La capilla de Zanolari

‘Sz Chapel’ de Saul Zanolari
Kir Royal Gallery
C / Reina Doña Germana, 24. Valencia.
Hasta el 26 de junio de 2016

Esta es la primera exposición individual del suizo Saul Zanolari en España y para la ocasión presenta parte de su último macro proyecto: una íntima reinterpretación de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Y es íntima en el sentido de que no deja nada al azar. A pesar de representar los paisajes, figuras y escenas tal  y como se disponen en la famosa capilla, Zanolari ha introducido modificaciones, símbolos o casi guiños, que están ligados a su propia persona, siendo el culpen de este proceso la inclusión de su autorretrato en las pupilas de cada personaje, un identificativo que se repite dentro de su producción.

Si anteriormente se había dedicado a tomar iconos actuales, parece que ahora ha dejado atrás esa actualidad, o mejor, ha buscado otros iconos, mucho más universales y casi inamovibles históricamente. El artista afirma que siempre le ha interesado recorrer los cambios que llevan a la evolución humana a través de un análisis personal de los símbolos de la sociedad que nos rodea. Es por eso un importante cambio el hecho de que haya movido sus  bases referenciales, como una especie de reconsideración hacia distintivos más profundos de la sociedad.

Eva. Imagen cortesía de la galería.

Eva. Imagen cortesía de la galería.

Por todo esto, no nos extraña ver que los dioses representados ya no son cristianos. Como ocurre en nuestra contemporaneidad, nada es blanco y negro totalmente. Vemos al Dios de la gravedad, representado como en la Creación de Adán de Miguel Ángel, que extiende un dedo azul, rodeado de símbolos y fórmulas químicas, y sosteniendo, en uno de sus seis brazos, una manzana poco fortuita. Justo al lado, Adán también extiende su mano, cerrando el conjunto conocido. Un perro al que casi no podemos ver le arrastra hacia el exterior, en la correa, como curiosidad, está escrito el nombre del artista en braille. Aunque no es un braille verdadero, ya que solo está pintado por la técnica del fresco digital.

También se reconoce la Creación de Eva, pero una escena que ha sido invertida y donde es Eva la que está tumbada, y Adán suplica o pregunta, nunca lo sabremos. El degradado azul de sus dedos conecta con el mismo color del Dios de la gravedad colocado justo enfrente. Zanolari no se ha olvidado de nada, una sirena cegada representa el diluvio universal, y los Ignudi, esos observadores que revoletean en el original, han sido también cegados, extrayéndoles su sentido primigenio.

También la capilla de Zanolari toma de la original el tamaño, haciendo que, si se juntaran todos los frescos ocuparían lo mismo que la bóveda de la capilla. Este proyecto que ha mantenido ocupado al artista durante unos dos años, continúa en la línea hiperrealista digital que descubrió en 2005 y que le permite llevar a cabo un arte que va más allá de la simple ironía.

Sirena. Imagen cortesía de la galería.

Sirena. Imagen cortesía de la galería.

María Ramis

ArteSantander, de internacionalidad alemana

Feria internacional ArteSantander
Palacio de Exposiciones
C / Real Racing Club, 3. Santander
Del 25 al 29 de julio de 2015

La feria internacional ArteSantander ha reunido en su edición de 2015, la XXIV, un total de 42 galerías, 39 de varias ciudades españolas y tres alemanas, que mostraron la obra de diversos artistas contemporáneos hasta el 29 de julio en el Palacio de Exposiciones de Santander. Cànem, Espai Tactel, Espai Visor, Kir Royal, pazYcomedias y Set Espai d’Art han sido las representantes por parte de la Comunidad Valenciana.

Imagen de uno de los espacios expositivos de la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Imagen de uno de los espacios expositivos de la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Un jurado conformado por la historiadora del Arte Alicia Ventura, el director artístico del Centro Botín, Benjamin Weil, y el artista navarro Moisés Pérez, fue el encargado de seleccionar estas 42 galerías de las 77 que presentaron 90 proyectos para estar en la feria santanderina.

Galerías veteranas en ArteSantander como Cánem (Castellón), Ángeles Baños (Badajoz), Blanca Soto (Madrid) o Rafael Ortiz (Sevilla) se volvieron a juntar este año en la feria con nuevas galerías como las madrileñas Alegría, Espacio Valverde y Javier López, y la vallisoletana La Gran.

Una de las obras expuestas en la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Una de las obras expuestas en la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

También regresaron a ArteSantander tras su ausencia durante algunas ediciones las galerías Sicart (Barcelona) y Cavecamen (Sevilla). Las tres galerías alemanas que estuvieron en la feria son Mäss, Greusslich Contemporany y Collectiva.

ArteSantander contó con seis galerías cántabras, a las que se reservó espacio en esta feria, como son Espiral, Estela Docal, Juan Silió, Josedelafuente, Espacio Alexandra y Siboney. También mostraron sus obras galerías de Canarias, Salamanca, Zaragoza, Vizcaya o Asturias.

El presidente de Cantabria, Miguel Ángel Revilla, y el alcalde de Santander, Íñigo de la Serna, fueron los encargados de la inauguración, el sábado 25, de ArteSantander 2015, junto al director de la feria, Juan González Riancho.

Feria internacional ArteSantander 2015. Imagen extraída del video de Néstor Navarro.

