Bestias con los 10 Sentidos

Posted on 6 octubre, 2018 por MAKMA

Bestias
Festival 10 Sentidos
Mayo de 2019

Somos brutos, somos feroces, somos crueles. Somos indomables, somos impulsivos, somos temerarios. Somos viscerales, somos imprevisibles, somos violentos. La violencia impregna distintos ámbitos de nuestra sociedad y forma parte de nuestro día a día. El Festival 10 Sentidos desatará en 2019 a las bestias. A aquellas con las que convivimos, a aquellas a las que disculpamos, a aquellas que tememos, a aquellas que reconocemos frente al espejo. ¿Pero somos así por naturaleza o lo aprendemos? ¿Por qué son tan frecuentes la hostilidad y la crueldad entre los seres humanos?

El Festival 10 Sentidos, en su VIII edición, pretende reflexionar acerca del concepto de violencia, que nos abruma y nos fascina a partes iguales, que nos rodea y nos persigue, y generar un diálogo para desmantelar el sistema violento e injusto en el que vivimos.

Anthony Hopkins en ‘El silencio de los corderos’.

Por ello, el Festival 10 Sentidos, que se ha consolidado en València como una propuesta que trata de visibilizar, a través de propuestas artísticas diferentes, realidades de nuestra sociedad, quiere sacar de la jaula a esas bestias en su próxima edición, que se celebrará en mayo de 2019. Creadores nacionales e internacionales se darán cita un año más en un encuentro referente de las artes vivas en Valencia y escaparate de artistas con distintas capacidades.

El Festival 10 Sentidos cuenta de nuevo con el patrocinio principal de Caixa Popular, que se implica una vez más en esta edición para formar parte y colaborar mientras se pone en marcha toda la estructura y la programación. La entidad sigue comprometida en dar soporte a esta cita que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía, la cultura y la implicación social y solidaridad.

El festival anima a creadores de todas las disciplinas a enviar sus propuestas para participar en la programación artística de esta VIII edición a través de una convocatoria para la presentación de sus trabajos.

10 Sentidos pone en marcha el Open Call 2019 con el que se abre el plazo para la presentación de propuestas que guarden relación con el lema de este año, Bestias. Artistas locales, nacionales y del ámbito internacional de cualquier disciplina escénica, visual y artes vivas, podrán enviar sus trabajos para formar parte de la programación. El plazo está abierto hasta hasta el próximo 12 de noviembre. La dirección para el envío de proyectos es info@festival10sentidos.com y para facilitar la recepción de los trabajos es necesario indicar en el asunto del mensaje el nombre de la convocatoria ‘Open Call 2019’.

Esta convocatoria no es la única vía que utiliza el festival para articular la programación. La Dirección Artística selecciona propuestas y trabajos de forma paralela a lo largo de todo el año. El Festival 10 Sentidos, patrocinado por Caixa Popular, programó el año pasado más de 50 actividades, recibió alrededor de 125 artistas de todo el mundo y tuvo presencia en casi 30 sedes de la ciudad.

Obra de Cristian Newman. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

#Identidad para la nueva temporada del IVC

Posted on 4 agosto, 2018 por MAKMA

Avance de programación 2018-2019 de los teatros Principal y Rialto de València

El Institut Valencià de Cultura (IVC) ha presentado el avance de la programación de artes escénicas para la temporada 2018-2019 en el teatro Principal y en el teatro Rialto de València, bajo el lema #Identidad. Al acto han asistido el director general del IVC, Abel Guarinos, y el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, Roberto García.

El director general del Institut Valencià de Cultura, Abel Guarinos, ha explicado que “con el lema #Identidad queremos dar un paso adelante después del cambio de filosofía que ha significado la temporada 17-18 respecto de las temporadas pasadas. Profundizamos en la apuesta por la coherencia de la programación y por una marca pública de calidad. De este modo, esta temporada 18-19 busca la identidad de los teatros Rialto y Principal de València, es decir, busca singularizar las salas y ponerlas en valor”.

“Además, la producción propia reflexionará sobre las múltiples caras de este concepto de identidad: la identidad de barrio, la identidad digital, la identidad europea, la identidad emocional, la identidad cultural o la identidad de clase”, ha concluido Guarinos.

