierta y para hacer alguna película, aunque no siempre. Creo que escribo ahora mucho mejor que antes, porque, como todo en la vida, si escribes todos los días un poco terminas escribiendo bien, como sucede con la fotografía, la pintura, todo; si practicas terminas haciéndolo mejor. Pero bueno, nunca presumo de ser un gran pintor ni escritor, ni me interesa.

¿Encontrarse en permanente ebullición creativa también es un motivo para no volcar la mirada o no revisitarse?

Sí, a mí no me interesa revisitar mi obra, nada. A veces, no tengo más remedio, porque he hecho más de cuarenta películas y, en ocasiones, me reclaman de un festival o me realizan un homenaje y me da vergüenza levantarme y marcharme; no tengo más remedio que verlo. No me gusta nada ver mis películas, siempre estoy pensando en el presente y en el futuro, en lo que vas a hacer, y no en lo que has hecho ya, porque eso es muy aburrido. Es más, a veces las veo y no me parece que sean mías.

¿Qué le ha parecido el trabajo documental sobre su trayectoria implementado por Félix Viscarret en ‘Saura(s)’?

Me pareció bien. Un trabajo muy agradable. Me convenció, vino a mi casa, me habló del proyecto, fue muy simpático y amistoso y dije: “Venga, vamos a lanzarnos a esta aventura”. Lo malo es que ahora hay varias personas que quieren hacer lo mismo y ya me niego. Ese documental está hecho y ya está.

Sobre usted puede componerse un retrato de infatigable y diversificado autor que se adentra en ciertos territorios recurrentes. ¿Qué papel de relevancia concede a la obsesión como elemento de creación?

Creo que eso es muy importante, siempre que eso no te lleve a ausencias. Debe tenerse mucho cuidado con esos límites. Pero las obsesiones son fundamentales en la vida; y no solo eso, sino la pasión por las cosas. Buñuel decía una cosa que a mí me interesaba mucho: “la pasión lo justifica todo”. Si embargo, yo creo que no, que no justifica un crimen, por ejemplo. Para él hasta un crimen, si es pasional, estaba justificado. Yo creo que eso es una barbaridad, sobre todo ahora.

Carlos Saura, en compañía de Juan Pedro Font de Mora, propietario de la Librería Railowsky, y Merche Medina, miembro de la revista Makma y co-directora de Versos y Trazos Editorial, durante la firma de ejemplares del director y escritor aragonés en la 53 Fira del Llibre de Valéncia. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Carlos Saura, en compañía de Juan Pedro Font de Mora, propietario de la Librería Railowsky, y Merche Medina, miembro de la revista Makma y co-directora de Versos y Trazos Editorial, durante la firma de ejemplares del director y escritor aragonés en la 53 Fira del Llibre de Valéncia. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Una de sus pasiones artísticas de fuste profesional, como mencionaba, se encuentra en la fotografía. Sin embargo, no solo le concede relevancia a la composición de la imagen sino a los entresijos de su mecánica, a las entrañas de la cámara fotográfica. 

Sí, siempre he sido muy manitas, muy habilidoso. Durante una temporada construía muebles para mi casa, por ejemplo. Y, sobre todo, llevo muchos años trabajando con los objetivos y las cámaras, desmontándolas, tratando de arreglarlas, aunque a veces no las arreglo, sino que las destruyo (risas). Encuentro fundamental trabajar con las manos, con los dedos. Es una cosa esencial, no solo escribir y pensar, sino que hay que hacer cosas manuales. Esa es una gran ventaja de los pintores, por ejemplo; por eso ellos suelen vivir muchos años en general, porque trabajan de pie, permanecen activos, etc.

¿Qué les aconsejaría al respecto a los nativos digitales?

A los nativos digitales hay que decirles que trabajen con las dos manos. No solamente con la derecha, sino también con la izquierda. Me parece que es muy importante tener ocupadas siempre las dos manos; no perder la manualidad. Es algo que veo en mis propios hijos, especialmente a través de los teléfonos móviles. Aunque he visto a mi hija escribir con las dos manos y no parece una cosa tan fácil.