Feria internacional ArteSantander 2015. Imagen extraída del video de Néstor Navarro.

ArteSantander acogió pintura, escultura, instalaciones, fotografía, nuevos soportes tecnológicos y obra gráfica, además de dibujos y múltiples trabajos artísticos que mostraron las 42 galerías participantes. Ahora ya toca pensar en el cuarto de siglo que celebrará ArteSantander en 2016.

Una de las obras expuestas en la feria internacional Arte Santander 2015.

Una de las obras expuestas en la feria internacional Arte Santander 2015.

Video de la Feria Internacional ArteSantander 2015, realizado por Néstor Navarro:

ArteSantander 2015 from Makma on Vimeo.

Taxonomía de un ‘9 11 Podium’

9 11 Podium, de Bernardo Tejeda
Cosín Estudio
C/ Denia 3. Valencia
Hasta el 7 de abril

Para el artista gallego Bernado Tejeda (Lugo, 1957) los vocablos y preceptos semánticos de  “compromiso”, “amistad”, “deporte”, “arte plástico”, “artes gráficas”, “podium”, “ganar”, “obra menor versus obra propia”, “rueda”, “flotante”, “azar” y “retroalimentación”, además de relevantes, se erigen en algunos de los conceptos que particularizan la exposición ‘9 11 Podium’ y que se desarrollan y son conjugados en el espacio que Cosín Estudio atesora en Ruzafa.

Bernardo Tejeda.Makma

Pepe Cosín y Bernardo Tejeda en el interior de Cosín Estudio, que alberga ‘9 11 Podium’. Fotografía de Merche Medina.

Los orígenes de la muestra debemos encontrarlos en la voluntad y compromiso de Tejeda para con el piloto de rallyes meirense Sergio Vallejo, quien, fruto de su primera victoria en el Campeonato de España de Rallyes (2009), recibía un concertado homenaje plástico por parte del primero a través de ‘Podium’, proyecto artístico cuya morfología pudo contemplarse por entonces en la galería valenciana Kir Royal.

Berbardo Tejeda.Makma

Detalle de instalación de ‘9 11 Podium’. Fotografía de Merche Medina.

Un lustro más tarde, Vallejo se hacía con el triunfo por segunda vez y Tejeda, fiel a su promesa de homenajearle “siempre” que obtuviera el máximo galardón nacional, acomete este singular plan dispuesto alrededor de  la rueda/objeto como leitmotiv, vestigio, objeto henchido de energía y elevado, con sus serigrafías, a la categoría de “arte realidad”.

Bernardo Tejeda.Makma

Imagen de ‘Michelin 24/65-18 Compuesto SA 30 Llanta BBS 9,5×18’. Fotografía de Merche Medina.

El artista gallego experimenta una especial predilección por esta técnica de transferimiento de tintas como vehículo para la manifestación de sus intenciones y fruto de un exhaustivo y minucioso trabajo, encomiablemente producido desde el taller de Armando Silvestre, dota a todas y cada una de las piezas de ‘9 11 Podium’ de un evidente valor unitario y totalizador, verbigracia, la huella de la ‘Michelin 24/65-18 Compuesto SA 30 Llanta BBS 9,5×18’ -una de las ruedas del Porsche con el que Vallejo consiguió su segundo triunfo nacional-, elevado a la taxonomía de germen y vínculo intrínseco entre lo real y lo conceptual.

Imagen de '9 11 Podium [1]'

Imagen de ‘9 11 Podium [1]’. Fotografía de Merche Medina.

Tejeda conjuga a la perfección el proceso creativo, las fases de trabajo en la imprimación del soporte -una tirada de 9 únicas piezas, otra de 5 y 3, varios monotipos y una serie de máculas-, como un ejercicio litúrgico en el que “las piezas únicas proceden de una misma secuencia de impresión que yo mismo he realizado minuciosamente, después, los monotipos están concebidos como obra única gracias al uso de tintas distintas y otras modificaciones diferenciadas de la edición principal. Las máculas, son, en realidad, el papel que he usado para la limpieza y calibración de las obras y como tal, hay una parte muy importante y decisiva de azar, puesto que en ella se acumulan diversas impresiones, no necesariamente del mismo trabajo”.

Bernardo Tejeda.Makma

Imagen de ‘9 11 Podium [M]. Fotografía de Merche Medina.

Cada una de las piezas de la muestra plantea dos planos de percepción, situando huella y rueda -como objeto- en primer plano, desde un prisma de flotación. Bernardo Tejeda hace evidente su  importancia y entidad, incidiendo e interpretando la parte que de azar tiene dicho proceso, febrilmente estudiado y plasmado en la creación de una gama de colores y tintes más elaborados, -más transparentes que en el primer homenaje-, territorio en el que evidencia un paralelismo entre velocidad, solitud, tecnología y fuerza del hombre y la máquina, con el minucioso concepto intelectual de ‘9 11 Podium’.

Merche Medina

Nueve galerías valencianas en ArteSantander

XXIII Feria ArteSantander
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander
Real Racing Club, 3. Santander
Del 26 al 30 de julio

ArteSantander 2014, edición que concluyó el pasado miércoles 30 de julio, mantuvo el formato que viene desarrollando durante las tres últimas ediciones, y que ha permitido no sólo mantenerse en estos tiempos tan complicados, si no que ha supuesto su consolidación como una feria con un perfil diferenciador.

