“Me apetecía cambiar de registro”

¡Oh, Cuba!, dirigido por Francisco Ortuño, con Loles León
Teatro Olympia
C / San Vicente Mártir, 44. Valencia
Hasta el 26 de noviembre de 2017

Es la cuarta vez que Loles León viene a trabajar a Valencia y en esta ocasión está encantada porque lo hace como intérprete absoluta de un musical de mucho poderío, ¡Oh, Cuba! que estará en el Olympia hasta el domingo. Maquillada y revestida de espectaculares atuendos, la veterana actriz, dotada de una gran vis cómica y enérgico temperamento, se transforma en una criatura celestial que entona los versos que el poeta granadino compuso en la isla.  “Mis vecinas de Montepinar se van a poner verdes de envidia”, bromea, y reconoce el efecto Menchu (nombre de su personaje en Lo que se avecina) que llena los teatros por eso de la popularidad televisiva.

“Me apetecía mucho cambiar de registro y cuando me propusieron este proyecto no lo dudé ni un segundo”, dice León. “En la función recito los poemas de Lorca, que me encanta, además de cantar y bailar un poco. Soy el hilo conductor de todos los números arropada por mis compañeros, 21 artistas en escena”.

Loles León, en '¡Oh, Cuba!". Imagen cortesía del Olympia.

Loles León, en ‘¡Oh, Cuba!”. Imagen cortesía del Olympia.

Con los sesenta cumplidos, y en plena forma la polifacética actriz vive uno de sus mejores momentos combinando el teatro con el rodaje de la serie vecinal y la promoción del premiado mediometraje del que es protagonista, El mundo entero. Dirigido por Julián Quintanilla y rodado en Badajoz, este filme de 30 minutos aborda en clave de comedia las relaciones materno filiales con un enfoque tierno y original que le ha dado un gran éxito.

Con una impresionante carrera a sus espalda bajo la dirección de grandes directores como Almodóvar, Trueba o Aranda, León asegura que no tiene una película favorita, que en todas aprendió y disfrutó por igual. También está satisfecha con su rompedor personaje Menchu de la serie televisiva, “avasallador y vitalista”, aunque, salvo un genio algo vivo, no comparte otros rasgos con ella. “Es muy fuerte, sería agotador vivir siempre así”, comenta.

Loles León. '¡Oh, Cuba!". Imagen cortesía del Olympia.

Loles León. ‘¡Oh, Cuba!”. Imagen cortesía del Olympia.

¡Oh, Cuba! evoca la estancia de Federico García Lorca en la isla caribeña, donde llegó el  4 de marzo de 1930 tras su visita a Nueva York. Fueron tres meses, exactamente 98 días muy intensos, que vivió sumergido en la atmósfera cálida y sensual,  una etapa inolvidable para el poeta.  También muy productiva, tanto en sentido literario como en las relaciones sociales y personales y, por supuesto, en lo relativo a los encuentros amorosos. A partir de sus vivencias cubanas  el dramaturgo y director teatral Francisco Ortuño ha condimentado este plato exótico con ingredientes lorquianos, flamencos y cubanos. Incluye textos de Federico García Lorca, clásicos e inéditos, que el poeta dejó en la isla, y poemas de su amigo Nicolás Guillén.

En ‘¡Oh Cuba! se produce “auténtica magia” y el público recibe “un hachazo al corazón” al tiempo que reflexiona con la “razón pura y poética” de Lorca, dijo Ortuño en la presentación de la obra. Es un montaje con “sabor cubano, flamenco y poético” y música en directo de raíces africanas. Hasta ahora, no se había hecho un montaje que repasara la estancia de Lorca en Cuba, “una enorme experiencia” para el poeta en la que “encuentra realmente su pulso, su sexualidad”.

Como una especie de duende de Lorca, Loles León va explicando, recitando e incluso cantando sobre el escenario los motivos que llevan a Lorca a permanecer en la isla de Cuba. Según la actriz, su brisa suave, su sabor, sus gentes, su forma relajada de plantear la vida contribuyeron a que brotara en él algo  que estaba reprimido en Granada
Junto a Loles León figuras de primer orden: Antonio Carmona, Diego Franco, Adrián Galia, con la colaboración especial de la soprano cubana Alina Sánchez. La obra batió récords de asistencia en el programa Lorca y Granada en los Jardines del Generalife, con más de 41.000 espectadores.

Loles León

Loles León, en ‘Oh, Cuba!”. Imagen cortesía del Teatro Olympia.

Bel Carrasco

Bodas de sangre arcoiris

Bodas de sangre, de Mariola Ponce
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Sábado 8 y domingo 9 de julio de 2017

Sala Russafa cierra la sexta edición de su Festival de Talleres de Teatro Clásico esta semana y las puertas del centro cultural hasta después del verano. La última propuesta en pasar por el escenario del teatro de Ruzafa esta temporada será de la compañía de Puerto de Sagunto Pezenleagua. Tras su paso por Rumanía, estrenan en Valencia su montaje de ‘Bodas de Sangre’ (el 8 y 9 de julio), que apuesta por la diversidad sexual.