El Teatro Rialto se convierte esta temporada en un centro que programará producciones propias. Un proyecto que supone un cambio de paradigma trascendental y que tendrá el objetivo de conectarse con la sociedad, gracias al Plan de desarrollo de audiencias ‘Habitamos el teatro’.

El Teatro Principal, por su parte, se ratifica como un centro de exhibición de referencia en artes escénicas por la calidad de sus propuestas y donde se estrenarán también producciones de gran formato. Una nueva programación que lleva el lema “Un TEATRO PRINCIPALmente para ti”.

Como señala el director adjunto de Artes Escénicas, Roberto García, “tenemos como objetivo fundamental esta temporada la captación y la fidelización de públicos para conseguir el acceso de toda la sociedad a nuestra actividad cultural y, especialmente, del público joven que, en estos momentos, se siente alejado de la oferta cultural general”.

Asimismo, desde el IVC se continúa trabajando para fomentar la creación e impulsar las industrias escénicas. La apuesta por la producción propia se duplica en la temporada 2018-2019 y pasamos de 4 a 9 producciones propias de teatro y de 1 a 3 producciones de danza.

Esta temporada también significa la recuperación de los Premios de las Artes Escénicas Valencianas, con los que el IVC quiere reconocer el trabajo y la excelencia de los profesionales valencianos. La gala de entrega será retransmitida por À Punt televisión y, a partir de septiembre, se darán detalles de esta.

Teatro Principal de València

Según Roberto García: “El Teatro Principal tendrá una programación de lujo con algunos de los nombres de referencia de las artes escénicas en el ámbito valenciano, estatal e internacional”.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

La temporada empezará con el estreno mundial de ‘Santos, i ara què’, creación de Ximo Solano, un homenaje al genial pianista, compositor, pintor, escultor y ‘performer’ de Vinaròs Carles Santos y a su obra. En octubre se podrá ver ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi, una comedia negra de suspense que reflexiona sobre la mentira.

‘Antígona’, coproducción del IVC con la Compañía Ferroviaria de Elche, estrenada en Sagunt a Escena, se podrá disfrutar durante el mes de noviembre. Una versión libre inspirada en el clásico de Sófocles con las posibilidades que ofrecen los nuevos lenguajes expresivos. El mejor teatro balear llegará a finales de noviembre con dos producciones del Teatro Principal de Mallorca: ‘La nit de Catalina Homar’ y ‘Les darreres paraules’, que giran alrededor del personaje del archiduque Lluís Salvador. Para acabar noviembre asistiremos al estreno de la producción del IVC ‘Sorra blava’, de Alejandro Tortajada y Laura Sanchís, proyecto ganador de la convocatoria abierta “Cinc elevat a cinc”. En diciembre se programará el último espectáculo del actor Alberto San Juan, ‘Mundo obrero’, producida por Teatro del Barrio y Teatro Español, una obra sobre la lucha obrera que alcanza desde finales del siglo XIX hasta los nuestros días. En Navidad se repondrá ‘Tic-Tac’, la producción propia premiada como mejor espectáculo musical en la última edición de los Premios MAX de artes escénicas. Después será el turno de la deliciosa comedia ‘La valentía’, la última obra del prestigioso dramaturgo Alfredo Sanzol.

‘El preu’, un texto de uno de los más grandes dramaturgos del siglo XX, Arthur Miller, se podrá ver en el Principal el mes de febrero. Pere Arquillué y Ramón Madaula interpretan, bajo la dirección de Sílvia Munt, a dos hermanos que se reencuentran en el desván de la casa familiar después de 16 años sin hablarse. Igualmente, el mes de febrero estará dedicado a un ciclo de espectáculos internacionales. Se podrán ver el circo de la compañía francesa The Rata Pack con ‘Speakeasy’, obra que recrea en el escenario los bares clandestinos que surgieron en Estados Unidos durante la ley seca, y el teatro físico de la compañía británica Ghecko, con ‘Missing’.

El musical vuelve en marzo de la mano de la compañía Dagoll Dagom, que hacía 13 años que no pasaba por València, con su último espectáculo,‘Maremar’, una adaptación de ‘Pericles, príncep de Tiro’, de William Shakespeare, con música inspirada en la obra de Lluís Llach.

