Un diálogo artístico entre YunShin y Puri Herrero

‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’
Galería Han-ul
Centro Cultural Coreano
Paseo de la Castellana 15, Madrid
Del 24 de abril al 24 de junio de 2019
Inauguración: miércoles 24 de abril a las 19:30

El Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana 15, Madrid), en colaboración con la Galería Álvaro Alcázar, inaugura el 24 de abril a las 19:30 la exposición de escultura y pintura ‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’.La muestra se podrá disfrutar en la Galería Han-ul del Centro hasta el 24 de junio de 2019.

‘Papeles de un diario’ es el título de las obras de Mari Puri Herrero, mientras que Kim Yun Shin presenta sus pinturas y esculturas bajo el título ‘Alma sonora’. Ambas artistas comparten disciplinas y generaciones, con obras con puntos en común, donde convergen la naturaleza y la sencillez de la vida y donde recurren a materiales como la madera o el papel para expresar de modo más profundo sus pensamientos.

Centro Cultural Coreano. MAKMA

Kim YunShin (Corea del Sur, 1935) pertenece a la primera generación de escultoras coreanas. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Hongik, en Seúl, más tarde se traslada a Francia para estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1984 recala en Argentina, donde reside en la actualidad. Hace algunos años, en 2007, llevó a cabo su primera exposición individual en el Museo de Arte Hanwon de Seúl. Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales y colectivas, tanto en Corea como en Argentina, y ha inaugurado un museo con su propio nombre en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La obra de Yun Shin se remonta a 1960, cuando comienza una intensiva búsqueda por el arte abstracto. En la década de los 70 y en adelante prosigue su investigación, centrándose en materiales de escultura: madera, mármol, ónix, alabastro, y piedras semipreciosas. Además, desarrolla su obra con pinturas con formato de collage y grabados.

Representando la filosofía oriental hacia la vida, fuerza y espiritualidad milenaria, dichas formas y pensamiento han sido sus temáticas durante más de veinte años. Kim Yunshin es una artista de profundas convicciones y no fácil de tentar por modas o movimientos artísticos y estéticos efímeros.

En el año 1995, el exdirector del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el profesor Roberto del Villano, dijo: “su obra, una ofrenda; su taller, un templo; su trabajo, una oración”. Estas palabras hacen referencia a sus esculturas, en las que hizo uso del jaspe o cuarzo rosa, sodalita, calcita, ágata o cuarzo azul, las cuales revelan en su interior ese silencio absoluto que la piedra encierra y que Yun Shin Kim delega a través de una materia abstractamente moldeada. Por eso en sus obras la frescura se mantiene como en una piedra virgen y la densidad de los espacios, el recato de los volúmenes y la simple complejidad estructural son una sola unidad que armoniza con el todo y ocupa su sitial sin rupturas ni desplazamientos, donde naturalmente instala su presencia.

Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Sin corromper la naturalidad del material crea sus obras, destacando especialmente la sencillez en sus diseños, con piezas muy bien articuladas y que dan un mensaje de fortaleza impregnadas de las experiencias y espiritualidad de la artista.

Mari Puri Herrero (Bilbao, 1942), por su parte, es una renombrada pintora y grabadora española que se mantiene en activo tras más de cuatro décadas. Su pintura recoge imágenes del mundo que le rodea, mundo en el que conviven disparidad de visiones. Cosas cotidianas, más o menos comprensibles, que vemos, imaginamos o soñamos; y casi siempre con una fuerte presencia de la naturaleza.

Habitualmente existe un recorrido previo por obra en papel: tintas, grafitos, collages… y aguafuertes, técnica esta última a la que dedica parte de su actividad. En ocasiones también procede con obra escultórica, pues considera que cada material expresa con mayor precisión determinadas ideas.

Mari Puri Herrero trabaja alternando sus estancias en el centro de Madrid y en el campo de Menagaray (Álava), donde el papel siempre le rodea. Para ella trazar sobre un papel es espontáneo, rápido e insistente; igual que el pensamiento, que frecuentemente se adelanta al desarrollo de las ideas. Cautivada por el papel Hanji o papel tradicional coreano, lo incorpora en muchos de sus trabajos.

