El último trabajo de Ricardo Cavada en Juan Silió

Ricardo Cavada.
Galería Juan Silió.
C/ Sol 45 bajo. Santander.
Hasta el 9 de abril de 2016.

Ricardo Cavada, regresa a la Galería Juan Silió con su último trabajo, una exposición en la que el pintor cántabro va depurando su estilo y su técnica en busca de la esencia pura de la pintura y del color. Su madurez artística se vuelca en la investigación pictórica, estableciendo un íntimo y personal diálogo con cada uno de sus trabajos. Su obra se encuentra presente en gran número de colecciones de ámbito nacional entre las que destacan la Fundación “La Caixa”, Fundación Coca Cola España, Colección CAC Málaga, Colección Unicaja de Málaga, Colección Norte de Arte Contemporáneo, Colección Testimoni de La Caixa, Ministerio de Asuntos Exteriores, Colección del Banco de España, Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, Colección Bergé en Madrid o Colección Arthur Andersen.

La pintura de Ricardo Cavada ha sido definida en ocasiones como expresionista, gestual, sintetizadora, abstracta, silenciosa, geométrica, reflexiva, minimalista, entre otras acepciones, y lo cierto es que integra todas esas características que, de una u otra forma, han ido encontrando un lugar propio en su pintura, junto a un personal uso del color que, repetidamente, ha llevado a los especialistas a compararlo, de forma inevitable, con la pintura de Rothko, y una factura escondida por medio de transparencias, que dotan a su obra de una frescura inmediata y espontánea. Por medio del estudio reiterado del color y la luz a través de infinitas variaciones de un elemento organizador básico, Cavada ha dotado a su obra de un lenguaje propio y reconocible que la ordena y organiza de manera clara y sistemática, dejando espacio para el juego lumínico creado por medio de la superposición.

Ricardo Cavada Acrílico sobre tabla. 24x24 cm. 2013. Cortesía de la galería.

Ricardo Cavada Acrílico sobre tabla. 24×24 cm. 2013. Cortesía de la galería.

En sus últimos lienzos trabaja entorno a la problemática de la pintura en sí misma, ofreciendo un distanciamiento con sus series anteriores, en las que una rica paleta de colores vivos convivía dentro de un mismo cuadro. Tiende actualmente a la monocromía siendo cada una de las obras una exhaustiva investigación de transparencias y tonalidades que las convierten en verdaderos centros de reflexión que nos invitan a descubrir todos y cada uno de los pequeños y ricos matices que nos ofrece.

El estudio detenido de la trayectoria de Cavada nos lleva a pensar que se trata de una pintura absolutamente coherente, heredera de sí misma y con una evolución asentada y lógica; con un discurso narrativo que ha evolucionado en las formas, pero que se ha mantenido siempre en esa búsqueda de la esencia, alejado de las distracciones y las modas, y que ha llevado a Ricardo Cavada a convertirse en un artista de reconocido prestigio, con más de un centenar de exposiciones realizadas. 

Santiago Ydáñez en la Galería Juan Silió

Santiago Ydáñez, José y sus hermanos
Galería Juan Silió
C/Sol 45 bajo. Santander
Hasta el 31 de enero de 2016

La Galería Juan Silió acoge por vez primera, la obra de Santiago Ydáñez; la exposición José y sus hermanos. Muestra que hace referencia a la obra del escritor alemán, y premio nobel de la literatura, Thomas Mann. La tetralogía, fue publicada entre 1993 y 1943 -etapa madura del autor-, relata la vida de José, hijo predilecto del patriarca Jacob, el cual es abandonado por sus diez hermanos en el desierto

Esta saga, bucea en los valores universales de la civilización y recoge el compromiso ético del escritor. Consolida la base poética de la tercera exposición del artista con temática de las germanías, tras Nieve Sucia en 2013 y El Oso y el Roble en el 2015.