Mariola Ponce dirige esta popular tragedia, escrita por Federico García Lorca en 1931, a partir de un hecho real ocurrido en Níjar unos años antes. Sobre las tablas se recrea una unión sustentada por las relaciones familiares, las imposiciones sociales y las apariencias. Un matrimonio que, como el título de la obra indica, se verá abocado a un trágico desenlace por culpa de un amor fuera de las convenciones, que en este caso protagonizan dos mujeres.

Con la vida y la muerte como temática central, personajes alegóricos como la parca o la luna se integran en un texto lleno de simbolismo y belleza que ha contado con numerosas versiones escénicas y algunas cinematográficas. Una de las piezas más representativas del teatro de Lorca, de profundo sabor andaluz. La actualización de todo un clásico en la que las sombrías pasiones y los celos conducen un intenso triángulo amoroso al que la homosexualidad aporta una nueva lectura.

Escena de Bodas de sangre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Bodas de sangre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Tras el verano, nuevas propuestas

Sala Russafa cierra su sexta temporada aumentando el número de compañías, con un total de 46 formaciones (26 valencianas y 20 nacionales) y así como de funciones realizadas, 198 en total (142 de teatro para adultos, 44 para público familiar y 12 espectáculos musicales).

“Estamos satisfechos con la calidad artística de las piezas de compañías nacionales y de las dirigidas al público familiar que hemos tenido este año. Han sido trabajos de artesanía escénica que en muchos casos van a un público más minoritario, pero que creemos que también merecen un espacio en los teatros”, afirma Juan Carlos Garés, responsable del teatro, quien ha destacado piezas como ‘Marx en el Soho’ (La Casa Escènica, Zaragoza), ‘Anna Karenina’ (Versus Teatre, Barcelona), ‘La otra mano de Cervantes’ (La Fundición, Sevilla) o ‘En la boca del Lobo’ (Titiriteros de Binéfar, Aragón). Todas ellas han formado parte de los 17 estrenos (14 en la Comunitat, 2 absolutos y uno en Valencia) que ha ofrecido Sala Russafa desde el pasado mes de octubre.

“Para la próxima temporada, queremos reforzar el ciclo de Compañías Valencianas, combinando la doble  vertiente de dar cabida a formaciones de nueva creación, con propuestas dramáticas más novedosas, junto a otras de mayor trayectoria”, avanza Garés, quien destacado como uno de los objetivos fundacionales de la Sala Russafa es la creación de nuevos públicos, incentivando el consumo cultural en la ciudad.

Una tarea en la que les gustaría contar con la complicidad de las administraciones pero también del resto de teatros de la ciudad. “En este momento, las salas privadas estamos reuniéndonos y viendo las potencialidades que tiene sumar esfuerzos porque es necesario avanzar en el proceso de regulación de la situación de los teatros en la ciudad. Me parece que esta experiencia debería de ir más allá y derivar en iniciativas conjuntas. Podemos crear sinergias para la promoción y atracción de espectadores, sería positivo para todos”, defiende Garés.

En su opinión, la diversidad y carácter propio de las salas privadas hace que cada una tenga su espacio y sus espectadores, “por lo que podría producirse un trasvase interesante de públicos entre unas y otras, que la gente abra un poco más su abanico de experiencias teatrales, enriqueciéndose la variedad de personas que pasen por las distintas salas y fomentándose el consumo de teatro en la ciudad”, apunta el responsable de Sala Russafa.

Escena de 'Distancia 7 minutos'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Distancia 7 minutos’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Tras el paso por el teatro de la producción propia del Festival Russafa Escénica, en octubre empezará la próxima temporada regular que en su primer trimestre ofrece 12 propuestas nacionales.  Dentro de la programación para adultos, la formación sevillana Producciones Imperdibles estrenará en la CV una versión de ‘La Divina Comedia’, de Dante. Harán lo mismo los extremeños Guirigai con ‘Un encuentro con Miguel Hernández’, pieza que retoman con motivo del 75 aniversario de la muerte del autor.

También serán estrenos en la Comunitat Valenciana ‘La Teatropedia’ y ‘¿Hamlet… es nombre o apellido?’, de las formaciones madrileñas  Teatro de Fondo y Tarambana, respectivamente. Así como la versión teatral de la novela de Dulce Chacón, ‘La voz dormida’, de los toledanos Euroscena.

Escena de 'Sigue la tormenta'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Sigue la tormenta’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación para adultos se completa con el estreno en Valencia de la futurista ‘Distancia 7 minutos’, de los barceloneses Titzina Teatro. Y con la vuelta a la ciudad de ‘Sigue la tormenta’, del autor francés Enzo Cormann, en un montaje de los zaragozanos Tranvía Teatro.

