El cine singular de Pedro Sancho

La madrina, de Pedro Sancho
Cortometraje adquirido por la plataforma HBO
Febrero de 2018

La mirada cinematográfica del director Pedro Sancho está impregnada de cierta autenticidad. Una autenticidad artística y narrativa que ha conseguido atrapar la atención de la internacional y popular plataforma digital HBO y de la asociación francesa L´Agende Du Court Métrage, Agencia del Cortometraje para la promoción y la difusión del cortometraje en Francia.

Fotograma de 'La Madrina', de Pedro Sancho.

Fotograma de ‘La madrina’, de Pedro Sancho.

La plataforma HBO adquirió  ‘La madrina’, título del último corto de Pedro Sancho, para la emisión en el canal latino de Estados Unidos y Latinoamérica en febrero de 2018.  Además, ‘La madrina’ participó en la Sección Oficial del Festival de Cans de Pontevedra, donde la actriz protagonista, Arancha Aranguren, obtuvo el premio del jurado a la mejor interpretación femenina; y también fue preseleccionado en los Premios Mestre Mateo, galardones anuales a la excelencia de las producciones audiovisuales de Galicia, organizados por la Academia Galega do Audiovisual (AGA).

Fotograma de 'Pato extraterrestre', de Pedro Sancho.

Fotograma de ‘Pato extraterrestre’, de Pedro Sancho.

La asociación francesa L´Agende Du Court Métrage compró su cuarto cortometraje ‘Pato extraterrestre’,  para el pase  previo a la proyección en los cines franceses de la magnífica película española ‘Magical girl’, dirigida por Carlos Vermut en 2014.

Ahora bien, nos debemos preguntar qué autenticidad estética y temática expresa la breve y reconocida obra cinematográfica de Pedro Sancho. Breve, no sólo porque el formato narrativo sea el cortometraje, sino también porque su carrera cinematográfica como director está constituida en total por cinco piezas audiovisuales: cuatro cortometrajes -’La madrina’ (2017), ‘Pato extraterrestre’ (2014) (previamente mencionados), ‘Llena eres de gracia’ (2013),  ‘Era tu madre’ (2010) y el videoclip ‘Coming home’ (2011).

Fotograma de 'La madrina', de Pedro Sancho.

Fotograma de ‘La madrina’, de Pedro Sancho.

El aura

Hay en la obra de Pedro Sancho un aura. Ese aura que desprenden ciertas imágenes y que las hacen únicas, tal y como señala Walter Benjamin en su ensayo ‘La obra de arte en la época de su reproducción mecánica’. Una unicidad que desde su primer corto, ‘Era tu madre’, hasta el último ‘La Madrina’, percibe el espectador.

Una singularidad que surge, por una parte, de unas historias sencillas, estructuradas en una única y efectiva trama, que desembocan en un sorpresivo giro final; y, por otra, de unos elementos expresivos, como  el montaje, la iluminación, la música, la interpretación, la escenografía,  que se manifiestan con una gran sutileza estética.

Ese aura que sopla apacible, sin grandes aspavientos, y que hace que las historias resulten especiales y humanamente  cercanas, es, probablemente, el que ha atrapado a la plataforma HBO y a la asociación L´Agende Du Court Métrage. La mirada de Pedro Sancho crea historias sin ostentación, ni artificio, pero envueltas en un hálito artístico, dignas  de contemplación.

Fotograma de 'La madrina', de Pedro Sancho.

Fotograma de ‘La madrina’, de Pedro Sancho.

Begoña Siles

Alguna parte de España

Alguna parte de España

Cuando uno recorre una larga distancia por autovía puede llegar a notar que está circulando por un “no lugar”, ese concepto de Marc Augé referido a un espacio de tráfico que no contribuye prácticamente en nada a generar identidad de ningún tipo, porque el asfalto absorbe al individuo y lo arrastra hacia el anonimato. Según Otto F. Bollnow el espacio de la carretera es un “espacio excéntrico” que carece de puntos centrales y atrae al hombre a la lejanía infinita en su condición de peregrino en tránsito. “El asfalto no tiene historia, ni siquiera la de los accidentes que lo han marcado. Los coches pasan por él sin dejar memoria, rompiendo el paisaje como un cuchillo, en la indiferencia total por el lugar o por su historia” afirma tajante Le Breton, algo distante de la opinión de Alain Roger, que considera la autopista como un paisaje en sí misma; o de la de Antonio Bonet Correa, para quien las carreteras “son como una alfombra sin fin, un pasillo al expedito y al aire libre… El sueño de la realidad y el viaje feliz”.

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He cruzado en coche en más de una ocasión la península, del Mar Mediterráneo al Oceáno Atlántico, con la sensación de haber ido de un lugar a otro, pero no con la sensación de haber atravesado España. Cualquier lugar interesante se encuentra al margen de la autovía, tal y como indica la señalética de tipo marrón con sus tres únicos pictogramas que sintetizan de la mejor manera que pueden todo aquel conjunto monumental, entorno natural o destino de sol y playa que podamos encontrar próximo a la carretera. Esto lleva siendo así desde 1998, año en que el Gobierno de España decidió estandarizar el modo de indicar los lugares de interés turístico próximos al recorrido, implantando para ello el denominado Sistema de Señalización Turística Homologada (SISTHO). El gran reto de este sistema visual era el de condensar la diversidad y complejidad de España en tan sólo tres imágenes. Sabemos de la enorme capacidad lingüística de las postales y los souvenirs que reúnen en un símbolo las particularidades de una ciudad o un país entero; pero en el caso del SISTHO se trataba justamente de lo contario: conseguir diseñar tres pictogramas lo suficientemente neutrales para poder representar a todas las Ciudades Patrimonio de la Humanidad, Bienes catalogados como Patrimonio Mundial, enclaves de interés cultural, como catedrales, castillos, cascos históricos u otros monumentos; Reservas de la Biosfera, Parques Naturales y otros destinos naturales de interés, además de la oferta de sol y playa de España. Nada debía destacar sobre nada; y desde luego que la tarea no parecía nada sencilla. Dieciséis años después, a finales de 2014, se publica un nuevo manual SISTHO que admite la posibilidad de emplear otros pictogramas diferentes a los genéricos para describir las particularidades de cada parte de España aunque, eso sí, limitando a 22 el número de colores permitidos. En la pintura Algunha parte de España (2015) se adjudica al texto la paleta de colores que figura en el manual publicado en 2014, letra por letra y en el mismo orden, sobre el fondo blanco del cuadro. De este modo, la frase sobre lienzo pretende ser un rótulo pictórico que resume, de modo irónico y polícromo, la multiplicidad de España y su pobre visión desde la carretera.