Recreación escénica de los etílicos sótanos clandestinos durante la ley seca, en ‘Speakeasy’, de The Rata Pack.

La programación se completa con tres estrenos mundiales que llenarán el teatro Principal hasta el final de la temporada. Se trata de ‘El Muro’, de la compañía valenciana La Teta Calva, creación de Maria Cárdenas y Xavo Giménez con música de Carles Chiner; la nueva producción de danza del IVC, dirigida por la prestigiosa coreógrafa alcoyana Sol Picó, y una coproducción del IVC, la Diputació de València y el Festival Griego de Barcelona, escrita y dirigida por Jordi Casanovas, sobre el cambio de ciclo histórico que se inició el año 92, con el declive de la Ruta del Bakalao, los crímenes de Alcàsser y una nueva manera de hacer política tan personal como irresponsable. Un espectáculo que lleva por título ‘Valenciana (la realitat no és suficient)’.

Teatro Rialto

“El Teatro Rialto estrena su nuevo proyecto «Habitamos el Rialto», que tiene como objetivo crear una comunidad de espectadores y espectadoras vinculada de manera profunda a los procesos de creación y exhibición de las producciones propias. Un plan de desarrollo de audiencias destinado a la captación y la fidelización de nuevos públicos, especialmente los espectadores y espectadoras jóvenes”, ha explicado Roberto García.

El Teatro Rialto trabajará con una red de institutos de Secundaria que colaborarán con este nuevo proyecto. Se trabajará conjuntamente con el alumnado y el profesorado para desarrollar experiencias físicas y emocionales con los montajes que pasarán por la sala.

De esta manera, participarán en las obras asistiendo a los ensayos, llevando los equipos artísticos a los centros, organizando coloquios, elaborando los programas de mano, creando un club de espectadores, convirtiéndose en reporteros de los procesos, trabajando con profesionales para aprender a crear contenidos y a usar las herramientas digitales. Con todo eso aprenderán a entender y a amar a las artes escénicas. En definitiva, conseguir que el alumnado se sienta cocreador y corresponsable, y así construir espectadores activos, críticos y no estandarizados.

Imagen del cartel de la obra ‘‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, realizado por la artista Po Poy.

También se crearán sinergias con otras instituciones como la Universitat de València, el Institut Valencià de la Juventut y las escuelas de arte dramático para implicar a todas estas comunidades en el proyecto del Teatro Rialto. Todo relacionado a una apuesta sin precedentes por la producción propia.

La temporada en el Rialto empezará con la coproducción ‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, un espectáculo que nace de las conversaciones con los vecinos y vecinas del barrio del Cabañal y que reflexionará sobre la identidad de barrio. Noviembre será el mes de la obra ‘Alexandria’, de Guadalupe Sáez y Mertxe Aguilar, un espectáculo sobre la identidad digital que mezcla teatro, música y videomapping, y que nos habla de cómo la huella digital que dejamos en manos de las grandes corporaciones y las redes sociales han cambiado radicalmente nuestra identidad y la manera de relacionarnos.

En diciembre podremos disfrutar de ‘Faust’, de Arturo Sánchez Velasco y Jaume Policarpo, una revisión del clásico de Goethe desde una óptica contemporánea y con una seductora estética que mezcla actores con títeres de tamaño natural y una escenografía cautivadora, que reflexionará sobre la identidad europea.

La danza será la protagonista en enero con ‘Més a prop’, de Noèlia Liñana, un montaje que tiene el objetivo de acercar la danza al público adolescente y joven a través del reconocimiento y la identificación de las emociones. El gran clásico valenciano y universal ‘Tirant lo Blanch’, de Joanot Martorell, sube al escenario los meses de febrero y marzo con una coproducción del IVC con la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El espectáculo, llamado ‘Tirant’, escrito y dirigido por Paula Llorens y Eva Zapico, planteará una nueva y sorprendente versión que mezcla la palabra y el teatro físico para hablar de identidad cultural.

