Espai Tactel abre con Toormix galería en Barcelona

Secret Diaries, de Fito Conesa y Michael Roy
Espai Tactel Toormix
Ca l’Alegre de Dalt, 55. Baixos C. Barcelona
Del 30 de noviembre de 2018 al 1 de febrero de 2019

Espai Tactel abre sede fija en Barcelona de la mano del estudio Toormix con la exposición ‘Secret Diaries’ el viernes 30 de noviembre. Espai Tactel Toormix continúa la línea de difusión de prácticas contemporáneas iniciada en la galería Espai Tactel de Valencia.

La exposición-diálogo ‘Secret Diaries’ es un acercamiento a la construcción de la masculinidad mediante el uso del diario íntimo que presenta la obra de Fito Conesa (Cartagena, 1980) y Michael Roy (La Rochelle, 1973).

Diario de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Diario de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Fito Conesa reside en Barcelona desde donde creó y dirigió el proyecto Habitació 1418 para el CCCB y MACBA. Obsesionado con la comunicación, con lo desconcertante de las segundas lecturas y lo sobre-entendido, Conesa se basta con un par de paréntesis y dos acentos divergentes para tricotar un nuevo lenguaje entre lo material y lo performativo.

Muro de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Muro de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

El trabajo de Michael Roy es particularmente el hacer sin hacer: realizar una película sin una cámara, crear una obra de arte a partir de imágenes o textos preexistentes, una ficción basada en otras ficciones. Cruza los universos, los compagina y nos invita a apropiarnos de sus obras y ficciones con el propósito de dejarnos crear las nuestras.

Con una clara vocación para encontrar nuevos caminos para la reflexión y a su vez potenciar la búsqueda de nuevos retos e inspiración, el estudio Toormix de Barcelona se alinea con la galería Espai Tactel de València para abrir un nuevo espacio en la capital condal. Concretamente ubicado en el espacio taller del mismo estudio y con la idea de fusionar arte, pensamiento, diseño y experimentación, nace Espai Tactel Toormix Barcelona.

Interior de Espai Tactel Toormix por cortesía de la galería.

Interior de Espai Tactel Toormix por cortesía de la galería.

Además de la programación que la misma galería llevará a cabo a través de exposiciones, ya sean individuales o colectivas, el espacio abarcará nuevas propuestas expositivas en colaboración con Toormix y debates centrados en la reflexión acerca del discurso artístico, la mezcla de disciplinas, el proceso de trabajo, la experimentación y con un papel relevante en el diseño entendido como una forma de pensar y conceptualizar ideas y proyectos.

Toormix es un estudio de diseño especializado en branding, comunicación y experiencia de usuario. Creado el año 2000 en Barcelona por Ferran Mitjans y Oriol Armengou, en Toormix usan el pensamiento creativo y el diseño para crear experiencias de marca innovadoras a través de cualquier soporte con un claro enfoque en las necesidades del usuario así como en la comprensión de los retos y objetivos de los negocios.

Fachada de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de la sala.

Fachada de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

Además, disponen de un área llamada Toormix Next en donde exploran nuevos caminos, desarrollan proyectos propios desde una perspectiva design-driven y  generan contenido acerca de cómo el diseño es un motor de innovación y transformación a través de eventos, curadoría y docencia. Uno de los proyectos más recientes de Next ha sido la creación de un espacio gastronómico en Barcelona, el restaurante Bicnic, en donde se fusiona la cocina y el diseño de la mano del chef Víctor Ferrer y el equipo del gastrobar Betlem a través de diferentes fórmulas.

Para el nuevo espacio en Barcelona, Espai Tactel contará con Patricia Carrasco como directora del proyecto, la cual ha estado vinculada a diversos proyectos galerísticos y culturales desde 2005 como Ana Mas Projects – masART Galeria, Halfhouse, B,14, Galería Encantada o el festival DOCfield Barcelona.

Vista del interior de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

Vista del interior de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

ABIERTO VALÈNCIA 2018 calienta motores

ABIERTO VALÈNCIA 2018
Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC)
21 y 22 de septiembre de 2018

La Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC) calienta motores para la apertura de la temporada expositiva con la celebración de ABIERTO VALÈNCIA 2018 durante el fin de semana del 21 y 22 de septiembre de 2018. Esta cita cultural, en la que las galerías miembros de LaVAC inauguran simultáneamente y con amplios horarios sus exposiciones, convierte a València en la capital del arte contemporáneo y en cita ineludible para coleccionistas nacionales e internacionales.

ABIERTO VALENCIA 2018. MAKMA

ABIERTO VALÈNCIA tiene como objetivo fundamental acercar el arte contemporáneo a la ciudadanía con una apuesta firme por la difusión de la cultura de una forma abierta y sencilla. Para ello, LaVAC ha preparado un completo programa que incluye eventos para todos los públicos: la rueda de prensa en la que se anuncian las galerías ganadoras de los distintos premios, el acto de apertura simultánea de galerías, visitas guiadas gratuitas y mesas redondas para profesionales, entre otros.

