Las piedras con memoria de Nuria Riaza

La memoria de las piedras, de Nuria Riaza
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Del 11 de enero al 9 de marzo de 2019

‘La memoria de las piedras’ es la segunda exposición individual de Nuria Riaza en la galería Pepita Lumier. La artista, nacida en Almansa y afincada en València desde hace diez años, ha sabido gestar una carrera profesional a base de constancia unida a una capacidad de trabajo imparable. Esto le ha supuesto ilustrar para Warner Music, Penguim Random House, Valencia Plaza, Panenka o Glamour, entre otros; exponer de manera individual y participar en muestras colectivas en València, Madrid, Barcelona, Bilbao y Zaragoza y ser ganadora del Certamen de Minicuadros de Huestes del Cadí en Elda (Alicante).

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

El bolígrafo azul vuelve a ser su herramienta principal y el hilo gana protagonismo esta vez, rindiendo homenaje a las mujeres que hicieron la vida junto a las que la lucharon, a través del bordado. Una amplia muestra de dibujos con un sinfín de metáforas y de poesía, de técnica sobresaliente y cuidado extremo del concepto, de homenaje a las mujeres, nos acompañarán hasta el 23 de febrero en la galería.

“Puedo hablar de cualquier cosa usando un bolígrafo y un papel como medios de expresión, poniendo mis propias reglas, siempre cambiantes. Dibujo con bolígrafo porque así aprendo a aceptar que el error es parte de cualquier proceso. El hilo suele estar presente en la mayoría de mis dibujos, funcionando como un nexo que nos une a nuestras raíces y tradiciones», explica la propia artista.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

“La memoria de las piedras cuenta algo crudo de manera poética. Se convierte en un eufemismo para poder hablar  de la memoria. De las pérdidas, el dolor, la soledad y el olvido. De un día en el que, no hace tanto tiempo, el derecho a la vida, a la libertad y al librepensamiento pasaron a ser un lujo», añade.

Nuria Riaza cuenta que la historia «la escriben tanto los hombres como las mujeres. Aunque en conflictos armados la memoria colectiva se olvide de la figura femenina participando en ella, relegándola a un segundo plano, en la casa. Allí lo único que ha perdurado de ellas han sido sus mantelerías y pañuelos bordados». Y concluye: «La memoria de las piedras habla del silencio de un país, de las flores secas y marchitas que esperan en hornacinas ausentes”.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Intramurs acoge el bordado de una orden ministerial

Festival Intramurs
Actuación de bordado de la orden ministerial CUL/3631/2009 de paralización del Plan Especial de Protección y Reforma Interior del barrio del Cabanyal en Valencia
Taller de Silvia Molinero Domingo
Proyecto artístico del colectivo CraftCabanyal
Plataforma Salvem el Cabanyal-Canyamelar-Cap de França
Del 22 de octubre al 1 de noviembre

La Plataforma Salvem el Cabanyal-Canyamelar-Cap de França ha impulsado una iniciativa para bordar, en el taller de Silvia Molinero Domingo, la orden del Ministerio de Cultura que paralizó el Plan Especial de Protección y Reforma Interior (Pepri) de este barrio, en la actualidad derogado, por considerar que suponía un expolio.

La Plataforma pretende que esta acción sea un «signo de reconocimiento» a una orden ministerial, la CUL/3631/2009 de 29 de diciembre de 2009, que «ha amparado y salvaguardado el patrimonio del barrio Cabanyal-Canyamelar- Cap de França», según informa Europa Press.

Cartel en el que se anuncia la invitación de CraftCabanyal para el bordado de la orden ministerial.

Cartel en el que se anuncia la invitación de CraftCabanyal para el bordado de la orden ministerial.

Asimismo, la plataforma indica que de este modo apoya «un nuevo proyecto artístico del colectivo CraftCabanyal», centrado en bordar «las 17 páginas de tela -1,5 por 2 metros cada página- que conforman la orden por la que se resuelve el procedimiento por expoliación del conjunto histórico del Cabanyal».