Manual SISTHO definitivo

El narrador y poeta norteamericano William Faulkner defendía que un paisaje sólo se puede conquistar con las suelas del zapato, nunca con las ruedas del automóvil. En la construcción de carreteras, como en el jardín, el hombre demuestra ser el dominador de la Naturaleza. Si primero ha sido el constructor de la casa, ahora lo es de la ruta, al contrario de los animales quienes no construyen sus sendas de acuerdo a un método ni haciendo uso de la técnica. Las redes de carreteras se constituyen como tejidos independientes que someten al paisaje a unos puntos de vista determinados. En una carretera sólo existe la dirección hacia adelante, puesto que si avanzamos hacia atrás se entiende que volvemos, y esto anularía el sentido del camino; la carretera empuja hacia una meta porque el individuo tiene prisa. Miguel Aguiló se pregunta si el disfrute producido con la velocidad tiene algo que ver con el recorrido, ya que quienes disfrutan yendo deprisa parecen desentenderse del entorno. Afirma que tanto la velocidad como el diseño del trazado de las carreteras pueden contribuir a un eventual empobrecimiento del disfrute del paisaje, y colaborar en gran manera al aburrimiento. El ingeniero y también pintor Ángel del Campo realizó una investigación sobre los principios geométricos que regulan la visión desde el coche, para mejorar así el diseño de las carreteras que en la década de 1960 estaban siendo adecuadas a los nuevos tipos de vehículos. Denominó a su teoría “Campo de Visión Descansada”, definido como una superficie rectangular cuyas dimensiones guardan la proporción aúrea y cuya aplicación facilitaría un mayor disfrute de los paisajes recorridos.

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En un texto titulado El Camino (No Camino) incluido en el catálogo de la exposición There is No Road (The Road is made by Walking) realizada en 2009 en LABoral de Gijón, Sean Cubitt reduce la definición de camino al acto de caminar, ya que no hay más camino que el que se hace al andar, y cuando atravesamos el paisaje en un coche, ese coche es punto de partida y de destino de sí mismo. “Un coche no es un camino, ni siquiera va por un camino. Está atrapado en su propia y eterna repetición”, sentencia Cubitt. El coche va ligado a la carretera, y sólo imita pálidamente al andar que hace camino. John Brinckerhoff Jackson escoge otros derroteros, que ya se pueden intuir en el título de su libro Las carreteras forman parte del paisaje. Se trata de un breve ensayo donde se emplea el término “odología” (siendo hodos, en griego, camino o viaje) referido a la ciencia del camino para repasar históricamente el significado de carreteras y senderos. La carretera fue la que primero nos reunió en un grupo o en una sociedad, a la vez que ha sido desatendida durante mucho tiempo por historiadores y teóricos del paisaje al ser un espacio feo o anodino. Esto cambió con la odología, que forma parte de la geografía, y se basa en el estudio de los recorridos – sean calles, carreteras, autopistas o senderos – pero también de la reacción ante el movimiento a lo largo de un camino señalado. En este sentido, no hay que olvidar esas formas de andar que pueden ser analizadas desde un punto de vista estético, tales como desfiles o procesiones. Desde el punto de vista europeo, en el siglo XVII se produjo un cambio sustancial en la significación de las carreteras, muchas veces originadas tras el ensanchamiento de caminos primitivos para posibilitar la circulación de carros y carruajes. En este contexto, los que se desplazaban a pie pasaron a ser considerados personas de clase baja, asociando lo “pedestre” con sinónimos de tipo negativo tales como llano, vulgar, bajo o inculto, que todavía hoy siguen vigentes en el diccionario de la Real Academia Española de la Lengua.

Reedición del artículo publicado originalmente en
Interartive, a platform for contemporany art and thought
Foto de portada: Nacho López Ortiz
“Algunha parte de España” [Alguna parte de España] (Pintura acrílica sobre lenzo 89 x 116 cm)
en el Noveno Premio Auditorio de Galicia para Novos Artistas.
Santiago de Compostela.
Hasta el 22 de septiembre de 2016

www.ismaelteira.com

Bibliografía
AGUILÓ, Miguel (2007). «El paisaje trivial de la velocidad». En: LÓPEZ SILVESTRE, Federico (Ed.) (2007). Paseantes, viaxeiros, paisaxes. Santiago de Compostela: Centro Galego de Arte Contemporánea, pp. 242-249.
BOLLNOW, Otto Friedrich (1969). Hombre y espacio. Barcelona: Editorial Labor.
BONET CORREA, Antonio (1994). «Naturaleza, ingeniería y vías de comunicación». En: VVAA. Ingeniería y Naturaleza. Una carretera en Asturias. Madrid: Editorial El Viso y Ferrovial, p. 20.
BRINCKERHOFF JACKSON, John (2011). Las carreteras forman parte del paisaje. Barcelona: Gustavo Gili.
CAMPO Y FRANCÉS, Ángel del (1963). Recomendaciones relativas a la estética de la carretera y su ambientación en el paisaje. Madrid: Ministerio de Obras Públicas.
LE BRETON, David (2011). Elogio del caminar. Madrid: Siruela.
ROGER, Alain (2007). Breve tratado del paisaje. Madrid: Editorial Biblioteca Nueva.

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Aquí hay dragones. Joan Morera

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Joan Morera Arbones
Comisaria: María Marco Covelo
Zona “C”, Santiago de Compostela
Hasta el 22 de mayo 2016

AQUÍ HAY DRAGONES / HIC SUNT DRACONES
Sobre la obra de Joan Morera

“Aquí hay dragones” es una expresión que utilizaban los cartógrafos del siglo XVI —aparece por primera vez en el Globo de Hunt-Lenox (1503-07)— para referirse a aquellas terras ignotas, lugares desconocidos que el hombre no había conquistado todavía. Los planisferios combinaban el rigor de las ciencias cartográficas con dibujos de serpientes marinas gigantescas que complacían los miedos de una civilización que resolvía a golpe de mito lo que aún no había resuelto mediante el logos. En ese momento el paisaje no existía. La construcción cultural de la postal paisajística llega de la mano de los artistas, a partir del XVII, cuando los pintores viajeros registraban sus topografías en aras de un imperialismo cultural. El primero fue Hans Post (Haarlem, Países Bajos,1612 – Haarlem, Países Bajos,1680) quien le dio a Pernambuco (Brasil) su primera representación pictórica. Paulatinamente el interés por documentar lo conquistado creó un nuevo género artístico y de lo pictórico se pasó a lo fotográfico, una técnica definitivamente más ágil que los largos tiempos de secado que el óleo necesitaba. La fotografía de viajes se convierte en la gran aliada de etnógrafos y arqueólogos expandiendo el concepto de paisaje no sólo al entorno natural, sino a todo lo que suceda vinculado al habitat y a los habitos del ser humano.