Nelo Vinuesa con Espai Tactel en la feria ArteSantander.

Nelo Vinuesa con Espai Tactel en la feria ArteSantander.

Tal y como acordaron los responsables institucionales a propuesta del director de la feria, Juan González de Riancho, se trataba de mantener el concepto de feria de ‘Solo projects’, con 42 galerías participantes, pretendiendo por una parte contribuir a poner en valor el arte contemporáneo y, por otra, aprovechar la inercia que ha generado el curso organizado por la Asociación de Coleccionistas 9915 y el Instituto de Arte Contemporáneo, incluido en el del Programa 2014 de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), que sobre coleccionismo de Arte Contemporáneo y mecenazgo, tuvo lugar en Santander, entre los días 28 y 30 de Julio.

Obra de Chema López. PazYComedias. Feria ArteSantander 2014.

Obra de Chema López. Galería Rosa Santos. Feria ArteSantander 2014.

Cabe recordar que en la pasada edición de la feria, se modificaron las fechas, para coincidir con este curso, y que la Asociación 9915 realizó su Junta Directiva en Santander, en esas mismas fechas. Dos datos que hablan por sí solos de la relación establecida, y que este verano se reforzó al máximo, para lograr que Santander fuera durante unos días la referencia en el sector del arte.

Galerías de Berlín, Oporto, Amberes y Trento aportaron el carácter internacional de una feria que contó con hasta nueve espacios de la Comunidad Valenciana: Área 72 / Punto, con el artista Ángel Massip; Cánem, con Irina Novarese; Coll Blanc,  con Dori & Grey; Espai Tactel, con Nelo Vinuesa; Espai Visor, con Hamish Fulton; Kir Royal, con Fernando Bayona; PazYComedias, con Ana Esteve Llorens; Rosa Santos, con Chema López, y Set Espai d’Art, con Rubén Tortosa.

PazYComedias con Ana Esteve en la feria ArteSantander 2014.

PazYComedias con Ana Esteve en la feria ArteSantander 2014.

De la propia Cantabria, participaron las galerías Espiral, con el artista Joaquín Cano; Estela Docal, con Nacho Zubelzu; Juan Silió, con Juan López; Nuble, con Ángela Cuadra, y Siboney, con Gorka Mohamed. Moisés Pérez Albéniz y La New Gallery, ambas madrileñas, contaron con obras de Santiago Giralda y Santiago Talavera, respectivamente. De las 42 restantes, cabe destacar la presencia de Addaya Centro de Arte Contemporáneo (Mallorca), con Jorge Fuembuena; AJG y Alarcón Criado, de Sevilla, con María García-Ibáñez y Mira Bernabeu, mientras que la bilbaína Espacio Marzana, se presentó con Abigail Lazkoz.

Obra de Rubén Tortosa. Set Espai d'Art en la feria ArteSantander.

Obra de Rubén Tortosa. Set Espai d’Art en la feria ArteSantander.

Alessandro Brighetti: PENTOTHAL

Alessandro Brighetti: Pentothal
Kir Royal Gallery
C/ Reina Doña Germana, 24. Valencia.
Inauguración: 23 de abril a las 19 h.
Hasta el 10 de junio de 2014

¡Dónde está la justicia, Dios, si el don sacro, si el genio inmortal no se da como premio al sacrificio, al amor ardiente, a las plegarias, al celo diligente, al estudio, y ilumina a un loco, un vagabundo ocioso! …¡Oh Mozart, Mozart!
Alexander Puskin, Mozart y Salieri, 1830

Pentothal es la primera exposición en España del joven artista italiano Alessandro Brighetti. El título de la exposición hace referencia a un barbitúrico que en pequeñas dosis se utiliza como suero de la verdad, en grandes dosis como droga hipnótica o anestésica.

“La verdad” es un concepto muy importante en las obras de arte de Brighetti: el fluido que utiliza es siempre fiel a sus reacciones químicas/físicas y los mecanismos de las esculturas se revelan sin ocultar nada.

La muestra expositiva parece una orquestra donde todos los “instrumentos”, escondidos en las obras mismas y creados por el artista/director, hacen bailar rítmicamente las diferentes esculturas.

Alessandro Brighetti, "Lophophora" (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería..

Alessandro Brighetti, «Lophophora» (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería.

Las obras de Brighetti se presentan como cuerpos fluidodinámicos de un mecanismo continuo que encrespa el material y transforma reiteradamente la forma. A la rigidez de la materia, el artista opone, de este modo, un material adaptable, elástico, flexible y moldeable: el ferrofluido. El fierrofluido – a través de las relaciones y reacciones internas, atracciones y repulsiones causadas por engranajes mecánicos y electrónicos – fluye continuamente y entre en movimiento para crear volúmenes suaves y angulares, cinéticos y pasajeros.

En sus últimos trabajos, el arte y la ciencia viven una fuere relación de coparticipación. Células y maquinaria industrial, microscópico y macroscópico, bidimensional y monumental son algunas de las constantes de su obra.

