Fresh Art gana ‘Impulsando el Arte’ de JustMad

Fresh Art de DKV gana el premio ‘Impulsando el Arte’ de JustMAD
Stand J7 de JustMadrid
Planta jardín del Colegio Oficial de Arquitectos (COAM) de Madrid
C / Hortaleza, 63. Madrid
Entrega del premio: jueves 25 de febrero, 2016, a las 17.00h

Desde JustMAD han querido reconocer con un premio el valor de los proyectos orientados a la promoción de la creación artística, fomentando aquellas iniciativas educativas que apoyan al arte y a su función como regenerador social.

Éstas son las premisas del primer premio ‘Impulsando el Arte 2016’, que este año se falla a favor de DKV Seguros por su programa Fresh Art. DKV ha hecho una magnífica labor durante los últimos siete años a través de Fresh Art, con la intención de impulsar la creatividad e innovación a través del arte, fomentando las inquietudes artísticas de los jóvenes estudiantes de bachillerato y ciclos formativos de grado medio, premiando a aquellos que destaquen por su creatividad en algún campo de expresión del arte contemporáneo.

Fotografía de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art 2014.

Fotografía de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art 2014.

Entre los trabajos presentados, un jurado formado por profesionales del mundo del arte y la cultura escoge los participantes del Campus DKV Fresh Art, que se celebra cada año en la Universidad Politécnica de Valencia. Durante el Campus DKV Fresh, además de formarse en diferentes materias artísticas, los participantes elaboran una obra de arte.

El jurado del premio valora la calidad, emotividad y originalidad de las obras para seleccionar a los tres ganadores de cada edición. Como ganador del premio ‘Impulsando el Arte’, DKV dispone de un espacio en JustMAD7 a través del cual pueda difundirse su magnífica labor con Fresh Art. El stand es el J7 y está ubicado en la planta jardín del COAM. La entrega del premio se celebra el jueves 25, a las 17.00h en el mismo espacio.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera mención especial del jurado de DKV Fresh Art 2014.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera mención especial del jurado de DKV Fresh Art 2014.

 

 

Plática tecnométrica con Solimán López

Entrevista con Solimán López, a propósito de
Taller Tecnometrías
Ciclo ‘El museo modos de uso’
IVAM
Guillem de Castro 118, Valencia
Del 29 al 31 de enero de 2016

Con motivo del inminente ciclo ‘El museo modos de uso’, que el IVAM implementa a lo largo de las postrimerías de enero y la segunda quincena de febrero, Makma entrevista a uno de sus adalides activos, el artista de origen burgalés, afincado en Valencia, Solimán López, un insólito espécimen de la intangibilidad, cuya trayectoria se encuentra bienvenidamente ahíta de un vigoroso discurso tecno-ontológico (permítaseme la hipérbole, mas su prédica lo merece), que llevará a cabo el taller performático ‘Tecnometrías’, del 29 al 31 de enero.

Director del departamento de innovación y desarrollo en materia d arte y tecnología de ESAT -en el que evoluciona su investigación discursiva-, Solimán López nutre su devenir curricular con la consolidación de numerosos proyectos, que han reportado acento internacional a su teleológico proceso de examinación de las nuevas tecnologías -no en vano, su obra forma parte de ADA (Archive of Digital Art), uno de los espacios virtuales más notables del universo media art-.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de 'Tecnometrías'. Imagen cortesía del IVAM.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del IVAM.

¿Cuál es el protocolo de actuación que llevarás a cabo en ‘Tecnometrías’?

El término ‘Tecnometrías’ es una apropiación lingüística que de alguna manera define la ejecución de medidas mediante uno objeto tecnológico. En este contexto, el objeto elegido para esta edición de la acción es el de un disco duro. El disco duro se configura como un contenedor de información y además funciona como objeto de medición.

El proceso de trabajo consiste en la documentación digital de los participantes al taller paralelo que Aitziber Urtasun desarrolla en torno a la acción y que contará con la presencia de 20 personas. Mediante un dispositivo de escaneado digital como es Kinect -cámara de video y fotografía- los miembros participantes serán incorporados de manera digital al disco duro para, a continuación, «con ellos dentro», desempeñar las mediciones del espacio físico. Estas mediciones se realizan en el suelo de los espacios transitables del museo, configurando una serie de retículas y metáforas visuales extraídas de la multiplicación e interpolación de información digital en relación con el espacio tangible.

¿Qué resultados proyectas obtener y de qué modo serán divulgados?