En lo que respecta a la programación familiar de la próxima temporada, incluirá en su arranque a cuatro de las compañías más asentadas de la escena nacional, asiduas al teatro de Ruzafa. Serán estrenos en la Comunitat Valenciana ‘El caso del fantasma percursionista’, de La Gotera de Lazotea (Cádiz); el espectáculo musical ‘El primer concierto’, de La Fundición (Sevilla) y la propuesta para bebés de 0 a 5 años ‘El viajecito’, de La Barataria (Sevilla). Mientras que Teatro Paraíso (Vitoria) estrena en la ciudad ‘Lunáticus Circus’ y Teatro Arbolé (Zaragoza) volverá a Valencia con su versión con títeres de ‘Blancanieves’.

“En total, estamos hablando de diez estrenos, ocho en la Comunitat y dos en la ciudad, en apenas tres meses. Hacemos un esfuerzo importante por traer propuestas que, pese a su impecable factura escénica, no encuentran un hueco en nuestras carteleras. Pero nosotros creemos que este tipo de piezas puede interesar a un amplio espectro de espectadores, si el público valenciano tiene la ocasión de verlas”, afirma  Garés, quien emplaza al arranque de temporada, la primera semana de octubre, para dar a conocer el resto de novedades de la séptima temporada del Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques, Sala Russafa.

Bodas de sangre

Bodas de sangre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Más ‘Bodas de Sangre’ en Flumen

Bodas de sangre, de Jose Saiz
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Del 22 de octubre al 20 de noviembre de 2016

El Teatro Flumen se viste de gala con los nuevos estrenos. Tras el éxito de ‘Bodas de Sangre’ la pasada temporada, repone este espectáculo producido por Teatro Flumen bajo la dirección de Jose Saiz. El reestreno oficial fue el jueves 27 de octubre y se mantendrá en cartel hasta el 20de noviembre. Por otro lado, el viernes 28 de octubre inauguró un nuevo espectáculo de Saga Producciones bajo la dirección igualmente de Jose Saiz, ‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’, que estará en el Flumen hasta el 19 de noviembre.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

‘Bodas de Sangre’ nos cuenta la tragedia poética de Lorca al compás del flamenco más puro. Esto es lo que dice la sinopsis: “Un pueblo andaluz. Una boda. Dos familias enfrentadas. La novia sigue enamorada de su antiguo novio Leonardo. Una vez celebrada la ceremonia, se entrega a él y huyen juntos apasionadamente. El esposo abandonado los persigue y, cuando encuentra al amante de su mujer, lo desafía a un duelo de navajas”.

El sentido trágico de la vida, la muerte y la violencia que acompaña a los hombres durante toda su vida, se va manifestando a través de los presagios y el dolor de la madre en la reposición de ‘Bodas de sangre’.

‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’ permitirá revivir los grandes éxitos de Los Rodríguez, en este homenaje teatralizado como nunca antes se había visto. El espectáculo cuenta de manera extra oficial la vida y obra de este grupo mítico.

Madrid 1990. Julián Infante y Ariel Rot deciden volver a unirse tras ‘Tequila’. Para ello cuentan con Germán Vilella a la batería y traen desde Argentina a Andrés Calamaro. ¡Qué mejor forma de empezar nuestra historia!

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

‘Soñando Lorca’ y los Premios Russafa

V Festival de Talleres de Teatro Clásico
Soñando Lorca, de Iria Márquez (3-5 de junio)
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Premios del Público
Domingo 5 de junio, 2016, a las 20.00h

Arranca la quinta edición del Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa, una muestra dedicada a reivindicar a los autores, temáticas, estilos y revisiones de piezas clave en la historia de las artes escénicas, con la que cada año el centro cultural de Ruzafa cierra su temporada. En esta ocasión, la programación se extenderá del 3 de junio al 10 de julio e incluye el estreno de cinco piezas para adultos y el reestreno de una obra para público familiar.

La primera propuesta es ‘Soñando Lorca’ (3-5 de junio), una obra creada y dirigida por Iria Márquez que abre una ventana a la vida de las mujeres y hombres soñados por el autor granadino. La propia Márquez firma este espectáculo en el que se entrelazan las tramas lorquianas de Doña Rosita la soltera, Yerma y Bodas de Sangre.

Cartel de 'Soñando Lorca', de Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cartel de ‘Soñando Lorca’, de Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El punto de partida es que, tras la muerte del poeta, sus personajes tienen la posibilidad de revivir uno de los días de su existencia. Pasando de la mañana a la noche, de la ilusión a la desesperanza y de la vida a la muerte, se va componiendo un retablo de vidas desoladas que reflejan la España de mediados del siglo XX, una sociedad castradora donde las limitaciones del rol de la mujer y de las relaciones matrimoniales han creado una herencia que el espectador podrá reflexionar si aún está vigente.

El montaje es fruto del trabajo realizado durante 8 meses en uno de los talleres de interpretación impartidos en Sala Russafa y le dan vida Roma González, Anabel Gonmerlo, Alicia Lozano, Amparo Sospedra, José Enrique Pérez, José Pérez, Laura Yáñez, Sara Soler, Viqui Cervera, Joana Börsch, Lucía Galdón,  Susana Almendros y  Jorge López.