La entidad ha explicado que CraftCabanyal «se enmarca dentro de las diversas actividades que realiza la Plataforma Salvem el Cabanyal» con «el propósito de posibilitar la participación de los vecinos en la rehabilitación, fomentando la creatividad». Éste es «un colectivo que habilita la participación de personas que conocen el valor arquitectónico de su barrio, poniendo en valor su propia memoria e historia». La acción se encuadra dentro del Festival Intramurs, que se celebrará entre el 22 de octubre y el 1 de noviembre.

Además de hacer un «homenaje» a la orden ministerial que paralizó el Pepri, la «acción artística» convocada para bordar este documento, abierta a todas las personas que quieran participar junto a vecinos del Cabanyal, pretende ser una acción «reivindicativa de su cumplimiento».

Igualmente, la plataforma ha mostrado su voluntad de solicitar al nuevo equipo de gobierno del Ayuntamiento de Valencia «iniciativas que permitan visualizar cuanto antes signos de recuperación» en el barrio del Cabanyal, frente a «una situación que actualmente es intolerable y que no se puede prolongar más en el tiempo».

Imagen de CraftCabanyal.

Imagen extraída del proyecto CraftCabanyal.

 

El libro de artista, V. Técnicas

El libro de artista, V. Técnicas.

Como es sabido, las técnicas son los procedimientos o conjunto de reglas o normas, con los que se pretende obtener un resultado determinado, en este caso, en el campo de la creación artística, las técnicas requieren de destrezas manuales e intelectuales, y el uso de herramientas con saberes aplicados muy variados. Las técnicas artísticas que cito son un grupo que no pretende ser exhaustivo sino representativo:

Incisiones: Las formas, dibujos o signos se realizan mediante cortes o incisiones con diversos instrumentos cortantes. Pueden combinarse con otras técnicas pero existen muchos ejemplos de libros con esta sola técnica como son las obras de Pedro Nuñez o la española Elisa Terroba. El juego de huecos y ausencias del soporte enriquece la visión de este tipo de libros.

Celos, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista

Celos, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista

Manuscrito: La base del libro es la escritura manual, que podrá realizarse mediante diferentes grafismos o por la superposición de varios tipos de escritura. Algunos libros emplean textos reales manuscritos, experimentan con la escritura, olas superponen o trabajan la caligrafía al límite de lo legible, por lo que se acercan a la poesía concreta. Por citar algunos ejemplos, Comment toucher mes boules ou mes yeux, de J. Parant. Está escrito con la mano izquierda con la libertad de un dibujo, Sisters of Menon de Susan Hiller, con escritura automática que evoca al surrealismo, y Re-visió de E. Balcells, trabajo en el que parece referirse a ejercicios de caligrafía en cuadernos escolares.

Dibujo: Una de las técnicas utilizadas más primarias, con variantes de grafito, tinta, etc. Aplicadas por diversos procedimientos.

Pintura: En este caso el libro se realizará mediante técnicas pictóricas utilizando materiales propios de la pintura sobre el soporte elegido: Óleo, acrílico, acuarela, etc. Estarían entre los libros de artista, (en adelante, LA) más próximos a la obra pictórica tradicional de soporte lienzo bidimensional.

Es muy usual en España, como por el ejemplo en las obras de Zush/Evru, que realiza numerosos libros en los cuales acumula pinturas, dibujos y escrituras de su propia civilización, o la pintora española Alejandrina y sus carpetas de paisajes, o las obras de Miquel Barceló con diversas técnicas pictóricas, como lo demuestran sus libros sobre Mali.

Tormentas, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista

Tormentas, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista

Fotografía: La utilización de la fotografía es fundamental en los primeros pasos de la historia de los LA, gracias a las obras, ya citadas, de Edward Ruscha y Dieter Rot. A los que podríamos añadir Warhol, Osborn, Boltanski, etc.

Collages: La técnica del pegado de materiales, normalmente papel, que denominamos collage, enriquece las superficies a las que se adhieren con infinitas posibilidades. El español Andrés Nagel, tiene muchos ejemplos de este tipo de libros.

IX, de A. Nagel.

IX, de Andrés Nagel. Imagen cortesía de José Emilio Antón

Decollages: En contraposición al collage, el decollage desgarra o despega los materiales originarios o pegados en un principio, creando resultados diferentes en la obra final.

