Ningún hashtag (todavía) en Plastic Murs

‘Don’t have a hashtag yet’, de Emak, Miedo12 y PRO176
Plastic Murs
Denia 45, Valencia
Hasta el 27 de abril de 2018

El galerista Sidney Janis de Nueva York promovió la exposición ‘Post Graffiti’ en diciembre de 1983. Su selección mostró el trabajo de Keith Haring, Jean Michel Basquiat, y Kenny Scharf frente al de Crash, Futura 2000, Lady Pink y Ramellzee, entre otros. Aquella  no fue la primera (ni la última) exhibición que alteró el contexto y el significado de las piezas de graffiti, por trasladarlas desde la calle al  interior de una galería de arte y enfrentarlas, igualmente, a lo pintado en el taller. De forma premonitoria el título definía un tiempo ya pasado, por la aparente superación de los métodos de la old school; algunos pensaron que marcaba un final, por falta de relevo, de la generación pionera.

Imagen de una de las obras que integran la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen de una de las obras que integran la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Como saben, nada fue definitivo ni terminal. El movimiento no ha podido detenerse y ha configurado la imagen de la ciudad globalizada: él mismo se retroalimenta con nuevos practicantes, renovando su escenario casi cada dos lustros. Además, pese a las herramientas digitales y las redes sociales, aún perdura la transmisión manual de la experiencia vicaria, el paso del maestro al aprendiz.

Pasaron décadas y en 2013 se fundó la galería Plastic Murs, que ya nos ha señalado alguna pista sobre la relación arriba apuntada: la exposición ‘Lugares Comunes’ (2017) y la presente ‘Don’t have a hashtag yet’. Ambas hacen ver y entender el arte contemporáneo desde otra perspectiva, inclusiva, con las prácticas artísticas de la calle. Apuntamos lo irónico del título “el no tener hashtag yet”: esa no es una preocupación para estos artistas, pueden etiquetarlos ustedes si lo necesitan. Aparte de lo matizable de las traducciones al español de Street Art, Graffiti, Urban Art…existe cierto rechazo a ser encasillado bajo esas tipologías. La muestra es un rico encuentro, apuesta sin batalla entre los estilos de PRO176, Miedo12 y Emak, que transitan con desparpajo por los muros y el estudio, entre la pieza clásica de graffiti hip hop y el dibujo geométrico, a mano alzada, más delicado y dinámico.

Un instante de la inauguración de 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Un instante de la inauguración de ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

La pintura mural plana y bidimensional de PRO176 (Paris, 1976) posee tres gruesas ramas bien enraizadas: apadrinado por SEEN, sintetiza la influencia del godfather of graffiti del Bronx, y reconoce su deuda con los recursos gráficos de Jack Kirby, padre de los superhéroes de la editorial Marvel. Otro sólido punto de apoyo original es el genuino graffiti parisino de los años noventa. Igualmente es uno de los primeros miembros del reconocido colectivo Ultra Boyz International.

Emak (Barcelona, 1980) es técnica y maestría, es buen hacer, sabe combinar el esmalte en aerosol con la pintura acrílica y las brochas, construyendo planos en movimiento, formas fugadas y colores inverosímiles de arriesgado equilibrio. Podríamos etiquetar su trabajo como pintura mural urbana, (¿neobarroca?), que refleja la tradición del graffiti de letras europeo, brillante y rotundo, con todas las variaciones inimaginables de sus cuatro letras. Imaginación incansable.

Imagen de una de las obras que integran la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen de una de las obras que integran la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Miedo12 (València, 1971) está activo en la calle desde 1998, un respeto ganado a pulso. Es escritor de graffiti e ilustrador profesional. Al igual que sus compañeros, también escribe (y traza, soberbio) el dibujo de su nombre. Su wild style y paleta de colores saturada es inconfundible; como experto tipógrafo, destacan sus letras por encima del muñeco, la parte figurativa que escolta a la pieza clásica. Miedo12 es igual de efectivo al resolver sobre persianas metálicas, tapias de solares o en la obra gráfica de estudio y en los murales decorativos de interiores. Siempre ha formado parte de la crew italiana BN –21 años en la brecha–, y sus trabajos pueden verse repartidos entre España, Italia, México o Guinea.

La didáctica selección de ‘Don’t have a hashtag yet’ enseña libertad, sin etiquetas, por eso deben estudiarla. Gracias por llegar hasta aquí.

Imagen general de la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen general de la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Juan Canales Hidalgo

 

“Todos los personajes de mis obras están amenazados”

Dulk en ‘València en papel’
Plastic Murs
C / Dénia, 45. Valencia
Hasta el 16 de febrero de 2018

El arte urbano ha roto aguas para alumbrar una nueva generación de artistas que se manejan con igual soltura ante el muro de una fábrica abandonada que ante el lienzo o el papel. Las pandillas de adolescentes que garabateaban paredes con sus aerosoles desafiando a veces el control policial son hoy artistas de renombre internacional que exponen sus trabajos en salas de todo el mundo. Sin ir más lejos que al barrio de Russafa, en Plastic Murs podemos ver hasta el 16 de febrero una buena representación de los valencianos que más pintan en este aspecto: Deih, Dulk, Duke103, Dyox, Julieta XLF, Laguna626,  David de Limón, Mario Mankey, Miedo12, Napol TBS, Omega TBS, PichiAvo, Vinz Feel Free y Xèlon XLF.