Esta transformación técnológica aplicada al cine puede convertir a la figura del director en un potencial y verdadero demiurgo, que no solo es capaz de controlar aquellas cuestiones que afectan a la semántica y al contenido de sus creaciones, sino que también se encuentra facultado para dominar todos los elementos técnicos. Sin embargo, usted siempre se ha caracterizado por procurar una férrea autoridad sobre todas las facetas metodológicas que entran en juego durante el rodaje. 

Yo he intentado siempre controlarlo todo. Sobre todo a partir de ‘La caza’, porque yo hice una película anterior, que se llamaba ‘Llanto por un bandido’, que la montaron en Italia y no llevaron a cabo nada de aquello que quería montar. A partir de ahí decidí controlar absolutamente todo, haciendo películas pequeñas que pudiera controlar (aunque he hecho alguna grande); que no se escape nada, ni la música, ni la fotografía. He trabajado con fotógrafos estupendos, pero si hay algo que no me gusta lo digo directamente. No hay nada que no me guste que esté presente en mis películas.

De todos modos, en el cine tienes que delegar. Si tienes un fotógrafo como Vittorio Storaro, que es una maravilla, ya sabes que llegas a un acuerdo con él. Puede haber alguna cosa que no te guste, pero, vamos, pocas cosas, porque ya estamos muy de acuerdo. Es una tranquilidad tener a una persona que es una maravilla iluminando y que sabe iluminar mucho mejor que tú. Yo puedo hacer técnicamente una película en blanco y negro, pero nunca la podría hacer en color; el color es muy complicado.

¿Cómo ha recibido y aplicado esta metamorfosis digital en el universo cinematográfico?

El cine ha cambiado radicalmente, como la fotografía. Las cámaras digitales son cada vez más perfectas. Rodar con cámaras digitales es una comodidad enorme, porque antes se paraba cada diez minutos, había que cambiar el rollo, nunca veías el material hasta que no se positivaba en el laboratorio y, de repente, te llevabas sorpresas, como un micrófono que se veía por ahí y había que cambiar la toma. Ahora con un par de monitores y demás estás viendo y dominando todo ese campo. En ese sentido, como en la fotografía, se ha dado un salto vertiginoso; estoy completamente a favor de estos cambios. No soy como algunos que piensan que todo era mejor antes (eso es una tontería).

El director de cine y escritor aragonés Carlos Saura posa frente al Mercado Central de Valéncia en los instantes previos a su encuentro con el público en La Llotgeta. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

El director de cine y escritor aragonés Carlos Saura posa frente al Mercado Central de Valéncia en los instantes previos a su encuentro con el público en La Llotgeta. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

 

Carlos Saura se presenta en Valencia con ‘Ausencias’

Ausencias, de Carlos Saura
La Llotgeta (Plaza del Mercado, 4)
Librería Railowsky (Grabador Esteve, 34)
Miércoles 2 de mayo de 2018, a las 19.00 y las 20.30h, respectivamente
Jardines de Viveros. Feria del Libro de Valencia
Jueves 3 de mayo, de 11.30 a 13.00h

El director de cine Carlos Saura presenta en València, en el marco de la Feria del Libro, su novela ‘Ausencias’. Lo hará en tres actos que tendrán lugar en La Llotgeta, a modo de coloquio con el autor, y en la Librería Railowsky, ambos el miércoles 2 de mayo, y en los Jardines de Viveros, donde firmará ejemplares de su libro, el jueves 3.

Carlos Saura (Huesca, 1932) ha dirigido más de 40 películas, entre las que cabe recordar: ‘La caza’; ‘Peppermint frappé’; ‘El jardín de las delicias’; ‘Ana y los lobos’; ‘La prima Angélica’; ‘Cría cuervos’; ‘Elisa, vida mía’; ‘Bodas de sangre’; ‘Carmen’; ‘¡Ay, Carmela!’; ‘Sevillanas;’ ‘Flamenco’; ‘Tango’; ‘Goya en Burdeos’; ‘El séptimo día’; ‘Io, Don Giovanni’ y ‘La jota’.

Saura desarrolla también una constante actividad como novelista, dibujante y fotógrafo. Entre sus novelas publicadas: ‘Pajarico solitario’; ‘Esa luz’; ‘Elisa, vida mía’. De sus libros de fotografías, cabe reseñar: ‘El Rastro’; ‘Flamenco’; ‘Las fotografías pintadas de Carlos Saura’; ‘Saura x Saura’; ‘VanishedSpain / España, años 50’.