Las galerías participantes en ABIERTO VALÈNCIA serán: Mr Pink, espaivisor, Rosa Santos, Luis Adelantado, Paz y Comedias, Aural, Galería Shiras, Set Espai d’Art, Galería Thema, Galería 9, Galería 4, Benlliure, Alba Cabrera, Espai Tactel, Plastic Murs, Pepita Lumier y Punto.

El respetado coleccionista de arte Dani Levinas protagonizará una mesa redonda

La Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana traerá por primera vez a Valencia a Dani Levinas, el creador de una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más ricas y vanguardistas del mundo. Levinas protagonizará una mesa redonda en la que los asistentes podrán escuchar al empresario y editor argentino hablar sobre coleccionismo y arte contemporáneo.

Imagen de la obra 'Autorretrato óptico', del artista Luis Gordillo, que se exhibirá en la exposición ‘Autorreferencialidad y otros Narcisismos’, de la Galería Aural. Fotografía cortesía de LaVAC.

Imagen de la obra ‘Autorretrato óptico’, del artista Luis Gordillo, que se exhibirá en la exposición ‘Autorreferencialidad y otros Narcisismos’, de la Galería Aural. Fotografía cortesía de LaVAC.

Dani Levinas trabaja actualmente para el Arlington Arts Center y la prestigiosa feria Art Basel Miami Beach. Es, además, fundador de Prince Street Editions (Contemporary Artists Editions), y presidente de la Junta Directiva de The Phillips Collection en la capital de Estados Unidos.

Premio a la mejor exposición y premios adquisición

Como cada año, LaVAC, a través de ABIERTO VALÈNCIA, convoca cuatro premios de apoyo al mundo del arte: Premio a la Mejor exposición de apertura otorgado por la Conselleria de Cultura de la Generalitat Valenciana y tres premios de adquisición patrocinados por DKV, la Fundación Hortensia Herrero y Gandia Blasco. Un jurado especializado –compuesto por Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín; Sergio Rubira. subdirector de Colección y Exposiciones del IVAM; José Luis Pérez Pont, director del CCCC y Maribel López, subdirectora de Arco– visitará las exposiciones para otorgar el premio a la mejor exposición. El anuncio de los premiados se realizará en la mañana del 21 de septiembre durante una rueda de prensa en el IVAM.

El Opening, la cita más esperada

La tarde del 21 de septiembre tendrá lugar el Opening, un evento en el que las 17 galerías valencianas abrirán las puertas de sus exposiciones de manera simultánea para dar a conocer sus nuevas propuestas al público. La apertura tendrá un horario especial de 17 a 22h y la entrada será libre hasta completar el aforo.

Imagen de la obra 'Just Kids', de Paula Bonet, integrada en el proyecto expositivo de Pepita Lumier 'Por el olvido. Fotografía cortesía de LaVAC.

Imagen de la obra ‘Just Kids’, de Paula Bonet, integrada en el proyecto expositivo de Pepita Lumier ‘Por el olvido. Fotografía cortesía de LaVAC.

Visitas guiadas gratuitas para conocer el trabajo de las galerías

El viernes 21 y el sábado 22 de septiembre tendrá lugar otro de los eventos más importantes de ABIERTO VALÈNCIA: las ARCO Gallery Walk, visitas guiadas gratuitas a las galerías valencianas organizadas en 4 rutas para conocer cómo funcionan estos espacios, su origen y cuáles son sus artistas, con el objetivo de hacer accesible la cultura para la ciudadanía.

Esta actividad, patrocinada por ARCO y organizada por la Asociación Valenciana de Educadores de Museos (AVALEM), se realizará en sesiones que llevarán a las personas visitantes a recorrer cuatro galerías en cada ruta. La inscripción en esta actividad será gratuita y toda la información será publicada en la página facebook.com/AVALEM/.

Sobre ABIERTO VALÈNCIA

ABIERTO VALÈNCIA es un evento organizado por la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad  Valenciana (LaVAC).

En la organización de este evento participan  la Conselleria d’Educació, Investigació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana, l’Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), l’Ajuntament de València, Caixa Popular, Ética EAFI, the_HUB, ARCO, DKV, la Fundación Hortensia Herrero y Gandia Blasco.

Colaboran con  ABIERTO VALÈNCIA One Shot Hotels, Mascaraque Ivam Lounge, Champagne Taittinger, Cerveza Turia, Terres dels Aforins, Coca-Cola, Royal Bliss, Jägermeister, Ocimag, Valencia Plaza y MAKMA.

Imagen de la obra 'On the road', de Jose Antonio Ochoa, perteneciente a la exposición 'Tiempo sostenido', que se exhibirá en Galería Thema. Fotografía cortesía de LaVAC.

Imagen de la obra ‘On the road’, de Jose Antonio Ochoa, perteneciente a la exposición ‘Tiempo sostenido’, que se exhibirá en Galería Thema. Fotografía cortesía de LaVAC.