Con algunas excepciones como la reciente exposición Joc de Vinz Feel Free en el Centro del Carmen, el encargo por parte del Ayuntamiento a PichiAvo del proyecto para la Ciutat Fallera o la elección de Escif para intervenir el muro situado en el solar del IVAM, la mayoría de ellos están más valorados fuera que dentro de nuestras fronteras. Un caso paradigmático es Antonio Segura Donat, Dulk que prepara ahora mismo un par de exposiciones colectivas en USA que se inaugurarán en febrero. Una en el Museo de Arte de Honolulúa de Hawai titulada The new contemporary art movement y otra en la Antler gallery de Portland. En diciembre de 2018 presentará en Los Ángeles su primera exposición en solitario.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Desde niño cuando ayudaba a su padre a cuidar a los más de 500 pájaros que éste criaba en cautividad se siente fascinado por los animales y empezó a dibujarlos tal como son y como él los veía en su imaginación. Empezó a estudiar Económicas pero la llamada de la selva pictórica era más fuerte, y hoy es Dulk es un artista gráfico todoterreno que ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Miami, New York, Vancouver, Brussels, Paris y Chicago.

Dulk contempla el mundo a  través de la mirada de un niño que crea tragicomedias cromáticas y alegorías de una extinción cada día más cercana. Su mundo surrealista esta lleno de detalles imaginarios e historias entre personajes que intentan escapar de una catástrofe inminente. Aunque prefiere trabajar en el estudio para tenerlo todo más controlado también necesita la calle para sentirse realmente libre.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Su personal estilo se mueve dentro del movimiento del surrealismo pop o lowbrow, término utilizado para describir un movimiento underground de arte visual que surgió en la zona de Los Angeles, a finales de los setenta también conocido como surrealismo pop.  Su evolución artística ha desembocado en un lenguaje plástico que permite al espectador dialogar con la obra y compartir con ella una historia abierta.

“Actualmente estoy centrado en el estudio de la fauna desde un punto de vista de observación e investigación. El año pasado fui a la selva de Costa Rica, el anterior a la sabana africana en Tanzania y acabo de visitar Yellowstone. Ademas de tomar miles de fotografías, me recreo observando a sus habitantes, cómo interactúan en el medio ambiente. En mis composiciones recreo ambientes biológicos envueltos en conceptos antagónicos. Me encanta interpretar y jugar con su anatomía, darles carácter y crear nuevos personajes a partir de ellos mismos”.

Dulk intenta captar el dominio que los humanos ejercemos sobre los seres vivos del planeta,  “cómo somos capaces de romper  las costumbres de las criaturas que lo comparten con nosotros en aras del poder que creemos tener sobre todo. Los personajes de mis obras están amenazados, muchas veces heridos y otras muertos, pero presentes en alma para conformar escenas llenas de sarcasmo. Intento capturar al espectador con una paleta agradable a la vista para, posteriormente sumergirlo en un trágico realismo escondido en un mundo ideal”.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Aunque en la Comunidad Valenciana no ha recibido todavía el reconocimiento que merece, opina que aquí “viven y trabajan algunos de los mejores muralistas del momento a nivel mundial. Hay mucha calidad ahora mismo y creo que estamos a la cabeza nacional si contamos el número de artistas trabajando a primer nivel. Deberíamos de tener mas apoyos y facilidades para potenciar el movimiento, aún así contamos con muy buenas escuelas, organizaciones y universidades implicadas y eso, junto con el indudable talento de los artistas hace que se vayan recogiendo frutos”.

Sobre el futuro del arte urbano le preocupa “que se convierta en una moda y eso entorpezca su evolución”. Aunque no está en contra de que los artistas invadan el espacio urbano con su arte  para compartirlo con la sociedad, ahora mismo ve “demasiado actuación en forma de tendencia”. Considera que a nivel nacional poco a poco el reconocimiento esta mejorando pero el camino a recorrer es todavía muy largo. “Conozco a mucha gente por todo el mundo y suelen interesarse por lo que ocurre en España al ver la cantidad de artistas punteros que tenemos. Es alucinante el nivel que hay en cada rincón del país, especialmente en nuestra Comunidad. Es una pena que no tengamos más reconocimiento”, concluye Dulk.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Bel Carrasco

Escif revive la trasera del IVAM

Mural de Escif
Pared trasera del IVAm
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Desde el 8 de septiembre de 2017

Escif dice haber hecho “acupuntura con los pinceles” para “dejar que las paredes hablen, que nos cuenten aquello que merezca la pena ser oído”. Y lo que la pared trasera del IVAM manifiesta, una vez intervenida plásticamente por el artista valenciano, en lo que José Miguel Cortés, director del museo valenciano, calificó como el mayor grafiti realizado en España, es su voluntad de revelar el pasado, presente y futuro del barrio. “Un grafiti espectacular”, señaló Cortés, yendo más lejos en su calificación: “Me atrevería a decir que este muro de la vergüenza es ahora una muro de acogida”.

El inmenso grafiti, sobre el que Escif ha aplicado lo que él llama “reflexología mural”, tiene precisamente como objetivo servir de acto reflejo de cuanto lo constituye como pared que limita el interior del IVAM, con el barrio que lo acoge y al que durante años se le ha dado la espalda. “Es el primer paso en la renovación de este solar lleno de yerbajos”, apuntó Cortés. Un solar en el que está previsto instalar una serie de esculturas de la colección del propio IVAM y sobre cuya fecha de inicio se manifestó dubitativo su director.