‘Tot explota’, creación de Carla Chillida, es la propuesta para los meses de marzo y abril. Un espectáculo comprometido socialmente que nos habla de identidad de clase en los tiempos actuales y de las nuevas y sutiles maneras de explotación de las personas. La última producción del IVC en mayo será ‘Tórtola’, texto de Begoña Tena, nacida en el primer Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’ Josep Lluís Sirera, que será dirigida por Rafa Calatayud.

Además, el Rialto continuará como una de las sedes del festival Danza València durante el mes de abril y, ya para cerrar la temporada, se podrán ver las lecturas dramatizadas de textos del segundo Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

Circo en el museo

Posted on 18 febrero, 2018 por Bel Carrasco

Periferias, de Circo Gran Fele
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 25 de febrero de 2018

¿El circo es el mayor espectáculo del mundo como proclaman sus adeptos? Algunos podrían poner esta afirmación en duda, pero es indiscutible que sí es uno de los espectáculos más antiguos del mundo. Un cúmulo de disciplinas, destrezas y habilidades que han evolucionado a lo largo de los siglos. Desde los coliseos romanos a modernas carpas con aire acondicionado. De sangrientas luchas cuerpo a cuerpo entre hombres y animales a refinadas exhibiciones de atletismo artístico. El circo es perenne porque en sí mismo encierra una metáfora de la vida. En el centro de una pista circular el hombre y la mujer se enfrentan al desafío de un continuo y progresivo ‘más difícil todavía’.

Volar como los pájaros, hacer aparecer y desaparecer objetos, manipularlos como si la ley de la gravedad no existiera. Y los más importante, provocar la carcajada del respetable. Porque un circo sin payasos es algo muerto. En esa burbuja fuera del espacio y el tiempo tiene cabida lo imposible, lo sorprendente, lo más extraordinario que la mente pueda imaginar. Se materializan los sueños y se estimulan los sentidos, incluso los que todavía están por descubrir.

Periferias, de Circo Gran Fele. Imagen cortesía de Centre del Carme.

El circo es un mundo aparte habitado por seres que, en cierta manera pertenecen a otra raza. Destinados a cierto desarraigo debido a su vida nómada, establecen fuerte vínculos familiares de clan y tribu que se transmiten de generación en generación, junto a los secretos de su oficio. Más allá de una vocación se trata de una forma de vida que se lleva en la sangre y en el ADN. Y en contraste con este ambiente familiar un tono cosmopolita que ha hecho del circo un precedente de la globalización.

Pese a mantener intacta su esencia ha experimentado cambios en las últimas décadas, posiblemente el más importante la gradual desaparición de números con animales salvajes. El desarrollo de una conciencia animalista ha provocado que uno de sus grandes atractivos en el pasado, la exhibición de fieras domadas, no sea vista con buenos ojos. Es harto sabido que la vida de estos animales es una condena permanente a la cautividad, a fatigosos viajes en cabinas herméticas, a un proceso de doma, de sometimiento a la voluntad del hombre en el que es inevitable sufrir malos tratos y vejaciones.

En ese aspecto uno de los pioneros fue el Circo Gran Fele con denominación de origen valenciana y un cuarto de siglo de vida que hace décadas dejó de utilizar animales. A principios de los años noventa los hermanos Pla, Rafael y José comenzaron a actuar en una carpa instalada en la Plaza Zaragoza, y, a mediados del pasado siglo su padre, el ventrílocuo Gran Fele ya era conocido por todos los niños. Se extensa trayectoria incluye numerosos espectáculos y giras por todo el mundo. Orinoco, Orient Expres, El Tren, Pla y Pla y Cía, Feria de las Maravillas. Son algunos de sus espectáculos que han embelesado a niños y adultos de todas las edades.

Periferias, de Circo Gran Fele. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Este mes la compañía ha instalado su carpa en un entorno histórico y noble, la espaciosa Sala Ferreres del Centre del Carme, abierta al público hasta el 25 de febrero en una doble dimensión, como muestra del atrezzo circense y como escuela de circo los fines de semana.