 

 

 

Amanda Moreno y los futuros posibles

Materials of the Future, de Amanda Moreno
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 24 de noviembre de 2017, a las 20.00h
Hasta el 5 de enero de 2018

La Galería Espai Tactel de Valencia acoge la exposición ‘Materials of the Future’, de Amanda Moreno, que podrá verse desde el 24 de noviembre de 2017 hasta el 5 de enero de 2018. Se trata de la primera exposición individual de esta artista, después de haber expuesto este año en ‘Distopía General’ en Las Atarazanas (comisariada por Johanna Caplliure) y haber participado en la XVII convocatoria Call para jóvenes artistas en la galería Luis Adelantado de 2015.

Su trabajo se aproxima desde diferentes disciplinas a lo que podría denominarse un saber “enciclopédico”. De ahí la constante incursión en sistemas de conocimiento, de los que se vale la artista para producir subjetividades a partir de la adulteración o el apropiacionismo.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

En la obra de Moreno el discurso consensuado queda suspendido dando paso de este modo a la proliferación de otras narraciones que encuentran su origen en la literatura o la ficción. Por otro lado, el error, la confusión o el fracaso, despliegan todo su potencial, instando a la mirada emancipada del lector que funda y gestiona su conocimiento.

Como comenta el crítico de arte Eduardo García Nieto, “este deseo de conocimiento nos conduce a la inmanencia, a imaginar nuestro futuro en un entorno en el que los avances se incorporan como cotidianidad, sin dejarnos tiempo a reflexionar en como afectarán no sólo a nuestras sociedades de control sino a nuestra propia materialidad como individuos”.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

“‘Materials of the Future’ no es sólo un espacio en el que plantearnos nuestro papel como agentes dentro de los cambios contemporáneos sujetos al pensamiento científico. La exposición es también un lugar donde conectar realidades, al igual que la teoría de cuerdas que articula la pieza, ‘M is W?’ (2017); distintos planos que, lo mismo que las supercuerdas, configuran dimensiones físicas y temporales. ¿Si nuestro pasado y futuro están conectados, atravesados y condicionados por nuestros cuerpos, cuál será nuestro papel en este relato?”, concluye García Nieto.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Amanda Moreno. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Posible teoría de la causalidad narrativa

Fade to Grey, de Michael Roy
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 23 de junio, a las 20.00h
Hasta el 4 de agosto de 2017

Sabemos que los relatos albergan poder, así que iniciemos uno de ellos a fin de intentar invocar un tipo de realidad…

Uno de los orígenes del mundo (contemporáneo) es la aparición de un dispositivo automático capaz de “capturar” la imagen. Este hecho no sólo generó una quiebra en la noción de representación sino también en la idea de lenguaje. Durante el periodo romántico, la lengua había adoptado la misión de “acompañar la historia de los hombres y el alma de los pueblos”, la fotografía marca el final de esa hegemonía y plantea un nuevo periodo en el que la palabra queda subordinada a la imagen. Nociones como documento o imagen verdad evidencian la fragilidad del texto, tanto oral como escrito, mostrando su aleatoriedad y polisemia. Ni tan siguiera un enjambre de un millar de palabras podía mermar las resistencias de la imagen.

“El lenguaje es un objeto concreto” (Jean Lescure, ‘Breve historia de Oulipo’, 1973)

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Pensemos en otro posible inicio…

En el principio fue la palabra. El propio Lévi-Strauss comienza El pensamiento salvaje con “una reflexión sobre la nominación y la expresión de lo concreto mediante lo abstracto”. Tanto las palabras, como los relatos tienen poder, incluso definen nuestra forma de percibir las imágenes ya que condicionan los regímenes de pensamiento.

“A felt a nostalgia for ages yet to come” (Saint Etienne, ‘Language Lab’, Finisterre, 2002)

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

En ese espacio de fricción entre la imagen y la palabra incorporemos un tercer elemento, el tiempo, o mejor dicho, su ficción: la imagen tiempo.

El cine propició un nuevo modo de alfabetización, hemos crecido incorporando la idea de montaje sin tener la necesidad de explicitarla o explicarla. No necesitamos conocer el postestructuralismo o la semántica para intuir la arbitrariedad del signo, el hecho de que cada elemento se define en relación con el resto. Una imagen anterior condicionará la lectura de las siguientes. Nuestra formación en la imagen tiempo nos lleva a identificar una escena anterior con el pasado y a vincularla con la que estamos viendo en ese momento.

“Existe un estrecho parentesco entre las maneras en las que se forman los valores significativos de un cinegrama y de una imagen onírica” (Jean Epstein, ‘El pecado contra la razón. La imagen contra la palabra’, ‘El cine del diablo’, 1947)

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todos estos principios nos conducen a un ámbito de indefinición, sentimos que hemos llegado a un relato que, en realidad, ya ha sido iniciado, ha comenzado en multitud de ocasiones y, al entrar en él, permanecemos silentes intentando identificar los signos, reconocer los recuerdos de otros que, por su familiaridad, casi podemos sentir como propios.

En 1980 Julia Fodor, que sería posteriormente conocida como Princess Julia, mira a cámara e inicia un recitado en francés, “Devenir gris”. La imagen se convierte en un referente permitiendo que Fade to Grey se convierta en el tema mas popular del grupo Visage.