Gatacienta, de Amparo Vayá y Chema Cardeña. Sala Russafa.

Gatacienta, de Amparo Vayá y Chema Cardeña. Sala Russafa.

También dentro de la programación del V Festival de Talleres de Teatro Clásico se encuentra ¡Gatacienta! (5 de junio), una propuesta para el público familiar que propone nuevo acercamiento al cuento popular La Cenicienta desde un punto contemporáneo y muy gatuno

En 2013 se presentó esta obra escrita por Amparo Vayá y Chema Cardeña que ahora se reestrena, adaptada para ser interpretada por los alumnos de 6 a 12 años del Taller de Teatro para Niños del centro cultural. Nuevos papeles y tramas conforman a esta  revisión del cuento clásico en la que la protagonista es una gatita muy curiosa y feliz, poco  dispuesta a renunciar a su libertad y a sus amigos para casarse con Gatopríncipe. La propia Vayà dirige este montaje en el que 12 actores alevines dan vida a multitud de gatitos y ratoncitos, una divertida comedia especialmente recomendada para espectadores entre 4 y 10 años.

Siguiendo con la programación del festival, en las próximas semanas se estrenarán los montajes de Julio César (9-12 junio) y Macbeth (23-26 junio), fruto del Taller de Interpretación para postgraduados que dirige Chema Cardeña, en homenaje al cuarto centenario de la desaparición de W. Shakespeare.

La programación se completará en julio con el estreno de ‘El enemigo del pueblo’, un texto de H. Ibsen que en esta ocasión dirige Iria Márquez (1-3 julio). Y del espectáculo ‘¿Diez y ocho?’, una muestra del taller de Danza-Teatro Inclusiva de Sala Russafa que dirige Silvia Valentín.

El centro cultural dispone de un abono para poder disfrutar de los cuatro espectáculos para adultos por 18€, mientras que las representaciones por separado tendrán un precio de 6€ cada una y de 3€ para la función familiar.

Soñando Lorca, de Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Soñando Lorca, de Iria Márquez. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Premios del Público

Esta semana se entregan los Premios del Público de Sala Russafa (5 de junio), una iniciativa que cumple cinco años y con la que se quiere dar voz y voto a los espectadores para que escojan las propuestas que más les han gustado de la programación ofrecida por el centro cultural, excluyendo las producidas o coproducidas por la sala o por Arden Producciones, compañía ligada a la dirección del teatro.

Durante toda la temporada, tras cada representación, el público puede participar puntuando de 0 a 10 el espectáculo que acaba de ver y depositar su voto en una urna. Al acabar la programación regular, se recopilan las papeletas de votación y se hace una media de la nota obtenida por cada propuesta. Las mejor puntuadas son las que conforman el palmarés de unos premios que reconocen al Mejor Espectáculo Valenciano, al Mejor Espectáculo Nacional, al Mejor Espectáculo de Danza, al Mejor Espectáculo para Niños y Niñas, al Mejor Trabajo Escolar y Mejor Colegio de los colegios asistentes a la campaña escolar y al Mejor Directo Musical. Unos galardones con los que colaboran Urban, Makma, Picadilly, C.C. Nuevo Centro, Edicions Bromera, Mondo Sonoro y el Restaurante Lamaldo.

Además, el propio público recibe el Premio al Mejor Espectador, que viene de escoger una al azar entre todas las votaciones recibidas. En este caso, el ganador recibe una entrada para el estreno de la siguiente temporada y una cena en Lamaldo. En el resto de premios, los colaboradores aportan el galardón, que no es más que un pequeño símbolo del merecido homenaje a unos profesionales de las artes escénicas que en la Comunidad Valenciana carecen de reconocimientos institucionales desde la desaparición de los Premios de la Generalitat y de los Premis Abril, otorgados por la profesión.

 

Te estoy queriendo ‘Lorcamente’

Lorcamente, de Malvaloca + Matthieu Saglio e Isabel Julve
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Sábado 28 de mayo de 2016, a las 23.00h

Los conciertos de Sala Russafa acogen el 28 de mayo el espectáculo ‘Lorcamente’, una propuesta del grupo Malvaloca que recrea la poética de Lorca, impulsada por la fuerza y el duende del flamenco. La voz de Aina Espinosa y el guitarrista José Luis Sánchez, ‘El Piru’ son la base de esta formación valenciana, que conecta Levante y Sur con un flamenco profundamente mediterráneo, vitalista y cercano, lleno de estilo.

Con un primer disco en el mercado, ‘Oliva y Naranja’, el dúo tiene previstas actuaciones en países como Francia o Bulgaria. Pero también se ha embarcado en este proyecto, creando un espectáculo para el que unen su talento al del chelista de Matthieu Saglio, componente de Jerez Texas, entre múltiples proyectos. “Matthieu es un músico con muchísimas referencias, desde las músicas del mundo a la clásica o el jazz. Es impresionante su naturalidad a la hora de integrase en otro estilo, como el flamenco, y aportar una dulzura en la interpretación que sobrecoge”, remarca ‘El Piru’.