Divulgar el mundo del circo y sus periferias, y al mismo tiempo poner en valor el ambiente que se respira en él, a través de unos valores intrínsecos, como el compañerismo, la amabilidad, el trabajo en equipo y la filosofía del esfuerzo son los objetivos del Gran Fele. Los talleres son una iniciación al circo como actividad artística relacionada con el cuerpo humano. Equilibrios, acrobacias, malabares y risas. Las claves para triunfar son las ganas de superación y el trabajo en equipo. Con asesoramiento de profesionales experimentados se desarrollan como enseñanzas principales: acrobacias de suelo, saltos acrobáticos, trapecio y telas. Como enseñanzas complementarias, el alambre, malabares y el ensayo con monociclos para quien esté dotado de un buen sentido del equilibrio.

La gran sala del Centre del Carme acoge una exposición permanente llamada ‘Periferias’ que incluye: La Barraca de los Fenómenos, el Gabinete de Curiosidades, el Carrusel de tracción animal, El Pulgarcito, además de diversos espectáculos sorpresa.

Circo Gran Fele se define como “una compañía de circo contemporáneo, mediterráneo y vitalista. Un circo sin animales que fusiona el teatro, la danza contemporánea, las distintas disciplinas circenses junto a la mejor música interpretada en directo por la Banda del Fele”. Con más de 20 años de trayectoria y la participación en numerosos festivales internacionales y nacionales, ha recibido numerosos premios entre los que figuran el Nacional de Circo 2008 concedido por el Ministerio de Cultura, el Max Especial de Circo o el Premio Caleidoscopio de La Unión Europea, entre otros.

Periferias, de Circo Gran Fele. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Bel Carrasco

“El teatro debe ser un espejo en el que nos reflejemos”

Posted on 7 abril, 2017 por Bel Carrasco

Rafael Calatayud
Premi Narcís 2017

El Premi Narcís 2017 no es ni mucho menos el primer premio que recibe el actor y director teatral Rafael Calatayud, pero sí el “más emocionante y digno gratitud” al tratarse de un reconocimiento de sus compañeros de profesión, Actors i Actrius Professionals Valencias (AAPP), a su trayectoria de 35 años en las tablas y al frente de la veterana compañía La Pavana. La entrega del galardón se celebró el pasado 29 de marzo poco antes de difundirse una buena noticia, la bajada del IVA en las artes escénicas.

Calatayud vive esta primavera un momento dulce. Participa en uno de los montajes más exigentes de la temporada, la versión dramática de la novela de Rafael Chirbes, En la orilla, en la que interpreta al personaje de Francisco, “uno de los corruptos”, comenta, “que en esta historia casi todos lo son; seres espantosos”. La obra es un ambicioso proyecto conjunto de: KProducciones, el Centro Nacional, La Pavana, la Diputación de Valencia y Emilia Yagüe Producciones. Se estrenó el 3 de marzo en Alicante, pasó por Bilbao, se presenta el 19 de abril en la sala Valle Inclán de Madrid, y el 26 de mayo recalará un par de semanas en el Teatro Principal de Valencia.

Rafael Calatayud junto a Victoria Salvador. Imagen cortesía del autor.

La adaptación dramática de un relato de 400 páginas sin diálogos ni puntos y aparte ha sido una labor titánica realizada por Adolfo Fernández y Ángel Solo, que también intervienen en el montaje. “La obra habla con un lenguaje crudo y sin pudor del momento que estamos viviendo”, dice Calatayud. “Lo más impresionante del texto es el aliento poético que subyace bajo la crítica social al degüello”.

A degüello se lanza también él poniendo en tela de juicio la política teatral que se ha seguido en la Comunidad Valenciana estas últimas décadas. “Cuando no hay una apuesta sólida y segura por la cultura y la educación, los artistas vivimos en una perpetua incertidumbre. Siempre es un volver a empezar de cero, pues en vez de asentarse, los proyectos que surgen se desvanecen. Eso nos obliga a hacer veinte cosas para poder sobrevivir”.

Deplora la falta de un criterio lógico de programación y añora los tiempos de Teatres de la Generalitat con Rodolf Sirera y Toni Tordera, “cuando se hacía un buen teatro de repertorio y el público sabía a qué atenerse. Hoy sólo acuden a las salas cuatro gatos bastante desorientados. Priva el divertimento por el divertimento, y no se trata de eso. El teatro debe ser una espejo en el que nos veamos reflejados”.