‘Ausencias’, la novela que presenta en València, cuenta a su vez con una edición limitada exclusiva de caja-estuche (200 ejemplares numerados) diseñada por Laura Casalis (Franco Maria Ricci Editore). La caja-estuche (25,6 x 34,6 x 3,5 cm.) contiene: Plaquette ilustrada, de 16 páginas con firma autógrafa de Carlos Saura y textos de presentación; carpeta con 28 láminas en color (tamaño 20,5 x 29 cm.) en papel Stucco Sirio de 250 gramos, y ejemplar de la novela ‘Ausencias’ (Madrid, Ediciones Laborinto, 350 páginas).

Carlos Saura nos ofrece en esta novela (mucho más que un thriller) un sobrecogedor juego laberíntico que borra las fronteras entre realidad y ficción. El libro también incluye, como primicia exclusiva, los dibujos en blanco y negro de cámaras fotográficas pertenecientes a la colección del autor y elementos fundamentales en la intriga de una obra en la que también los más grandes fotógrafos (Erich Salomon, Weegee, Diane Arbus, Edward Weston…) tienen un papel estelar.

Carlos Saura. Autorretrato con Ernemann. Por cortesía del autor.

Carlos Saura. Autorretrato con Ernemann. Por cortesía del autor.

La ‘fotografía construida’ de Leila Amat en Railowsky

‘Al amor de los años’, de Leila Amat
Librería Railowsky
Grabador Esteve 34, Valencia
Del 9 de febrero al 22 de abril de 2018
Inauguración: viernes 9 de febrero, a las 19:30

La Librería Railowsky acoge, a partir del 9 de febrero, la exposición ‘Al amor de los años’, de Leila Amat (Madrid, 1987), una selección fotográfica que permite aproximarse al imaginario semántico y estético de la artista, que podrá visitarse hasta el próximo 22 de abril de 2018.

Leila Amat. Makma

A lo largo del último lustro, Leila Amat se ha revelado como un sólido exponente contemporáneo de la denominada Fotografía construida o Fotografía escenificada realizada en España, cuyos mimbres metodológicos deben transitar la performance, la instalación, el pictoralismo como vehículo de escenificación, concibiendo este tipo de propuesta fotográfica como un semiótico artefacto cultural que ahonda en la resignificación de los objetos y los símbolos culturales.

Bajo el marco de este estructurado y sistemático procedimiento, Amat implementa su horizonte proposicional mediante el concepto fenomenológico del yo –territorio excelsamente transitado por Pierre Molinier, Claude Cahun o Cindy Sherman, cuyas obras respectivas deben ser estimadas como ínclitos ejemplos de este subtipo de Fotografía construida–, en tanto que “la fotografía se convierte en una herramienta mediante la cual (la artista) canaliza su interior para explicarlo y hablar de sí misma” –tal y como rubrica la autora–.

Imagen de la obra 'Raíces', de Leila Amat, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Librería Railowsky.

Imagen de la obra ‘Raíces’, de Leila Amat, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Librería Railowsky.

Leila Amat se sirve de la memoria para manipular la realidad, mixtificar la información generada intrínsecamente (imaginación) –“en ausencia de estímulos del ambiente, somos capaces de inventar”– y explotar la singularidad del individuo, mediante un necesario ejercicio reflexivo gobernado por el autorretrato o la recreación de personajes y la omnipresencia de la artista en el espacio natural; “ser yo misma fotógrafa y modelo me permite vivir al máximo la experiencia de la fotografía, fusionarme con la obra y poder transmitirla tal y como la llevo dentro, a fin de poder interpretar y transformar la realidad”.

‘Al amor de los años’ permite, así mismo, atestiguar la voluntad de Leila Amat de concebir cada fotografía como si de un cuadro se tratase, atendiendo a cuestiones relativas a propedéutica, método y unicidad: “a pesar de que se pueden establecer series (muy pequeñas), desde el principio quise que cada imagen fuera en sí misma un universo, un mundo paralelo en el que vivir e interpretar un personaje que no era en la vida real”.

Imagen de la obra 'Tea time', de Leila Amat, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Librería Railowsky.