El papel permite seguir una idea con fluidez, absorbe bien el trazo, que desde el momento en que apoyas la punta del pincel o pluma con tinta en el papel, esta queda absorbida instantáneamente, fundiéndose con él. Esto es lo que busca la artista y lo que encuentra en los papeles orientales.

De este modo, Mari Puri Herrero ha procurado presentar una breve selección de papeles, en los que se puede apreciar cómo, de manera natural, se recorren a veces con líneas, como si de escritura se tratase, temas vistos o entrevistos; otras veces, las manchas y el color que llevan a la naturaleza, para ella siempre tan cercana.

“Son amplios los recorridos que te permite una hoja de papel”.

Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

En un lugar (mítico) del Quijote

En un lugar del Quijote, de Ron Lalá
Dirección: Yayo Cáceres
Teatro Talía
C / Caballeros, 31. Valencia
Hasta el 8 de marzo, 2015

La compañía de humor, teatro y música Ron Lalá presenta su visión contemporánea de uno de los grandes mitos de la literatura universal: Don Quijote de la Mancha. Un canto a la imaginación, al libre albedrío y a la rebeldía necesaria en el marco de una época que guarda sorprendentes parecidos con nuestra actual crisis de principios de siglo. Un viaje del XVII al XXI a lomos de Rocinante.

Escena de 'En un lugar del Quijote', de Ron Lalá. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Escena de ‘En un lugar del Quijote’, de Ron Lalá. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Con espíritu dialéctico entre tradición y modernidad, los ronlaleros recrean las correrías del caballero andante y su escudero y, simultáneamente, el proceso de escritura de la novela por parte de un Cervantes desencantado, sarcástico y lúcido espejo de la terrible situación social, económica y política de la España del Siglo de Oro. Para ello, Ron Lalá apela a la magia del teatro (la transformación y movimiento del tiempo y el espacio) para plantear un formato cervantino donde las carcajadas se funden con la reflexión, las canciones con las escenas y la participación del público con los textos adaptados de la obra.

Escena de 'En un lugar del Quijote', de Ron Lalá. Teatro Talía de Valencia.

Escena de ‘En un lugar del Quijote’, de Ron Lalá. Teatro Talía de Valencia.

El personaje de Cervantes está presente en escena con una doble función: una de ellas es su faceta de autor que acota, explica, realiza “notas al pie”, detiene o acelera la acción, realiza saltos de tiempos y espacios entre escenas… es el autor como demiurgo, pues presenciamos en directo la creación de su inmortal novela. Pero, por otro lado, asistimos también a su periplo vital, nos asomamos al ser humano: sus cuitas, sus recuerdos, sus dificultades, su “crisis de identidad” (tan reflejada en su ficticio caballero) y su desencanto de veterano de guerra frustrado como humanista, como soldado, como autor teatral, como viajero… Compendio y símbolo de los males que aquejaban a la España culta y humanista, Cervantes supone en sí un personaje no poco quijotesco, trasunto de toda una época.

Escena de 'En un lugar del Quijote', de Ron Lalá. Teatro Talía de Valencia.

Escena de ‘En un lugar del Quijote’, de Ron Lalá. Teatro Talía de Valencia.

Esta duplicidad de planos (plano del Quijote, plano de Cervantes) está exprimida al máximo en escena con yuxtaposiciones, juegos, interacción con el público, música en directo de diversos estilos y el sello de la compañía: un humor sutil, irónico, crítico, que en esta ocasión se pone al servicio del genio cervantino para acercar al gran público el absoluto clásico universal de nuestra cultura.

Una mirada moderna, sin complejos, con música en directo, de un mito siempre vivo. Un tipo de espectáculo “abierto”, directo, burlesco y dinámico, a la vez culto y popular. Una función en que se suceden a ritmo vertiginoso los momentos más divertidos de la novela, los diálogos más ingeniosos, las reflexiones cervantinas y un puñado de canciones hilarantes. Un juego formal, escénico, textual y musical entre tradición y modernidad, puesto al servicio de la carcajada inteligente. Un espectáculo para aprender, reír, participar y, sobre todo, revivir el mito del Quijote repensando el presente.

Escena de 'En un lugar del Quijote', de Ron Lalá, bajo la dirección de Yayo Cáceres. Teatro Talía de Valencia.