El relato de la derrota de la mencionada civilización, y la plasmación de como la cultura sucumbe a los instintos, se puede observar. Así como, una imagen del paraíso alemán, raciales, buscando acercarnos a la idea de raza.

Cabe destacar, que en esta exposición, aparecerá por vez primera gente de su pueblo, en Andalucía, y con ello poetiza sobre el espíritu de pureza ario, que a su vez es romántico y gélido. Mientras vemos a algunos de sus conocidos, también se pueden ver alusiones religiosas como santos o retratos de vírgenes.

Tiene un lenguaje pictórico muy personal, y mediante su trazo expresivo, presenta primeros planos de animales desafiantes, gestos incómodos en los retratados. En definitiva, una gran tensión que en cada obra cobra protagonismo, pinceladas llenas de vida, consiguiendo plantear dolor, placer, nostalgia o incluso éxito. La fuerza se ve de forma contundente, en ocasiones mediante actitudes forzadas o perspectivas teatrales.

Santiago Ydáñez, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, además de realizar diversos talleres con Juan Genovés, Alfonso Albacete, Nacho Criado y Mitsuo Miura. Afincado  en  Berlín  desde  hace  años,  donde  ha  expuesto  en  numerosas  ocasiones. Es un artista que participa  activamente  en  el  circuito   internacional  del  arte  en  lugares  como  Nueva  York  o  México, pudiendo hallar su obra en numerosas instituciones,  y siendo galardonado en más de una ocasión.

Santiago Ydañez

Santiago Ydáñez. Cortesía Galería Juan Silió.

Gorka Mohamed. Las ruinas de la modernidad

Gorka Mohamed, ‘Termite Painting & The Sick Feet
Galería Juan Silió
C/ Sol 45, bajo. Santander
Hasta el 5 de octubre 2015

Gorka Mohamed (Santander, 1978) presenta con ‘Termite Painting & The Sick Feet una exposición que recoge una selección de sus trabajos más recientes. Se trata de la primera exposición individual del artista en la Galería Juan Silió, con quien ya participó en la última edición de ARCOmadrid.

Gorka Mohamed. Peralta, 2015. Acrílico sobre lino. 240x175 cm. Cortesía del artista.

Gorka Mohamed. Peralta, 2015. Acrílico sobre lino. 240×175 cm. Cortesía del artista.

La pintura de Gorka Mohamed expresa una tensión entre lo irracional y las estructuras más fijas y organizadas, una tensión del individuo contemporáneo que se ve invadido por un entorno cada vez más apático y anulador y que lo hace cada vez más minúsculo e inválido en un contexto sociopolítico en el que no hay posibilidad real de elección. Parece un mundo que está grotescamente saturado de imágenes e información que anulan la aptitud crítica frente a lo que ocurre y nos invita a la pasividad. Ante esto, Gorka entiende el modo de pensar asociado a la pintura como proceso de inversión de valores, de ausencias de límites y como proyecto vital.

Gorka Mohamed. Secondary Actor, 2015. Acrílico sobre lino. 140x125 cm. Cortesía del artista.

Gorka Mohamed. Secondary Actor, 2015. Acrílico sobre lino. 140×125 cm. Cortesía del artista.

En su trabajo existe una ansia por desentramar visualmente los diferentes tejidos y capas de la realidad de nuestro entorno cultural. Una insistencia en adherir elementos ya contaminados y desmenuzados por la semántica, erigiendo con sencillez nuevas miradas a partir de las ruinas de la modernidad y de nuestra realidad cultural.

Ese acumular de formas ha dado como resultado en sus últimos trabajos un tipo de pintura que se asemeja en su proceso a la construcción escultóricas o el ensamblaje, a través del lenguaje pictórico; con la intención de reflejar aquello que nos afecta psicológicamente de nuestro entorno sociocultural. Como si presentar lo tóxico de la humanidad fuera el catalizador de su propio remedio.

Gorka Mohamed. Sick Feet Taburete , 2015. Pastel y Carboncillo. 59,5x84 cm. Cortesía del artista.