Escena de la obra ‘En la orilla’. Imagen cortesía del autor.

Considera nefasto el largo periodo en el poder del PP, “cuyos políticos se lucraron a costa de robar en cultura a los ciudadanos”, comenta. “Los que están ahora tampoco lo hacen mejor, se excusan aludiendo a lo mucho que robaron los de antes”.

Su larga experiencia en los escenarios, medio centenar de espectáculos, 35 de ellos de La Pavana, no le han curado su proverbial timidez. “Soy tímido cuando hablo desde mí, pero a través del personaje es otra historia, aunque lo cierto es que siempre hay cierta inseguridad, avanzo como un fonambulista en la cuerda floja y creo que eso mejora la interpretación. Le confiere mayor verdad y humanidad”.

No tiene personajes preferidos. “Me quedo un poco con todos. Tengan más o menos de uno mismo, cuando acaba la función lo cuelgas en el camerino y te olvidas, sobre todo si son tan desagradables como Francisco. Pero no hay personajes buenos y malos en sí mismos. Lo importante es lo que cuentan”.

Aunque su físico no le ayudaría mucho a travestirse, no descarta la idea de meterse en la piel de una mujer si el guión lo exigiera. “La transexualidad es un tema muy en boga y muy interesante”. Entre los autores que más le fascinan figuran su querido Tenesse Williams, Thomas Bernhard y la Premio Nobel Svetlana Aleksiévich. “También me encantaría un montaje de Acaso no matan a los caballos de Horace McCoy, que conecta con la situación de desesperanza que hoy vive la sociedad”.

¿Próximo proyectos? “Tal vez dirigir a Victoria Salvador, mi amor escénico en una obra íntima con pocos personajes. No hacen falta grandes presupuestos. Se pueden hacer cosas interesantes desde la humildad, pero sí es necesaria voluntad política. Tenemos que dignificar nuestro oficio y hacer entender a la gente que el teatro cuesta dinero”, concluye Calatayud.

Rafael Calatayud. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Sala Russafa alza el telón de su sexta temporada

Posted on 29 septiembre, 2016 por MAKMA

Sala Russafa
Sexta temporada 2016 / 2017
C / Denia, 55. Valencia

Levantar el telón es más que un gesto mecánico, es un compromiso, una ilusión. “Y una apuesta, porque nunca sabes cómo estarás al bajarlo. No se vive igual en el lado de las butacas que sobre el escenario. Pero, en ambos casos, siempre se gana, aunque no sea más que la experiencia”, afirma Juan Carlos Garés, director de Sala Russafa. Junto a Chema Cardeña, director artístico del centro, y a David Campillos, responsable de producción y de la programación musical, este sábado 1 de octubre tirarán de las tramoyas para poner en marcha la sexta temporada de Sala Russafa.

Esta semana, el Centre Cultural i Docent D’Arts Escèniques comienza su actividad, después del parón del verano y de acoger a Russafa Escènica. Y lo hace con el nuevo ciclo ‘Alcem El Teló’, que se presenta como un condensado de lo que está por venir a lo largo de los próximos nueve meses de programación. “Vamos a tener diferentes disciplinas de las artes escénicas con formaciones valencianas y nacionales, dando cabida a compañías emergentes pero también a las que tienen una consolidada trayectoria”, ha avanzado el director de la sala.

Preetz. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Preetz, de Malatesta Teatre. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Respecto a la escena valenciana, la primera en pasar por el escenario de Sala Russafa será la joven Malatesta Teatre, que presenta el 2 de octubre el estreno absoluto de ‘Preetz’, una pieza de teatro gestual en la que, sin palabras, cuentan el giro que sufre la vida de una apacible pareja.

El 6 y 7 de octubre será el turno de Arden y Transfermove, que se alían para el estreno absoluto de la nueva creación de Toni Aparisi (Premio Max al Mejor Bailarín 2016), para la que ha contado con los textos de Chema Cardeña. Se trata de ‘Moby Dick (el mal amor)’, un espectáculo con música en directo, danza e interpretación actoral en la que se establece un paralelismo entre la obsesión del Capitán Ahab por la Gran Ballena Blanca y las relaciones de violencia de género.