Mural de Escif en la pared trasera del IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

Mural de Escif en la pared trasera del IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

“No me atrevo a decir una fecha porque no depende de mí; nos gustaría que todo fuera más rápido, pero avanza muy lentamente”. Luego fue aclarando las nubes: “Confío que sea este año. Me atrevería a decir que seguro”. De lo que estaba muy seguro era de que el mural tenía ya sentido al margen del futuro patio de esculturas y de la magnitud de la obra de Escif: “Es el más importante que ha hecho y además lo ha hecho en su ciudad, Valencia”. Tiene previsto realizar otro similar en el Palais de Tokyo en París, aunque Cortés precisó que al parecer tenía problemas burocráticos y que, en cualquiera de los casos, sería temporal.

La fachada de un edificio, según explica el artista acerca de su trabajo, es un reflejo de lo que articula a su alrededor. De manera que su labor ha consistido en poner en relación todo ello. Cortés lo fue explicando refiriéndose a ese pasado, presente y futuro que contenía la plástica del muro. “Nos habla del pasado del barrio, de quienes fueron expulsados de sus casas y de las protestas de aquellos años; del horno o del bar que había”. También de la actualidad, “al haber escogido frases de multitud de grafiteros que ha incorporado a su trabajo”.

El director del IVAM José Miguel Cortés durante la presentación del mural de Escif. Imagen cortesía del IVAM.

El director del IVAM José Miguel Cortés durante la presentación del mural de Escif. Imagen cortesía del IVAM.

Y del futuro reflejado en el instituto de enfrente. Un instituto de enseñanza artística donde la música tiene vital importancia. “Está hecho a modo de partitura, trayendo el instituto al mural y llevando el mural al instituto”, puesto que, como dijo Cortés, hay grafitis en el mural provenientes de los aseos, escaleras o diversos rincones del centro, que tendrá su correspondencia con el que el propio Escif pintará en la pared del instituto. “Es un lienzo lleno de guiños a multitud de cuestiones”, subrayó el director.

Hay esculturas clásicas, cabezas grecorromanas, hallazgos arqueológicos de la zona (ruinas romanas descubiertas en los subsuelos del barrio del Carmen), elementos arquitectónicos como la escalera y colores referentes a las fachadas del barrio. También frases como estas: “Busco poema que celebre mi grieta”, directamente contrarios al propio IVAM (“Por la demolición del IVAM, por la inmolación del antro”) o la más paradójica: “Si estás leyendo esto, es demasiado tarde”.

Detalle del mural de Escif en la pared trasera del IVAM.

Detalle del mural de Escif en la pared trasera del IVAM.

El trabajo de campo realizado por Escif le ha llevado seis meses y su ejecución apenas dos semanas, a razón de siete horas diarias, con un presupuesto total de alrededor de 18.000 euros. Un “acto de psicomagia”, como lo ha denominado el artista, mediante el cual borrar la pared a base de pintarla: “La pintura permite invertir la soberbia con la que el hormigón se impone antes las masas; una pared pintada deja de ser un límite para convertirse en un canal transversal, arremetiendo contra su naturaleza”.

Cortés aseguró el compromiso del IVAM de no tocar el grafiti aunque, en tanto tal, esté sometido al riesgo de que pueda ser intervenido por otros grafiteros, incluido el propio Escif: “Va a tener días para darle vueltas a su propio trabajo”. También la climatología puede afectar al mismo. En todo caso, como apunta el artista, la pared no dejará de hablar por sí misma, convirtiendo al pintor “en un mediador al margen del discurso” y a la pintura “en un canal que permita la comunicación horizontal entre la gente”.

En su “Comentario del solar”, Escif alarga la deriva de su trabajo anteponiendo “el diálogo a la imposición, la mediación a la colonización, la calle a la institución, la vida al espectáculo”. Y concluye, no sin antes rizar el rizo en forma de “hacer una pintura mural que no sea una pintura mural”, estableciendo la siguiente cadena en el proceso productivo: “El artista puesto al servicio de la gente. El museo puesto al servicio de la ciudad. El arte puesto al servicio de la vida”.

Mural de Escif en la pared trasera del IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

Mural de Escif en la pared trasera del IVAM. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

El arte mural de Zedre irrumpe en el Carme

Zedre, Art Mural i Cultura Urbana
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Viernes 19 de mayo de 2017

ZEDRE, Art Mural i Cultura Urbana tiene como punto de partida la intervención y presentación en la fiesta del 19 de mayo en el Centre del Carme Cultura Contemporània, sede del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. Esta presentación en un enclave museístico tan destacado de València es un indicador claro de las intenciones de ZEDRE, como promotor de la cultura urbana desde la perspectiva de un enfoque artístico y multidisciplinar.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, explicó que “el Consorci de Museus ha iniciado una colaboración con ZEDRE Art Mural i Cultura Urbana con el objetivo de poner en valor esta disciplina artística tan característica de la cultura de nuestro tiempo. El arte mural forma parte del entorno urbano de la ciudad de València y especialmente del barrio del Carmen por lo que abrir el Centre del Carme a este tipo de manifestaciones artísticas es una forma de abrirnos al barrio y en general a la sociedad valenciana”.

“Asimismo introducimos esta disciplina en un centro de arte, demostrando que se puede transformar el espacio respetando el patrimonio lo que nos permite eliminar así los clichés de que el arte mural o el graffiti son destructivos y comenzar a apreciar el trabajo de estos creadores dentro del arte contemporáneo”, añadió.