El artista se inspira en el movimiento del arte cinético de los años 60, y en particular, en Davide Boriari, uno de sus fundadores. El movimiento es necesario para el cuerpo de la obra para poner en escena la magia de la transformación. Rotaciones, pulsaciones y la recirculación son las dinámicas de esta primera fase. El paso siguiente será la interacción con la música.

Alessandro Brighetti, "Mozart e Salieri" (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería.

Alessandro Brighetti, «Mozart e Salieri» (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería.

Muchas de sus obras tienen nombre de psicofármacos, otros elementos que lo une a la medicina. Los títulos son una consecuencia imprescindible: antidepresivos para la primera circunstancia, ansiolíticos e hipnóticos para la segunda.

“Tener cuidado de estas obras significa poner en marcha cada vez su magia en primera persona y volver momentáneamente al niño curioso e estupefacto que juega al pequeño químico”.

Alessandro Brighetti, "Narciso" (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería.

Alessandro Brighetti, «Narciso» (Serie Pentothal). Imagen cortesía de la galería.

Fernando Bayona y Erwin Olaf en Kir Royal Gallery

Erwin Olaf y Fernando Bayona: The life of the other
Kir Royal Gallery
C/ Reina Doña Germana, 24. Valencia
Hasta el 20 de abril de 2014

The life of the other reúne trabajos de Fernando Bayona y Erwin Olaf en Kir Royal Gallery. En ella hay una selección de imágenes de la última obra de Fernando Bayona, que se presenta en forma de serie, como proyecto de una investigación que está entre el puente de la fotografía documental y la fotografía escenificada.

Un proyecto que reflexiona sobre el uso del cuerpo como soporte laboral por parte de tres colectivos profesionales: los stripper o actores porno, haciendo un uso del cuerpo como objeto de deseo intangible, o también el caso de los chaperos, que son subordinables a través de una contraprestación económica.

El título de la serie hace referencia al juego de identidades y ficciones que llevan a cabo estos trabajadores para proteger su intimidad. Como una especie de “máscaras virtuales” que los disocia de su persona, un constructo de sí mismos como invención, para el desarrollo de su profesión, un personaje fingido que muta para adaptarse a las exigencias laborales o demandas de los clientes.

Fernando Bayona, "Burning Man" (Serie fotográfica: 'The life of the other'). Imagen cortesía de la Kir Royal Galley.

Fernando Bayona, «Burning Man» (Serie fotográfica: ‘The life of the other’). Imagen cortesía de Kir Royal Galley.

Esta serie es la continuación a la investigación que el artista inició hace 4 años, en el que caracteriza su trabajo por un estilo en que enmascara un fuerte componente crítico o social en el desarrollo de sus series fotográficas, en las que la narratividad e interconexión de las escenas es determinante para la comprensión de la historia general.

Por su parte, Erwin Olaf, también partícipe en la exposición, toma el cuerpo como objeto de deseo y negocio como tema de los vídeos que se muestran en la exposición, Rouge y Wet.

Rouge (2005) se basa en cómo existe mucha gente que juega con su sexualidad; es decir, se trata de un relato alucinógeno donde nada es casual. En el que la moda, la publicidad, el teatro y la televisión se tiñen de rojo: sangre y sexo. Un partido de fútbol surreal como metáfora de las relaciones humanas: competitividad, acoso, ambigüedad, violencia…

Erwin Olaf, "Rouge" (vídeo). Imagen cortesía de la Kir Royal Gallery.

Erwin Olaf, «Rouge» (vídeo). Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Erwin Olaf, "Rouge" (vídeo). Imagen cortesía de la Kir Royal Gallery.

Erwin Olaf, «Rouge» (vídeo). Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

En Wet (2005) la protagonista es una mujer mayor de una alta clase social que observa a un joven desnudo en la ducha. Al que toca con su mano el órgano viril del joven; ella se retiene y se va. Un video que no deja claro la relación entre ambos personajes… el título de la obra, el sonido del agua, y la candencia de su respiración, multiplican las posibles lecturas de la obra.

Erwin Olaf, "Wet" (vídeo). Imagen cortesía de la Kir Royal Gallery.

Erwin Olaf, «Wet» (vídeo). Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Fernando Bayona, "At 7 pm" (Serie fotografías: "The life of the other"). Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Fernando Bayona, «At 7 pm» (Serie fotografías: «The life of the other»). Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

El balance de las galerías valencianas en ARCO

Galerías valencianas en ARCO, JustMad y ArtMadrid: del 19 al 23 de febrero
Balance expositivo

Entre la “patraña” del IVA y el continuo trajín de la gente, coleccionistas (medio millar en ARCO, según la organización), curiosos y público en general, las galerías valencianas que acudieron a las distintas ferias de Madrid no dieron abasto. A Mira Bernabeu, que tomó hace nueve años junto a Miriam Lozano el testigo de Pep Benlloch en Espai Visor, la sonrisa le delataba. El Museo Reina Sofía le había comprado la serie completa de 60 fotografías de Sergio Zevallos. “Estamos muy satisfechos”, dice ahora con más calma. Pasado el aluvión, prefiere no echar las campanas al vuelo. “No se puede hablar de señal de recuperación”. No al menos hasta que pasen “dos o tres años que confirmen este aire de mejora”.

Mira Bernabeu y Miriam Lozano, de Espai Visor, en Arco. Imagen cortesía de la galería.

Mira Bernabeu y Miriam Lozano, de Espai Visor, en Arco. Imagen cortesía de la galería.