Tío Vania, de Jerónimo Cornelles. Imagen cortesía de Sala Russafa.

El 8 de octubre, la sala acogerá al Festival Urbano de Danza Circuito Bucles con la pieza ‘Coordenadas’, de Irene Cortina. El 13 y 14 de octubre completa la lista de formaciones autóctonas Bramant Teatre con su versión de la tragicomedia de Chéjov, ‘Tío Vania’. La representación nacional vendrá el 15 y 16 de octubre de la mano del reputado teórico teatral y director Jorge Eines, con más de 40 espectáculos en España, Argentina, Colombia, Estados Unidos e Israel. Su compañía, la madrileña Tejido Abierto Teatro, estrenará en Valencia una actualizada y provocativa versión del clásico de Ibsen Peer Gynt, ‘El Gran Monarca’.

“Hemos diseñado esta programación teatral pensando en reunir dos vertientes que nos interesan mucho y que marcan nuestra programación desde que abrimos la sala. Por una parte, la revisión de clásicos universales y, por otra, los nuevos lenguajes escénicos”, ha señalado Cardeña, director artístico del centro. También estará presente la danza y la música. Precisamente esta última es la encargada de inaugurar la nueva temporada el próximo 1 de octubre.

Este sábado el escenario de Sala Russafa acogerá una celebración promovida por los agitadores culturales TagoMago con motivo del tercer aniversario de la discográfica y promotora independiente Verlag System. Este joven sello impulsa propuestas sonoras que toman los sintetizadores y la vanguardia como premisas para sondear los caminos de la electrónica hacia la psicodelia o la creación de ambientes próximos a la ciencia ficción.

Guiro Meet Russia. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Sus artistas valencianos Guïro Meet Russia y Artificiero encabezan este cartel que completa la banda invitada Yobamochi, de Argamasilla de Alba (Ciudad Real), más cercana al Kraut Rock. “Todas las actuaciones contarán con proyecciones de vídeo” ha apuntado David Campillos, responsable de la programación musical, quien avanza que en los próximos meses se repetirá el exitoso ciclo de cine mudo musicalizado para el que este año contarán con la colaboración de TagoMago.

Tras este arranque y a partir de la segunda quincena de octubre, la programación escénica desarrollará el Ciclo de Compañías Nacionales, que durante seis semanas reunirá a una selección de seis formaciones de distintos puntos de España y con cinco estrenos en Valencia.

La compañía zaragozana La Casa Escénica estrenará en Valencia la comedia ‘Marx en El Soho’ (21-23 de oct.), de Howard Zinn. También podremos ver por primera vez en la ciudad la versión de la compañía murciana La Nuca Teatro de ‘Esperando a Godot’ (28-30 oct). Y desde Barcelona vendrá el estreno de la versión de ‘Anna Karenina’ (3-6 nov) firmada por Versus Teatre. Los andaluces Producciones Imperdibles presentarán ‘Mozart vs Salieri’ (17-20 nov). También desde Sevilla llegará ‘La otra mano de Cervantes’ (11-13 nov), de La Fundición Producciones. La programación se cierra con la vuelta a Valencia de ’40 años de paz’, de los madrileños La Abducción, tras su paso por el Festival Tercera Setmana.

En la programación familiar podremos ver ‘En la boca del lobo’, de la veterana compañía oscense Titiriteros de Binéfar, Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud (2009). Desde Zamora, Baychimo Teatro estrenará en Valencia ‘Todos sus patitos’ (5 y 6 nov). Los zaragozanos Teatro Arbolé presentarán su divertida versión de ‘La Isla del Tesoro’ (19 y 20 nov) y el teatro de sombras tendrá su hueco en la programación con el estreno en Valencia de ‘Años luz’ (26 y 27 nov), de la formación asturiana LuzMicroyPunto

Ya en diciembre, vendrá una décima edición de Contaria, Festival de Teatro para Niños y Niñas. Y respecto a la programación para adultos, Arden presentará la última propuesta de sus Cuentos Políticos, versiones libres y con música en directo de clásicos de la literatura infantil que sirven para hacer un mordaz retrato de nuestra sociedad. Con motivo del estreno del espectáculo que completa esta trilogía, ‘Viaje a Nuncajamás’ (22 dic-15 enero), escrita y dirigida por Chema Cardeña, se repondrán los títulos ‘Alicia en Wonderland’ (1-4 dic) y ‘Buscando al Mago de Oz (Oh, EurOzpa!) ‘(8-18 dic). Un repaso a la producción más reciente de la compañía valenciana.