Gorka Mohamed. Sick Feet Taburete, 2015. Pastel y Carboncillo. 59,5×84 cm. Cortesía del artista.

El artista Gorka Mohamed vive y trabaja en Londres. Se gradua en arte en el año 2003 en la Escuela Massana de Barcelona y finaliza en el año 2008 el Master in Fine Arts en Goldsmiths, University of London. Entre sus últimas exposiciones destacan entre otros: “100 Painters of Tomorrow”, One Art Space Gallery (Nueva York, 2014), “Exeter Contemporary Open”.(Exeter, Reino Unido, 2014), Enlaces + Seis Contextos, Museo Patio Herreriano (Valladolid, 2012) “Riendo hacia Atrás”, Galería Distrito4 ( Madrid, 2011) y recientemente Gorka Mohamed ha sido incluido en varias publicaciones de prestigio internacional. Su obra se encuentra en diversas colecciones como Fundación Coca – Cola, Patio Herreriano, Olor Visual, Banco Caja Madrid, Fundación Centenera o Goldsmiths College, University of London.

Michael Najjar, entre el arte y la aeronaútica

Michael Najjar, Outer space
Galería Juan Silió
C/ Sol 45, bajo. Santander
Inauguración: 5 de julio, 20 h.
18:00. Presentación del documental «MISSION: SPACE».
Filmoteca de Cantabria. C/ Bonifaz 6, Santander.
Hasta el 10 de agosto

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Michael Najjar: «liquid gravity», 202 x 132 cm. Cortesía galería Juan Silió

Michael Najjar presenta en Santander su proyecto artístico Outer space. Esta serie muestra los preparativos de su futuro viaje espacial en diversos centros de formación aeroespaciales en Alemania, USA y Rusia.

«Michael Najjar está actuando por un lado como artista conceptual y por otro como su propio protagonista usando su cuerpo. Las obras de Najjar se relacionan con el movimiento Body Art, en la que los artistas de la década de los 60 descubrieron el uso de sus propios cuerpos como material y, al mismo tiempo con los Performances que surgieron de la unión de las artes escénicas y las artes visuales».
Dr. Andreas Beitin. (Director del ZKM. Museo de Arte Contemporáneo, Karlsruhe).

Los trabajos de la serie «outer space» tratan sobre los últimos avances en los vuelos espaciales y en cómo darán forma a nuestra vida futura en la Tierra y en órbitas cercanas a la Tierra. Ahora nos encontramos en el umbral de una nueva era, anunciada por un cambio de paradigma en la investigación de la aeronáutica y la industria aeronáutica, pero sobre todo por el emergente sector de los viajes espaciales comerciales.

Al dejar nuestro planeta y volar a la luna u otros planetas, cambiamos nuestra comprensión de dos de las preguntas fundamentales de la humanidad – que somos y de dónde venimos. El intento de penetrar en los confines del espacio es un testimonio de nuestro sentido innato de la curiosidad y nuestra necesidad de ampliar las fronteras e ir más allá. Sin embargo, no es sólo dejar la tierra detrás de nosotros, sino de reflexionar sobre nuestro mundo y lo que significa para nosotros y las generaciones que vendrán después.

Los nuevos desarrollos se están convirtiendo rápidamente en un amplio espectro de diferentes dominios. Las nuevas naves espaciales para uso comercial y privado, los microsatélites de ultra ligeros, los telescopios de ultra alta resolución espacial, vuelos intercontinentales, hoteles en el espacio, ascensores espaciales, la extracción de minerales en la Luna y los asteroides, y las misiones tripuladas a Marte ya no son sólo ciencia ficción sino escenarios realistas que tanto investigadores científicos como empresarios se toman muy en serio. El turismo privado espacial será una importante fuerza impulsora para el desarrollo futuro y la puesta en marcha de los vuelos espaciales, acelerando la evolución de la novela, los conceptos de energía seguras y verdes para las misiones espaciales tripuladas. El espacio exterior jugará un papel cada vez más importante en nuestra vida cotidiana y se convierten en una parte natural de la infraestructura de nuestro día a día. Los trabajos de la serie «outer space» pretenden dilucidar la dimensión cultural implícita en tales desarrollos tecnológicos y su incorporación al proceso de transformación artística.