Michael Roy, 2017, presenta su segunda exposición individual en Espai Tactel, el título de la muestra, el mismo que el del segundo single de Visage, ‘Fade To Grey’.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior: una galería de arte

Concebir un espacio arquitectónico como si fuese uno cinematográfico. No porque se presente ante nosotros una tramoya sino porque cada elemento nos conduce a otras imágenes: stills, capturas… Desconocemos si estas piezas son documentación previa al rodaje o se trata de la propia película expandida en el espacio. Ventanas. Imaginarios familiares y en conflicto. Frente a la noción del cine concebido como imágenes fotográficas nos encontramos con que lo que predomina es la imagen texto. Algo que podemos identificar con los orígenes del cine pero que, como señala Deleuze en ‘La imagen tiempo’, está también presente en nuestra cinematografía, tanto en la moderna como en la cotidiana. La fotografía, sobre todo cuando se vincula al relato, está más entrelazada a la palabra que lo que nuestros tópicos preconizan.

Si leemos las primeras, ‘Forest Knoll Drive’, nos encontraremos ante un bajorrelieve que, a su vez, es el título del video (2006) que se encuentra junto a ella. Una búsqueda rápida en internet nos sitúa de nuevo a un territorio conocido: una dirección de Los Ángeles, California.

El contenido del video, como el del resto piezas de la exposición, nos remiten a una estrategia planteada por el artista desde los años 90, la de no generar otras imágenes sino simplemente ‘posar su mirada’, seleccionar. Esta recolección de momentos, al igual que los instantes que componen nuestra memoria, esta cargada de ruido, deteriorada y distorsionada, efecto que se enfatiza por los sistemas empleados para registrarlas -capturas de imagen, decoupages, fotocopias…-.

El trabajo de Michael Roy, como ya veíamos en su pieza ‘I remember’ (2016), no sólo nos remite a construcciones nostálgicas, sino a los modos con los que hemos construido esas memorias. Hasta qué punto nuestras vivencias, recuerdos, deseos nos son propios o fruto de una construcción social y cultural, de relatos que otros han creado para generar esos grandes imaginarios.

Al mismo tiempo nos presenta una reflexión sobre el hacer, habitamos un mundo cada vez más plagado de imágenes así que cómo podemos posicionarnos ante él. Roy elige el intentar hacer sin hacer, confrontarnos con lo ya creado que, por otra parte, nos ha creado a nosotros mismos.

Pero su obra no se conforma con exponer lo que es visible, genera ámbitos de resistencia, nos obliga a confrontarnos con nuestros recuerdos y, a partir de ellos, dar sentido. En ‘The secret diary of’ (2011) mediante palabras tapadas Roy generaba espacios de vacío que universalizaban y nos invitaban a completar el sentido. En ‘Fade to Grey’ (2017) el espacio en blanco abandona su supuesta neutralidad para convertirse en otra enorme tachadura. El blanco no sólo delimita sino que construye, una sábana define al espectro, una línea, una frontera. El intentar acotar obliga a pensar en una disminución, como evidencia Peters en su cartografía, pero también una latencia basada en lo que se está intentando definir.

Y en ese espacio que se hace autoconsciente y en el que pueblan fantasmas de nuestro imaginario, nosotros, confrontándonos con un relato que alguien ha dispuesto pero no ha cerrado. ¿Qué ha ocurrido? ¿Cuándo? ¿De qué manera? ¿Somos actores cuyo acto es el de solo mirar? ¿Ha terminado la sesión o vuelve a iniciarse, una y otra vez?

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fundido a…

“Al fin y al cabo, la palabra ‘arte’ significa etimológicamente ‘actuar’, no ‘hacer’, sino ‘actuar’. En cuanto actúas, eres un artista” (Marcel Duchamp, citado por Maurizio Lazzarato, ‘Marcel Duchamp y el rechazo del trabajo’, 2014)

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Eduardo García Nieto

Vicky Uslé gana el Cañada Blanch

Vicky Uslé, de la galería Espai Tactel
Premio Adquisición Fundación Cañada Blanch
Exposición en la Sala Acadèmia de La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 23 de abril de 2017

La santanderina Vicky Uslé, con una obra sin título realizada en técnica mixta sobre papel, se ha alzado con el IV Premio Adquisición Fundación Cañada Blanch. La sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau acoge la exposición ‘Premio Adquisición Fundación Cañada Blanch’, (FCB), que comenzó con un acto en el que Juan López Trigo, presidente de la FCB, entregó el premio a la ganadora de esta cuarta edición.  Olga Adelantado, presidenta de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVAC) y el vicerrector de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, Antonio Ariño, intervinieron para destacar, asimismo, la labor de las tres instituciones implicadas a favor de la difusión del arte contemporáneo con este premio ya consolidado.

La FCB con este premio busca “fomentar la difusión de la cultura en general y del arte contemporáneo en particular y poner en valor la labor indispensable de las galerías de arte para la consecución de ambos objetivos”. Hasta el 23 de abril, las mejores obras seleccionadas por galerías de arte que componen LaVac y que optaban al Premio Adquisición de la Fundación Cañada Blanch se expondrán en la sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

Cañada Blanch.