El resultado es la generación de una sensación de espacio a través de la visualización de lo digital artístico en un espacio en el que predomina la información visual plausible, como es un museo. Las equivalencias que el proyecto genera radican en volúmenes de información, en gigas de identidad digital que el participante y espectador vislumbra a través de mis conclusiones. Podremos estar representados virtualmente millones de veces en un museo.

La acción es muy exigente a nivel físico ya que se desarrolla durante toda la tarde del viernes 29, el sábado completo y el domingo por la mañana, tiempo necesario para poder hacer todas las mediciones.

Los resultados matemáticos y las equivalencias de información serán volcadas en www.solimanlopez.com como registro de la acción.

Un instante de la acción 'Tecnometrías', llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

Un instante de la acción ‘Tecnometrías’, llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

¿Aventuras consolidar alguna conclusión emparentada con acciones precedentes? En este sentido, ‘Tecnometrías’ ya ha sido implementada en el CAC de Málaga y en Matadero Madrid, durante la celebración de JustMad.

Cada acción performativa tiene una esencia diferente a la anterior. No me gusta repetir de manera autómata este tipo de acciones. La performance es una experiencia personal que enfrenta al sujeto con el espacio y otros individuos mediante un canal que es la idea artística y, en este sentido, el espacio y los participantes siempre son diferentes, por lo que los resultados siempre son cambiantes. Además la pieza está revisada. La incorporación a la misma de un público pro-activo mediante el taller de Aitziber le dota de un calor humano que en otras acciones era provocado por mí mismo sobre los visitantes del museo, acción que tampoco descarto.

En esta ocasión el objeto de mediciones varía (es un disco duro y no un smartphone), que tiene un poder de síntesis y almacenamiento mayor, además de otras connotaciones conceptuales. Sin duda la acción vendrá a reforzar el concepto inicial de la misma, que es evidenciar la relación entre el espacio físico y virtual (el espacio híbrido), un espacio todavía velado y que cada día que pasa cuenta con una capa más fina de intersección entre ambas esferas de realidad. La pieza consolidará un ejercicio mental que nos ayude a posicionarnos psicológicamente en ese espacio de nadie que nos multiplica e interrelaciona de manera exponencial y del que no solemos tener consciencia si no es a través de interfaces. Estas interfaces con la acción se rompen y se convierten en pura imagen mental.

¿De qué modo te han determinado las ‘Antropometrías’ de Yves Klein o los básicos arquitectónicos de «orden y mejora» de Ernst Neufert?

Pues básicamente son las dos fuentes de inspiración más evidentes de la pieza. El término ‘Tecnometría’ está totalmente condicionado por el precedente de Klein en el que utilizaba el cuerpo como pincel y del que sacó un partido increíble y que le ha llevado a formar parte de nuestra historia del arte. Por su parte, Neufert aporta esa relación con la arquitectura y la incorporación del cuerpo como medida de todas las cosas. Con estos dos precedentes la pieza se cierra de manera conceptual de un modo muy sólido. Por una parte, el término de hacer arte con un objeto diverso al pincel (el cuerpo o un disco duro) y, en la otra, la utilización del cuerpo como herramienta de medición, que en este caso es sustituido por la tecnología como medida de todas las cosas. Son dos ejes de una misma moneda que tienen al cuerpo como protagonista y que son actualizados por la tecnología y la desmaterialización de aquél. Sin duda, una actualización de conceptos en la era de la «comunicación».

'Archivo 79513' perteneciente al proyecto 'More than 404'. Imagen cortesía del artista.

‘Archivo 79513’ perteneciente al proyecto ‘More than 404’. Imagen cortesía del artista.

Por otra parte, con ‘More than 404’ principias el curso artístico anual por una senda de corrupción digital que transciende y pervierte lo que la World Wide Web Consortium (W3C) definía, allá por 1992, como un protocolo o anatomía de un error http. ¿En qué consiste esta depravación digital?

Todo sistema tiene sus corrupciones. Los sistemas perfectos se basan en el caos y el ecosistema digital también tiene los suyos. La palabra error en general se asocia con lo negativo, incompleto o fallido, pero no hay más que mirar a la naturaleza repleta de supuestos errores de una belleza inalcanzable.