A Mira Bernabeu se le ve cauto, quizás atemperado el éxito de Madrid por la realidad de Valencia. “Este año las ventas han estado equilibradas entre coleccionistas nacionales y extranjeros”. Eso sí, valencianos, ni uno. “Los coleccionistas valencianos compran sólo pintura en ARCO, lo cual es un poco provinciano”. Entre eso y que “no ha habido propuestas arriesgadas”, salvo la “pieza de cristal de Dan Graham”, y sí “un alza de lo tradicional”, Mira Bernabeu prefiere seguir a lo suyo, que es pensar ya en la próxima feria de arte en Colonia.

UN ARCO “SÓLIDO”

Entre el “ARCO del cambio” y el “ARCO muy digno” se mueven Olga Adelantado, de la galería Luis Adelantado, y Rosa Santos. La primera dice que los coleccionistas españoles “se han movido este año”; vamos, que han empezado a comprar de nuevo. En su caso, obras sobre todo de Darío Villalba, Luis Gordillo y el joven Rubén Guerrero. “Se ha criticado de ARCO que ha sido más tradicional, pero a mí me ha parecido más sólido”, remacha Olga. Rosa Santos se mostraba igualmente contenta: una de sus artistas, Andrea Canepa, había obtenido el Premio a la Joven Artista Revelación, lo cual ha supuesto la adquisición de obra para el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles. DKV Seguros también compró obra de Greta Alfaro.

Obra de Andrea Canepa en el stand de la galería Rosa Santos en ARCO.

Obra de Andrea Canepa en el stand de la galería Rosa Santos en ARCO.

“Me han comprado los coleccionistas españoles que suelen hacerlo”, principalmente obra de Xisco Mensua y Chema López. Lo que a Rosa Santos le seguía causando extrañeza era el confuso asunto del IVA. “Nos ha afectado de manera negativa, porque mucha gente, incluidos periodistas, siguen pensando que aplicamos el 10%, incluso había gente que alucinaba cuando le hablábamos del 21%”. Graciela Devincenzi, de Alba Cabrera, presente en ArtMadrid con One Project del artista Rubén Fuentes, subraya que la mal explicada bajada del IVA hace quedar al galerista como “el malo de la película”. Al ser únicamente el artista quien puede aplicar ese 10% en la venta de su obra, a las galerías “incluso nos puentean”, sostiene Devincenzi, todavía recuperándose del inmenso trajín ferial.

Obra de Antonio Fernández Alvira en el stand de Espai Tactel en JustMad. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Antonio Fernández Alvira en el stand de Espai Tactel en JustMad. Imagen cortesía de Espai Tactel.

LA AUSENCIA DE CONSUELO CÍSCAR

Vicente García, de Vali30, vuelve de ArtMadrid con una “impresión buena”. La Casa de Cristal del Centro Cibeles fue testigo de largas colas para entrar. Hasta un total de 20.000 visitantes. Vicente García vendió sobre todo obra de Antonio Gadea, Manolo Páez y Equipo Crónica. Lo del IVA no le parece crucial. “Es importante en las subastas y, sin duda, en ARCO, porque allí la compra es institucional”. Más importancia le da al hecho de que Madrid sea una ciudad “mucho más abierta que Valencia”, donde todos los que pasan por allí se sienten “cómodos” y alejados del “localismo” que observa tanto en Valencia como en Barcelona.Ismael Chappaz, que junto a Juanma Menero lleva la galería Espai Tactel, ha vuelto de JustMad “muy bien para la época en que estamos”. Los primeros días no paraban de descolgar obra de su stand, vendiendo principalmente piezas de David Méndez Alonso, Antonio Fernández Alvira y Javier Palacios. Del IVA dice que es “un desastre” que no se resolverá hasta que no haya una Ley de Mecenazgo. Y le extrañó no ver a la directora del IVAM Consuelo Císcar, que estuvo presente la pasada edición, cuando directores como Manolo Borja-Villel, del Reina Sofía, visitan “todos los años” la feria.

Obra de Rubén Fuentes en el stand de Alba Cabrera en ArtMadrid. Imagen cortesía de la galería.

Obra de Rubén Fuentes en el stand de Alba Cabrera en ArtMadrid. Imagen cortesía de la galería.

“PEQUEÑA RECUPERACIÓN”

De “patraña” califica Juan Cárdenas, de Kir Royal, lo del IVA, aunque piensa que el problema de fondo del mundo del arte no es ése: “La mayoría de galerías no sale fuera, cuando lo importante sucede en Nueva York, Londres y ahora China, que tras abrirse al exterior es un país de oportunidades”. Él ha vendido en JustMad obra de Keke Vilabelda y Fernando Bayona. “Los coleccionistas se han animado, dejando atrás esa mala de conciencia por comprar en tiempos de crisis”. Nacho Agrait, de Punto, piensa que hay una “pequeña recuperación”, a pesar de la “confusión” creada por la bajada del IVA: “Ha sido un parche mal puesto”.