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El trabajo fotográfico y artístico de Joan Morera (Vigo, 1984) bebe desde sus inicios de la curiosidad de ese etnógrafo decimonónico. Su interés por el paisaje se aleja de la mera aproximación estética y contemplativa para abordar cuestiones de relevancia política y social, como en la serie que presenta en esta exposición colectiva de la Galería adhoc titulado Toldscapes (del inglés “Told” v. to tell: narrar, contar y Scape: paisaje, vista; “Paisajes narrados”), una serie fotográfica que surge a partir de lugares de represión, concretamente de los “paseos”, fusilamientos producidos durante la Guerra Civil española en el sur de Galicia. A través de conversaciones con vecinos de la zona Morera rastrea el lugar exacto donde todo aquello ocurrió e intenta plasmar la transformación de dicho paisaje casi ochenta años después. Otra aproximación al paisaje, en este caso desde el dibujo, sucede en su proyecto Visions da paisaxe I, II y III (Lei 10/1995, do 23 de novembro, de ordenación do territorio de Galicia). El mismo texto legislativo publicado en el DOGA, el Diario Oficial de Galicia, es transcrito manualmente, calcado con precisión quirúrgica y convertido en paisaje abstracto. El trazo del grafito se convierte estrato y horizonte, constructor y constructo, teoría y práxis enmarcadas en una misma pieza.

De las convergencias emocionales vinculadas a los espacios trata su último proyecto: More(i)ras. Realizando durante una estancia de investigación predoctoral en Argentina, Morera establece varios paralelismos entre su álbum fotografico familiar y el rodaje de la pelicula La Misión (localizada en las cataratas del Iguazú, en el límite entre la provincia argentina de Misiones y el estado brasileño de Paraná), y como de modo paradógico, surgen confluencias casuales (o causales) entre la película y su propia vida; como el apellido de uno de los niños protagonistas del film que coincide, excepto en una vocal, con el suyo propio. Morera utiliza el paisaje como un instrumento más de investigación antropológica pero aplicando las estrategias propias del modus operandi artístico.

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Ese es uno de los factores clave que nos lleva a definir la obra de Morera como post paisajística: La apropiación de historias ya existentes que re-estructura y samplea en una suerte de postproducción, de síntesis entre la investigación académica y la deriva emocional; como afirma Nicolas Bourriaud en su texto Post Producción. La cultura como escenario: modos en que el arte reprograma el mundo contemporáneo: “La apropiación es en efecto el primer estadio de la post producción; ya no se trata de fabricar un objeto, sino de seleccionar uno entre los que existen y utilizarlo o modificarlo de acuerdo con una intención específica. Marcel Broodthaers decía que “después de Duchamp el artista es el autor de una definición” que vendría a sustituir la de los objetos que escoge”.

Morera se apropia, redefine y finalmente reconquista para su propia práctica aspectos marginales del paisaje como aquellas tierras ignotas del XVI habitadas por animales fabulosos eran reconquistadas por los cartógrafos renacentistas. Su paisaje ya no es antropología, ni arqueología, ni cartografía, sino todo eso y nada de eso simultáneamente.

María Marco

Web del artista
Web de la comisaria
Web de la galería AD HOC

¡Espectacular, maravilloso mundo del Arte!

The First Day, de Dorotea Von Totó y Tod Hunter
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: Jueves 14 de enero de 2016, a las 20.00h

¡Señoras y señores, críticos y críticas, artistos y artistas, comisarios y comisarias de todas las edades, pasen y vean! ¡Bienvenidos al más grande, peligroso, increíble, espectacular y maravilloso mundo del Arte!

Si tienen a bien asistir a la representación, podrán conocer el trabajo de dos artistas emergentes, dispares y opuestos en sus planteamientos conceptuales y formales, insolentes o ilusorios, con los pies en el fango, o aupados sobre nubes, en un juego de espejos de feria donde la verdad se presenta como ficción y viceversa. Una exposición para aquellos que quieran no sólo ver sino también mirar.

Obra de Dorotea Von Totó. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Dorotea Von Totó. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Pasen y vean, señoras y señores, la obra de Dorotea Von Totó, joven artista gallega de sangre islandesa, una meiga del flúor que transita por senderos de baldosas amarillas haciendo de la carencias (físicas y económicas, en su caso), virtud. Sus trabajos se articulan a través del lenguaje plástico del collage, realizados con materiales básicamente adquiridos en bazares chinos, en un juego ‘apropiacionista’ como base de su delirio imaginativo.

La inocencia y la puerilidad, falsamente representadas, son sus realidades, pobladas de seres inexistentes pero que en parte conservan sus raíces humanas. Es difícil despejar la incógnita de si son humanos mutados, cíborgs o sencillamente seres venidos de otros mundos: ¡su mundo! La figura humana femenina tiene una evidente presencia en la obra de DVT. Siempre representada con una sonrisa, (a veces amarga, y en ocasiones infantil y absurda), que contrasta con los miembros amputados y sustituidos por prótesis. Podría deducirse de esta fórmula que estos personajes femeninos reivindican una belleza diferente, una anatomía alejada de los cánones y una falta de pudor en mostrar el “horror” de forma casi obscena.

Obra de Tod Hunter. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Tod Hunter. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Y eso no es todo. ¡Pasen y vean! Podrán conocer al también emergente Tod Hunter, artista californiano (pero residente en España desde hace años) cuya obra, aunque sea difícil de clasificar y vaya a contracorriente de modas y teorías, no lo convierte en ‘brut’ ni en ‘primitivo’. Y el hecho de que su trabajo sea solitario y onanista no tienen por qué hacer de él un outsider.

Eso sí: arte destroyer, arte gestual, protesta naïf de mimbres furtivos, arte de grafiteros, arte de chaperos, arte visionario, taleguerismo, talento revelado o puro escapismo, y hasta pintura de puertas traseras de los servicios de grandes superficies. Todo ello, y a la vez nada de ello, es Tod Hunter, que hace de su vida una permanente performance para desmontar las evidentes formas de control de lo políticamente correcto, no eligiendo sutiles ironías, sino burdas expresiones pictóricas.

A Hunter le interesa mucho cómo la construcción del pensamiento se da (por lo general) a través delsexo. Observa el sexo a través del quehacer de la pintura y el dibujo, tomando estas acciones como procesos orgánicos e impredecibles para volver a capturar la armonía y mística que el acto sexual otorga a quien lo observa. Tod Hunter, y es evidente, asume su carácter mundano, sus temáticas más o menos banales.