De izda a dcha, Luis Aznar, Juan Viña, Olga Adelantado, Juanma Menero, Ismael Chappaz, Antonio Ariño, Juan López-Trigo y Carlos Pascual, durante la entrega del premio de la Fundación Cañada Blanch. Imagen cortesía de La Nau.

El jurado estuvo compuesto por Juan López-Trigo, presidente de la Fundación Cañada Blanch; Carlos Pascual de Miguel, patrono de dicha fundación, abogado y coleccionista de arte; Juan Viña, patrono de FCB y doctor en Medicina; Lorena Corral, historiadora del Arte, comisaria independiente y directora de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación Coca-Cola; Carlos Delgado, comisario de exposiciones y crítico de arte y Norberto Piqueras, coordinador de exposiciones del Centre Cultural La Nau, Universitat de València.

En esta exposición participan 13 galerías: Luis Adelantado, Galería9, Rosa Santos, Alba Cabrera, Set espai d’art, Espai Tactel, Plastic Murs, Galería Thema, Galería PazyComedias, Área 72, Pepita Lumier, Mr. Pink y Shiras. Cada galería aporta dos obras a la exposición, pero es la obra de Uslé la  que pasará a integrar la colección Fundación Cañada Blanch.

Viky Uslé nació en Santander en 1981 y se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Rhode Island en 2003. Cuenta con una quincena de exposiciones individuales en Alemania, Bélgica, EEUU, España y Portugal, además de una treintena de colectivas abiertas a más países como Italia, China, Japón o Austria.  En estos momentos vive entre España y Nueva York.

Los premiados en ediciones anteriores han sido Rubén Guerrero (2014) de la galería Luis Adelantado; Xisco Mensua (2015) de la galería Rosa Santos y Juan Olivares (2016) de Set Espai d’Art. Tres artistas con una destacada trayectoria dentro de la creación contemporánea.

Juanma Menero (izda) e Ismael Chappaz, galeristas de Espai Tactel, junto a la obra premiada de Vicky Uslé. Imagen cortesía de La Nau.

Juanma Menero (izda) e Ismael Chappaz, galeristas de Espai Tactel, junto a la obra premiada de Vicky Uslé. Imagen cortesía de La Nau.

Las segundas lecturas de Fito Conesa

Train Phase. Armonía estática para Steve Reich, de Fito Conesa
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 10 de marzo, a las 20.00h
Hasta el 28 de abril de 2017

La galería Espai Tactel inaugura el viernes 10 de marzo la muestra ‘Train Phase. Armonía estática para Steve Reich, del artista Fito Conesa (Cartagena, 1980), que reside en Barcelona donde desarrolla su proyecto Habitació 1418 para el CCCB (Macba).

Obsesionado con la comunicación, con lo desconcertante de las segundas lecturas y lo sobre entendido, Conesa se basta con un par de paréntesis y dos acentos divergentes para tricotar un nuevo lenguaje, entre lo material y lo performativo.

Lyrebird, de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Lyrebird, de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Train Phase’ es la primera exposición individual en su galería valenciana Espai Tactel. Recientemente ha podido verse su trabajo en la exposición ’1000 m2 de Deseo (Arquitectura y sexualidad)’ del CCCB en Barcelona (comisariada por Adélaïde de Caters y Rosa Ferré), el premio Generaciones 2017 en la Casa Encendida de Madrid y la Feria ARCO Madrid 2017 con Espai Tactel.

“Fito Conesa presenta en Espai Tactel Train phase. Armonía estática para Steve Reich, un proyecto de investigación que nace del encuentro fortuito en un viaje en tren desde Barcelona a Valencia del documento de datos con el que los revisores controlan las subidas y bajadas en las diferentes paradas del trayecto. Un mensaje encriptado. Un viaje entre dos ciudades. Una experiencia compartida”, explica el crítico de arte Jesús Alcaide.

“Convirtiendo datos históricos y momentos personales en material musical (cuerdas, voces, sintetizadores), Fito Conesa juega con la alteración de los códigos y la traducción de lenguajes sin ofrecer una solución exacta, sino justamente todo lo contrario, celebrando el secreto, bailando la duda, provocando el enigma”, añade Alcaide.

Vinilo Varition, de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Vinilo Varition, de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Las galerías valencianas se vuelcan en ARCO’17

Feria ARCO Madrid 2017
Galería Luis Adelantado, Galería Rosa Santos, Espai Tactel, Galería Aural y Espai Visor.
Del 22 al 26 de febrero de 2017

Otro año más, la gran cita del arte contemporáneo español regresa a Madrid con un sinfín de propuestas que probablemente nos sorprenderán. Seguramente los grandes medios se harán eco de esa “obra” controvertida alejada de lo que es el arte contemporáneo español real. Al ver, leer o escuchar estas noticias quizás muchos se pregunten cuál es realmente el peso del galerismo valenciano en esta importante cita. Nos complace afirmar que, a pesar de la crisis económica y de las pocas facilidades existentes en nuestro país para el fomento del coleccionismo, la Comunidad Valenciana se mantiene a flote como puede y se caracteriza por exhibir obras de artistas de calidad.