Este es el principio etimológico de ‘More than 404’. En este caso, un fallo fortuito de un disco duro personal que generó una descomposición de información que se tradujo en miles de archivos «glitch», que sin duda tienen una plasticidad y belleza evidentes. Estos archivos los he elevado a la categoría de recurso digital de libre uso, ya que al haber sido una autogeneración fortuita de un equipo informático me parecía que la autoría de la obra estaba difusa y que, por este motivo, debía ser compartida con su propia naturaleza digital. Es como haber encontrado un pajarillo único en su especie, una mutación maravillosa, que tras ser observada durante unas horas se libera y se deja de nuevo volar en libertad por su entorno vital.

La idea de referenciar el código 404 se traduce en una reivindicación al gusto por el error, la casualidad y la ruptura, en este caso digital, pero bienvenida en otros ámbitos.

La pieza sigue online en este enlace: http://solimanlopez.com/portfolio/more-than-404/

PIeza representativa del proyecto en curso 'Harddiskmuseum'. Imagen cortesía del artista.

PIeza representativa del proyecto en curso ‘Harddiskmuseum’. Imagen cortesía del artista.

Igualmente, ‘Harddiskmuseum’ prosigue su curso de intangibilidad con la incorporación de diversos artistas, nacionales e internacionales, que propician la dotación de contenido. ¿Qué novedades atesora el proyecto al respecto?

Es un proyecto que a nivel personal está siendo de lo más gratificante. Plantear una obra colectiva no siempre es fácil, pero realmente es el sentido de lo digital. Un museo en un disco duro no se consigue en dos días, por lo que es un proyecto que a diario va exigiendo sus resultados. Seguimos con un fuerte trabajo logístico con el proyecto, que ya se está materializando con la colaboración internacional en sedes como Argentina, Venezuela, a través de María Bilbao, Brasil, con Debora Aito o Italia, con Nicola Mariani, que han acogido el proyecto como suyo y están propiciando apariciones en sus países. En este sentido, viajaremos con el disco para junio, visitando Brasil, Argentina y Venezuela, en un gran esfuerzo de ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología), que apuesta por el proyecto desde sus inicios desde su departamento de innovación, que dirijo.

¿Con qué apoyos cuenta ‘Harddiskmuseum’, hasta el momento?

Se están negociando algunos patrocinios y colaboraciones institucionales para hacer de este original proyecto una idea sostenible y con más recursos disponibles para su movilidad y, por supuesto, artistas participantes, la piedra angular de todo este nuevo ecosistema museístico, creativo y cultural.

A nivel artístico, hay grandes nuevas incorporaciones como Enrique Radigales, Fabien Zocco o Rosana Antolí, que vienen a completar las ya magníficas aportaciones de Aram Bartholl, Bosch&Simons, Rubén Tortosa, Hugo Martínez-Tormo e Inma Femenía. Hay más incorporaciones, pero están en proceso de consolidación y envío de obra y no pueden ser desveladas todavía.

El proyecto se ha reconfigurado a sí mismo en un formato de sesiones en vivo de las que ya podemos anunciar la primera en Valencia para abril de este año, acciones en las que, con una aforo reducido, el público podrá disfrutar del contenido del disco en directo de una manera única. También se prevé su emisión en streaming. En www.harddiskmusuem.com pueden estar al día del proyecto.

Cabe indicar que te encuentras en pleno proceso de preparación de obra para la presente edición de JustMad, que tendrá lugar en el COAM, del 23 al 28 de febrero. A este respecto, ¿qué tipo de piezas podrán contemplar los visitantes y en qué otros emplazamientos estará presente tu trabajo durante los próximos meses?

A través de Galería Punto presento varias piezas en línea con los últimos trabajos que vengo desarrollando y que aluden a la historia del arte y la actualización de conceptos en el contexto de lo digital. ‘Framed Memory Card’ se presenta en Madrid con sus 50 kg de aluminio macizo, que guardan en su interior una tarjeta de memoria de 8GB de la que sólo el comprador esta legitimado a conocer su contenido. A esta pieza se suman, como novedad y presentación en exclusiva, un par de obras más que siguen estableciendo vínculos con el pasado artístico, pero desde el enfoque de lo digital, como es el caso del proyecto ‘Pixel Blue’, en el que, a través de la apropiación del tono RGB del azul Klein mediante Licencia Creative Commons, desarrollo todo un montaje audiovisual y plástico, del que agradezco su colaboración a Toni Vaca. Sin duda tengo muchas ganas de ver estas piezas «funcionando». Además, estará presente en Technarte Bilbao 2016 y formaré parte de varias exposiciones colectivas durante los meses de marzo y abril.

El artista Solimán López durante su acción Tecnometrías. Imagen cortesía del artista.