Escena de ‘En un lugar del Quijote’, de Ron Lalá, bajo la dirección de Yayo Cáceres. Teatro Talía de Valencia.

A3bandas: Narrativas Culturales

Festival “A3bandas”: Narrativas Culturales
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 25 de mayo de 2014

La galería Paula Alonso presenta dentro del Festival “A3bandas” la exposición Narrativas culturales comisariada por Bruno Leitao, y que recoge el trabajo de cuatro artistas Carlos Amorales (México, 1970), Marlon de Azambuja (Brasil, 1978), Miguel Palma (Lisboa, 1964) y Sara Ramo (Madrid, 1975).

Entre 1738 y 1742, J. S. Bach compuso Die Kunst der Fugue (El Arte de la Fuga); esta obra, publicada después de su muerte, quedó inconclusa. Musicólogos de diferentes épocas se acercaron a ella para finalizarla. Los resultados obtenidos en su aproximación fueron dispares y reveladores. Algunos señalan que la “ausencia de fin” –al igual que la Columna Infinita de Constantin Brancusi– fue deliberada, como si Bach hubiese querido impregnar a Die Kunst der Fugue de esa capacidad que muy pocas obras poseen, la de escapar al tiempo.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Narrativas Culturales es una exposición cuyo punto de partida ha sido la obra Ámsterdam de Carlos Amorales. Ámsterdam plantea como “la destrucción” forma parte de lo inesperado en el devenir de una cultura. La forma perversa en la que algunas veces es usado este proceso y en la manera en que actuara sobre los individuos produciendo la disociación de los mismos es uno de los pilares sobre los que se ha construido la muestra. Las metáforas que incorpora esta obra sirven de detonante para establecer diálogos imposibles con las otras piezas de la exposición. Así Antes, Después, Ahora de Sara Ramo, Up and Down de Miguel Palma y las plantillas de Marlon de Azambuja conversan de forma transversal en el espacio expositivo.

Narrativas Culturales aborda la capacidad inherente humana en la construcción de sistemas organizativos para una posterior sistematización de sus procesos de creación determinando el surgimiento de una idea hegemónica u otra. Precisamente, de entre las construcciones humanas, las metanarrativas son las que permanentemente han estado cuestionadas. En la actualidad, éstas siguen bajo sospecha, y a traves de sus construcciones, basadas en la razon, siguen siendo discutidas mediante discursos paralelos donde realidad y ficción coexisten para formar parte del imaginario colectivo. Carlos Amorales, Sara Ramo, Miguel Palma y Marlon de Azambuja establecen una dicotomía entre la idea Iluminista como desarrollo de una sociedad y el pensamiento mediante el cual el individuo se desarrolla desde sus orígenes.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Es Sara Ramo quien nos introduce a través de Antes, Después, Ahora en el caos organizado que acontece en los procesos creativos. La confusión como herramienta de trabajo. El taller de la artista sirve como alegoría del sistema de construcción de una Cultura.

La investigación de Miguel Palma plantea una mirada sospechosa de la tecnología y la manera en que ésta se circunscribe en el sistema de valores dentro de la morfología social. En la visión no‐utópica de Palma subyace una ironía casi constante que revela los sueños –irrealizables‐ que esconden las máquinas modernas y las promesas que las encierran.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Marlon de Azambuja indaga en la historia del arte para desvelarnos las líneas maestras que se articulan en la evolución de la naturaleza humana. En Narrativas Culturales Azambuja busca la huella del objeto como registro único de su propia existencia. Standardgraph 1310, Faber Castell 172601, Standardgraph 7343… son las pinturas supervivientes que han conseguido escapar a la rigidez y el control de la forma contenida en la plantilla.

Nos gusta pensar en J.S. Bach y en la infinidad de Die Kunst der Fugue o en J.S.Bach y Die Kunst der Fugue conclusa, sea como fuere, Bach nos adentra en una polisemia propia que se recoge en esta muestra a través de los múltiples procesos interculturales. Herramientas que aplican los artistas seleccionados para reconstruir la oralidad, la escritura y la ideología. Ya sea un proceso de deconstrucción o creación, todos ellos nos hacen cuestionar los métodos que sustentan el conflicto entre lo cotidiano –como narrativa individual– y lo hegemónico.