Lorcamente. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Lorcamente. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El equipo artístico del espectáculo se completa con Isabel Julve, que aporta el cante, el palmeo y el baile. “Está llena de flamencura, domina todos los palos y su presencia escénica está cargada de carácter”, destaca el guitarrista.

Juntos, Malvaloca, Saglio y Julve, realizan un recorrido por las canciones y poemas del autor andaluz con un flamenco sutil, suave y lleno de frescura, capaz de atrapar tanto a los amantes del género como a quienes todavía no se hayan dejado seducir por el duende.

El objetivo es homenajear a uno de los escritores más singulares de nuestra literatura, creador de un imaginario que ha pasado a formar parte de la identidad nacional, pero también de la mitología y romanticismo que rodea a cierto concepto de la cultura española.

Adaptando algunos de sus poemas y canciones, retomando el cancionero popular que le influyó e incluso la elegía que le dedicó Salvador de Madariaga, se da una segunda vida a la poética del autor a través de la música. “Conocíamos a Lorca, pero trabajar con sus versos nos ha permitido profundizar en su poesía, que encaja perfectamente con el flamenco”, señalan desde Malvaloca. A poco de cumplirse 80 años de la muerte de Federico García Lorca, ‘Lorcamente’ ofrece una visión del legado de una de las sensibilidades más personales y ensoñadoras de nuestra poesía.

Lorcamente. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Lorcamente. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Maridos, mujeres y su difícil convivencia

Marits i mullers, de Àlex Rigola, adaptación de Maridos y mujeres, de Woody Allen
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Sábado 16, a las 20.30h, y domingo 17 de enero, 2016, a las 19.00h

La crítica ha alabado unánimemente esta adaptación de Maridos y mujeres, que durante cuatro meses ha triunfado en la cartelera barcelonesa y ha congregado 25.000 espectadores en la sala Villarroel. Àlex Rigola, uno de los directores de escena más reconocidos de Europa, es el responsable de esta versión de la mítica película de Woody Allen estrenada en 1992 y que llega al escenario del Musical en dos únicas funciones: sábado 16 a las 20.30 y domingo 17, a las 19.00 horas. Una comedia dramática que se adentra en los conflictos de pareja con una visión cruda y mucho humor. Los intérpretes son Andreu Benito, Joan Carreras, Mónica Glaenzel, Sandra Monclús, Mar Ulldemolins y Lluís Villanueva.

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

El guión de Marits i mullers está considerado uno de los más brillantes en la carrera de Woody Allen y disecciona las relaciones de pareja con tanta filosofía como humor. La trama arranca cuando Andreu y su mujer Rosa se enteran de que sus mejores amigos han decidido separarse. A partir de ese momento ellos también comenzarán a plantearse su relación.

Àlex Rigola acudirá el sábado al estreno del montaje en Valencia, primera parada en la gira de esta obra. Rigola ha sido director de la sección de teatro de la Bienal de Venecia entre 2010 y 2015 y ha dirigido el Teatro Lliure de Barcelona durante 8 temporadas. Director de escena de prestigio internacional, estrenó esta misma versión de Maridos y mujeres en castellano y con otro reparto en el Teatro de la Abadía en 2013. Su último trabajo es el montaje de El público, de Federico García Lorca.

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Este montaje de Marits i mullers es una coproducción de Heartbreak Hotel, Teatro de la Abadía, Trànsit Projectes y La Villarroel. La crítica ha dicho de él: “La función es divertidísima (…) Tiene profundidad, humor, poesía, verdad y ritmo: ¿Qué más se puede pedir?” (Marcos Ordóñez. El País).  “En pocas palabras, me gusta más Àlex Rigola que (Woody) Allen. Es un placer descubrir que tiene igual talento para la comedia como para sus excesos (…) y su inteligente capacidad para dominar los tiempos y el espacio” (Javier Villán. El Mundo).

“De los mejores filmes de Woody Allen y una de las obras más inspiradas y populares de Àlex Rigola (…) Una puesta en escena brillante, por ingeniosa y meticulosa, y una soberbia dirección de actores.”

Santi Fondevila (ARA). “Incluso el propio Woody Allen aplaudiría la versión de Àlex Rigola de Marits i Mullers” (José Carlos Sorribes. El Periódico de Catalunya). “Versión dotada de un gran cuadro interpretativo, consigue una diversión de las más brillantes que se han podido ver en la escena local de muchos años a esta parte” (Joan-Anton Benach. La Vanguardia).