El artista Solimán López durante su acción ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del artista.

Jose Ramón Alarcón

 

La extenuante performance de Saúl Sellés en JustMad

El Luchador, Saúl Sellés
Mustang Art Gallery en JustMad6

Mustang Art Gallery nos ofrece la oportunidad de ver el trabajo del artista plástico y performer Saúl Sellés (Cocentaina, 1986), galardonado con la Beca Puénting MAG / UMH 2013, que tras su exposición en la sala MAG hace solo unos meses, ha realizado una performance en JustMad6. La Beca Puénting busca establecer puentes de conexión entre la formación impartida en la Facultad de Bellas Artes de Altea (UMH) y la profesionalización artística a través de la exhibición de proyectos expositivos en Mustang Art Gallery.

Saul Selles2

En la muestra pudimos ver performances en barra americana, sacos de boxeo de polipiel, imaginería deportiva y animales de poder con estética bakala. Una propuesta artística que habla del fracaso trazando un paralelismo entre la competición deportiva y la competición dentro del mundo del arte. La necesidad de ser visto, aplaudido y vitoreado con coronas de laurel, hace al artista exhibir su propio cuerpo en una neurosis de fracaso escenificada y vivida. Para llevar a cabo El Luchador, el artista aprendió poledance, un deporte acrobático realizado en las alturas de una barra de aluminio.

Saul Selles4

Saúl Sellés entrenó en esta práctica de la seducción, que está más cerca del show escénico que de la competición deportiva, además compitió en la I Copa Pole Style de Alicante (ganando la Medalla de Bronce) y finalmente se convirtió en profesor de esta disciplina. Ahora, para la performance realizará el 26 de febrero de 2015 en JustMad6, el artista ha utilizado el poledance como medio y la recitación de textos acerca del fracaso.

Saul Selles6

El conjunto expositivo lo completaba una serie de sacos de boxeo animalizados y totémicos, unas banderolas que abordan las anti-cualidades del fracasado (expresión de una masculinidad cuestionada), videos del propio artista entrenando y otras piezas escultóricas llenas de referencias iconográficas al boxeo.

Saul Selles5

Para Saúl la competición empieza por uno mismo, por ello sus trabajos anteriores giran en torno a la resistencia, mediante la realización de performances deportivas, donde ejecutaba rutinas físicas hasta llevar el cuerpo al agotamiento. Mientras tanto recitaba textos que hablaban sobre los cánones de la belleza, el culto al cuerpo y el homoerotismo.

Es una competición consigo mismo en la que no existe un final, no se producirá la dicotomía ganador-perdedor, el fracaso está asegurado. El único fin más claro es el propio agotamiento. De esta manera el performer se somete a un entrenamiento interminable y la obra se convierte en un proceso constante.

Saul Selles3

Lliure Briz en Mustang Art Gallery

Lliure Briz, “Inflorescentia- Out of the Bloom”
Sala MAG
Mustang Art Gallery
C/ Severo Ochoa, número 36, Elche Parque Empresarial
Hasta el 25 de septiembre de 2014

Esta es la instalación artística número 25 que acoge Mustang Art Gallery desde que se puso en marcha en julio de 2010. La Sala MAG se configura así como una sala de exposiciones para la promoción y difusión del nuevo arte contemporáneo. Sin duda se trata de una iniciativa innovadora dentro de un entorno empresarial.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

“Inflorescentia-Out of the Bloom”, de Lliure Briz, dado como resultado una intervención mural que cubrirá como un tapiz el gran muro central de Mustang Art Gallery. Briz ha utilizado la pigmentación de las flores como paleta cromática fusionando pintura y animación. De este modo la abstracción del color y la evolución de las formas dotan de profundidad y libertad estética a esta experiencia visual.

Esta es la singular propuesta de esta artista, de la galería “Say Hi”, ganadora del “Just Mag Premio Joven 2013”, que otorga anualmente la Sala MAG en el marco de la Feria Internacional de Arte Emergente, JUSTMAD.

Formada en la Royal Academy of Arts de Amberes fue seleccionada para representar al talento emergente de Bélgica en La Haya. Su trabajo también ha sido valorado por el Museum Quartier de Viena y el MOMA de Nueva York.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Y en el marco de esta exposición se dará a conocer el proyecto “Confluencias” que acogerá Mustang Art Gallery en octubre, en colaboración con AVVAC (Associació d’Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló) y la UHM. Se trata de un networking que pretende ser un punto de encuentro entre artistas jóvenes y artistas profesionales, críticos, gestores culturales y galeristas de primer orden. Se planteará como una serie de conversaciones privadas entre ambas partes que incluirá un espacio propio de exposición para cada joven artista. Podrán participar tanto estudiantes de grado de la facultad de Bellas Artes de Altea como socios de AVVAC. Estos últimos podrán presentarse tras el lanzamiento de la convocatoria en septiembre, que se comunicará a través de la propia asociación.