El tema principal de esta serie será la propia experiencia de Michael Najjar en un vuelo espacial. Como uno de los astronautas pioneros de Virgin Galactic de Richard Branson, se embarcará en la nave SpaceShipTwo en un vuelo regular programados para 2015/2016, convirtiéndose en el primer artista en el espacio. Para la preparación del vuelo, Najjar tiene que emprender un programa de entrenamiento de cosmonautas en varias etapas en el Gagarin Cosmonaut Training Center (GCTC) en Star City, Russia. El curso abarca vuelo estratosférico, vuelo en gravedad cero, adiestramiento en la centrífuga, simulación de paseos espaciales por el hidrolaboratorio y simulaciones de formación de la cápsula Soyuz, por mencionar sólo algunos aspectos destacados. El programa de entrenamiento final antes del vuelo espacial con Virgin Galactic tiene lugar en Spaceport America en el desierto de Nuevo México.

Las obras fotográficas y de vídeo que integran la serie tratan los últimos avances de tecnología espacial de vanguardia , y al mismo tiempo muestran el rendimiento del propio Michael en las unidades de formación que le preparan para el viaje espacial.

Michael Najjar aventurero y – futuro astronauta vive y trabaja en Berlín desde 1988. Su obra se exhibe en museos, galerías y bienales de todo el mundo. La idea principal de su trabajo son los elementos fundamentales de nuestra sociedad moderna impulsados y controlados por las tecnologías de informática y de información.

Generalmente visto como un futurista visual, transmuta la ciencia, la historia y la filosofía en visiones y utopías de las futuras estructuras sociales emergentes bajo el impacto de tecnologías de vanguardia. La fusión de elementos reales con realidades ficticias, es una característica recurrente en su obra que se compone generalmente de series temáticas concretas. Najjar demuestra el potencial de la imagen fotográfica, capaz de hacer visible lo que normalmente es invisible al ojo humano. Su trabajo permite visualizar lo que muy a menudo está más allá de los límites de nuestra percepción, revelando lo que está oculto bajo la superficie de lo que él llama la «sociedad telemática”.

Michael Najjar: „space voyagers“ 202 x 132 cm. Imagen cortesía galería Juan Silió

Michael Najjar: «space voyagers“ 202 x 132 cm. Imagen cortesía galería Juan Silió

Carlos Irijalba y el territorio

Carlos Irijalba. The surface
Galería Juan Silió
C/ Sol, 45, bajo. Santander
Inauguración: 16 de agosto, 19,30 h.
Hasta el 10 de octubre de 2014

Carlos Irijalba plantea con «The surface» una visión crítica del espacio-tiempo actual, de clara dominante antropocéntrica. Propone, mediante esculturas y fotografías una reflexión sobre lo relativo de los estados de la materia y al ser humano como una substancia más. Irijalba trata de dar sentido a nuestra actualidad mediante el análisis del territorio que habitamos entendido éste como una línea dinámica en la que el momento actual no supone más que una fracción del grosor de la totalidad.

La exposición se compone de sondeos geotécnicos que muestran la formación del territorio mediante un corte vertical de los estratos de sedimentación, así como otras esculturas de aluminio o asfalto, cuyo denominador común es su estado relativo respecto a las condiciones ambientales o geográficas dadas.

Varias fotografías de diferentes series recientes completan la exposición, plasmando estas circunstancias en el plano de la representación y poniendo en juego narrativas de dimensión humana con otras como perspectivas aéreas o imágenes del propio organismo. Se unen aquí lo endótico y lo exótico, poniendo en el centro el cuestionamiento de la dimensión humana.