Intervención mural de Wall Arttitude. Imagen cortesía de Zedre.

Intervención mural de Wall Arttitude. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El Centre del Carme será, el próximo 19 de mayo, la localización permanente de un mural de grandes dimensiones a cargo de Wall Arttitude (colectivo multidisciplinar de reputados artistas valencianos) junto con la intervención del claustro renacentista con gigantografía a cargo de Solimán Lopez & Lluis Salvador. La obra mural puede verse ya en fase avanzada, y está prevista su conclusión, junto con la intervención del claustro, para que pueda disfrutarse por todos los asistentes a la fiesta ‘Viatge al Present’, organizada conjuntamente por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y ZEDRE Art Mural i Cultura Urbana, con motivo de las actividades del Día Internacional de los Museos.

La fiesta ‘Viatge al Present’ contará con las actuaciones de Midi Drops, DJ Finger, Plan B, Mag Rubén Aparisi, y colaboraciones artísticas e innovadoras para todas las edades de Tatoonie o Fab Lab entre otros. Todo ello, además, con la presencia de Cerveza Turia que servirá su producto al público asistente.

Las empresas valencianas Pinturas Montó y Radical Walls patrocinarán los materiales tanto de esta primera intervención mural, como para el resto de iniciativas de ZEDRE en la ciudad. Se trata de generar una ruta sostenible para interactuar con la arquitectura de la ciudad de Valencia a través del arte mural (pictórico y fotográfico) y jardines verticales durante todo el año con la bicicleta como vehículo oficial.

Desde ZEDRE entienden como cultura urbana: movilidad sostenible, gastronomía, música, huertos urbanos, coloquios, jardines verticales, talleres, acciones urbanas, exposiciones, vida saludable, escaparatismo, deportes urbanos, magia, teatro callejero, perfomance, declaró Lluis Salvador, director de ZEDRE y promotor de la iniciativa.

ZEDRE cuenta a su vez con el patrocinio tecnológico de ESAT, Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia, quien han realizado el vídeo promocional de ZEDRE que se pudo ver en la presentación a medios, y que se proyectará de forma ininterrumpida también durante la fiesta del día 19.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont (i), y Lluis Salvador, director de Zedre. Imagen cortesía del Carme.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont (i), y Lluis Salvador, director de Zedre. Imagen cortesía del Carme.

Primera ruta sostenible de arte urbano

Tras la primera intervención de ZEDRE en el Centre del Carme, las actividades previstas comprenden toda una serie de acciones encaminadas a generar esa primera ruta sostenible de arte urbano en Valencia. Comenzando desde La Marina de Valencia, pasando por la zona del Cedro y la Facultat de Geografia i Història, para terminar en el Barrio del Carmen nuevamente. Un recorrido que será circular, de ida y vuelta, y que contará con una veintena de muros intervenidos por artistas valencianos, tanto de reconocido prestigio internacional, como jóvenes promesas escogidos a partir de una convocatoria abierta a artistas locales.

La mayoría de estas intervenciones tendrán lugar en la última semana de junio, contando con un desarrollo paulatino, en la medida de la disponibilidad de los diversos artistas comprometidos con ZEDRE. Entre ellos nombres como Dulk, PichiAvo, el ya mencionado colectivo Wall Arttitude, y no solo artistas del mundo del Street Art, sino también escogidos desde otras disciplinas, como Belén Segarra, Coté Escriva, Juan Olivares o Ruben Tortosa.

Además ZEDRE organizará el primer campeonato oficial de Long Board en Valencia, con la colaboración de la Federación de Longboard, en un espacio tan emblemático como La Marina de Valencia. Y además para incidir aún más en el carácter social de la propuesta, la innovadora empresa valenciana de cascos de bicicleta, Closca, colaborará con la intervención de cascos por una selección de artistas de reconocido prestigio, que serán subastados y cuyos beneficios irán destinados a organizaciones probici, reforestación y limpieza del ecosistema marino, y la propia autofinanciación de ZEDRE.

Intervención mural de Wall Arttitude. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Intervención mural de Wall Arttitude. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Doble excepción

Shape & Forms de 1010, CT, Nawer, Nelio y SatOne
Plastic Murs
C/ Dénia 45, Valencia.
Inauguración 16 diciembre a las 20.00h
Hasta el 21 de enero de 2017

Mucho ha evolucionado el fenómeno ochentero del grafitti de raíces Hip-Hop, al tiempo que ha ido adoptando nuevas denominaciones y naturalezas menos vandálicas y callejeras. Desde entonces, el mundo de las galerías no ha dejado de echar cables y tender puentes para tratar de integrar aspectos sin duda valiosos e interesantes. Sin embargo, no es sino hasta fechas recientes cuando estamos viendo superado el enorme recelo que los artistas urbanos han sentido hacia el mercado del del arte y acortando la distancia que han estado guardando. Afortunadamente, la convivencia está demostrando que las incompatibilidades no son ni mucho menos genéticas, sino más bien culturales.

La segunda excepción tiene que ver con la minoritaria presencia de la abstracción en el arte urbano. Sus orígenes derivados de la firma y el poder iconográfico de determinados tipos de imágenes, han dejado un papel muy secundario a las manifestaciones abstractas… pero también esto está cambiando a velocidad de vértigo.