Obra de Tod Hunter. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Tod Hunter. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Porque sabe que en todo momento transmite, a quienes contemplan sus dibujos, el goce de la visión, el placer de ver. Dibuja haciendo aparecer una imagen que no es la de la apariencia natural de las cosas, pero que tiene la fuerza de la realidad. Porque Tod Hunter sabe lo que es sentirse excluido, marginado. Y su cuerpo se transforma en campo de batalla. En sus dibujos se resaltaclaramente que lo personal es político, y es en el propio cuerpo donde se libran las batallas cotidianas.

¡Pasen y vean! Y todos ellos capitaneados por el abajo firmante, aprendiz de brujo, de furrier y de rapsoda, de este retablo de las maravillas en que a veces deviene el arte contemporáneo y toda su parafernalia, volcando todo mi coraje en descubrir artistas escondidos en los márgenes de las redes sociales que encuentran difícil llegar a los cauces tradicionalmente expositivos.

¡Pasen y vean, y tengan siempre presente que el Arte es un puñetero circo donde nada es verdad ni es mentira, sólo un hiperbólico trampantojo que nos deslumbra y fascina a partes iguales! ¡Es por ello por lo que aquí seguimos!

¡Pasen y vean!¡Este espectáculo artístico estará en su ciudad, en la Galería Mr Pink, a partir del jueves 14 de enero, y no se lo pueden perder!

Obra de Dorotea Von Totó. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Dorotea Von Totó. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Piguy Hellman

 

José Suárez. Unos ojos vivos que piensan

Unos ojos vivos que piensan
Museo Centro Gaiás Cidade da Cultura
Monte Gaiás s/n. Santiago de Compostela
Hasta el 27 de marzo del 2016

Fotografía de José Suárez.

Fotografía de José Suárez.

José Suárez es una de las figuras más destacadas de la fotografía del siglo XX. Nacido en Allariz en 1902, a lo largo de vida conformará una producción novedosa en relación con la vanguardia europea.

En su obra se refleja la gran preocupación humanista que tenía, así como su formación intelectual. La cultura, fue una constante en su vida y se vio en el contacto que mantuvo primero en Salamanca con Miguel de Unamuno, José Bergamín o el mundo de la Revista de Occidente y posteriormente en el exilio, donde mantuvo contacto con los intelectuales de la emigración gallega y española –desde Rafael Alberti y Ramón Pérez de Ayala a Rafael Dieste, Alejandro Casona, Luis Seoane o Eduardo Blanco Amor–.

La melancolía por su tierra le trajo de nuevo a Galicia, pese a que no había finalizado en 1959 la represión del régimen fascista, que aún habiéndose suavizado, seguía negando todo tipo de libertades.

También veremos cómo afecta en su obra otra de sus constantes: viajar. En la década de los 30, gracias a las series etnográficas y la de Mariñeiros, junto con las hechas en Castilla que se exponen en ciudades como Madrid o París. Y después en el exilio, donde realizará trabajos tan destacados como el hecho durante su primera viaje a Japón (1953/54).

Fotografía de josé Suárez, Mañeiros.

Fotografía de josé Suárez

Pese a que su regreso a España en 1959 truncaría ese reconocimiento, llevándolo prácticamente al olvido hace series como La Mancha (1965) o colabora con editoriales internacionales, como en se ve en el libro sobre el mundo de los toros The Life and Death of the Fighting Bull (1966), la mirada de José Suárez iría apagándose hasta su muerte en 1974.

A éste intelectual admirado por sus coetáneos, y un eterno enamorado de Japón, se le pordá ver en el Museo Centro Gaiás, que acogerá un total de 206 fotografías y 150 objetos personales, que le permitirán al espectador comprender mejor la evolución creativa de José Suárez. Dentro de esta exposición encontraremos regalos de Unamuno, pinturas de Alberti o cartas de Pérez de Ayala que se mezclan con algunos de sus trabajos más importantes entre las que encontramos las diferentes series realizadas durante su estancia en América del sur

La ahogadora situación cultural que lo rodea y la falta de reconocimiento por parte de la sociedad, sumada a ciertas dificultades económicas llevarán a José Suárez a una fuerte depresión que desembocaría en su muerte en 1974 en A Guarda.

Su obra nunca fue expuesta de forma monográfica fuera de Galia, por este motivo  ‘José Suárez. Unos ojos vivos que piensan’ nace con el objetivo de viajar, tal y como hiciese el artista. Así pues, se convertirá en una exposición itinerante que ayudará a conocer a este genio y figura de la fotografía, así como a poner en valor la cultura gallega en el exterior.

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Fotografía de José Suárez.

Enrique Rubio: “La nostalgia está de moda”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Enrique Rubio, propietario de Cuadernos Rubio y autor de ‘Mi mamá me mima’ (Espasa)
Entrevistado por Vicente Chambó y Salva Torres, del equipo de dirección de MAKMA

Enrique Rubio lo reconoce, primero por lo bajini y luego abiertamente: “Nos la han atribuido, pero la verdad es que no se encuentra en los Cuadernos Rubio”. Se refiere a la famosa frase Mi mamá me mima, ahora convertida en título del libro que viene a rendir homenaje a su padre Ramón Rubio, fundador de la empresa en 1959, y que supone “un viaje a la nostalgia”. Viaje a través de imágenes y frases recordatorias de aquellos primeros cuadernos de caligrafía y matemáticas aparecidos en el franquismo. Eso sí, la frase ya es propiedad de la empresa valenciana: “La hemos registrado”.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos al fondo, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos al fondo, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio recogió el testigo de su padre ya avanzada la década de los 90, tras escuchar a alguien decir: “¿Pero aún existen los Cuadernos Rubio?” Y lo primero que hizo, en un momento de pérdida de identidad de la empresa, fue recuperar la imagen tradicional de los colores verde y amarillo de los cuadernos, y cambiar las frases con el fin de adaptarlas a los nuevos tiempos. De aquellas ‘África está habitada por negros’, ‘Los indios viven en chozas’ o ‘¿Cumples los diez mandamientos?’, se ha pasado a frases comprometidas con la igualdad, el medio ambiente, las energías renovables o la salud.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“En los periodos de bonanza es cuando hay que prepararse para la crisis”

“De la marca no se vive y había que modernizarse”, explica Enrique Rubio. Modernización en los contenidos y en la forma de trabajar en plena era de Internet. De hecho, el 29 de octubre inauguran imprenta en su nueva nave de Quart de Poblet, donde además presentarán ese mismo día su Aula Museo en la que se recrea un aula de los años 60 con productos de la época.