Imagen de la obra ‘Tea time’, de Leila Amat, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Librería Railowsky.

 

El instante decisivo de McKnight

Customs & Traditions. Instantes de los 70
Robert McNight
Librería Railowsky
C/ Grabador Esteve 34, Valencia
Hasta el 31 de agosto de 2016

Volvemos a viajar en el tiempo al entrar en la librería Railowsky para adentrarnos en el Gales de los años 70 con las fotografías de Robert McKnight. Nos recuerda el dueño de la librería que Railowsky tiene la ventaja de ser un espacio expositivo libre y que por ello se apuesta por dar a conocer, sobre todo, a artistas relacionados con la fotografía histórica.

Así es que Robert McKnight galo de nacimiento comienza, a mediados de los 70, a utilizar la fotografía para documentar la vida en su entorno rural británico. Cuenta en la presentación de la exposición que descubrió la fotografía por casualidad, o mejor, por curiosidad, ya que cuando estudiaba radiografía descubrió las posibilidades de la cámara oscura y se enamoró irremediablemente de la fotografía. A partir de ahí, comienza una serie de viajes que le llevaron a residir en nuestro país.

La exposición se desliza a través de 40 fotografías realizadas entre 1975 y 1979, donde se muestran auténticos instantes que parecen irrepetibles. De ahí viene la acertada comparativa con el “instante decisivo” de Cartier Bresson, pues McKnight afirma sentirse “como un cazador” cámara en mano. Trata de pasar desapercibido y de ser rápido para así “captar una imagen que habla por si sola”. La representación de bodas, fiestas populares, desfiles, paisajes rurales y vida cotidiana en general a través de breves momentos, nos permiten introducirnos en la sociedad rural de la época.

Vista general de las fotografías de Robert McNight. Fotografía: María Ramis.

Vista general de las fotografías de Robert McNight. Fotografía: María Ramis.

En cuanto a la realización de las fotografías a modo anecdótico nos retrata el artista que “tenía que hace autostop para ir de pueblo en pueblo” y poder realizar sus fotografías, por lo que “no tenía una cámara cara” aunque en ello no desmerezca la calidad de las mismas. Todas ellas en blanco y negro, son copias de época, es decir, copias realizadas en los años 70 con lo que aumentan su valor considerablemente. Con una conservación perfecta, dice Robert McKnight que el truco para que duren tanto es lavarlas bien.

Es precisamente otra de las características de todas las fotografías el tono humorístico británico, ese que se desprende del propio fotógrafo sin siquiera quererlo. Dejó la fotografía en los 80 y hace solo 6 meses se compró una nueva cámara digital con la que ha estado recorriendo la ciudad de Valencia. Estas imágenes, proyectadas durante la inauguración, repiten los motivos de las captadas en los años 70: bodas, urbanismo y sociedad. Esta vez la disposición geográfica más al sur hace que aparezca la luz en contraste con la niebla vista en trabajos anteriores. El elaborado trabajo sobre la luz impide creer que la imagen haya surgido de un disparo rápido pero la expresión y la postura de las personas indican lo contrario. Denota una clara tendencia a fotografiar las fiestas populares y religiosas, como si, al mismo tiempo que la sociedad se reúne para salir a la calle, McKnight saliera con otra intención diferenciada, la de captar el instante, la expresión y la mirada.

Con influencias como la de Bresson, la de Tony Ray Jones, también fotógrafo inglés centrado en retratar las rarezas del pueblo británico, o la primera época Martin Parr, no es de extrañar la fuerza de las fotografías de McKnight. Por esta calidad y sobre todo por manera de transmitir la pasión de la fotografía, esperamos que, habiendo retomado recientemente la fotografía, Robert McKnight vuelva a ofrecernos alguna sorpresa inesperada, algún instante desapercibido para el ojo pero inmortalizado por su cámara.

Brecon. 1978. Robert McKnight. Imagen cortesía librería Railowsky.

Brecon. 1978. Robert McKnight. Imagen cortesía librería Railowsky.

María Ramis

30 fotógrafos de hoy, en Railowsky

Contemporáneos. 30 fotógrafos de hoy
Presentación del libro a cargo de Emilio Roselló, Óscar Vázquez Chambó y José Luis Pérez Pont
Librería Railowsky
C/ Grabador Esteve, 34. Valencia
15 de julio de 2015, 20.00 h.