Carlos Irijalba. The surface. Cortesía Galería Juan Silió.

Carlos Irijalba. The surface. Cortesía Galería Juan Silió.

José Cobo: El Espectador

José Cobo: El Espectador
Galería Juan Silió
C/ Sol, 45. Santander
Hasta el 21 de junio de 2014.

José Cobo (Santander, 1958) regresa a la Galería Juan Silió con “El espectador”, un conjunto de esculturas donde la figura infantil asume el protagonismo junto con obras recientes que consisten en monos de apariencia real. La exposición se completa con la obra que da título a la muestra, que se compone de una escultura de un niño a tamaño natural que observa su sombra sobre una proyección de video.

Durante los últimos años José Cobo ha trabajado con conceptos relacionados con niños, el aprendizaje y la conceptualización del espacio y la realidad física en su periodo de crecimiento más temprano.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

El material empleado para la realización de estas esculturas es resina de epoxi, esta tratado de manera que la ropa con sus pliegues adquiere una apariencia orgánica, de vida propia.

Estas esculturas casi siempre se presentan en el suelo. Debido a su pequeño tamaño, cada una se puede abarcar de un solo golpe de vista desde la altura de los ojos de un adulto. Cuando se trata de una composición de varias figuras, se instalan en una pared de manera que se puedan seguir viendo como desde arriba, ya que la distancia entre nuestra mirada y las esculturas se puede extender tanto como amplio sea el espacio expositivo. El punto de vista en relación a las figuras sigue siendo desde arriba. Estas esculturas instaladas en la pared también se podrían interpretar como desafiantes de la gravedad en un entorno distorsionado.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

Estos niños, se desenvuelven en un espacio propio, ajenos a nuestra mirada. Inspeccionan su entorno que comienzan a percibir palpando y midiendo con su cuerpo para dotarlo de sentido. Nosotros, nos convertimos temporalmente en antropólogos que observan desde afuera las evoluciones e interacciones entre ellos. Por esta razón permanecemos alejados, asumiendo un punto de vista objetivo. Un salto hacia nuestro pasado orgánico, individual y colectivo en un intento de interpretar el presente y el pasado y de esta manera proyectar en el devenir de la especie.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

Los monos de apariencia real miran a un espejo que cubre parte de la pared. Su mirada rebota en el espejo en un ángulo que intenta captar nuestra mirada. Los ojos de estos monos son muy realistas por lo que se perciben como ojos vivos, como parte de un cuerpo que siente y percibe como el nuestro. El espacio de exposición, por medio del espejo se integra en la obra, así como nuestro propio reflejo. El tamaño de los monos es parecido al de los niños. En ambos casos los espectadores podemos dominar la imagen o la acción desde arriba.

En la proyección de video de la obra “El espectador”, cada cierto número de pixeles corresponde con un número de 2 cifras. El color de los fragmentos de la imagen es la resultante de la suma del color de cada 2 números más el fondo que abarcan. A medida que el video evoluciona los números van rotando y variando el color de la imagen. La sombra del niño se proyecta en la pared muy ampliada, más grande que el espectador y los números en continuo movimiento. Esta obra hace referencia a la cosmología pitagórica en la cual la realidad del universo estaba basada en un orden matemático. Ciertamente la información, al menos en el mundo virtual y las imágenes digitales están codificadas en números. Esta instalación prolonga la obra anterior del artista titulada «Alegoría de la caverna» sobre el mundo ideal propuesto por Platón.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo Calderón nació en Santander el 29 de julio de 1958. Se graduó en The School of the Art Institute of Chicago en 1985, con el título de Master de Escultura. Posteriormente, en 1995, obtuvo el Certificado en Historia del Arte y Crítica. Cursó estudios de pintura al fresco y talla de piedra en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Desde 1994 y hasta 1997 impartió clases en el Chicago Art Institute.
En su andadura profesional, de más de 25 años, José Cobo ha participado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas. Ha expuesto en ciudades como Colonia o Berlín (Alemania) y destacada su presencia en Estados Unidos en ciudades como Miami, Nueva York y Chicago, donde expone regularmente. Ha participado en ferias internacionales como ARCOmadrid, MACO, PULSE Nueva York, Art Chicago o Art Miami y su obra se encuentra presente en importantes colecciones públicas y privadas.
Además, ha realizado intervenciones en espacios públicos, como el “Monumento al incendio y Reconstrucción de 1941”, los “Dos Toros” de la puerta de la Plaza de Vista Alegre en Madrid y “Los raqueros” del paseo marítimo de Santander.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