Todo ello después de crecer en facturación y de vender “más que hace siete u ocho años”. ¿La clave? “En los periodos de bonanza económica hay que prepararse para la crisis, porque sabemos que éstas son cíclicas”. Lo que ha permitido a Cuadernos Rubio ser en todo momento una empresa saneada con facilidad a la hora de obtener financiación bancaria en tiempos de vacas flacas. Su salto al mercado alemán hace un par de años así lo demuestra. “Se vende en Alemania, pero cuesta”, reconoce Rubio, aunque subraya que se trata del mismo problema con el que se encontró su padre cuando empezó en España. También está previsto impulsar la publicación en Latinoamérica: “Está previsto que lo hagamos en 2016”.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“Ahora los niños escriben mucho menos; su infancia es la del ordenador”

Mi mamá me mima, cuya redacción de textos para la editorial Espasa ha sido obra de Mariola Cubells, va en esa línea de recuperar el pasado con vistas a impulsarse hacia el futuro. “Se está poniendo de moda lo retro; su poder nostálgico”. Enrique Rubio no sabe exactamente por qué, pero lo cierto es que la nostalgia vende. “A la gente le emociona recordar las tardes en que coloreaban alguno de aquellos cuadernos”.

Ejemplar del libro 'Mi mamá me mima', de Enrique Rubio, en los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Ejemplar del libro ‘Mi mamá me mima’, de Enrique Rubio, en los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

O los ejercicios de caligrafía. “Ahora los niños escriben mucho menos, porque su infancia es la de los ordenadores, los videojuegos, las multipantallas o los iPads”. Y, sin embargo, “se ha demostrado que la caligrafía tiene un valor pedagógico muy grande, porque estimula partes del cerebro que en la infancia se halla en plena transformación”. De ahí quizás el éxito hoy en día de Cuadernos Rubio. Como se recoge en el libro, “si alguien en aquel momento le hubiera dicho [a su padre] que en 2014, por ejemplo, se iban a vender más de cuatro millones de ejemplares de aquellos cuadernillos artesanales, probablemente se hubiera partido de la risa”.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos a su lado, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito, con Salva Torres (de blanco) y Vicente Chambó. Foto: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos a su lado, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito, con Salva Torres (de blanco) y Vicente Chambó. Foto: Fernando Ruiz.

“En Cataluña existe un nacionalismo muy potente”

En el mercado nacional, Cuadernos Rubio se vende casi por igual en casi todas las comunidades autónomas. “Quizás algo más en Andalucía, por tener más población”, y algo menos en Cataluña, “porque si estás solo en castellano te penaliza, cosa que no ocurre en Valencia, ni tampoco en Galicia o el País Vasco”. Con todo, hace tres años que se ha traducido al catalán y, como destaca Rubio, “se nota en las ventas”. Como se nota, a tenor de su experiencia, que en Cataluña “existe un nacionalismo muy potente”.

La noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Salva Torres

Rodando en skate

Cruzando el sentido
Iván Fernández de Córdoba

No hay muchas formas de viajar sin pagar un billete o gastar gasolina. Una de las más originales es moverse en monopatín. Es lo que hace Alonso, un joven en busca de un sueño y de sí mismo, que emprende en solitario una larga travesía desde Valencia a Galicia, del Mediterráneo al Atlántico. A lo largo del periplo tropieza con personajes que influyen en su evolución personal y que le ayudan a descubrir quién es realmente.

Es el argumento de Cruzando el sentido, primer largometraje del joven director de 25 años, Iván Fernández de Córdoba formado en Ciudad de la luz y gran aficionado al skate. La película se presentó en el Festival Cinema Jove, en el Festival de Sax (Alicante), donde obtuvo el Premio al Mejor Proyecto, y se proyectó el 10 de septiembre en la sala de la SGAE de Valencia. Dentro de la fórmula de road movie, la historia mezcla de forma original la ficción con tintes de falso documental.

Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Dos años de tiempo, 8.000 euros reunidos a base de crowfunding  y toneladas de trabajo e ilusión se plasman en este filme.  “La película se rodó a lo largo del 2014, pero el montaje no se finalizó hasta abril de este año”, cuenta Fernández de Córdoba. “Como tiene una financiación low cost, pasamos malos ratos, condiciones duras sin ninguna comodidad, pero no todo fue sufrir. En las entrevistas a modo falso documental disfrutamos y nos reímos mucho”.

En Galicia tuvieron un encuentro con la guardia civil. “Estábamos rodando una escena con el actor protagonista, Román Méndez de Hevia, que estaba desnudo y ensangrentado”, cuenta el joven director. “Los aldeanos nos vieron de lejos y, asustados, llamaron a las fuerzas del orden. Un coche de la guardia civil se acercó y tras una breve conversación, se fueron entre risas deseándonos suerte”.

Secuencia de Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Secuencia de Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Los realizadores contaron con el apoyo de tiendas y marcas relacionadas con el mundo del skate, así como de varios  bares que utilizaron como escenario para grabar algunas secuencias. Fernández de Córdoba escribió el guión junto a Natxo Fuentes y en la fase de rodaje, el equipo principal lo formaban: Víctor Montoya, Noelia Martínez, Ana Martínez y Román Méndez de Hevia, el actor protagonista que debuta con esta película.

“Fue un rodaje muy duro, de guerrilla”, confiesa Fernández de Córdoba. “Nos metíamos cinco personas y un montón de material en el coche y allá que nos íbamos. La fuimos rodando en sentido inverso, de Galicia hacia Valencia aprovechando las mejores condiciones de luz. En los exteriores intentábamos rodar siempre a la mejor hora y que la localización jugara a nuestro favor. Era muy importante colocar bien la cámara, no queríamos perdernos nada imprescindible de la historia”.

Secuencia de Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Cortesía del autor.

Secuencia de Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Cortesía del autor.

La historia está llena de referencias a road movies como Easy Rider, París Texas o Una historia verdadera, que marcaron al joven director. También refleja su visión del mundo, un alegato contra las prisas de nuestra sociedad y la obsesión por alcanzar enseguida los objetivos y las metas marcadas.

Rodada con un reducido equipo técnico, entre tres y seis personas, la película tiene una factura digna de una producción convencional. Se utilizó una Canon 5D Mark II para la ficción y una Sony FDR-Ax 100 para el documental.

Otros profesionales de la Comunidad Valenciana que intervinieron en el proyecto son: Albert Forner, Emilio Mencheta, Olga Alamán, Paco Sarro, Álex Viciano, Lola Moltó y Mariam Torres o Juli Mira, entre otros.