Alfonso Zubiaga. Arnastapi, Islandia. 2013. Cortesía del artista.

Alfonso Zubiaga. Arnastapi, Islandia. 2013. Cortesía del artista.

El libro “Contemporáneos. 30 fotógrafos de hoy” nace de la obsesión de Rubén García. La idea se inicia cuando varios autores coinciden en el Festival PHotoEspaña 2013 y el mismo Rubén siente la necesidad de compartir su proyecto con ellos. Junto a estos fotógrafos Rubén asume el papel de editor y va seleccionando a otros autores bajo su criterio hasta llegar al famoso número 30. Coordina e involucra a todos ellos para realizar un volumen que abarca los distintos géneros fotográficos cómo el paisaje ,el retrato, el documental, etc. Un libro donde los autores presentan sus trabajos como si de una abecedario se tratara. Desde el número 1 abriendo el libro la autora Marta Areces pasando por otros cómo Javier Ayuso, César Blay, Álvaro Calvo, Cristina Calvo, Alejandra Carles-Tolrá, Carlos Folgoso, Pedro Galisteo, Rubén García, Nicolás Haro, Oliver Haupt, Andrejs Kovalovs, Jesús Labandeira, Diambra Mariani, Veronika Marquez, Vittorio Mortarotti, Georges Pacheco, Robert Harding Pittman, Rubén Plasencia, Manel Quiros, Fernanda Ramos, Juan Rodríguez, Emilio Roselló, Ely Sánchez, Juan Sande, Gabri Solera, Óscar Vázquez Chambó, Lucia Ybarra, Manuel Zamora hasta llegar al último autor Alfonso Zubiaga, el número 30.

Emilio Roselló. Serie Formar de un error. Cortesía del artista.

Emilio Roselló. Serie Formar de un error. Cortesía del artista.

El libro se presenta con la fotografía de Javier Ayuso en portada y con el nombre de Contemporáneos en español e inglés ya que se trata de una edición bilingüe con 202 páginas y más de 208 fotografías acompañadas con un texto enriquecedor sobre el trabajo y con un formato vertical de 21,5 cm x 16 cm. Son obras de fotógrafos españoles, pero también europeos y americanos, procedentes de países como Alemania, Italia, Portugal, Letonia, Uruguay, Brasil, Venezuela o Estados Unidos.

Óscar Vázquez Chambó. Sunset evening on the beach. 2014. Cortesía del artista.

Óscar Vázquez Chambó. Sunset evening on the beach. 2014. Cortesía del artista.

Este volumen supone una refrescante novedad editorial que descubre y, al mismo tiempo, consolida a una nueva generación de destacados fotógrafos que, en continuo movimiento, ha dado lugar a nuevos planteamientos estéticos. Palabras recogidas sobre el texto de María Isabel Fernández que encabeza el libro acompañado de otro texto de Jose María Diaz-Maroto en el que hace una valoración sobre la fotografía en sí. Afirmando que la fotografía no conoce fronteras, es universal y, a través de esfuerzos como el de este libro, puede alcanzarse el anhelo universal de comprender y conocer al ser humano.

Rubén García. Víctor Rodríguez. Serie Especialistas del viejo Oeste. 2013. Cortesía del artista.

Rubén García. Víctor Rodríguez. Serie Especialistas del viejo Oeste. 2013. Cortesía del artista.

El libro es un paso más dentro del proyecto “Nueva fotografía internacional en el siglo XXI” en el que actualmente se incluye una exposición itinerante por toda España y en la que tiene un soporte web www.30fotografos.com  diseñada por Fernanda Ramos en colaboración con Estudio Lumen y en la que muestra el trabajo de los 30 fotógrafos.

El libro bajo el sello de la editorial LA FABRICA fue presentado el pasado 13 de Junio dentro del marco aún vigente de PHotoEspaña 2015, en la semana dedicada al foto-libro Photo Book Week que desarrollo La Fabrica.

La presentación en Valencia tiene lugar en la Librería Railowsky con la intervención del crítico José Luis Pérez Pont, como autor de uno de los textos del libro, y los fotógrafos Emilio Roselló y Óscar Vázquez Chambó.