Vicente Benlliure, de la galería Benlliure, estuvo en ArtMadrid y vio “algo más de alegría que otros años”. No se vende como hace seis o siete, pero sí “mejor que hace dos años”. En su caso, obras sobre todo de Manolo Valdés, Carmen Calvo o Chillida. Trinidad Hernández, de la galería Del Palau, habla de “trampa” del IVA y se queda con los contactos adquiridos en ArtMadrid. Julián Romero, de Trentatres Gallery, que acudió al Just On Paper de JustMad con las artistas Henrike Scholten y Raquel Carrero, regresa igualmente ilusionado con su participación en la feria por los contactos logrados: Feria de Estrasburgo y Swab de Barcelona. Las galerías valencianas, incluidas PazyComedias (JustMad), Aural de Alicante y Cànem de Castellón (ARCO), regresan pues con buenas sensaciones, a pesar del viento desfavorable de la crisis ¿amainando? y el mareo de una pésimamente explicada bajada del IVA. Habrá que seguir remando.

Obra de Darío Villalba. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obra de Darío Villalba. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Salva Torres

«Marilyn era el sueño de todo fotógrafo»

Marilyn and Me and More. América en los 60, por Lawrence Schiller
Kir Royal Gallery
Reina Doña Germana, 25. Valencia
Hasta el 23 de noviembre

“Su piel mojada brillaba. Sus ojos centelleaban. Su sonrisa era provocativa. La curva de su espina dorsal complementó las suyas naturales, mientras se reflejaban en el agua las luces y toda la escena brillaba”. Así recuerda Lawrence Schiller aquella sesión de fotos junto a la piscina donde se rodaba la última película inacabada de Marilyn Monroe, Something’s Got to Give (1962). No sólo eso. Schiller, que ya había fotografiado a la actriz durante el rodaje de El multimillonario (1960), se quedó esta vez atónito. “Ella fue la que se quitó el bañador. Nadie le dijo que lo hiciera. Sabía que eso le daría publicidad en todo el mundo. Se explotaba a sí misma y nosotros éramos sus instrumentos”.

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller.

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller.

Será la primera vez que esas fotografías se vean en España. La galería Kir Royal, tras pasar por Mondo Galería de Madrid, acoge una selección de aquellas imágenes. Imágenes en color y en blanco y negro de una Marilyn arrebatadora. “Marilyn era el sueño de todo fotógrafo: imponente con la ropa puesta, pero más sin ella”. La imagen en que aparece desnuda de espaldas, sentada al borde de la piscina, está valorada en 6.000 euros. Forma parte de la exposición Marilyn and Me and More. La América de los 60 que hoy se inaugura en Kir Royal. Pero no se hagan ilusiones: todas las copias de esa imagen están ya vendidas.

Imagen de Marilyn Monroe. Foto: Lawrence Schiller.

Imagen de Marilyn Monroe. Foto: Lawrence Schiller.

“CON AUDREY HEPBURN SIEMPRE ERA LA MISMA FOTOGRAFÍA”

Lawrence Schiller recuerda el magnetismo que desprendía Marilyn Monroe cuando se ponía delante de una cámara. “Había sido fotografiada por los grandes. Sabía cómo posar. Con ella, todas las fotografías eran diferentes. Con Audrey Hepburn, por ejemplo, era siempre la misma fotografía”. Cuando Schiller se encontró con ella por primera vez “estaba muerto de miedo”. Tanto es así que decidió ponerse a hablar para tapar sus inseguridades. “Me dijo: ‘Hola, Larry de Look. Yo soy Marilyn’. Y yo le contesté: ‘Soy el lobo malo’. Creo que le gusté. Era una persona muy profesional, sabía lo que quería y cómo aparecer en las fotografías”.

– ¿Pero era tan bella? ¿Dónde residía su belleza?

– “Le sacaba la sonrisa a los hombres cuando contoneaba las caderas mientras caminaba. Sabía cómo hacer esas cosas que la hacían única. Parte de su magia era que sabía cómo ser una persona diferente para cada uno de nosotros”.

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller

“MARILYN SABÍA CÓMO SER ADORABLE, ABRAZABLE”

Cuenta Larry Schiller que Marilyn estaba tan segura de sí misma delante de la cámara que su seguridad era contagiosa. “No había ningún indicio en esa mujer que hiciese pensar que había tenido problemas durante la mayor parte de su vida”.

– ¿Era tan tentadora como frágil?

– “Sabía cómo ser juguetona, cómo guiñar un ojo, cómo ser deseada. Sabía cómo ser adorable, abrazable, follable. Pero también fue alguien que sobrevivió, que aguantó tantas palizas, que fue de casas de acogida a orfanatos, y que miró el matrimonio cuando tenía dieciséis años como una manera de salir de la miseria y la inseguridad. Pero un matrimonio feliz, con éxito y duradero no estaba escrito para ella”.

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Fotografía: Lawrence Schiller.

Imagen de Marilyn Monroe en la exposición de Kir Royal. Fotografía: Lawrence Schiller.

Schiller afirma que a Marilyn nunca le faltó compañía masculina, desde fotógrafos como Sam Shaw y Milton Greene, “que la adoraba”, hasta actores como Marlon Brando, Frank Sinatra, Yves Montand y Tony Curtis, pasando por poderosos ejecutivos de estudio, directores o políticos como Jack y Bobby Kennedy, “que puede que la explotasen”. Y agrega: “Fue una mujer que luchó por mantenerse viva y que no tenía confianza en sí misma para triunfar”.