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Escena de Marits i mullers, de Àlex Rigola. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Rafael Amargo, del genio a la figura

Poeta en Nueva York, de Rafael Amargo, inspirado en la obra de García Lorca
Teatro Principal
C / Barcas, 15. Valencia
Del 6 al 8 de noviembre de 2015

Estudios recientes, como el anuario de la SGAE, revelan una caída del número de espectadores con relación a la danza. Lo cual a Rafael Amargo le afecta, pero menos. “Yo no paro de llenar los teatros”, dijo. Al Principal de Valencia llega con Poeta en Nueva York, inspirado en la obra de Federico García Lorca. Y lo hace avalado por el éxito de público durante sus últimas representaciones en Granada: “Más de 41.000 espectadores en 32 funciones”, subrayó orgulloso. ¿Qué la danza es el hermano pobre de las artes? Pues “valentía” como antídoto. Y más figuras.

“En la danza debería haber más nombres mediáticos, más figuras”. Y menos siglas. “NBE, Nuevo Teatro Español; pues muy bien, teatro vacío”, ironizó. “En vez de siglas, que haya nombres”, recalcó. El suyo es un ejemplo. Porque así, en plan figura, se muestra en el cartel de Poeta en Nueva York, obra que pasea desde hace 13 años por escenarios nacionales e internacionales con gran éxito de público. “A la gente hay que ir educándola poco a poco en la danza con buenos espectáculos”, subrayando su carácter de “público exquisito”.

Cartel de la obra Poeta en Nueva York, de Rafael Amargo. Teatro Principal de Valencia.

Cartel de la obra Poeta en Nueva York, de Rafael Amargo. Teatro Principal de Valencia.

Como exquisito es el Poeta en Nueva York con el que revive a Lorca. “A mí me pasó como a Lorca cuando fue a Nueva York, que al principio me costó adaptarme a la ciudad por su gran escala, me pareció impersonal y me causó miedo, pero luego la empecé a amar y ahora es como mi casa”. No caben medias tintas. “Nueva York o te gusta o ella no se mete en ti”, para concluir que se trata de “una ciudad muy cruel”, porque “si te va bien, te va muy bien, y si no te mata”. Gran parte de esa crueldad y de esa pasión desbordante se hallan en el espectáculo que durante los días 6, 7 y 8 de noviembre recala en el Teatro Principal.

Marisa Paredes, Cayetana Guillén Cuervo y Joan Crosas ponen sus voces al montaje escénico que cuenta con la colaboración especial de Edith Salazar y el audiovisual de Juan Estelrich. “El 50% de mi éxito se lo debo a él”. Las imágenes cinematográficas que acompañan el espectáculo, además del flamenco y el elenco de bailarines, han contribuido a ese Premio Max de las Artes Escénicas al mejor bailarín y el Mejor Espectáculo de la Década por votación de los lectores de El País Tentaciones. “Lleva 13 años representándose pero lo que funciona, mejor es no cambiarlo”, aunque se haya ido multiplicando “el cuerpo de baile y los artistas”.

El solo hecho de que se haya introducido el flamenco y el cine en Poeta en Nueva York ya es suficientemente novedoso. “Jamás se había hecho antes”, destacó Amargo, que reconoció haberse inspirado en el disco Omega de Enrique Morente y Lagartija Nick: “Es la Biblia para mí”. Un sonido rompedor que viene a calzar como un guante en el espectáculo que destripa las sensaciones de Lorca en aquel Nueva York previo al crack del 29. “La parte más cachonda y picante la escribió Lorca unos meses después en Cuba”, explicó el bailarín, que dijo sentir mucha pena por el modo en que se produjo la muerte del poeta granadino.

“Me gustaría saber dónde están sus restos, pero hablar de los muertos después de tanto tiempo creo que es provocar más dolor”. Por eso Rafael Amargo prefirió centrarse en lo que cercenó el asesinato de Lorca. “Si con 36 años dejó una obra tan majestuosa, lo que hubiera escrito de haber vivido un poco más sería la reostia”. Pero como “la mejor valentía es no quejarse”, ya sea por la muerte de Lorca o por el estado de la danza, el bailarín insistió en el espectáculo que ha triunfado por medio mundo y que ahora recala en Valencia. “Aquí el público siempre nos recibe muy bien; es un público que aplaude con locura, como si fueran las Fallas”. Poeta en Nueva York viajará después a Buenos Aires, de la mano del genio de Lorca y de la figura que reivindica para sí y para la danza Rafael Amargo.

Ver la noticia en El Mundo

Rafael Amargo en el Teatro Principal de Valencia. Fotografía: Jose Cuéllar.

Rafael Amargo en el Teatro Principal de Valencia. Fotografía: Jose Cuéllar.

Salva Torres

La piedra oscura hace memoria en Las Naves

La piedra oscura, texto de Alberto Conejero, dirigida por Pablo Messiez
Espai Mutat de Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Sábado 24 y domingo 25 de octubre, 2015

La piedra oscura, la obra revelación de la temporada teatral, texto de Alberto Conejero, dirigida por Pablo Messiez e interpretada por Daniel Grao y Nacho Sánchez, llega al Espai Mutant de Las Naves el 24 y 25 de octubre. Una coproducción del Centro Dramático Nacional y La Zona.