Pedro Galisteo. Tejedora. Serie Crisis textil en la Comunidad Valenciana. 2013. Cortesía del artista.

Pedro Galisteo. Tejedora. Serie Crisis textil en la Comunidad Valenciana. 2013. Cortesía del artista.

Schadeberg: lucidez y perseverancia

Jürgen Schadeberg
PhotOn Festival
Librería Railowsky
Gravador Esteve 34, Valencia
Hasta el 27 de junio

La presente edición del festival internacional de fotoperiodismo PhotOn, que ha celebrado su primer lustro de existencia bajo la dirección de Tania Castro, ha brindado a los diletantes de este género periodístico la excelsa ocasión de aproximarse a la figura octogenaria de uno de los fotógrafos ineludibles de la segunda mitad del siglo XX, Jürgen Schadeberg.

Bajo el criterio estilístico del desemejante y singularísimo Juan Pedro Font de Mora, la Librería Railowsky exhibe una antología de imágenes del autor berlinés, que el librero tuvo oportunidad de seleccionar de entre cuantas habitan en un inmenso contenedor de carga afincado en la propiedad valenciana de Barx, en la que Schadeberg reside habitualmente.

"Refugio antiaéreo en Berlín, Alemania". 1942

“Refugio antiaéreo en Berlín, Alemania”, 1942.

Desde una perspectiva cronológica, la muestra compendia seis de las siete décadas de trabajo del autor, partiendo de su primera instantánea, tomada con una rudimentaria cámara en el interior de un refugio antiaéreo berlinés en 1942 -el autor contaba con tan sólo once años de edad-, en la que se observa, curiosamente, una consuetudinaria y sosegada estampa de una de tantas estructuras de protección para la población civil, habituales en Alemania durante el transcurso de la II Guerra Mundial, hasta merodear los albores del siglo XXI mediante la imagende una guardería en Kliptown, barrio negro de Soweto (Johannesburgo), en 2003.

"Encendiendo un cigarrillo", 1953.

“Encendiendo un cigarrillo”, 1953.

Sirviéndose del horizonte geográfico, la exposición permite constatar el devenir biográfico de Schadeberg, revelando fotografías de su primer periplo en la Sudáfrica de la década de los cincuenta, habiendo ya instaurado el Partido Nacionalista de François Malan el conspicuo e infausto sistema de segregación racial, apartheid, desde su controvertida victoria electoral en 1947. De este período destacan algunos retratos de explícito norte estético, junto con escenas callejeras populares y desarticulaciones sociales en sales de plata, amén de la Sudáfrica contemporánea y el mirífico retrato del abogado y líder político Nelson Mandela, observando, introspectivo, a través de los barrotes de la celda en la que permaneció confinado durante diecisiete años, en el penal de Robben Island.

"Policía del oeste echando un vistazo al lado este del muro", Berlín, Alemania, 1961.

“Policía del oeste echando un vistazo al lado este del muro”, Berlín, Alemania, 1961.

El levantamiento del eximio y universalmente conocido como “Muro de la vergüenza” (Schandmauer), erigido durante el verano de 1961 como frontera estatal entre la extinta RDA y la región de Berlín Oeste, atesora cabida, en dos etapas diversas, mediante algunas peculiares fotografías mundanas y curiosos encuadres de intrascendencia cotidiana en el enclave occidental.

"Al final de la vía, London Docks", 1977.

“Al final de la vía, London Docks”, 1977.

Asímismo, de su ciclo londinense, tras verse obligado a abandonar el país africano a mediados de los sesenta, se muestran algunas obras de una serie -incluyendo su primer contacto con los paisajes del sur de España- que, genéricamente, reporta constancia tanto de las transformaciones sociales del país británico como de su solidificada inquietud por radiografiar atmósferas inequívocamente populares.

Tal y como el propio autor berlinés hubo rubricado durante su ponencia en el Aula Magna de la Universidad de Valencia, merodear la figura de Jürgen Schadeberg supone, ante todo, aproximarse al trabajo de un fotógrafo obsesionado por la idiosincrasia del comportamiento humano -revelador de desequilibrios y contrastes sociales-, provisto permanentemente de la herramienta de trabajo con la que aún prosigue en compañía: la lucidez de la perseverancia.