Bajo el doble juego de Shapes & Forms, nos encontramos con obras de cinco artistas sobradamente conocidos en el panorama internacional. Todos han sabido compaginar diferentes facetas de su actividad artística con una naturalidad que sería inimaginable hace un par de décadas. Cuando menos evidentes son las referencias figurativas, más claras y profundas han de ser las motivaciones y las raíces que animan y vivifican sus respectivas poéticas.

Obra de Nelio. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Nelio. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Nawer construye unos espacios expansivos que como pequeñas galaxias parecen extenderse desde su centro hasta rebasar los márgenes perimetrales del soporte. Formas geométricas y líneas duras conviven con unos contrapuntos evanescentes y un tanto gestuales.

SatOne despliega una actividad que se podría calificar de barroca. Con una cuidada puesta en escena en la que domina una paleta limpia, de formas abigarradas que generan ritmos sinuosos y dinámicos cuya fuerza no puede encerrarse en los límites ortogonales de la obra.

Nelio realiza una propuesta que conjuga la acción inherente al proceso de pintar con una geometría sintética -a veces orgánica- que suele dialogar con el fondo, especialmente cuando el soporte es un muro abandonado, mientras que en sus pinturas tiende a una ordenación cuasi alfabética.

1010 juega a la repetición creciente o decreciente de una forma cerrada marcadamente lobular que somete a variaciones cromáticas que finalizan o empiezan en un negro absoluto que todo lo absorbe, que todo lo contiene y, por lo tanto, todo puede surgir de él.

Finalmente, CT, su trabajo, es a la vez el más estrictamente geométrico y el que entronca de modo más directo con la tradición del nombre. Aunque en su caso, fuerza el juego de variaciones y fragmentaciones de sus iniciales de referencia a extremos y resultados tan independientes como autónomos. Dos letras, dos tintas.

Como no hay dos sin tres, ¡una exposición de excepción!

Juan Bautista Peiró

Historias de soledad a los Goya

Graffiti, de Lluís Quilez, y ‘Oa’, de Jaime Maestro
Cortometrajes preseleccionados a los Premios Goya
Presentados en la Filmoteca de Valencia
Martes 29 de noviembre de 2016

“Yo he visto similitudes entre ambos cortos”, señaló Carlos Escutia, productor de ‘Oa’, la película de animación dirigida por Jaime Maestro, presentada en La Filmoteca de Valencia junto a ‘Graffiti’, de Lluís Quilez. Y las había. “A nivel narrativo”, precisó Escutia. Se trata de dos películas preseleccionadas a los Goya en los apartados de animación y de ciencia ficción, respectivamente, que muestran universos apocalípticos. En el caso de ‘Graffiti’, abiertamente apocalíptico, más atenuado en el de ‘Oa’, pero igualmente escorado hacia la desolación del mundo.

Casualidad o no, lo cierto es que la tendencia a mostrar la vida de nuestra especie amenazada por fuerzas extrañas constituye un rasgo temático a tener en cuenta. Que es lo que hacen Maestro y Quilez, centrando su atención en historias de soledad que buscan un hueco en los próximos Premios Goya de la Academia del Cine Español. Para ello, ya han superado una primera criba, que les otorga el honor de estar entre las 15 películas de ficción y las 10 de animación preseleccionadas, de entre más de 500 trabajos presentados.

Fotograma de 'Graffiti', de Lluís Quilez, preseleccionado a los Premios Goya.

Fotograma de ‘Graffiti’, de Lluís Quilez, preseleccionado a los Premios Goya.

‘Graffiti’, cuyo productor Cristian Guijarro reveló un coste cercano a los 100.000 euros, parte de los cuales corresponde a las ayudas a la producción de CulturArts, se rodó en Pripyat, la ciudad fantasma cercana a Chernobyl. “Estaba enamorado de ese lugar”, explicó Quilez, que pudo desplazar un pequeño equipo hasta allí una vez superados los problemas de radicación que impedían su ocupación. “Quería mostrar cierto universo pos apocalíptico para contar una historia de amor entre dos personajes, pero que sólo apareciera uno”.

Edgar (Oriol Pla) deambula entre pabellones industriales vacíos y nevados “siete años después del incidente”, así arranca la película. Un incidente que le ha dejado solo en medio de la nada, hasta que cierta misteriosa mujer se comunica con él por medio de graffitis. “Me apetecía contar una historia de amor contemporánea, a base de esos mensajes cortos tan propios de las redes sociales en busca de pareja”, apuntó Quilez, quien abundó en la idea de “soledad” e “imaginación” para explicar ese amor en medio de un universo apocalíptico. Algunos interiores fueron rodados en localizaciones de Alzira y Sagunto, de ahí la importancia del equipo artístico a la hora de ligar todas las escenas.

Fotograma de 'Oa', de Jaime Maestro, preseleccionado a los Premios Goya.

Fotograma de ‘Oa’, de Jaime Maestro, preseleccionado a los Premios Goya.

‘Oa’, aunque muestra igualmente un paisaje desolado y frío, se va escorando hacia otro lugar. “Más allá de la desolación, habla de los sacrificios para lograr lo que uno desea”, señaló Maestro. Realizado “sin ánimo de lucro” por alumnos de la escuela Primer Frame y, en este sentido, de coste cero, se presenta a los Goya con la intención de seguir abriéndose camino. “Si el cine español es el patito feo del cine, el cortometraje lo es más todavía y el de animación es el patito feo del patito feo”, exclamó Maestro.