Bordado: Con esta técnica, los hilos forman las imágenes sobre el soporte elegido para construir el libro; como las obras de la ya citada artista María Laï, que utiliza la máquina de coser como una máquina de escribir, inventando novelas ilegibles

Objeto-Encontrado: La posibilidad de que lo encontrado sorprenda en contraposición con lo previsto es un eterno juego que se incorpora a los LA.

Ya hablamos de los surrealistas para los que el objeto podía constituir un hecho artístico.

Así un objeto encontrado puede tener el valor de libro de artista al transformarse por voluntad del artista, tal como preconizaban Marx Erns y los surrealistas.

Técnicas de impresión

La más amplia difusión del libro convencional se debió sin duda a la aplicación de las técnicas de impresión que permitieron su reproducción abaratando costes, lógico es que se le dedique un espacio importante dentro de los LA.

Para los artistas creadores de Libros, además de las posibilidades plásticas que aportan estas técnicas, es importante la opción de realizar varios ejemplares del mismo libro.

Tampografía: Las impresiones se realizan por medio de diversas matrices que una vez entintadas pueden presionarse sobre papel u otro material quedando impresa la imagen invertida de la matriz. El uso de estas impresiones permite la elaboración del libro.

Pájaros de plomo, de Arantxa Gir

Pájaros de plomo, de Arantxa Girón. Imagen cortesía de José Emilio Antón

Calcografía: Se utiliza el grabado calcográfico, en planchas de cobre o zinc y bajo presión de un tórculo apropiado.

Trabajos calcográficos, de Carbajo. Imagen cortesía de José Emilio Antón

Trabajos calcográficos, de Carbajo. Imagen cortesía de José Emilio Antón

Litografía: Basada en el desvío recíproco entre sustancias hidrofóbicas e hidrofílicas, (es decir el rechazo o aceptación del agua por las tintas grasas); las zonas que imprimen y las que no imprimen se encuentran en el mismo nivel.

Serigrafía: Se emplea para reproducir textos e imágenes sobre cualquier material. Consiste en transferir la tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.

Un libro de Ángel Sanz, realizado en serigrafía, tiene el curioso título de HAAR, HAIR, ILEA, KOKA, KOSA, LONG, MATI Y PELO, se trata de una edición de 12 ejemplares con serigrafías de diversos tipos de pelo vistos al microscopio; su curioso nombre es la traducción de pelo, a distintas lenguas, que casualmente tienen todas cuatro letras: alemán, inglés, euskera, búlgaro, croata, vietnamita, letón y español.

Electrografía: La utilización de la electricidad para calentar material de grafito y adherirlo al papel se denomina electrografía. Se utilizan máquinas de impresión para realizar trabajos que denominamos copias electrográficas o fotocopias.

La última generación de impresoras ha permitido un salto hasta competir con la obra gráfica tradicional.

Edoi, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista.

Edoi, de José Emilio Antón. Imagen cortesía del artista.

Como ejemplo, Ophelia, de E. Balcells, 37 variaciones electrográficas sobre el cuadro de Ofelia del prerafaelista Millais.

En la Facultad de BBAA de Cuenca, España, se creó hace bastantes años el Museo de la Electrografía

Offset: Método de reproducción de documentos e imágenes sobre papel o materiales similares, que consiste en aplicar la tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica, compuesta generalmente de una aleación de aluminio. Constituye un proceso similar al de la litografía. La tinta pasa de la placa de aluminio al cilindro porta caucho o mantilla para después pasar al papel, ejerciendo presión entre el cilindro porta caucho y el cilindro de presión. Tal vez sea el sistema que más ejemplares pueda elaborar.

Talismán, cuaderno de apuntes, de José Hernández. Imagen cortesía de José Emilio Antón

Talismán, cuaderno de apuntes, de José Hernández. Imagen cortesía de José Emilio Antón

 

Conferencia de José Emilio Antón, Masquelibros, Madrid, Junio de 2014.
Adaptación y coordinación Vicente Chambó
En la siguiente entrega: LA TEMÁTICA en los LA