José Cobo, “El Espectador” (esculturas de resina de epoxi marrón. 2014). Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

Rosell Meseguer, sobre la ficción de la ciudad

Rosell Meseguer. Mc City . Notas sobre la ficción de la ciudad
Galería Juan Silió
C/ Sol, 45 bajo. Santander
Inauguración: 8 de marzo, 20 h.
Hasta el 26 de abril de 2014

Rosell Meseguer (Orihuela, 1976) expone por primera vez en la Galería Juan Silió presentando “Mc City. Notas sobre la ficción de la ciudad”, series fotográficas, collages y una instalación procesual donde la artista desarrolla la inesperada y especulativa construcción de la ciudad: el mundo que nos rodea, como un panorama de materiales, colores y formas que determinarán cómo será el mismo, un relato de posibles —ficciones en potencia o realidades en acto, donde todo es realidad, pero parece una ficción.

El proyecto parte de la creación de un archivo de prensa iniciado a partir del periódico miamense The Miami Herald, en diálogo con periódicos españoles. Son las noticias –los titulares- que se publican en la prensa, las que nos sitúan en los diversos barrios que construyen la ciudad, marcando a la sociedad que la habita, y dotándola de capas de información visual, numérica y conceptual. Se genera así un gran listado de ideas desconcertantes que parecen no tener relación, más bien una contraposición entre las expectativas y las frustraciones.

Rosell Meseguer. Mc City. Notas sobre la ficción de la ciudad. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

Rosell Meseguer. Mc City. Notas sobre la ficción de la ciudad. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

El archivo construye diálogos donde se evidencian las contradicciones entre las culturas históricas –Europa- y las nuevas sociedades vinculadas a un fuerte capitalismo -EEUU-. Miami en contraposición pero también en asociación a la construcción de la ciudad europea. Un coche europeo transita entre la urbe miamense y la exuberante botánica de Florida, entre el lujo y la marginalidad, entre el centro y la periferia, cómo metáfora de dos mundos, dando visibilidad al exceso frente a lo invisible, y a los modos de especulación, deseo y oferta del mercado capitalista.

Rosell Meseguer vive actualmente entre Madrid y Santiago de Chile, es artista visual y Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid donde es docente. Ha desarrollado diversas estancias artísticas y de investigación en el MOMA y la Columbia University, Nueva York; la Tate Britain y el Victoria & Albert Museum, Londres; el Centre Georges Pompidou y la Societé Française de Photographie, París así como en Cannonball, Miami.

Rosell Meseguer. Instalación procesual. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

Rosell Meseguer. Instalación procesual. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

 

Pilar Cossío en la galería Juan Silió

Pilar Cossío. Honey – Drawing in the Desert Sand (Essaouira Project) 
Galería Juan Silió
C/ Sol 45, Bajo. Santander
Inauguración: 21 de diciembre a las 20h
Hasta el 8 de febrero 2014

Pilar Cossío regresa a la Galería Juan Silió para presentarnos “Honey- drawing in the desert sand (Essaouira Project)», una selección de trabajos recientes que incluyen video-escultura, ready-made, fotomontajes y principalmente dibujos, realizados entre París y Marruecos. Pilar se desenvuelve con extraordinaria soltura en cualquiera de los lenguajes contemporáneos y ha ido conformando una práctica que desplaza nuestra mirada, nuestra visión metafórica del mundo.