La obra está inspirada en el personaje real de Rafael Rodríguez Rapún, “el más hondo amor de Lorca” que quedó fuera del “retrato de la historia”, según expresión de Alberto Conejero (Jaén, 1978). El texto, un mosaico de ficción y realidad, narra el encuentro en una noche trágica entre Rafael, un teniente republicano, y Sebastián, un joven soldado inexperto del bando nacional. “Una obra teatral que está demostrando que al público sí le interesa la memoria histórica. La Piedra oscura pone este interés sobre el escenario de manera clara y emotiva”, apunta Guillermo Arazo, responsable de programación de Las Naves.

Escena de 'La piedra oscura'. Imagen cortesía de Las Naves.

Escena de ‘La piedra oscura’. Imagen cortesía de Las Naves.

“Yo creo en la memoria colectiva. Creo que tenemos que llegar a un mínimo acuerdo sobre nuestro pasado, y que con la memoria histórica se desmoronan los egos y compartimos culpas”, afirma Conejero, que consiguió el premio Ceres de Teatro al mejor autor. “Nunca lo hubiera conseguido sin Pablo Messiez, los actores, Daniel Grao y Nacho Sánchez, y el equipo”, subraya el autor.

La obra transcurre en una habitación de un hospital militar cerca de Santander. Allí se produce el encuentro entre Rafael, que vive sus últimas horas antes de ser fusilado, y un joven soldado llamado Sebastián, que le custodia. Es, cuenta Coenejero, un encuentro ficticio, que le ha servido para recuperar la memoria de Rodríguez Rapún. “Habla sobre el encuentro con el otro y esa ‘otredad’ que va convirtiéndose en una intimidad. La obra habla de cómo dos seres humanos son capaces de encontrarse y entenderse, pese a la guerra”, destaca el dramaturgo.

Federico García Lorca es, de algún modo, el origen de La piedra oscura. “Tengo un gran amor por Lorca y soy en muchas maneras deudor suyo. Pero no he pretendido hablar de él, ni siquiera rendirle un homenaje. El texto habla de las ausencias, y la primera es la de Lorca. No hablo de él pero esta obra no podría existir sin él”. La piedra oscura es, precisamente, el título de un proyecto de Lorca del que apenas existe el ‘Dramatis personae’. Alberto Conejero lo ha elegido como título por los significados, desde lápida a paredón, y porque oscuro es el amor que no puede decirse.

La piedra oscura no es revanchista sino que habla sobre la necesidad de encuentro, pero tiene un ruego: este país no puede estar ribeteado de muertos en sus cunetas y que los familiares tengan que financiarse ellos mismos las exhumaciones a través de asociaciones.

Escena de 'La piedra oscura'. Espai Mutant de Las Naves.

Escena de ‘La piedra oscura’. Espai Mutant de Las Naves.

Bodas de sangre flamencas en Flumen

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Sáiz
Saga Producciones
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Estreno: jueves 15 de octubre, a las 21.00h
Hasta el 29 de noviembre de 2015

La terrible historia que en su día escribiera Lorca, tras quedar impresionado al leer la noticia en un periódico, del cruento suceso acaecido en El Cortijo del Fraile de Nijar (Almería), el 22 de Julio de 1928, representada en el Teatro Flumen de Valencia.

Bodas de Sangre, dirigida por José Saiz, reproduce los versos de Lorca al compás del flamenco más puro, donde el amor y la traición, la tradición y el instinto, el honor y la muerte se conjugan en una noche sin luna. Con esta obra Lorca consigue hacer uno de sus mejores trabajos con la tragedia como base, ya que todos los protagonistas mueren o viven sin motivo, guardando sus penas en su interior. En Bodas de Sangre se viven sentimientos tan fuertes como el amor, el deseo y los celos, capaces de cegar la razón y hacer añicos la cordura.

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Es la mañana de una boda. Leonardo es el primero en llegar a la casa de la novia y habla con ella, recordándole el pasado. Leonardo ha amado a la hermosa novia y ha sido correspondido; pero rechazado por el padre debido a la dudosa moralidad de su familia, se ha casado con otra mujer, prima de ella; sin embargo, en ambos ha quedado latente la primera pasión y él sigue asediándola con su deseo. La novia, llena de orgullo y despecho, ha aceptado un matrimonio que le significa liberación, pero no siente amor por el que será su esposo.

El recuerdo del pasado se hace tan apremiante entre ambos que, celebrada la ceremonia nupcial, la recién casada huye con su antiguo pretendiente. El novio persigue a la pareja fugitiva. Cae la noche. La luna, desde arriba, contempla la huida y la persecución. Se producen el encuentro y el duelo entre los dos hombres, en el que ambos mueren. La novia sobrevivió de milagro a las manos de mujer que la intentaron estrangular.

Es también una historia de viejas rencillas familiares, la familia del joven novio había sido víctima de la pérdida del padre y el hijo mayor en manos de la familia del joven Leonardo, lo cual engendra en la madre un rencor-odio hacia todo lo relacionado con dicha familia, y un temor-odio hacia cualquier arma que atente contra la vida del hombre.