Imagen de Bette Davis en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller

Imagen de Bette Davis en la exposición de Kir Royal. Foto: Lawrence Schiller

“A ROBERT MITCHUM LE ENCANTABA PERSEGUIR A LAS MUJERES”

La exposición de Kir Royal es Marilyn and Me, referido al propio Larry Schiller que la fotografió, pero algo más. Y ese algo más (and More) tiene que ver con las numerosas estrellas de Hollywood que Schiller inmortalizó y que también aparecen en la muestra: Paul Newman, Robert Redford, Bette Davis, Barbra Streisand, Robert Mitchum o Clint Eastwood, entre otras. Estrellas de las que guarda singulares recuerdos.

Robert Redford y Paul Newman jugando al ping pong. Foto: Lawrence Schiller.

Robert Redford y Paul Newman jugando al ping pong. Foto: Lawrence Schiller.

“La que más me sorprendió fue Bette Davis. Era una mujer lista, franca, directa al grano. Las arrugas de su cara contaban la historia de su vida. Me enseñó que no se entiende nada de la vida hasta que no te has divorciado varias veces”. De Paul Newman recuerda que era “un bromista; quería divertirse y, con él, las cosas más difíciles eran fáciles”. Robert Redford era “un hombre de negocios, familiar, leal, un auténtico ecologista”. Y de Robert Mitchum recuerda que, además de un gran actor, “le encantaba perseguir a las mujeres”.

A Larry Schiller, a sus 77 años y con decenas de exposiciones alrededor del mundo, no sólo le gusta “recordar el pasado”, sino “trabajar duro cada día, defender los derechos de autor, pasármelo bien y ser mejor”. Siempre termina diciendo que “lo mejor está por venir”, aunque las fotografías de Marilyn Monroe desnuda en aquella piscina le persigan de por vida.

Imagen de Marilyn Monroe expuesta en Kir Royal y valorada en 6.000€, de la que ya no quedan copias. Foto: Lawrence Schiller.

Imagen de Marilyn Monroe expuesta en Kir Royal y valorada en 6.000€, de la que ya no quedan copias. Foto: Lawrence Schiller.

Salva Torres

Abierto Valencia: aforo completo

Abierto Valencia: Día de apertura de las galerías de arte (de 16.00 a 22.00h)
Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC)
Cena celebración en el Centro del Carmen, a las 22.00 horas
C / Museo, 2. Valencia

Todas las señales son buenas. Éxito de público, afluencia de coleccionistas de arte nacionales y extranjeros, y colaboración (por primera vez) entre galerías valencianas e institución pública, en este caso, Consorcio de Museos de la Generalitat. Todo gracias al esfuerzo de LaVAC, Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana, que hoy presentó en el Centro del Carmen la primera edición de Abierto Valencia. Olga Adelantado y Reyes Martínez, presidenta y secretaria de LaVAC, respectivamente, adelantaron los contenidos de la jornada de puertas abiertas de este jueves 26, con exposiciones, conciertos y visitas guiadas, que culminará con una cena celebración en el Centro del Carmen, a las 22.00 horas, para la que ya no quedan entradas. Aforo completo: 400 personas.

Junto a Olga y Reyes, se sentaron en la presentación de Abierto Valencia el secretario autonómico de Cultura, Rafael Ripoll, el miembro del jurado, Agustín Pérez Rubio, encargado de otorgar el premio a la mejor exposición, y José Gandía Blasco, patrocinador del premio a la adquisición de obra. Todos ellos arropando una iniciativa cuyo objetivo a largo plazo es “situar a Valencia en el epicentro del arte contemporáneo”, subrayó Olga Adelantado. La mecha ya está encendida. Ya sólo falta que la explosión de júbilo ayer manifestado se corresponda efectivamente con las señales luminosas que reflejan el poder de la cultura: “Genera el 3% del PIB, según datos del propio Ministerio de Cultura”, destacó la presidenta de LaVAC. Rafael Ripoll corroboró y amplió el dato: “El 4,5% si tenemos en cuenta el global de Cultura y Deporte”.

De izquierda a derecha:

De izquierda a derecha: Mira Bernabeu, Agustín Pérez Rubio, José Gandía Blasco, Olga Adelantado, Rafael Ripoll, Ismael Chappaz y Reyes Martínez.

Entonces, ¿por qué “se nos está poniendo fuera del mapa cultural”?, se quejó Olga Adelantado. Y Rafael Ripoll, al quite: “En tiempos de crisis se tiende a las políticas sociales, cuando la cultura entiendo que es política social porque no sólo ejerce una función educativa y creativa, sino que tiene capacidad de generar empleo”. Atendiendo a esas razones, y disculpando quizás el menosprecio que incumbe a otros organismos, el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana participa activamente en la primera edición del Abierto Valencia de LaVAC, con visos de colaboración continuada.