Es por ello quizá que la ya veterana en la feria y referente de la ciudad de Valencia, la galería Luis Adelantado, dice querer explorar con la representación elegida la magnitud del arte contemporáneo. Todo un reto que solventa con una amplia exposición de un total de trece artistas. Por tanto, en la puesta en escena lucirán sus ya clásicos Luis Gordillo, Rubén Guerrero, una nueva escultura de Mathieu Mercier titulada ‘The King, his Lovers and their Bastard’, y por supuesto, el gran contrafuerte de la temporada pasada que fue Darío Villalba. De él, en una suerte de ejercicio histórico, se expondrán sus conocidos ‘Encapsulados’ y algunos de los ‘Documentos básicos’ de los 70.

La presencia extranjera acontecerá a través de las piezas escultóricas de Marius Engh, Gonçalo Barreiros y Yann Sérandour; las pinturas elegidas serán las de Camila Oliveira Fairclouhg y también podrán verse obras de las exposiciones actuales de Ting-Ting Cheng y Folkert de Jong. La apuesta española reside en el arte de Irma Álvarez-Laviada, en los jóvenes andaluces Fuentesal & Arenillas y en el pintor valenciano Álex Marco cuya obra ‘La hora loca de los gatos’ pudimos disfrutar en la creativa Boiler Room el pasado año 2015.

Obra de Mathieu Mercier titulada 'The King His Lover and Their Bastard'. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Obra de Mathieu Mercier titulada ‘The King, His Lover and Their Bastard’. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Más artistas españoles y sobre todo una mayor presencia femenina podrán disfrutarse en el stand 9E13, el correspondiente a la también habitual galería Rosa Santos. Obra de la reconocible Greta Alfaro, la característica teatralidad de Mira Bernabéu, las imágenes entrecruzadas de memoria histórica de la investigadora María Ruido o las esculturas de Elena Aitzkoa son parte del recorrido planteado por la galería. La obra visual de la premiada Andrea Canepa y el discurso contracultural y feminista de la italiana Chiara Fumai completan el elenco de mujeres artistas. El fundamental duotono de Chema López, los dibujos del barcelonés Xisco Mensua y las reflexiones entre espacio y poder de Xavier Arenós cierran el seguro exitoso muestrario de Rosa Santos.

La lista de artistas por la que apuesta Espai Visor es también muy amplia y combina los esfuerzos de contraposición entre la escena artística española y el arte de otros países europeos en la línea en la que la galería ha estado trabajando en los últimos años. Así, podrán adquirirse piezas de Ángeles Marco, Bleda y Rosa, Braco Dimitrijevic, Esther Ferrer, Françoise Janicot, Lea Lublin o el mural ‘Archivo Casa Ena’ de Patricia Gómez y María Jesús González, pieza que rescata la memoria a través de partes del susodicho hogar. Destacan los ‘Proyectos Especiales’ de Katalin Ladik, Endre Tót y Tamás Szentjóby. ‘Proyectos Especiales’ es el término que se refiere a obras de gran formato, de corte museístico que hacía mucho que no se veían por la feria. De hecho, Carlos Urroz califica a estas decena de piezas seleccionadas de “ambiciosas y arriesgadas” y que simbolizan un nivel de recuperación de la feria.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

La alicantina galería Aural amplía su stand hasta casi el doble que en otras ediciones presentando a ocho artistas a través de los cuáles han querido crear un proyecto en el cuál se incida en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. El hilo conductor de su stand se sostiene en grandes figuras de la escena contemporánea, como la galardonada y Premio Nacional de Artes Plásticas, Concha Jérez, y también en las obras tipo libro de la reconocida Anna Bella Geiger, que desde luego exploran los discursos de esta gran artista cuya andadura comenzó en la Brasil de los años 70. También en representación del panorama latinoamericano, y enlazando con el país invitado de esta edición de ARCO, podrá escucharse y verse ‘Los invisibles’ de Ingrid Wildi Merino, una pieza audiovisual que pone su atención sobre la actual problemática de los inmigrantes y el territorio, así mismo la sonora instalación de Máximo González versa sobre el acto cotidiano de pasear y no dejará impasible a aquel la experimente.

‘La isla parlante’ de Isaac Montoya es otra de las obras con una clara intención política en las que se incide, la fotografía de Javier Vallhonrat, la reflexión sobre la imposibilidad de la imagen estética de José Maldonado o el trabajo conceptual y postminimal, aunque imposible de serializar, del zaragozano Fernando Sinaga que indaga y resalta la filosofía de Voltaire, clausuran el amplio coloquio visual (y sonoro) de la galería Aural.

Obra de Máximo González titulada 'Partitura'. Imagen cortesía Galería Aural.

Obra de Máximo González titulada ‘Partitura’. Imagen cortesía Galería Aural.

Por último, Espai Tactel se estrena en este ARCO 2017 con dos jóvenes promesas cuyos nombres no dejan de escucharse en los últimos meses. La alcoyana Rosana Antolí crea auténticas coreografías con sus geometrías, mientras que Fito Conesa experimenta con la comunicación, la música y el video.