RADIOGRAFÍAS ULTERIORES (ARTE Y LONJA)

 

Tras cinco jornadas de previsible y extenuante actividad en el inasible territorio del mercado artístico, se antoja necesario procurar radiografiar el mapa de propuestas de diversas galerías levantinas que se han encontrado presentes en las diferentes ferias celebradas en Madrid.

La impresión ulterior de cuanto se ha tenido ocasión de contemplar solidifica un poso notable y decisivo, relativo a la coherencia e idiosincrasia  de la composición de los espacios y el rostro definitivo de cuanto se pretende proyectar, es decir, existe una relación inmediata entre el discurso estilístico de los gestores de las diferentes galerías –atendiendo a sus respectivas trayectorias- y la selección de piezas y artistas, huyendo, por tanto, del sincretismo que ha podido apreciarse en las apuestas de otros stands nacionales e internacionales.

Respecto de la trigésimo tercera edición de ARCO debemos destacar la propuesta implementada por Espai Visor (Fig. 1), componiendo un mapa fotográfico abaldonado y singularmente cualitativo, fruto de obras  heterodoxas como “Suburbios (Serie XS)”, de Sergio Zeballos (adquirida por el museo Reina Sofía), o “Microrrelatos en Rojo”, de Inmaculada Salinas.

1.Espai Visor (Arco)

1.Espai Visor (Arco)

Rosa Santos ha apostado por la columna vertebral solidificada de artistas como Chema López,Mira Bernabeu, Greta Alfaro (esta última muy a tener en cuenta). (Fig. 2) y  la artista peruana Andrea Canepa –premio ARCO Comunidad de Madrid para jóvenes artistas 2014-, mientras que la castellonense Canem (Fig. 3), supeditada a la sapiencia de lustros y perseverancia de Pilar Dolz, se hubo presentado con obra de Antonio Alacaraz, Yugo Minnam y Yotta Kippe, entre otros, equilibrando un mapa de presencia local e internacional, perfiles emergentes y consolidados.

2.Galería Rosa Santos (Arco)

2.Galería Rosa Santos (Arco)

3. Cànem (Arco)

3. Cànem (Arco)

Espai Tactel (Fig. 4) con los encolados fluorescentes de Javier Palacios, Galería Punto (Fig. 5) a través de los esmaltes sobre aluminio de Oliver Johnson y “The incident”, de Solimán López,  en JUST ON SCREEN, los aglomerados de fibra de madera y epoxi de Ana Esteve  (Paz y Comedias) (Fig. 6) y la osadía JUST ON PAPER de Trentatres Gallery (Fig. 7), con trabajos de Henrike Scholten y Raquel Carrero, han compuesto con sobresaliente dignidad la presencia valenciana en la quinta edición de JUSTMAD, beneficiada este curso por su ubicación en el seno arquitectónico de la COAM, desarrollándose una atmósfera cualitativamente diversa a la de celebraciones precedentes y gestándose una visibilidad nada carpetovetónica.

4. Espai Tactel

4. Espai Tactel

5.Galería Punto (JustMad)

5.Galería Punto (JustMad)

6. PazyComedias (JustMad)

6. PazyComedias (JustMad)

Capítulo aparte merece la Galería de Cristal de Centro Cibeles donde se ha desarrollado ArtMadrid’14 en su novena edición. La fastuosa arquitectura y su céntrica ubicación han posibilitado reportar un giro copernicano a la presencia de esta feria, otrora polarizada en torno del segundo mercado y vertebrada, en esta ocasión, por algunas propuestas osadas, singulares y de inesperadas sorpresas. Se ha advertido la presencia de conspicuos coleccionistas y diversas autoridades de ferias internacionales -como la de  Estrasburgo-.