La novia, que siente que ya no tiene motivo por el que vivir, visita a la madre, no para pedirle perdón sino para que le quite la vida a ella también. La madre, por su parte, no es capaz ni de tocarla, aunque le gustaría hacerlo hasta acabar con ella, no tiene fuerzas para hacer nada, ya que acaba de perder a lo único que le quedaba; su hijo.

Con esta obra, Lorca consigue hacer uno de sus mejores trabajos a base de la tragedia, ya que todos los protagonistas mueren o viven sin motivo, guardando sus penas en su interior. El amor, el deseo, los terribles celos que nacen de las mismas entrañas y abrasan el corazón, cegando la razón que hace añicos la quebradiza cordura. Este es el auténtico catalizador que libera la furia aletargada en el interior de las pasionales personas.

Imagen promocional de Bodas de sangre, de Federico García Lorca, dirigida por José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Imagen promocional de Bodas de sangre, de Federico García Lorca, dirigida por José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

Europa, cabaret del desencanto

Europa, cabaret del desencant
Escena Erasmus
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
C / Universidad 2. Valencia
Sábado 4 de julio 2015, a las 22.30 horas

En el verano de 1932, Federico García Lorca y Eduardo Ugarte, con el apoyo del gobierno de la Segunda República, pusieron en marcha La Barraca, un grupo ambulante de actores universitarios  que llevaban el teatro clásico a las zonas más deprimidas de la península Ibérica. En 2009,  surgió en la Universitat de València Escena Erasmus, un proyecto que recoge el testigo de aquella iniciativa cultural pero con un contenido más amplio, pues los actores y actrices que participan proceden de distintos países de Europa con el único requisito de estar disfrutando una beca Erasmus.

Aunque la crisis económica redujo su radio de acción, no logró enterrar esta singular iniciativa que ha sido copiada por otras universidades europeas como la de Cagliari, Padua, Marburg y Ankara. Cada curso se elige una pieza específica, casi siempre un clásico adaptado a los tiempos actuales, sobre la que los alumnos y actores trabajan.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Este año una pieza informal y desenfadada con un toque musical al estilo cabaret sirve para poner en solfa las políticas de austeridad imperantes en Europa. Europa, Cabaret del Desencant, es el grito esperanzado de unos jóvenes convencidos de que es posible forjar un futuro mejor, aunque la Europa que habitan incite al desencanto. Desde su perspectiva personal cuentan las miserias de su país en un espectáculo con muchos contrastes cuyo formato es un alegre cabaret berlinés. Destapa el lado más acre de la realidad europea: la austeridad, la crisis, la inmigración, la desigualdad, la injusticia, etcétera.

Aparte de la puesta en escena y representación teatral propiamente dicha, Escena Erasmus supone una inmersión de los estudiantes y actores en la vida de los pueblos que visitan. Un estimulante intercambio entre los jóvenes europeos y los habitantes de distintas zonas rurales que favorece a ambas partes. Por otra parte, se da una sinergia con la escena teatral valenciana como demuestra la colaboración de dramaturgos de la tierra que participan este año en la escritura de los textos.  Son: Maribel Bayona, Xavier Puchades, Guada Sáez, Patri Pardo, Eugenia Sancho, Pasqual Alapont, Javier Sahuquillo, Josep Lluís Sirera y Daniel Tormo.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Once actores, seis pueblos

El pasado fin de semana se inició en Gátova la gira estival de Escena Erasmus en la que participan once actores y actrices de diversos países europeos. Nueve son mujeres, las más exóticas una de Bulgaria y otra de la República Checa, y por una vez no hay italianos entre los estudiantes e intérpretes. Con una obra crítica sobre la actual política de austeridad, Escena Erasmus recorrerá seis municipios valencianos: Alcublas (28 de junio), L’Eliana (1 de julio), Ontinyent (2 de julio), Cullera (3 de julio) y Montesa (5 de julio). En el Centre Cultural La Nau se representará el día 4 de julio, a las 22.30 horas, dentro del Festival Serenates 2015.

Esta iniciativa es posible gracias al apoyo de la Universitat de València y del Área de Cultura de la Diputación de Valencia. Desde 2010, más de 20.000 personas han visto los espectáculos en las distintas giras en las que han participado a lo largo de la geografía española. Desde hace tres años recorren municipios valencianos. Hasta la actualidad se han llevado a cabo más de 40 representaciones en la provincia de Valencia que han sido vistas por 8.000 espectadores.
Además de la implicación de distintos vicerrectorados de la Universitat de València (Cultura e Igualdad, Internacionalización y Cooperación, Participación y Proyección Territorial), el proyecto cuenta con el patrocinio de la Fundació General de la Universitat de València y la colaboración de la Fundación SGAE.

Escena Erasmus. Cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant.  Cortesía de la Universitat de València.

Bel Carrasco