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JOSÉ EMILIO ANTÓN, ¿QUÉ ES UN LIBRO DE ARTISTA?
https://www.makma.net/el-libro-de-artista-iii-parte-materiales/
BREVE VISIÓN HISTÓRICA DE LOS LIBROS DE ARTISTA
https://www.makma.net/breve-historia-de-los-libros-de-artista/
POSIBLES CLASIFICACIONES DEL LIBRO DE ARTISTA
https://www.makma.net/libro-de-artista/
EL LIBRO DE ARTISTA, IV PARTE. MATERIALES
https://www.makma.net/el-libro-de-artista-iii-parte-materiales/

 

Luisa Pastor: La capacidad política de la forma

Luisa Pastor Mirambell (Alicante,1977). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada (2001), Diploma de Estudios Avanzados [DEA] por la Universidad Miguel Hernández de Elche (2010). Sus trabajos se ha asentado básicamente en dos grandes líneas de investigación: el género y la ciencia. Becada por diversas instituciones y laureada en diversos certámenes, actualmente reorganiza sus cuarteles en estos tiempos convulsos para las artes y la cultura, a la vez que prepara su tesis doctoral.

Luisa Pastor, "Horno".

Luisa Pastor, «Horno».

“Cosoypego”, tu alias, ¿es un poco signo de estos tiempos: arte, artesanía vs. practicidad, trabajo en serie, industrialización? Coser y pegar es una forma de “pintar sin pintura” y al mismo tiempo de investigar sobre el propio material y sus posibilidades plásticas. Evidentemente, el material también habla: si usas el óleo, hay unos referentes; si usas el hilo, hay otros y esto tiene unas connotaciones que pueden influir en la lectura final de una obra. Pero para mí, más allá de esta cuestión formal, “coser y pegar” se convierte en una herramienta de reflexión extraordinaria, que me permite plantear la construcción de una idea, que es lo que realmente me importa. Por eso, más allá de un fin en sí mismo, “coser y pegar” es un medio idóneo para la producción de una idea o un concepto. Es cierto que las herramientas de trabajo que utilizo se pueden encontrar en cualquier casa y soy consciente de que no son las de una sociedad industrial y mecanizada. Mi forma de trabajar implica un trabajo manual, más minucioso, de mimo con el objeto y el soporte y, por supuesto, se aleja de los procesos de reproducción en serie. En esta sociedad llena de prisa, donde el tiempo pasa rápido, detener la mirada implica una ruptura del tiempo “cotidiano”: es un acto subersivo –marcadamente político– que me parece realmente interesante. A veces, de manera (quizá) inconsciente, es el detalle de un objeto determinado el que consigue “detener” el tiempo, haciendo que el espectador abandone su día a día cotidiano y se adentre en el tiempo de la obra, en donde se inicia una especie de conversación íntima, hecha a base de miradas y silencios; otras veces soy yo, de manera consciente, la que busca objetos determinados, que considero que tienen posibilidades para crear ese juego de comunicación con el espectador. En cualquier caso, en ambas ocasiones, el material (hilo, botón, cerilla, cuerda, etc.) queda supeditado a un proceso de resignificación en función de la idea. Pienso en esos “chicos que bordan”: David Cata, Antonio Fernández Alvira y Francesco Vezzoli, por citar algunos, ¿coser es una labor de género o algo está cambiando? Durante siglos, el bordar y el zurcír siempre han estado ligados a la imagen femenina de la mujer en el hogar, al ámbito privado de la casa, a la eterna Penélope del «Home, sweet home», que hace y deshace sin descanso, mientras espera que Ulises vuelva a casa. Por suerte, todo está cambiando y hay muchos artistas que transgreden –con ese bordardo intencionado– los límites que impone el patriarcado. Pero también creo que no siempre que se trabaja con hilo hay una propuesta reivindicativa detrás. Para muchos artistas, el hilo es un material como cualquier otro, que permite alcanzar unos resultados concretos, para cubrir unas necesidades puramente plásticas: una línea puede estar hecha con un lápiz o con un hilo y eso implica la elección de un objeto en cuanto a sus posibilidades formales, hecho que –por supuesto- no supone obviar la capacidad política de la forma.

Luisa Pastor, "Caja e caudales".

Luisa Pastor, «Caja de caudales».