Cruzando el sentido se dividirá en una decena de capítulos una vez finalizado su recorrido por festivales y cines. Los primeros serán publicados de forma online y gratuita. Para ver el total del metraje, el espectador tendrá que comprar el dvd/bluray o acudir a una plataforma de pago.

Secuencia de la película Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Secuencia de la película Cruzando el sentido, de Iván Fernández de Córdoba. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

“La guerra civil aún interesa a los jóvenes”

Asalto al tren pagador, de José Antonio Vidal
Editorial Mandor

Una locomotora, un grupo de maquis, una pareja de guardias civiles y el jefe de una estación. Son los distintos puntos de vista desde los que José Antonio Vidal Castaño urde un relato de corte cinematográfico, escrito “como si llevara la cámara al hombro en vez de un lápiz en la mano”, inspirado en un hecho real ocurrido en Teruel, en 1946. El asalto y robo a un tren en la estación de Caudé llevado a cabo por los maquis de la Agrupación Guerrillera de Levante y Aragón (AGLA) que consiguieron un importante botín, 750.000 pesetas de la época.

Cubierta del libro Asalto al tren pagador, de José Antonio Vidal Castaño. Editorial Mandor.

Cubierta del libro Asalto al tren pagador, de José Antonio Vidal Castaño. Editorial Mandor.

Asalto al tren pagador es el primero de una colección de doce relatos, publicados por  Mandor con ese título, elegido por el autor para encabezarlos, “porque las historias relacionadas con trenes tienen un halo entre romántico y aventurero”. Su hilo conductor es la guerra civil española, inagotable filón que ha inspirado no ríos sino océanos de tinta. “La guerra civil ya no apasiona tanto como en la Transición, pero sigue despertando interés, sobre todo entre los jóvenes que la ven idealizada como una época épica”, dice Vidal Castaño.

Aventuras, batallas, sexo salvaje y desenfrenado, tiernos recuerdos de la infancia, amor, humor y muerte se entrelazan en estas historias, “la mayoría escritas en los últimos años”, dice Vidal Castaño. “Si tengo una idea que puede dar origen a un cuento, la anoto en el primer papel que tenga a mano. Hay tres relatos  publicados en mi primer libro de narraciones, Ciudad sitiada, que he recuperado para conectar pasado y presente. Componen un libro que puede leerse cuento a cuento y salteados o todo seguido como si formasen parte de una novela.  En el orden hay un contexto común, los imaginarios  de guerra y posguerra, que parecen enredar y envolver al conjunto”.

De colofón, Vidal Castaño viaja al futuro y cuenta una sorprendente noticia, fechada en abril de 2019, que reproduce una patriótica receta de sopa de ajo a la burgalesa atribuida al  mismísimo General Franco, elaborada con productos genuinamente españoles.

Imagen de la portada del libro Exiliados republicanos en Septfonds.

Imagen de la portada del libro Exiliados republicanos en Septfonds, de José Antonio Vidal Castaño.

Varios relatos están protagonizados por el inefable Oriol Ruvira i Furtamantes, inspirado en los personajes de Eduardo Mendoza. “Es una mezcla de periodista free-lance al servicio de quién le contrate y también un peculiar investigador privado, no exento de un toque de romanticismo y enajenación”, comenta Vidal Castaño. Las potentes figuras de Ernest Hemingway y Manolo Vázquez Montalbán también están representadas. “Además de ser dos grandes escritores, eran personajes polémicos, con amigos y enemigos, con personalidades poliédricas. Hemingway fue uno de los protagonistas de la guerra civil y se suicidó de manera poco usual. Vázquez fue protagonista, por sus escritos y actitud vital de la transición a la democracia en España. Ambos merecían el interés de un investigador tan peculiar como Oriol Ruvira i Furtamantes”.

Este año se publicará un nuevo ensayo histórico de Vidal Castaño, La España del maquis, 1936-1965 editado por Punto de Vista,  inicialmente en formato e-book. “Trata de ser un libro riguroso y a la vez de divulgación. Una visión panorámica de los maquis, de su mundo y de sus luchas en los más variados escenarios, desde Galicia o Cantabria hasta Levante o Andalucía, sin olvidar a los anarquistas catalanes y de otras zonas. Abordo esta temática con rigor pero sin academicismos”.

Doctor en Historia Contemporánea y licenciado en Filosofía y Ciencias de la Educación, Vidal Castaño  ha combinado la docencia con la escritura en una doble vertiente, ensayo y ficción. Los maquis son uno de sus temas preferidos. “Fueron los resistentes contra el franquismo más silenciados y su historia se ha movido siempre entre la fantasía y la realidad en base a testimonios a veces confusos o incompletos y llenos de temor”, comenta. “El miedo y sus consecuencias en el comportamiento humano han tejido la historia de las gentes que militaron en la guerrilla o que la ayudaron, sin recibir nada a cambio. Es un terreno abonado a los actos de generosidad e incluso de heroísmo, pero también a las delaciones, emboscadas y actos de crueldad, entre los propios maquis y entre estos y sus perseguidores. Mientras que la figura del maqui era asimilada por el franquismo a la de un “bandolero”; para las fuerzas de oposición era un luchador por las libertades políticas; es decir casi un héroe de leyenda. Tal vez todo eso y la soledad e incomprensión en la que vivieron envueltos hizo de ellos una figura romántica y atractiva que me esfuerzo en encajar en personajes, paisajes y circunstancias que sin disminuir su halo romántico nos hagan ver también su lado más dolorosos y sórdido”.

Su próximo proyecto es una novela que a través de una pareja central y un perro camina desde la guerra civil hasta casi nuestros días. “Una novela que se inicia alternando escenas de amor con las de odio, celos, guerra, en la que aparecerán desde seres anónimos y corrientes hasta importantes figuras históricas, todos ellos, pasados por el tamiz de la imaginación”, concluye Vidal Castaño.

José Antonio Vidal Castaño. Imagen cortesía del autor.

José Antonio Vidal Castaño. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Pablo Llopis y su Artículo 25 en Edimburgo

Time to Change Art Project
Iniciativa de Elisa Guietti, Nadiaki Der y Ana G. Chouciño
Tent Gallery de Edinburgh
Evolution House, 78. West Port (Edinburgh)

‘Time To Change Art Project’, que se inauguró el 13 de junio en la Tent Gallery de Edimburgo, es la primera exposición de un proyecto que también cuenta con talleres y ciclos de cine. Su principal objetivo es apoyar un cambio positivo en un contexto inmerso en crisis, enfrentarse al entumecimiento y la apatía generada por la falta de esperanza. El arte se involucra una vez más en los problemas actuales de nuestra sociedad. ‘Time to Change Art Project’ parte de la iniciativa de Elisa Guietti, Nadiaki Der y Ana G. Chouciño.