De izquierda a derecha: Bernabeu, Pérez Rubio, Gandía Blasco, Adelantado, Ripoll, Chappaz y Martínez. Foto: Nacho López Ortíz

De izquierda a derecha: Bernabeu, Pérez Rubio, Gandía Blasco, Adelantado, Ripoll, Chappaz y Martínez. Foto: Nacho López Ortíz

Agustín Pérez Rubio, que junto a Felipe Garín, Enric Pastor y José Gandía Blasco, forma parte del jurado que otorgará el premio a la mejor exposición, incidió en la importancia que, en estos momentos de crisis, tiene la iniciativa privada, representada en la mesa por el propio Gandía Blasco, y fuera de ella, por los coleccionistas nacionales y extranjeros que acudirán a Abierto Valencia espoleados por el ánimo conjunto de las propias galerías. También, recordó enseguida Pérez Rubio, cuenta y mucho la institución pública, representada por Rafael Ripoll. El dinamismo del Consorcio de Museos quizás se entienda al margen del holding CulturArts, cuyos ERE’s están desmantelando ese tejido productivo que ahora se carga en el debe de la iniciativa privada.

Abierto Valencia también tiene otro objetivo fundamental, del que se hizo eco Reyes Martínez: “Que el público pierda el miedo a entrar en las galerías”, algo que también achacó a los propios galeristas, quienes debían “hacer accesible la galería al público”. Y entre unos y otros seguir dinamizando la cultura y el arte, que mañana jueves bullirá con la jornada de puertas abiertas de las galerías, de 16.00 a 22.00 horas, y esa cena en el Centro del Carmen, con 6.000 tapas elaboradas por los chefs de los restaurantes Kiaore, Mulandhara y Samsha.

De izquierda a derecha:

De izquierda a derecha: Mira Bernabeu, Agustín Pérez Rubio, José Gandía Blasco, Olga Adelantado, Rafael Ripoll, Ismael Chappaz y Reyes Martínez.

Salva Torres

ABIERTO VALENCIA calienta motores

El próximo 26 de septiembre, dará comienzo la primera edición de Abierto Valencia, evento organizado por LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) con motivo de la  inauguración conjunta del principio de la temporada artística de sus 20 galerías, presentando para su primera edición más de 30 artistas nacionales e internacionales.

Una celebración para el arte y la cultura, con un amplio programa de exposiciones, conferencias, recorridos, conciertos y premios en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional. Con cada edición, “Abierto Valencia”, persigue convertirse en una cita que atraiga a coleccionistas, amantes del arte, expertos y comisarios así como al público en general.

Para este evento, las 20 galerías de arte que componen LaVAC han escogido lo mejor de su plantel de artistas tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes. En ésta, la primera edición, el público puede acercarse aún más al arte contemporáneo gracias al horario de apertura ampliado hasta las diez de la noche. También se plantean importantes descuentos en obras señaladas para ese día en especial, así como visitas guiadas en algunas de las galerías gracias a la colaboración de la asociación AVALEM (Asociación valenciana de educadores de Museos).

En esta edición, podremos disfrutar entre otras, de las obras del conocido artista conceptual francés Mathieu Mercier en Luis Adelantado, las exquisitas fotografías del argentino Humberto Ribas en el nuevo Espai Visor, las pinturas del ya histórico Valerio Adami en Rosalía Sender, la obra de la artista peruana Andrea Canepa en Rosa Santos. Las propuestas más radicales estarán presentes en Mr. Pink con Tactelgraphics y Kessler Battaglia con Ferrer y Mora, el escultor suizo Lucas Ulmi en SET espai d´art, en Punto Sandra Paula, Ana Elena Pena, y Rocío Verdejo nos hablan de “La inocencia” mientras Paz y Comedias presenta la obra de Manuel Blazquez «Milímetro»; presente también las veteranas Benlliure y Del Palau con una selección de sus artistas y Galeria Cuatro, reciente incorporación a LaVac, con la exposición de Jorge Carla Bajo. Cabe destacar la conferencia de Manuel Segade, comisario de la sección opening de Arco, en la joven y enérgica Espai Tactel acompañando la exposición de Joan Morey, también podremos asistir al concierto de UKE en Kir Royal. En Alicante se podrán ver las telas de Ferran Gisbert en Aural y en Javea las pinturas de Francesc Daranas en Isabel Bilbao y en Castellón, Canem presenta la obra del escultor Bernhard Lehmann y Collblanc la obra de Claudia Martínez.

Tras las inauguraciones, se celebrará el evento “fiesta celebración y entrega de premios Abierto Valencia”, en el claustro del Centre del Carme, con una cena/cocktail, diseñada por prestigiosos chefs de la Comunidad Valenciana, donde se procederá a la entrega de los premios: “Premio de exposición Abierto Valencia” y “Premio de adquisición Abierto Valencia” (patrocinado por GANDÍA BLASCO).

Abierto Valencia quiere convertir a Valencia en el epicentro del arte contemporáneo. Una visita imprescindible en el calendario cultural tanto nacional como internacional.

En la web de LaVAC se puede encontrar toda la información detallada del programa de cada una de las galerías, así como su localización en el plano para crear recorridos personalizados.

Las entradas del evento podrán adquirirse tan solo de forma anticipada en cada una de las galerías pertenecientes a LaVAC:

ALBA CABRERA,  AURAL, BENLLIURE, CÀNEM, COLLBLANC, CUATRO, ISABEL BILBAO, KESSLER BATTAGLIA, KIR ROYAL, LUIS ADELANTADO, MISTERPINK,
DEL PALAU, PAZ Y COMEDIAS, PUNTO, ROSALIA SENDER, ROSA SANTOS,
SET ESPAI D´ART, ESPAI TACTEL, ESPAIVISOR, TRENTATRES.

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