Además del magnífico espacio de Galería Punto (por partida doble en Madrid), con obra de Equipo Realidad, Canogar, Carmen Calvo o Yturralde -artistas que responden a su consolidada personalidad diacrónica-, pudimos apreciar el congruente trabajo de Rubén Fuentes para la galería Alba Carrera (Fig. 8), a través de un ONE PROJECT henchido de obra gráfica de estudio sobre la que plasmar, a posteriori, sus gramofónicas piezas, resinas y maderas sinestésicamente sonoras. Galería del Palau (Fig. 9), fiel a su calima de consanguineidad, ha exhibido obra de Fuencisla Francés , Hans Dieter Zingraff,  Paqui Revert, Martí Rom, Carmen Sánchez y Mariona Brines. Por su parte, Val i 30 (Fig. 10) –a las puertas de formalizar su medio siglo de existencia-, además de allegarse con obra de Equipo Crónica u obra gráfica de Jaume Plensa, se acompaña de los lienzos de Antonio Gadea.

8. Alba Cabrera (ArtMadrid)

8. Alba Cabrera (ArtMadrid)

9. Galería del Palau (ArtMadrid)

9. Galería del Palau (ArtMadrid)

10. Galería Val i 30 (ArtMadrid)

10. Galería Val i 30 (ArtMadrid)

No ha habido discursos estilísticos desnortados ni metamorfosis en el rumbo. Elvestigio de masticadas apuestas que configuran las sendas respectivas terminan por ofrecernos una descodificación del carácter  y un sentido último del mercado  mediterráneo -en cuanto a pulso y ritmos se refiere- que facilita una de las más diversas composiciones del horizonte artístico de nuestro entorno.

(Imagen portada: 7. Trentatres Gallery – JustMad)

 

José Ramón Alarcón y Merche Medina

 

 

Mustang Art Gallery y la regeneración cultural

No hay una crisis peor que la provocada por la escasez de ideas. Las buenas ideas tienen un valor estratégico fundamental, como parte de las herramientas de transformación de la realidad. Cuando los vientos soplan en contra muchos optan por plegar velas y esperar, mientras otros redoblan sus esfuerzos y reman contracorriente para lograr sus objetivos. El presente es de todos, pues la sociedad contemporánea y sus múltiples formas de participación y representación nos brinda a todos la oportunidad de intervenir socialmente, pero el futuro lo construyen los perseverantes, los atrevidos, los que trabajan para compartir con el resto propuestas y puntos de vista capaces de abordar el cuestionamiento y la autocrítica. Nada hay más peligroso para una sociedad desarrollada que la complacencia, pues sus caminos conducen a modelos que se perpetúan en la inacción, hasta llegar al estancamiento. Sobran las palabras, pues abundan los ejemplos.

La provincia de Alicante ha sido y es un modelo de población emprendedora que ha sabido compensar con ideas y esfuerzo otras carencias del territorio, para generar riqueza y bienestar. Su visibilidad y el posicionamiento internacional que ha logrado son prueba de ello, como muestra del carácter innovador que ha servido para equilibrar otros déficits. Cuestión a parte son los acontecimientos de corrupción probada o presunta, según los casos, que salpican a sus políticos como en casi toda España (lamentable).

De los procesos de desarrollo económico podríamos objetar que, en cierta medida, las potencias empresariales de la provincia no siempre han sabido canalizar su responsabilidad social corporativa asumiendo el liderazgo de proyectos sociales y culturales que contribuyan al desarrollo del territorio en el que se radican. Lo económico es sólo una de las bases para el progreso colectivo. El mejor modo de garantizar el bienestar de la sociedad es invertir en su formación, impulsando programas que favorezcan el crecimiento personal y el desarrollo de los mecanismos de reflexión y autonomía para combatir el empobrecimiento cultural. No se trata necesariamente de que cada individuo adquiera conocimientos teóricos complejos, sino de facilitar las oportunidades que permitan a la población activar áreas de percepción para su educación sensible. De esas actuaciones se deriva la creación de un volumen de riqueza intangible, que se transforma en recursos personales de los individuos a la hora de enfrentarse a la realidad.

La empresa Mustang, consciente de su capacidad de liderazgo, ha asumido desde 2010 el reto de impulsar un proyecto de mecenazgo cultural mediante la creación de Mustang Art Gallery –MAG. Un modo de articular una fórmula de apoyo a la creación contemporánea y, a la vez, estimular el interés de la población por las expresiones artísticas de su tiempo. No puede apreciarse lo que se desconoce, lo que no es mostrado, como tampoco el público puede disfrutar con aquello que no comprende. Las transformaciones tecnológicas de nuestro tiempo han contribuido también a la revolución de los lenguajes artísticos y, ante ellos, una buena parte de la sociedad no logra descifrar sus códigos. Por otra parte, sin apoyo, los jóvenes creadores no lograrían trazar otros caminos ni ayudarnos al resto a mirar el mundo con ojos nuevos. Los genios del futuro se cruzan a diario con nosotros en la calle, y ahora MAG contribuye para darles soporte, permitiéndonos acercar a sus trabajos y planteamientos.  La historia cultural de España, seguramente, no sería lo que es sin la figura de los mecenas, sin la generosidad y la altura de miras de quienes están dispuestos a compartir parte de sus beneficios para mejorar, según sus posibilidades, la realidad que les rodea.