Fotografía de Pablo Llopis en 'Time to Change Art Project' en Tent Gallery de Edimburgo. Cortesía de los organizadores.

Fotografía de Pablo Llopis en ‘Time to Change Art Project’ en Tent Gallery de Edimburgo. Cortesía de los organizadores.

Este proyecto quiere mostrar diferentes percepciones de la crisis europea; la manera en que ha cambiado nuestras vidas y nuestro modo de observar el mundo.

La exposición cuenta con artistas italianos, griegos, españoles y escoceses. Entre ellos, destacan las fotografías de Pablo Llopis, fotógrafo de Castellón afincado en Glasgow que estudia fotografía en la Escuela de Arte de Glasgow.

Pablo Llopis (http://llopisivanez.blogspot.com.es/) participa en esta exposición con dos fotografías de Artículo 25 (2009). En esta serie muestra una galería de retratos de gente que vive en situación de indigencia. El trabajo alrededor del artículo 25 de la Declaración de Derechos Humanos incluye a esos colectivos que sobreviven día tras día en las calles y no tienen acceso a servicios básicos como agua, un techo bajo el que dormir, o educación. Este proyecto ya había sido expuesto, como en la exposición anual de 2009 en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia.

Fotografía de Pablo Llopis en 'Time to Change Art Project', en Tent Gallery de Edimburgo. Cortesía de los organizadores.

Fotografía de Pablo Llopis en ‘Time to Change Art Project’, en Tent Gallery de Edimburgo. Cortesía de los organizadores.

Sus fotos de gente sin hogar en los barrios de Valencia, además de destacar por su incuestionable calidad técnica, están cargadas de humanidad. Hay fotógrafos que convierten simples retratos en descripciones psicológicas, que reflejan una vida detrás de una mirada.

Llopis está interesado en el modo en el que ciertas narrativas visuales pueden producir nuevas perspectivas en nuestra realidad. Usa la fotografía como herramienta con la que transmitir historias relacionadas con el respeto y la igualdad.

Esta exposición ha sido la primera de muchas, porque ‘Time To Change Art Project’ ya está preparada para viajar por toda Europa, haciendo paradas en Galicia y Cataluña. Se trata de un proyecto que irá creciendo a medida que recorre ciudades, que seguirá reclamando un futuro del que nosotros seamos partícipes.

Fotografía de Pablo Llopis en 'Time to Change Art Project', en Tent Gallery. Cortesía de los organizadores.

Fotografía de Pablo Llopis en ‘Time to Change Art Project’, en Tent Gallery. Cortesía de los organizadores.

 

Guía para aterrizar en MARTE

Programación de actividades de MARTE:

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Marte tiene entre sus objetivos la socialización del arte, por eso tiene entrada libre el jueves 11 de septiembre de 17h a 20’45h y de viernes a domingo de 11h a 14’30h y de 17h a 20’45h. Todas las actividades programadas son gratuitas.

Palau de la Festa 1

Este es el arte que defienden en su BASE SPACE:

Fundada en 1992, Cavecanem (Sevilla) parte de la idea tradicional de una galería para adaptarse y reinventarse ahora, veinte años después de su creación, en una oficina de servicio integral para el coleccionista de arte contemporáneo que ofrece asesoramiento, formación y divulgación, que se acerca a la innovación a través de las artes plásticas y pretende servir de plataforma para nuevos artistas. Presenta fotografías de Laura León (Sevilla, 1976) reportera gráfica de The New York Times, Der Spiegel, Le Monde y Times Magazine, entre otros, y Ocaña, que con su arte sentó las beses de la nueva cultura underground de la movida de Barcelona y posteriormente la madrileña.

Espacio Valverde (Madrid) tiene algo mágico y espontáneo. Jacobo Fitz-James Stuart, co-director junto con Asela Pérez, considera que la clave de su espacio está en la autenticidad, y por eso muestran las originales obras de  Robert Ferrer (Valencia, 1978),  Hugo Bruce (Reading, 1969) y Luis Vassallo (Madrid).

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

La Galería Sicart (Vilafranca del Penedès, Barcelona), aporta una de las apuestas más atrevidas de artistas jóvenes, haciendo especial hincapié en expresiones artísticas como la fotografía, el video, el dibujo, la pintura, los objetos y la instalación. Podemos ver una selección de obras de sus artistas Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Nicanor Araoz, Lluís Barba, Diego Beyró, Muu Blanco, Calderón & Paulete, Marta Espinach, Patricio Gil Flood, Lidó Rico, Ruth Morán, Navarro Vejo, Gisela Ràfols, Silva Hauyón, Eulàlia Valldosera y Santiago Ydáñez.

La Galería Cànem (Castellón) era indispensable. Su labor en la difusión y promoción del arte contemporáneo, dedicando especial interés a las últimas tendencias y a los jóvenes artistas es ejemplar. Su apuesta en MARTE: Mar Arza.

Coll Blanc (Culla, Castellón), bajo la dirección de Mariano Poyatos, inició una serie de intercambios con la Fundacion Laxeiro (Vigo) dirigida por el filósofo Javier Bujan, la intención es dar a conocer artistas gallegos en la Comunidad Valenciana y artistas levantinos en Galicia bajo en nombre Entre Mares. Será este el proyecto a presentar en MARTE, con obras de Mar Vicente, Pepe Beas, Din Matamoro, Eduardo Alonso, Juan Ortí, Tono Carbajo, Elena Fernández e Ignacio Pérez Cofre.

MECA Mediterráneo Centro Artístico (Almería) fue fundada por el artista y comisario de exposiciones Fernando Barrionuevo en el año 1989 con el objeto de promover y difundir el arte contemporáneo y las nuevas tendencias. Con este fin se exponen obras de Marie-Pierre Guiennot, Tomás Cordero, Nora Schöpfer, Jerónimo Muñoz, Carmen Pascual, Fernando Barrionuevo, Juan Morante, Antonio de Diego Arias, Toña Gómez, Pedro Cuadra González, Fernando Baños, Manuel Vázquez Domínguez, Belén Mazuecos y Javier Navarro Romero.

Cervantes 6 tendencias (Oviedo) nace por un profundo amor al arte, en especial la pintura y la obra gráfica y con un clara línea de actuación orientada hacia el arte contemporáneo, apostando tanto por artistas emergentes así como por creadores consagrados de alto nivel. En MARTE pueden verse las esculturas de Andrés Vicente Blasco Martínez (Valencia); la fotografía de García de Marina (Gijón) e Irene Cruz (Madrid); las esculturas de Laura Medina Solera (Ciudad Real); y la pintura de Toya García Senra (Vigo) y Andrea Rabat (Oviedo).