Ambientada en Mongolia (“hubo que hacer un importante trabajo de investigación”), la historia de ‘Oa’ es “un viaje iniciático hacia la madurez”, subrayó su director, quien alabó el “esfuerzo casi titánico” de los alumnos por sacar adelante su propuesta. Una estrella fugaz servirá de guía a los dos aislados protagonistas de la trama. “Es el momento memorable a partir del cual se desarrolla el resto de la historia”, comentó Maestro.

José Luis Moreno, director adjunto del IVAC, resaltó que otras 15 producciones valencianas compiten por alcanzar las nominaciones a los Goya, cuyos académicos votarán en las próximas semanas los finalmente candidatos a los premios. El Institut Valencià de Cultura ha enviado a todos los académicos los trabajos valencianos, facilitando así su visionado. Es lo que corresponde a una institución pública que busca un retorno a su inversión. “Hacemos lo que podemos”, concluyó Guijarro, en relación con su camino a los Goya, haciéndose eco del sentir general.

Fotograma de 'Graffiti', de Lluís Quilez.

Fotograma de ‘Graffiti’, de Lluís Quilez.

Salva Torres

‘El extraño’ y ‘Graffiti’ triunfan en Catacumba

XIV Catacumba Film Festival
Cine Capitolio
C / Major, 81. Godella (Valencia)
Del 10 al 20 de noviembre de 2016

Un cierre magistral para dos semanas intensas de proyecciones. El grupo pospunk Perralobo puso banda sonora en directo al clásico del cine mudo ‘El castillo de los fantasmas’ (1924). Así, con una atronadora ovación, concluyó el pasado domingo 20 de noviembre la XIV edición de Catacumba Film Festival, celebrada por primera vez en el cine Capitolio de Godella.

Fotograma de 'Graffiti', de Lluís Quilez. Imagen cortesia de Catacumba.

Fotograma de ‘Graffiti’, de Lluís Quilez. Imagen cortesía de Catacumba.

La gala de clausura sirvió para hacer entrega de los premios a las obras ganadoras, en una ceremonia que contó con la presencia de Jimina Xanadú, presidenta del jurado del Festival Internacional de Cortometrajes de Catacumba (FICCA’T). Entre las obras galardonadas, la película surcoreana ‘El extraño’ -mejor largometraje-, ‘Graffiti’ -mejor obra independiente- y los cortometrajes ‘Sputnik’ y ‘Corp’, que recibieron los Fetos de Oro del jurado y del público respectivamente y ‘L.O.P.E.’, premio Muñeca Rota al cortometraje más entrañable, con el que la organización visibiliza aquellos trabajos realizados con mucho ingenio a pesar de la escasez de recursos y presupuesto.

Sergio Erro y David Cánovas, directores de L.O.P.E., viajaron desde Madrid para recoger su estatuilla de manos de Carla Pereira y Juan Fran Jacinto, miembros del colectivo de animación Engranaje, responsables de la confección de las estatuillas de esta edición del festival. Otros galardonados enviaron sus vídeos de agradecimiento, como los emotivos mensajes de los directores de los tres cortometrajes argentinos premiados: el ya mencionado ‘Corp’, además de ‘Padre’ y ‘Ronko’, mejor cortometraje y mejor animación, respectivamente, del ciclo Lo que mola es el stop motion celebrado por segunda vez dentro de la programación de Catacumba, que comienza a caminar hacia su decimoquinta edición convertido en el festival valenciano de cine de género más longevo.

Fotograma de 'Sputnik'.

Fotograma de ‘Sputnik’, de Vicente Bonet. Imagen cortesía de Catacumba.

PALMARÉS CATACUMBA FILM FESTIVAL 2016

Mejor largometraje: ‘El extraño’ (Na Hong-jin, Corea del Sur).
Mejor obra independiente: ‘Graffiti’ (Lluis Quilez, España).
Feto de Oro del jurado al mejor cortometraje (estatuilla y premio en metálico de 1000 €): ‘Sputnik’ (Vicente Bonet, España).
Mención especial del jurado: ‘Apolo81′ (Óscar Bernàcer, España) y ‘Getting fat in a Healthy way’ (Kevork Aslanyan, Bulgaria).
Feto de Oro del público al mejor cortometraje (estatuilla y premio en metálico de 250 €): ‘Corp’ (Pablo Polledri, Argentina).
Muñeca Rota al cortometraje más entrañable (estatuilla y premio en metálico de 250 €): ‘L.O.P.E.’ (Sergio Erro y David Cánovas, España).
Galardón a mejores efectos especiales y caracterización: ‘Behind’ (Ángel Gómez Hernández, España).
Galardón a la mejor actriz: Lucía Pollán por ‘Jules D’ y María Maroto por ‘Apolo81′.
Galardón al mejor actor: Nikita Yashchuk por ‘Sputnik’.

PREMIOS Lo que mola es el stop motion:

Mejor cortometraje (premio en metálico de 250 €): ‘Ronko’ (Carlo Montoya, Argentina).
Mejor animación (premio en metálico de 150 €): ‘Padre’ (Santiago Bou Grasso, Argentina).
Mejor personaje: ‘Feardom’ (Pablo Muñoz / Pangur Animation, España).
Mejor innovación o invención técnico-artística: Queda desierto.

Fotograma de 'El extraño'. Imagen cortesía de Catacumba.

Fotograma de ‘El extraño’, de Na Hong-jin. Imagen cortesía de Catacumba. 