Bruno Leitão

Fotografía de una de las salas de la Galería Paula Alonso en la que vemos una obra de Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

De cuatro en Cuatro

Galería Cuatro

Exposición colectiva

Valencia

C/Nave, 25

Inauguración: jueves 7 de marzo, a las 20.00 horas

Hasta el 15 de abril 

Nuria Rodriguez, nos sumerge en su propio mundo de reglas y códigos, sus recursos plásticos son un amplio abanico de imágenes un tanto poéticas y misteriosas que seducen facilmente al espectador envolviéndolos en constantes diálogos a veces inquietantes y en otras magistrales.

 

Vinz Feel Free, destaca por su lenguaje personal y contemporáneo. Su lado más reivindicativo pisa con la misma fuerza que sus hibridos escenifican las mil y una secuencias con las que nos tiene acostumbrados. Incondicional de las intervenciones urbanas por todo el mundo, le ayuda a enriquecer un exquisito lenguaje que corre como la pólvora.

 

Lola Berenguer Suarez, pintora de los piés a la cabeza. Su fino gesto poético y frio a la vez, seduce a la mirada como un flechazo. Las parcelas privadas con las que nos brinda en sus lienzos, nos hacen caminar dentro de su propio laberinto, buscando resultados que nos ayudan a conocer los secretos más personales en cada obra  de esta excelente pintora.

 

Jose Miguel Vera, muy fiel a una cartografía personal que evoluciona como la propia naturaleza. Nos muestra una suerte de colores y gestos aparentemente descontrolados pero que domina con maestria, ayudándonos a sumergirnos en su particular universo plástico y donde cada obra es un premio para la vista.

Diálogos transversales

Kir Royal

Horacio Silva / Keke Vilabelda

Valencia

Kir Royal Gallery comienza la nueva etapa tras su primer año de vida incorporando otras disciplinas con el ciclo Diálogos. Así como el primer año de la galería lo dedicamos a tratar la idea de retrato como símbolo de identidad, en este segundo año queremos trabajar la idea de procesos como búsqueda y evolución.

La representación de dos artistas de trayectorias disímiles, como son Horacio Silva y Keke Vilabelda, que seleccionan un lenguaje (la pintura en este caso) como punto de partida para ser parte de su época, servirá de arranque a este primer ciclo de Diálogos.

En Diálogos, Kir Royal busca una relación de complicidad, de correspondencias y confrontación entre contemporáneos con distinta experiencia o trayectoria en el mundo del arte. Este ciclo se repetirá en los años venideros de la galería y el método de selección parte de la búsqueda en conjunto de la galería y el artista de mayor experiencia visitando y revisando el tejido más joven de la ciudad, buscando una obra que muestre con carácter y valentía las repercusiones de su época y la raíz que lo conecta con sus contemporáneos de mayor trayectoria.

Dos artistas valencianos que eligieron la pintura como medio; con lenguajes y soportes disímiles en salas continuas de la galería nos plantean una forma de mirar y construir un discurso.

Horacio Silva (Valencia 1950), tras más de dos años sin exponer de manera individual en la ciudad se adentra en Diálogos inaugurando el ciclo y enseñando su última producción de obras en papel. En su obra actual, de un marcado carácter expresionista, el gesto se acentúa con las excoriaciones, raspaduras y manchas que conforman las texturas de su obra. El tratamiento del soporte y las marcas son producto del proceso de la obra, destruyendo y construyendo el discurso. Una imagen reconstruida, donde el artista nos deja rastros del proceso, aludiendo a la relación de la pintura con el tiempo y la memoria.

Keke Vilavelda (Valencia 1986), con un trabajo depurado, ha conseguido trasladar el lenguaje del paisaje al metapaisaje de la comunicación. Una obra con gran intensidad que deviene de la mirada fotográfica absorbida por la potencia geométrica encarnada en la descripción de sus formas ambientales. Su obra parte de imágenes apropiadas de cámaras de tráfico y nos propone un viaje imaginario a través distintos paisajes donde la ilusión y la realidad quedan superpuestas en espacios encapsulados donde la simplificación de detalles y la incorporación de mínimos elementos geométricos entre la superficie y el interior de la obra evocan al hábitat, generando, nuevas percepciones entre espacio y tiempo.