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

La galería de arte Fontanar (Segovia) se dedica a la promoción y difusión de artistas jóvenes así como a la organización de exposiciones de artistas ya consagrados, tanto del ámbito nacional como del internacional. En MARTE presenta la instalación “Océano Plástico” del escultor Javier Ayarza Haro, una experiencia sensorial única que invita a la reflexión sobre el grave problema de acumulación de residuos plásticos que sufren los océanos.

Isabel Bilbao (Jávea/Berlín) tiene como objetivo crear un canal directo de comunicación entre artistas y sociedad. En MARTE se presenta la obra BenDay del valenciano Toni Sánchez.

Gestión Cultural O+O (Valencia) es un centro de referencia internacional que une las distintas culturas plásticas de oriente y occidente, tomando esta mezcla como unicidad. Cuentan con las fotografías desde Berlín de Sergio Belinchón y  Raúl Belinchón; la eufonía visual de Luis González Boix; el dibujo de Juan Carlos Julián; la propuesta iconográfica de  Enriqueta Hueso; y la simbología del artista japonés Kenryo Hara.

GaleríaCuatro (Valencia) se ha distinguido siempre por su intensa actividad expositiva de artistas tanto consolidados como emergentes, apoyando la evolución y difusión del Arte. Su selección de artistas pasa por Jorge Julve, y su reflexión acerca de las imágenes que habitan en Internet; las arquitecturas cambiantes de Carolina Valls; las composiciones fotográficas de Antonio Barroso;  las reflexiones de Roberto López; y el virtuosismo de Pablo Ferrer Rabanaque.

La galería Montsequi (Madrid) tiene como objetivo la promoción de artistas contemporáneos emergentes, permitiendo que los artistas interactúen con el público a través de sus obras. Podremos hacerlo con los trabajos de Miguel Carlos Montesinos (La Vall d´Uixó); Eduardo Zapiráin Múgica (San Sebastián); Luis Granda Guerrero (México D F);  y Zvominir Kremenic (Madrid).

Trentatres Gallery (Valencia) es una propuesta expositiva para la exhibición, promoción y venta de arte, principalmente pintura, dibujo, ilustracion y fotografía. Participan en MARTE con la obra de la dibujante Raquel Carrero (Valencia); la ceramista y escultora Hélène Crécent (Bordeaux); y el arte encapsulado desde Japón de Roberto Mollá (Valencia).

Aula Nómada (galería errante) es una anomalía del sistema, un proyecto dedicado al proceso y al encuentro artístico interdisciplinar en espacios alternativos. En Marte presentan la obra de dos artistas castellonenses: la pintura sobre tabla de Ana Sansano; y los dibujos de Sergi Cambrils.

EtHall (Barcelona) es un espacio dedicado a la exhibición de proyectos específicos de dibujo y arte contemporáneos y a la presentación de publicaciones propias y afines. Podremos disfrutar de los dibujos del ganador de la segunda edición del Premio de Dibujo Museo ABC Martín Vitaliti (Buenos Aires); y de la gran conversación dibujada de Anke Becker, Veronike Hinsberg, Inken Reinert (Berlín).

plano marte

ORBITAL SPACES
A estas exposiciones, se suma el Orbital Space, con la presencia de la instalación del Premio Internacional de Arte Contemporáneo de la Diputación de Castellón; una selección de obras de Habitat Artístic del Ayuntamiento de Castellón; los trabajos de Manuel Rodríguez, Rosario Ballesteros, Rosa Toro, Juan Castro, Rafael Peralbo, Cecilia Punzo, Carmen Jiménez, Juan Ramírez y Antonio Mansilla en el stand de la Fundación Carvajal; la obra de Fanny Galera y Rosana Zaera en la Galería Octubre de la UJI; el IVC+R y el SCRC, con aportaciones de la Fundación Anzo, el MACVAC y el patronato Martínez Guerricabeitia; y las propuestas de Idear Ideas, Naranjas con Arte, Trashformaciones, Revistart y Jot Down.

CURIOSITY SPACE
En el Curiosity Space el público podrá disfrutar de las apuestas de video arte, en pases continuos, de las galerías: Nube Cultural (Perú), Convergencia Gráfica (México), Dyne (México), Comitán Catorce (México), OSP (Perú), Studio Verve (India), CCFV (Perú), QCO (USA), Tembe (Argentina), Vacui Spacii (Argentina), Alter Ego (Ecuador), Martadero (Bolivia), Caracol Studio (Argentina), Trazas (Perú), Hat Gallery (España), Addaya (España), Aula Nómada (España), Cervantes6 (España), además del proyecto Border Body Mixing Identities de It’s Liquid (a través de MECA) y las proyecciones de los ganadores del concurso Orbital from Marte.

La programación del LABORATORY SPACE y el SOCIAL SPACE se abre a la participación libre, gratuita e interactiva del público. Estas son las fechas:

11 de septiembre de 2014. 19h. Concierto inaugural con la presentación de la obra musical Marte, compuesta por José Luis Miralles Bono, a cargo de Espai Clàssic.

12 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para hablar de evolución del arte con finalidad social y la comunicación para el desarrollo. Ven a tomar algo y a charlar con artistas, teóricos, coleccionistas…

12h. Intervención pictórica con miembros de Afaniad.

18h. Chat Show: quedamos para hablar de coleccionismo y conservación del arte contemporáneo.

19h. Roots and skin. Danza contemporánea dirigida por Erica Galmes, a cargo de Coppelia.

19h. ¿Esto es (M)arte? Conferencia de Joan Feliu en el Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

13 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para charlar del mundo de las Visual Arts.

18h. Hat Gallery organiza la charla y proyección La transformación del espacio.

18h. 13 de septiembre de 2014. 18h. Performance Live the System, de Miguel Andrés.

18’30h. Performance Si no puedo bailar tu revolución no me interesa, de Inés Bermejo y Eva Díez.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

19h. Performance Tattoo Box by Mocete&Ribera. Intervención donde el espectador puede ser el artista.

14 de septiembre de 2014:
11h a 13h. Talleres infantiles Formigues en Marte. Organizado por Formigues Festival.

12h. Chat Show: hemos quedado para discutir sobre los principios del arte contemporáneo.

13h. Performance Romería del Pez Luna, de Javier Ayarza y Galería Fontanar.

Palau de la festa 2

Puedes consultar toda la información en www.feriamarte.com