El bordado, la costura, también ha sido la marca de la casa de Helena Almeida o Ana de Matos, pero ninguna de las tres lo habéis realizado como delicada tarea femenina, como lorquiana faena femenina esterilizadora, sino más bien como combativa labor reivindicativa. ¿Hay que luchar desde dentro, desde el propio género? Muchas veces se realiza un trabajo que luego el espectador, el crítico, o un familiar, te dan una visión que nunca te hubieras planteado. Las interpretaciones pueden ser muchas y de muchas índoles y ese caldo de cultivo me parece muy positivo, porque enriquece el concepto de subjetividad frente a otras disciplinas más analíticas. En el arte contemporáneo, cada cuál se apropia de la obra en la medida de su conocimiento estético y también teórico. El grado de implicación dependerá de la capacidad del espectador de interactuar y reflexionar con la obra: cuanta mayor implicación, más profundidad discursiva para comprender (y comprehender) la obra. Por el contrario, otras veces, se tiene muy claro lo que se quiere decir y se direcciona la mirada del espectador, se cierra al máximo el abanico de las posibles interpretaciones, para intentar que la idea comunique de una forma clara y que llegue al espectador con un mayor acercamiento. En mi caso, a pesar de las múltiples interpretaciones que puedan hacerse, mi labor combativa –de manera quizá muy sutil– trabaja haciéndose cargo de las implicaciones del género, pero creo que tiene más que ver con un posicionamiento político desde la forma, el concepto, con el fin de invitar a la reflexión –desde el collage– de la relación que tenemos con todo lo que nos rodea. Por eso, respecto a la pregunta que me haces sobre mi posicionamiento frente al género, te responderé con una bonita frase de Basho, que siempre me ha parecido muy significativa y dice así: «antes de pintar un bambú, has de dejarlo crecer dentro de ti».

Luisa Pastor, "Neuronal System".

Luisa Pastor, «Neuronal System».

Tus primeras obras, delicadas piezas, collages sobre hojas de libro de contabilidad, primer estandarte de tus quehaceres artísticos, ¿obedecen a que hay un debe y un haber? ¿Hay una contrapartida hacia la igualdad? El “Debe” y el “Haber” están seguidos de la palabra “Saldo” en los libros de contabilidad. Cuando empecé a utilizar este soporte de hojas de facturas que compraba en anticuarios, estaba aún estudiando en Granada. Para mí, una estudiante con pocos medios económicos, esta frase fue toda una contradicción reveladora. Esas hojas -en donde no hacía falta ni una gota de pintura, porque entendía que ya estaban pintadas por el paso del tiempo-, se convertían –para mí– en un escenario extraordinario, que me permitían contar historias que quedaban amparadas bajo la cortina de lluvia del “Debe-Haber-Saldo”. Los materiales que utilizaba eran la mínima expresión, como puede ser la aguja, el botón, algún recorte del semanal del periódico o, a veces incluso, alguna minucia oxidada que encontraba por la calle. Todo ese micromundo iba tomando forma en esas hojas regladas por un capitalismo agresivo, que se manifestaba hoja tras hoja bajo la imposición económica del “Debe-Haber-Saldo”. Y era ahí donde yo encontraba un punto de tensión sustancial, para comenzar a hablar con elementos encontrados o de muy poco valor económico. Los trabajos fueron evolucionando en su complejidad hacia el concepto de mercancía y de industrialización, que materialicé en una serie de collages sobre el engranaje – el corazón de la máquina- y, posteriomente, la máquina. En tu serie «Neuronal System» vemos unos dibujos, y unos collages (con una cotidianas alubias), que nos recuerdan aquellos que Santiago Ramón y Cajal hiciera en sus investigaciones, esas anatomías del sistema neuronal que lo llevaran hacia el Nobel. ¿Por qué crees que desde lo cultural, lo artístico, se vive tan alejado de lo científico? Y eso que, a veces, el arte se anticipa a la ciencia. El plan de estudios está diseñado para formar a personas muy especializadas en un ámbito muy concreto, ya sea en nanotecnología, bioquímica o restauración de pergamino. Con la especialización se consigue un avance estratégico hacia la investigación e innovación de un producto puesto al servicio del mercado. De ahí que la especialización interese tanto para el crecimiento de un país. Tanto la ciencia como el arte, parten de planteamientos muy parecidos en cuanto a la observación, la reflexión, la valoración por parte del otro, la imaginación, la necesidad de llegar a algo nuevo, etc., pero la ciencia juega con la ventaja de que tiene un impacto socioeconómico más inmediato y eso provoca un distanciamiento respecto a las carreras llamadas de letras.