En palabras del crítico de arte contemporáneo Daniel Soutif, «Estas obras de Pilar, a través de sus distintos lenguajes, pueden ayudarnos a resumir algunos sentimientos que su arte suscita. En su obra en efecto, los cuerpos sólo se revelan al espectador desde la ausencia o el eclipse, desaparecidos o a punto de desaparecer. Su naturaleza en permanente desplazamiento no nos deja de ellos mas que unas huellas fugitivas, o si son estables, son solamente metonímicas. Su experiencia en medio Oriente y África del norte lo confirman. Sus elementos iconográficos parecen surgir de un vértigo interior que les proyecta a una distancia aún más infranqueable, como si perteneciesen a otro mundo diáfano.”

Pilar Cossío nos acerca sin remedio a la poesía visual, proponiendo “cauces deslumbrantes que desde el sueño o la vigilia nos conducen al centro del poema. Sin paliativos”. La artista no permanece ni un instante en esa realidad delimitada por la razón. Acceder a lo real significa entonces desvelar un territorio mágico, que solo le pertenece a ella y que es además su morada. Pero lo mas sorprendente son los medios que utiliza para legitimizarlo, ya que no es solamente a través del poema o del fotomontaje, o del dibujo, si no también, y recientemente con mayor atención: el ready-made, el objet dʼart o de la instalación, realizando desplazamientos inéditos y emocionantes: de la realidad al sueño, de lo visual a lo mental y viceversa. Solo en algún caso su obra esclarece alguno de sus enigmas. Pilar sabe que sus estructuras, procedentes del caos anterior a la idea, son madrigueras, o lo que es lo mismo: “nuestro lugar en el mundo”.

Según el crítico de arte Javier Ruiz-Beirut, “Esta obra magnífica de Pilar, propone una negociación entre el tiempo, la luz y la materia, y me interesa mucho en ella, además de la “idea” que la preside y de la estructura, esa combinación de abstracción y soplo, la segmentación del mundo en tres tiempos.“

Acrobat pause. 2013 Fotografía en B/N. 60 x 101cm.

Acrobat pause. 2013. Fotografía en B/N. 60 x 101cm. Cortesía de la galería Juan Silió

Nueva mirada a la arquitectura establecida

Pidan refuerzos
Juan López

Galería Juan Silió
C/ Sol 45, Santander
Hasta el 19 de octubre

'Nature intervetions 2' de Juan López, para 'Pidan refuerzos'. Imagen cortesía de la galería Juan Silió.

‘Nature intervetions 2’ de Juan López, para ‘Pidan refuerzos’. Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

El pasado sábado 17 de agosto se inauguró la exposición de Juan López en la Galería Juan Silió, donde presenta una serie de dibujos en papel y PVC de intervenciones ficticias sobre arquitecturas, estructuras y soportes de refuerzo, entre los que destacan los collage basados en fotografías de archivo intervenidas con materiales adhesivos.

Esta muestra plantea causas y soluciones a ciertas situaciones de emergencia mediante dos intervenciones, una modificando el espacio arquitectónico utilizando el dibujo a modo de boceto, dando lugar a una pieza de carácter escultórico; y otra basándose en el muro como soporte, animando un dibujo mural a través de una videoproyección, lo que añade movimiento a los dibujos estáticos.

De este modo, el artista pone en contacto el lenguaje de la ciudad con los códigos artísticos privados o institucionales, utilizando materiales efímeros como la cinta adhesiva, los vinilos, las pegatinas, las fotocopias, los carteles publicitarios o el mobiliario urbano.

Juan López critica la realidad socioeconómica concibiendo la arquitectura como lo establecido y a lo que hay que adaptarse, reinterpretando la realidad y proponiendo nuevas miradas y alternativas a partir de lo que nos rodea.