Tras este exhaustivo análisis podemos afirmar que las galerías valencianas resaltan con sus propuestas el valor del video, de la escultura y también la confianza en la capacidad de las jóvenes promesas. Debemos valorar el impetuoso esfuerzo que hacen las galerías de la Comunidad Valenciana por no fallar, año tras año, a una feria que cada edición parece centrarse más en el mercado internacional, descuidando el nacional. Tampoco se puede ignorar los retos que han de afrontar para mostrar, en un breve espacio en forma de escaparate, todo el trabajo que temporada tras temporada exige tiempo, rivalidades y sobre todo muchísimo amor por la profesión.

María Ramis

Rosana Antolí marca el ritmo

‘Rock it’ de Rosana Antolí
Galería Espai Tactel
C/ Denia 25-B. Ruzafa, Valencia
Inauguración: viernes 13 de enero a las 20:00h                                                                                             Hasta el 17 de febrero de 2017

Espai Tactel  presenta la obra de la artista Rosana Antolí (Alcoy, Alicante, 1981). Su práctica artística se basa en la intersección entre arte, coreografía y vida cotidiana. El carácter utópico es esencial en su práctica, y en consecuencia el fracaso de las acciones implicadas. Posee un BFA en la Universitat Politècnica de València, y MA en Performance and Sculpture en el Royal College of Art, Londres.

Rock It’ es la primera exposición individual en su galería valenciana después de haber expuesto en galerías y museos nacionales e internacionales. Ha realizado exposiciones individuales en la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2016), LagerHaus62 (Zúrich, 2015), el Centro Cultural España Córdoba (Córdoba, Argentina, 2014), el Casal Solleric (Palma de Mallorca, 2013), el Instituto Juan Gil-Albert (Alicante, 2012) y el Centro de Arte Tomás y Valiente (Madrid, 2008).

Ha participado asimismo en numerosas muestras colectivas, entre ellas las celebradas en CAC Wifredo Lam (La Habana, 2016), CCEMx (México D. F., 2016), CCEN (Managua, 2016), Josée Bienvenu Gallery (Nueva York, 2016), Herbert Read Gallery (Canterbury, 2015), Museo ABC (Madrid, 2015), The Ryder Projects (Londres, 2015), Alserkal Avenue (Dubái, 2015), MUA (Alicante, 2015), Caryl Churchill Theatre (Londres, 2015), Fundación Cultural Providencia (Santiago de Chile, 2014), DA2 (Salamanca, 2014), Delft Museum (Delft, Holanda, 2014), Friktioner (Uppsala, Suecia, 2014), Local Projects (Nueva York, 2013), Volta (Basel, 2013), Buzzcut Festival (Glasgow, 2013), CCAI (Gijón, 2013).

Chaos dance. Rosana Antolí. Imagen cortesía Espai Tactel.

Chaos dance. Rosana Antolí. Imagen cortesía Espai Tactel.

David Armengol, crítico de arte y comisario independiente dedica las siguientes palabras con respecto a la muestra:

Rock It fue un gran hit de la música de baile en los ochenta, un tema pionero en el uso del turntablism – crear música mediante la alteración de la rotación del vinilo; es decir, avanzando y retrocediendo la temporalidad del sonido – y un vídeo musical de Godley & Cream premiado por la MTV en 1984 tanto por su concepto como por sus efectos especiales. Me fascinó su atmósfera caótica, así como el ansia enloquecida de los autómatas a medio hacer, supeditados a una repetición infinita que llega a anular el sentido de sus actos. Pero al margen de mi lectura, su reiterado visionado me permitió conectar Rock It con la práctica artística de Rosana Antolí, que de eso se trataba.”

“A mi entender, Rock It sintetiza tres de los intereses principales que definen su trabajo en la actualidad. En primer lugar, la coreografía de lo cotidiano; en este caso movimientos rutinarios (levantarse, comer, caminar, cocinar, bañarse…) saturados hasta convertirse en pura disfunción. A continuación, la teatralización de la realidad; un entorno identificable y reconocible (el hogar) que se desvirtúa mediante un devenir sobreexcitado y convulso. Por último, la alteración del ritmo (el scratch) como dispositivo sensible que nos aprisiona y a su vez nos libera de la experiencia repetitiva del espacio social.”

Cosmología, filosofía de la naturaleza

Cosmology, de Tactelgraphics
Galería Mr.Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: viernes 25 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 20 de enero de 2017

De nuevo, Tactelgraphics y la galería Mister. Pink unen esfuerzos y presentan su nueva exposición titulada ‘Cosmology’. Cosmología, del griego κοσμολογία («cosmologuía», compuesto por κόσμος, /kosmos/, «cosmos, orden», y λογια, /loguía/, «tratado, estudio») concepción integral, denominada también filosofía de la naturaleza, es la ciencia que estudia todo lo relacionado con los cosmos o universos. Un título adecuado para este proyecto, en el que los artistas de Tactelgraphics, Ismael Chappaz y Juanma Menero,  directores de la galería de Arte Contemporáneo Espai Tactel y a su vez dueños del estudio de diseño Tactelgraphics, trabajan a partir de sus referentes ya fallecidos, para de ese modo generar su propia cosmología.