Luisa Pastor, "Caja Zapatos".

Luisa Pastor, «Caja Zapatos».

En cambio, para mí, el artista y el científico no están tan alejados. De hecho, entiendo al artista como un científico. Matisse decía: «el artista es un explorador» y yo comparto esta opinión. El arte se nutre de todo, no tiene ningún reparo en servirse de la herramienta que necesite, ya sea científica, tecnológica o totalmente rudimentaria, si para ello consigue la finalidad que busca. En cuanto a si el arte se adelanta a la ciencia, me viene a la cabeza la figura de Leonardo da Vinci y su «Códice Atlántico» de más de mil hojas, donde hay anotaciones de sus estudios sobre urbanismo, arquitectura, física, astronomía, botánica, óptica, matemáticas e incluso bocetos de máquinas textiles, máquinas para volar o máquinas para excavar canales, entre otras tantas cosas. En la actualidad, el potencial que ofrecen las nuevas tecnologías está modificando a pasos vertiginosos los procesos creativos de los artistas, el taller se ha convertido en -muchos casos- en un espacio con una altura de 2,41 cm, por un ancho de 32,5 cm, de profundidad 22,7 cm y con un peso de 2,06 kg con una interfaz a modo de soporte. ¿No es curioso que en latín ars, artis se designara para la palabra arte y este mismo calco para los griegos fuera techné?

Luisa Pastor, "Sr_Sra-Sra_Sr".

Luisa Pastor, «Sr_Sra-Sra_Sr».

¿Qué proyecto llevas ahora entre manos? Tu próxima serie o interés. Para este año tengo varios proyectos, pero realmente el proyecto que más me interesa es el de sumergirme de lleno en mi tesis doctoral. Creo que después de tantas lecturas y reflexiones podré abordar algunos proyectos que tengo en mente, con una visión más amplia y más precisa –en su desarrollo plástico y conceptual- y ese crecimiento personal con la obra creo que me vendrá muy bien, para ahondar en la profundidad de los micro mundos dentro de la instalación. Un tema que me apasiona y que llevo pensando algún tiempo. José Luis Martínez Meseguer

Luisa Pastor.

Luisa Pastor.

Bordado y papel recortado

Nobody said it was easy

Antonio Fernández Alvira

Galería ESPAI TACTEL
C/ Denia 25-B, Valencia (Barrio de Ruzafa)
Inauguración: viernes 26 de abril a las 20 h.
Hasta el 15 de junio de 2013

 

Antonio Fernandez Alvira, "Nobody said it was easy". Imagen cortesía de Espai Tactel.

Antonio Fernandez Alvira, «Nobody said it was easy». Imagen cortesía de Espai Tactel.

El presente trabajo pretende plantear cuestiones relacionadas con la violencia, no solo física, y el uso de esta dentro de ciertas convicciones sociales y morales, como método auspiciado para adquirir y proyectar ciertos idearios como el éxito, el prestigio social, el honor, la valentía, el poder, la fuerza,… Con el fin de alcanzar ciertos reconocimientos y logros a costa de lo que sea, esta será utilizada sobre todo en ciertos ambientes y entornos sociales, cargados de prejuicios y miradas que esperan en función de la situación, una determinada reacción y comportamiento. Haciendo que hoy en día estemos mas que familiarizados con ella y su uso.

El proyecto se expresa mediante la experimentación del dibujo, diferenciándose técnicamente en diferentes series de trabajos. Por un lado los dibujos realizados con técnicas más tradicionales del dibujo como la acuarela, gouache o tinta y por otro lado los realizados con hilo bordado a mano sobre papel.

Fernández Alvira utiliza el bordado y el papel recortado como símil de la construcción, siguiendo unos patrones preestablecidos, además de realizar una contraposición entre las imágenes que aparecen, hombres grandes y estereotipos de lo masculino, con la técnica, delicada  y frágil tradicionalmente femenina.

Antonio Fernandez Alvira, "Nobody said it was easy". Imagen cortesía de Espai Tactel.

Antonio Fernandez Alvira, «Nobody said it was easy». Imagen cortesía de Espai Tactel.