Graffiti y Oa, preseleccionados a los Goya

Graffiti, de Lluis Quilez, y Oa, de Jaime Maestro
Preseleccionados para las nominaciones a los Premios Goya 2017
Categoría de cortometrajes

Los  cortometrajes valencianos ‘Graffiti’ de Lluis Quilez y ‘Oa’ de Jaime Maestro han sido preseleccionados por la Academia de Cine para participar en las nominaciones de las categorías de cortometraje de los Premios Goya de 2017.

Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Dentro de la categoría de ficción ha sido preseleccionado ‘Graffiti’, dirigido por Luis Quilez y producido por la productora valenciana Ainur Films. Se trata de un cortometraje de ciencia ficción, ambientado en un mundo apocalíptico, que está interpretado por Oriol Pla. En su recorrido por festivales, ‘Graffiti’ ha ganado el Premio al Mejor Cortometraje Europeo y el Mélies de Plata en el Festival de Sitges, el Premio al mejor Corto en los festivales de Santa Bárbara y de Ciencia Ficción de Boston, entre otros. ‘Grafitti’ forma parte del catálogo de promoción del cortometraje valenciano ‘Curts 2016’ y ha contado con las ayudas a la producción del Institut Valencià de Cultura, que se convocan anualmente a través del IVAC.

Oa, de Jaime Maestro. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Oa, de Jaime Maestro. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Dentro de la categoría de animación, ha sido preseleccionado ‘Oa’, dirigido por Jaime Maestro y producido por Primer Frame. Escuela de Animación. ‘Oa’ es un cortometraje sin diálogos sobre el viaje que emprenden dos niños tras la caída de una estrella fugaz en la estepa de Mongolia.

La Academia de Cine ha seleccionado 26 cortometrajes  para competir en la 31 edición de los Premios Goya en las categorías de animación, documental y ficción. Una Comisión formada por miembros de la Junta Directiva de la institución han seleccionado ocho títulos por animación, cuatro en el apartado de documental y catorce en la categoría de ficción. Estos cortometrajes podrán ser votados en las próximas semanas por todos los académicos para decidir los que, finalmente, optarán a los Premios Goya.

Cartel de Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Cartel de Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

La irreflexiva creatividad de Juanjo Hernández

Automatic Tales, de Juanjo Hernández
Casa de Cultura de El Campello
Plaça de la Constitució, 4. El Campello (Alicante)
Hasta el 11 de junio de 2016

A esta cita con la Casa de Cultura de El Campello, el artista, ilustrador y diseñador gráfico Juanjo Hernández (Alicante, 1961) acude con su ‘Automatic tales’, una serie de obras realizadas en diferentes formatos y técnicas en las que prima el gesto, la rapidez del movimiento, la inmediatez del dibujo realizado sin una idea preconcebida, sin un orden preestablecido, con absoluta libertad creativa, a través de la que Juanjo Hernández narra de manera irreflexiva diferentes escenas que se unen bajo un mismo soporte -como en las lonas de más de dos metros- en lo que el autor ha denominado Cuentos automáticos o Automatic Tales.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Siguiendo la trayectoria de este artista, podemos distinguir en sus obras muchas de las novedades del arte de la segunda mitad del siglo XX, como los soportes, técnicas o materiales utilizados por los grandes informalistas. Formas similares de ejecutar una idea a la que, en esta ocasión, se llega por percepción y convicción. Técnicas como el grattage o el driping utilizadas en sus obras nacen en torno a 1950, al igual que la pintura sígnica y gestual, que presta gran importancia a la velocidad de ejecución, al impulso personal, cinético e irreflexivo. Cuadros con signos que parecen indescifrables y que surgen de manera automática, recordando las caligrafías orientales, y que refuerzan la expresividad del creador y su libre proyección corporal sobre el soporte pictórico. Las obras se realizan directamente sobre el suelo, al igual que pinta Juanjo Hernández los grandes formatos.

Automatic Tales, de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Automatic Tales, de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Entre los movimientos incluidos por el crítico de arte Michel Tapié, en 1952, dentro del Art Autre, se encuentran el Informalismo, el tachismo, la pintura matérica, el espacialismo o el art brut surgidos tras las devastadoras consecuencias y el horror de la II Guerra Mundial, una época de crisis, de profunda transformación de la concepción del mundo, en la que el artista se vuelca en su interior para encontrar respuesta a todas sus preocupaciones, claves en la fuerza expresiva de estos movimientos, que encuentran su paralelismo en la serie Bombardeig, dedicada por Juanjo Hernández a uno de los episodios más tristes acaecidos en Alicante durante la Guerra Civil transmitido por su padre, que lo vivió en primera persona.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

En esta exposición, el artista nos muestra obras grandes, pintadas sobre lonas, otras de menor formato realizadas sobre papel, en blanco y negro o color. Obras mayoritariamente figurativas, creadas entre 2010 y 2016 bajo la técnica de pintura automática, en las que predomina el dibujo, la velocidad de ejecución, el gesto espontáneo y la libertad de trazo. Obras divertidas, con un lenguaje llano, accesible, directo, con una iconografía que se nutre de elementos del mundo cotidiano, de imágenes procedentes de la fotografía, del cómic, de las revistas, la publicidad, el cine o la televisión y que entroncan con aspectos del Pop-art y de las primeras manifestaciones del graffiti como arte urbano.

Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello.

Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello.