Se trata de fundamentar la elaboración de su identidad como individuos a partir del concepto de “generar una cosmología propia”, y todas las contradicciones que esta idea conlleva. Entre los referentes que Tactel plantean se encuentran personajes tan dispares como Alan Turing (considerado uno de los padres de la ciencia de la computación y precursor de la informática moderna), Arthur Russel (compositor y cantante estadounidense de carácter marcadamente experimental, que abarca los estilos disco, minimalista, o rock, habiendo colaborando con figuras como Philip Glass, David Byrne o Nicky Siano) o Brad Davis (conocido por su papel protagonista en la película “El expreso de medianoche” y “Querelle”).

Cabe añadir, que el proyecto ‘Cosmology’ está realizado en colaboración con el Creative Coder, Carlos Yanes. Por último, Francisco Ramallo nos recuerda que es “difícil tarea la de abordar la actividad artística de Tactelgraphics obviando la faceta en la que se han volcado en los últimos años (su labor al frente de la galería Espai Tactel), y que les ha servido para un mayor conocimiento de los engranajes del arte desde otras posiciones”.
Cosmology de Tactelgraphics. Imagen cortesía Míster Pink.

Cosmology de Tactelgraphics. Imagen cortesía Míster Pink.

Espai Tactel y su ‘Teorema’ de Pasolini

Teorema, exposición colectiva comisariada por Jesús Alcaide con los artistas Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 18 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 30 de diciembre de 2016

Espai Tactel inaugura el próximo viernes 18 de noviembre ‘Teorema’, un proyecto comisariado por el crítico de arte y comisario independiente Jesús Alcaide que cuenta con la participación de los artistas Javier Pividal (Cartagena, 1971), Sergio Porlán (Lorca, 1983), Miguel Rael (Lorca, 1974) y Michael Roy (La Rochelle, Francia, 1973).

‘Teorema’ es un proyecto curatorial que toma como telón de fondo algunas de las cuestiones que aparecen en la película y el texto de Pier Paolo Pasolini, para a la manera de un guión abierto poner en escena las relaciones de poder y deseo, seducción y atracción que se ponen en juego en la propia relación entre un comisario (el visitante), un espacio (el hogar) y los propios habitantes de la misma (artistas y galeristas).

Obra de Javier Pividal. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Javier Pividal. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Según la RAE, un teorema es una proposición demostrable lógicamente, partiendo de axiomas o de otros teoremas ya demostrados, mediante reglas de inferencia adaptadas.

‘Teorema’ es el título de un texto escrito por Pier Paolo Pasolini en 1968 que pone el foco de atención sobre la decadencia de una pequeña familia burguesa tras la irrupción de un desconocido que desmantela los cimientos de lo que parecía un dulce hogar y se desvela como un volcán de fuerzas subterráneas. Sexo, religión, libertad, poesía.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Teorema’ es también una película, un ensayo poético en imágenes que forma parte de otra trilogía que no es la de la vida, sino la del retrato de una sociedad, la capitalista, que el artista presenta de una manera descarnada en tres de sus construcciones fílmicas: ‘Pocilga’, ‘Saló o Los 120 días de Sodoma’ y ‘Teorema’.

‘Teorema’ se entiende de esta manera como una parábola, un texto moral, un ensayo sobre la irrupción y caída de lo sagrado, sobre la relación con el otro, el misterio, lo inesperado, la pasión y el deseo, en el marco del orden patriarcal en un contexto clave para la historia del siglo XX como fue el año 1968.

Los tiempos cambiaban, pero Pasolini, al igual que otros muchos intelectuales, permanecía escéptico ante estos cambios tal y como dejó escrito en textos como Nebulosa o la selección de textos ‘Demasiada libertad sexual os convertirá en terroristas’ publicados de manera póstuma recientemente.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Miguel Rael. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Teorema como verdad, teorema como texto, teorema como película, teorema como parábola, teorema como momento histórico y finalmente, teorema como una construcción curatorial a cinco bandas. Una casa, cuatro artistas, dos galeristas y un intruso, el comisario.

‘Teorema’ es pues una situación construida a partir de las relaciones entre los trabajos de Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy. Un espacio en el que la obra de Pasolini aparece como espejo de una situación como la actual, de desmantelamiento de antiguos órdenes, desaparición de las ideologías, transformación de las construcciones sociales, aparición de nuevos modos familiares, revelación de otras formas de deseo y mutación de las estructuras que configuraban los ordenes de lo político, lo social, lo económico y lo sexual a lo largo del ya extinto siglo XX.

Teorema es un proyecto curatorial que nos invita a pensar la situación de cambio que vivimos en la actualidad a partir de las interferencias y diálogos que se producen entre las obras de los artistas presentes en la exposición, Javier Pividal, Sergio Porlán, Miguel Rael y Michael Roy, el propio espacio de la misma y el contexto de trabajo curatorial propuesto por Jesús Alcaide.

Los artistas Javier Pividal y Sergio Porlán están representados por la galería Art Nueve de Murcia; los artistas Miguel Rael y Michael Roy están representados por la galería Espai Tactel de Valencia.

Obra de Sergio Porlan.

Obra de Sergio Porlan. Iamgen cortesía de Espai Tactel.