Jose Ramón Alarcón

 

PubliVideocreaciones en la galería de Vázquez Chambó

PubliVideocreaciones
Comisariado: Óscar Vázquez Chambó, Empar Cubells, Ramona Rodríguez
Escultura y Medios Audiovisuales II. Coordinadora: Empar Cubells
Óscar Vázquez Chambó. Galería Fotográfica
C / Mossén Fenollar, 19. Valencia
Jueves 5 de junio, a las 20.00h

El proyecto PubliVideocreaciones parte de una colaboración entre los alumnos de la Universidad Politécnica de Valencia (EMA-II) -Escultura y Medios audiovisuales II / Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes (BBAA) de San Carlos de Valencia- y las empresas valencianas. En una estrecha colaboración y simbiosis, ambas partes UPV-Empresas valencianas han generado un proyecto de colaboración vigente en tiempo de crisis.

Por un lado, los empresarios y Pymes han sabido ver en los Medios Audiovisuales y en los alumnos de EMA II el soporte idóneo para difundir y promocionar sus empresas y productos. Han ofrecido al alumnado de último año de licenciatura la posibilidad de efectuar una práctica laboral, cuya finalidad es la creación de un producto audiovisual Videospot acorde a las necesidades de cada empresa.

Por otra parte, los jóvenes artistas alumnos de EMA II han tenido la oportunidad de desenvolverse en el medio social de empresarios y emprendedores, ayudando a las empresas a ofrecer una imagen más contemporánea desde las artes visuales y los medios de comunicación.

A lo largo de todo el año los alumnos han diseñado y efectuado Videospots de carácter empresarial, documentales de carácter social y, por supuesto, videocreaciones. De esta forma, han ayudado a las empresas veteranas y  emergentes a difundir su labor a través de los medios televisivos, internet y redes sociales. Todo ello para optimizar los resultados de dicha investigación emprendida por ambas partes.

Pymes- BBAA- UPV han mostrado su satisfacción por esta cooperación anual, que queda abierta a futuras colaboraciones. Los alumnos han contribuido como enlace de difusión empresarial en los medias, con un lenguaje profesional, fresco y original, aportando experiencia, sabiduría y realidad.

Todo esto ha sido posible gracias a la colaboración del Centro de Recursos Audiovisuales (CRA) de cuyos medios técnicos han podido disponer los alumnos: platós, cámaras profesionales de HD, salas de edición digitales y de su equipo técnico. Así mismo, ha colaborado simultáneamente el Laboratorio de Investigación Digital (LID) con sus salas de Edición Digital, además de contar con el asesoramiento y la colaboración de sus técnicos especializados.

Finalmente, los alumnos de la Facultad de BBAA y de la asignatura Escultura y Medios Audiovisuales II verán expuestos sus trabajos en la exposición PubliVideocreaciones, en la Galería Fotográfica Contemporánea Óscar Vázquez Chambó, en la cual se plasman los resultados de dicha experiencia: diseñar, dirigir y ejecutar un Videospot. Con ello, los alumnos han adquirido las destrezas necesarias en la investigación de los media para que cuando finalicen su carrera y sean licenciados puedan insertarse con creatividad, bagaje y profesionalidad en el mundo laboral y de la investigación. Y así conjuntamente superar las dificultades encontradas en estos tiempos de crisis.

Algunas de las empresas que han participado en el Proyecto PubliVideocreaciones son Librería Railowsky, Bodegas Enguera, Vaixell  Restaurant, Casa Picó Disfraces, Verdolaga Ecogrup de Consum, Web serie “Ellas”, Panadería Manuel Sanz García, Obscene Club, Escuela de Artes Marciales Chinas Shen Yi, LA_2da, Centre Optic 11 de Maig, Global 43 Eventos, Dance Center Valencia, Café Cronopio, Campus Europa Idiomas, L`Hort del Carmen, Wamf, La Vitti Bar, Keysteria, TVS, La Gramola, MALA Bisutería y Complementos, Pinturas Folch, Clínica Vererinaria….

Publivideocreaciones 2014. Imagen cortesía de Galería Fotográfica Óscar Vázquez Chambó.

Publivideocreaciones 2014. Imagen cortesía de Galería Fotográfica Óscar Vázquez Chambó.