Pilar Tébar
Comisaria y Vicepresidenta (Alicante) de la Associació Valenciana de Crítics d’Art –AVCA-

 

Certamen Villalart

Convocante: Ayuntamiento de Villalar
Dotación: 2.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de abril

El Ayuntamiento de Villalar en colaboración con la Fundación Villalar Castilla y León y la Fundación Fermín Carnero (en adelante la Organización), se complace en convocar la 1a edición de “VILLALART”, que se celebrará en la Pz. de los Comuneros, el 23 de abril de 2.016 de 11:30 a 19h.
“VILLALART” se presenta como cita experimental para conocer aquellas propuestas de 70 artistas, que quieran mostrar su trabajo, sin tener en cuenta la edad, trayectoria o cualquier otra limitación.
Este programa está dirigido a creadores que tengan proyectos de gran calidad y que merezcan ser expuestos, dando la oportunidad de participar en esta particular muestra de arte contemporáneo.
El propósito de esta convocatoria, es celebrar una exposición al aire libre que establezca un vínculo real y cercano entre las obras expuestas y sus creadores, que permita y facilite el acercamiento con el público en general, pero también con críticos, comisarios, prensa, coleccionistas, galeristas, museos, centros de arte, etc.
Se pretende que los artistas no sólo muestren sus obras en esta convocatoria, sino que también se involucren directamente en la explicación, difusión y venta de la mismas, facilitando de esta forma que puedan continuar con su labor creativa.
Condiciones de participación:
• Todos los soportes y disciplinas artísticas están permitidos, siempre que puedan adaptarse a los caballetes donde se expondrán, que tienen como medidas 90 cms. ancho x 160 cms. alto. Se podrá presentar más de una obra siempre y cuando se ajusten a las medidas del caballete. Por tanto, pintura, dibujo, collage, fotografía, grabado, ilustración, etc, serían formatos idóneos para ser expuestos en esta muestra.
• La recepción de proyectos será hasta viernes 8 de abril de 2016.
• Como fecha tope, el 15 de abril de 2016 se publicará en la web del Ayuntamiento de Villalar y de la Fundación Villalar Castilla y León la lista definitiva de proyectos seleccionados, asimismo se comunicará vía email únicamente a los interesados.
• Las obras deberán ser instaladas en los caballetes que se asignen previamente por la organización el día 23 de abril a las 11:30h., siendo el artista o la persona por él designada quien se encargue de hacerlo, debiendo traer el material que estime oportuno para ello.
• Durante la muestra, el artista o la persona por él designada, velará por la buena conservación de su obra/s, no siendo responsable la organización de ningún deterioro, hurto o robo que se pudiese producir durante el evento.
• Los precios de las obras serán fijados exclusivamente por los artistas.
• En caso de producirse una venta de obra artística, ésta se realizará siempre de forma directa entre el coleccionista o cliente y el artista. La organización no participará del beneficio de la venta de las obras, y será el artista quien negocie directamente con el comprador, tanto el precio, las condiciones de pago, descuentos y demás temas relacionados con dicha venta.

La organización no participará en ninguna fase de la transacción de la compra-venta, eximiéndose de cualquier responsabilidad u obligación que se pudiera generar en este sentido.
• El artista o la persona por él designada deberá recoger su obra/s al finalizar el evento, es decir el día 23 de abril a las 19:00 horas.
• Los gastos de transporte desde sus lugares de origen hasta Villalar, tanto de las obras a exponer como de los artistas, correrán por cuenta de estos, lógicamente también el transporte de vuelta.
• La organización tampoco se encargará del embalaje y desembalaje de las obras.
• La participación en esta convocatoria implica la total aceptación de las bases de la misma. La organización se reserva el derecho de resolver, de la forma que considere oportuna, cualquier situación no prevista en las mismas, teniendo en cuenta criterios de equidad y sentido común.
Documentación de aplicación a enviar al email: villalart@gmail.com
• Nombre, apellidos, email y teléfono de contacto.
• Breve texto describiendo la obra a exponer. (No más de 100 palabras).
• Título de la obra/s, técnica, medidas, año de creación y precio de venta.
• Una o dos imágenes de la obra/s a exponer.
• Toda la información, es decir el texto descriptivo, las imágenes y currículum si lo tuviese,
deberá ser montado en un único PDF, evitando las imágenes por separado, con un máximo de
10 Mb de peso.
• El criterio para nombrar el archivo PDF con la documentación será el siguiente:
Nombre del artista.pdf
• No es imprescindible adjuntar currículum del artista, en caso de adjuntarse tendrá como máximo 200 palabras.
• Si dispone de sitio web, adjuntar también el mismo. Criterios de Selección.
La selección de los 70 participantes y su correspondiente asignación de caballetes se realizará por la organización. Dicha asignación se comunicará el mismo día del montaje.
Se tendrá en cuenta la originalidad del proyecto, la adaptación del mismo al espacio concreto de la Plaza de los Comuneros (Villalar), valorándose también que no hayan sido expuestas anteriormente.
Premios y Fallo.
Se concederán 3 premios: 1o de 1.000 €, 2o de 500 € y el premio especial Fermín Carnero a la obra que mejor refleje la realidad social de Castilla y León, dotado de 500 €.
El jurado de esta convocatoria estará compuesto por: Semíramis Gonzalez, comisaria independiente, Javier Díaz Guardiola, periodista cultural, Juan Zapatero, director de la Fundación Villalar Castilla y León, Enrique Berzal de la Fundación Fermín Carnero y Luis Alonso, Alcalde de Villalar.
La entrega de premios será a las 19:00 h. una vez finalizada la muestra.
Dirección de la exposición.
Plaza de los Comuneros. Villalar de los Comuneros – 47111 (Valladolid)