En Mustang Art Gallery se impulsan actividades culturales con un perfil variado, pero en todas ellas queda patente un afán por trascender algunos límites incómodamente convencionales. El arte contemporáneo ha logrado convertirse en una especie de idioma mundializado gracias a la globalización, es una “lengua” que se habla con peculiaridades en todo el planeta pero que finalmente pocos consiguen entender. Uno de los propósitos que pretende MAG es acercar al público esas experiencias artísticas, realizando a su vez talleres didácticos, cursos y conferencias dirigidos a diferentes segmentos de audiencia.

Con motivo de JustMad5, la feria de arte emergente que se celebra en Madrid, se ha hecho público el nombre de la premiada en la tercera convocatoria del “JustMAG Premio Joven”. La artista boliviana Liliana Zapata ha sido la seleccionada. Este galardón, iniciativa de Mustang Art Gallery, consiste en una dotación de 4.000€ para compra de obra de la artista ganadora, representada por Nube Gallery, galería de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Además, en 2015 podrá verse en la Sala MAG una exposición de la artista como parte de la promoción del arte más joven que se pretende con la convocatoria.

De Liliana Zapata, nacida en La Paz (Bolivia) y formada en la Academia Nacional de Bellas Artes “Hernando Siles”, el jurado ha valorado principalmente sus esculturas en papel. La artista define su propio trabajo como “una obsesión por la manipulación de espacios (copiar, plegar, desplegar, encajar, vaciar espacios…) y por la relación, experimentación y acción del cuerpo en relación a dichos espacios. Me interesa por lo que tiene de físico y de espiritual”.

La iniciativa de esta empresa alicantina de calzado es un ejemplo que debería propagarse como un virus, despertando el interés de otros empresarios por asumir su responsabilidad con la sociedad de su tiempo. Esperemos que los límites del pensamiento convencional no supongan un obstáculo a nuestra capacidad para imaginar una realidad mejor.

José Luis Pérez Pont

Liliana Zapata gana el JUSTMAG Premio Joven

En JustMad5
C/ Hortaleza, 63. Madrid
Del 19 al 23 de febrero de 2014

La artista boliviana Liliana Zapata ha sido la ganadora de la tercera convocatoria del “JUSTMAG Premio Joven”, galardón otorgado en el marco de la feria de Arte Emergente JUSTMAD, que se celebra todos los años en Madrid.

Este galardón, iniciativa de Mustang Art Gallery, consiste en una dotación de 4.000€ para compra de obra de la artista ganadora Liliana Zapata, de Nube Gallery, galería de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.

Además, el “JUSTMAG Premio Joven” ofrece la oportunidad a la joven artista de exponer en la Sala MAG a lo largo del 2015. Apoyando, promocionando y difundiendo el arte contemporáneo más joven y emergente.

De Liliana Zapata, nacida en La Paz (Bolivia) y formada en la Academia Nacional de Bellas Artes “Hernando Siles”, se ha valorado principalmente sus esculturas en papel. Acaba de realizar una estancia en residencia artística en la Torre Don Beltrán de la Cueva, en Santillana del Mar, Cantabria y en 2008 fue Seleccionada para participar del Intercambio Internacional con la École Superiéure dex Beaux-Arts Le Mans. Participa en talleres con artistas nacionales e internacionales con el afán de entender y responder sus inquietudes sobre la escultura y el arte contemporáneo. Define su propio trabajo como “una obsesión por la manipulación de espacios (copiar, plegar, desplegar, encajar, vaciar espacios…) y por la relación, experimentación y acción del cuerpo en relación a dichos espacios. Me interesa por lo que tiene de físico y de espiritual”.

El jurado ha estado compuesto por Guillermo Espinosa, director de JUSTMAD5, Andrea Pacheco, comisaria del programa “Just Residence” y Juan Fuster, director de Mustang Art Gallery.