 

'TrussT 1' de Juan López, para 'Pidan refuerzos'. Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

‘TrussT 1’ de Juan López, para ‘Pidan refuerzos’. Imagen cortesía de la Galería Juan Silió.

En mi ausencia

En mi ausencia
Nuno Nunes-Ferreira

Galería Juan Silió
C/ Sol 45 bajo, Santander
Hasta el 10 de agosto de 2013

"En mi ausencia", Nuno Nunes-Ferreira. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

«En mi ausencia», Nuno Nunes-Ferreira. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

Este no iba a ser el título de esta exposición, ni los trabajos que había pensado hacer, ni este el texto que quería escribir, pero bastó un instante para que “en mi ausencia” todo cambiara y éste pasara a ser exacta y necesariamente, el título, los trabajos y el texto a presentar ahora; imposible de otra manera.

Todo pasó el día 3 de Abril de 2013, podía haber sido peor, podía haber sido más trágico, podía no haber acontecido pero aconteció y fue así: cerré la puerta de casa y cuando la abrí parte de ella había ardido.

Este cambio repentino de planes, de vida y de pensar me obliga a encarar este acontecimiento excepcional de mi vida personal de dos maneras distintas: de un lado estaba el ser habitante incrédulo con el hecho de tener que reconstruir de nuevo todo aquello que había proyectado antes, del otro lado estaba el ser artista vislumbrado y que intenta constantemente encontrar en la tragedia y la memoria un lado sublime y bello para la creación.

Fue en esta dualidad de ser que construí la exposición que aquí presento, mientras trabajaba en la reconstrucción decidí a la vez ir registrando con fotografía el escenario de cosas nuevas que la casa me presentaba buscando en cada imagen de mis objetos aquello que nunca había visto antes y que sólo me fue revelado después de que el fuego los rediseñara, con esta revelación percibí que la disposición cotidiana de aquello que me era cercano tenía en sí imágenes gráficas en potencia que se encontraban ocultas y por explorar.

Esta nueva visión de positivo y negativo, de presencia y ausencia, de claro y oscuro, de imágenes rebatidas que ahora presenciaba abrió en mi consciente una pluralidad de referencias de la historia de arte pero que a la vez también se manifestaban de forma diferente y única de aquello que alguna vez había visto antes. Fue en la necesidad de intentar guardar todo este nuevo caos que me rodeaba diferente del caos de los otros que antes investigaba, y entre la memoria personal de lo que desapareció y de aquello que quedó diferente de las memorias colectivas que siempre trabajé, que fui encontrando lo bello que me tranquiliza y satisface como artista y que me llevó a encarar todo este proceso de registro difícil como todos mis otros proyectos pero normal en cuanto a la temática de trabajo.

En esta exposición podemos ver una pequeña parte de ese registro fotográfico; una escultura que no es más que un mueble rescatado a los bienes perdidos en el incendio y que expuesto en un escenario diferente adquiere nuevas calidades y significados, creando la ilusión en el espectador de que el objeto pueda haber sido intervenido o que las marcas diseñadas por el fuego puedan haber sido intencionadas; un video que es un recorrido por la casa días después del incendio donde el título “apnea” hace referencia real a lo que me ocurrió cuando abrí la puerta de casa y, ajeno a lo que estaba aconteciendo, contuve la respiración y entré para intentar extinguir el fuego; y un conjunto de pequeños lienzos realizados ahora que habito de nuevo en la casa y que son quizás una posible reacción post-traumática descriptiva de la experiencia por la que pasé.

Roland Barthes escribió en su ensayo La chambre claire que la fotografía “repite de manera mecánica lo que nunca más podrá repetirse existencialmente”, y yo sinceramente deseo que esta fatalidad de la fotografía sea verdad.

"En mi ausencia", Nuno Nunes-Ferreira. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.

«En mi ausencia», Nuno Nunes-Ferreira. Imagen cortesía de Galería Juan Silió.