Jurado del JUSTMAD5 y Liliana Zapata. Imagen cortesía de la Mustang Art Gallery

Jurado del JUSTMAG y Liliana Zapata. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery

Entrega del premio a Liliana Zapata. Imagen cortesía de la Mustang Art Gallery.

Entrega del premio a Liliana Zapata. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery.

Liliana Zapata. Imagen cortesía de la Mustang Art Gallery.

Liliana Zapata. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery.

Los desnudos de Henrike Scholten en JustMad5

Henrike Scholten. Desnudos
Trentatres Gallery
En JustMad5
San Joaquín 12. Madrid
Del 19 al 23 de febrero de 2014

La belleza es relativa, tiene que ver con los gustos y con las épocas. Una excesiva admiración por la forma y la apariencia ha llevado a algunas sociedades, a lo largo de la historia, a una exaltación de lo material que ha resultado finalmente fatal si nos ceñimos a los trances de su destino. El tiempo y su desgaste atroz sobre las personas y los materiales es una batalla perdida, un proceso incontestable que nuestra sociedad habría de revisar para administrar de otro modo sus esfuerzos.

Frente a la velocidad y la inmediatez que definen nuestro tiempo, el lujo realmente consiste en todo lo que escasea: el contacto con la naturaleza, el silencio, la meditación, la lentitud recobrada, el placer de vivir a contratiempo, la ociosidad estudiosa, el disfrute de las obras maestras y otros tantos privilegios que no se pueden comprar porque no tienen, literalmente, precio (Bruckner, Pascal. La euforia perpetua. Sobre el deber de ser feliz. Tusquets, Barcelona, 2001). A la pobreza que soportamos podemos oponerle un empobrecimiento elegido, o una autorrestricción voluntaria, que no es en absoluto la opción de la indigencia, sino la redefinición de las prioridades personales, logrando inventar nuestra propia vida para ser dueños de nuestro destino.

La artista holandesa Henrike Scholten está más interesada en lo estético que en lo bello. Ese es su compromiso de interpretación de la realidad y para ello realiza un ejercicio de abstracción de la forma humana. Cuando miramos más allá de lo que se muestra ante nuestros ojos, más allá de los cuerpos torneados y los estereotipos del estilo, lo que encontramos es una composición de músculos y vísceras, órganos, extremidades y grasa. Ese es el modo con el que Scholten nos recuerda la fragilidad del equilibro que separa la vida de la muerte, lo bello de lo grotesco. Unos binomios que no califican los extremos en términos peyorativos, sino que los asume como partes necesarias y se deleita en ellos.

Sus trabajos de lápiz sobre papel representan la delgada línea que separa lo desagradable de lo placentero, que toma forma en acumulaciones de carne que nos remiten al instinto salvaje contenido en lo humano. Cuando nos desnudamos, cuando nos despojamos de las convenciones y pasamos por alto los estándares del comportamiento, lo que queda, a los ojos de la artista, es una masa informe que omite las particularidades para centrarse en lo común. Su mirada nos hace iguales, pues nos reduce a una esencia abstracta. La falsa idea de belleza y felicidad acarrean tras de sí la materia desgarrada y los sueños truncados, esos que alimentan el dolor humano y que Scholten convierte en orografías montañosas de un territorio delicado, el de las emociones.

José Luis Pérez Pont

Obra de Henrike Scholten. Lápiz sobre papel, 150x150cm. Imagen por cortesía de la galería.

Obra de Henrike Scholten. Lápiz sobre papel, 150x150cm. Imagen por cortesía de la galería.

Obra de Henrike Scholten. Lápiz sobre papel, 150x150cm. Imagen cortesía de la galería.

Obra de Henrike Scholten. Lápiz sobre papel, 150x150cm. Imagen cortesía de la galería.

Alba Cabrera en JustMad

Alba Cabrera

Stand en JustMadrid

La galería Alba Cabrera ocupó uno de los stand de la feria JustMad con una propuesta integrada por los artistas Fabio Camarotta, Gustavo Díaz Sosa y Moisés Yagües. Trabajos todos ellos diferentes, pero de innegable impacto visual. Camarotta propone con su pintura prensada un universo de transparencias donde la presencia del cuerpo se va difuminando creando una red misteriosa. Díaz Sosa indaga en la soledad del individuo en un contexto que recuerda al desolado espacio de La carretera, del novelista Cormack MacCarthy, Y Moisés Yagües, con una pintura aparentemente ingenua, no deja de profundizar en esa misma desolación humana en tiempos desconcertantes, pero tamizados por la ironía y el humor.