Con el arranque de la programación de la sala también se pone en marcha la oferta docente de Sala Russafa. En el área de interpretación, se impartirá un Taller de Teatro para Profesionales impartido por Chema Cardeña, mientras que Iria Márquez dirigirá el Taller de Teatro para Adultos No Profesionales. Los niños tendrán un curso impartido por Amparo Vayà. Y Silvia Valentín impartirá un curso de Danza-Teatro Inclusivo destinado a alumnos con y sin diversidad funcional. Además, Toni Aparisi impartirá clases de Danza Contemporánea para no profesionales y Yoga Dinàmica. Por último, María Cuenca dirigirá un Taller de Canto en las Artes Escénicas.

“Tenemos por delante una temporada en la que queremos dar la oportunidad de ver en Valencia espectáculos de compañías de medio formato y gran calidad que rara vez tienen ocasión de llegar aquí. Y también vamos a poner nuestro granito de arena en el impulso a la escena valenciana con la faceta formativa y con un ciclo de programación específico que llegará en 2017”, ha avanzado Garés en nombre del equipo de la sala, ilusionado con este nuevo ejercicio, el sexto para el centro cultural asentado en Ruzafa.

Moby Dick (El mal amor), de Toni Aparisi. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Fira Tàrrega. Ciudad y participación

Posted on 24 agosto, 2016 por MAKMA

36a edición de FiraTàrrega
Plaça de Sant Antoni, 1 Tàrrega. Lleida.
Del 8 al 11 de septiembre

La nueva edición de FiraTàrrega viene marcada por un eje conductor muy claro: la interculturalidad, la cualidad de las artes de calle que las hace capaces de dirigirse a personas y a contextos muy diferentes. Este año presenta los trabajos de 57 compañías, de 9 países, entre los que habrá 33 espectáculos de estreno.

El conjunto de la programación ofrece un cartel rico en formatos, géneros y estilos; una oferta para todo tipo de públicos y edades, donde participarán 30 compañías catalanas, 11 españolas y 16 internacionales. Un total de 60 propuestas, que tendrán lugar en diversos espacios públicos de la ciudad de Tàrrega (47 espectáculos) y en varias salas (13 montajes). Este año FiraTàrrega participa en la producción de 15 espectáculos, un 25% de la programación de esta edición.

El programa de la Fira se estructura en 5 secciones: Sección Oficial (selección de éxitos de la temporada y estrenos de ámbito internacional), Plataforma (espectáculos del Programa de Apoyo a la Creación y otros proyectos de coproducción), Ondara Park (proyectos centrados en la programación más festiva), Programa Abierto (espacio de colaboración entre el sector privado y FiraTàrrega) y Bonus tracks (con varias propuestas que complementan la programación de este año).

Para hacer más accesible toda la programación, la Fira vuelve a organizar los Itinerarios artísticos. Un total de 10 itinerarios con espectáculos para todos los gustos, que facilitarán la navegación del espectador por el programa de FiraTàrrega.

Sección Oficial. Ateneu Popular, Garbuix, 9 Barris, 20è Circ d’Hivern y V de Vavel. Imagen cortesía FiraTàrrega.

FiraTàrrega celebra su potencial intercultural

Este 2016 FiraTàrrega celebra uno de los valores más representativos de las artes de calle, su potencial intercultural. Es por ello que ofrecerá una selección de producciones que buscan superar contextos culturales concretos y dirigirse a públicos muy diversos. También contará con una selección de espectáculos centrados en la temática de la justicia social y en la construcción de ciudadanía en la Europa de hoy en día.

En esta línea, la compañía francesa Artonik, será la encargada de abrir esta edición con The Colour of Time, un ritual efímero que se origina con el fin de borrar las jerarquías y las diferencias entre las personas y de celebrar colectivamente la amistad, la interculturalidad y el mestizaje.

En la misma dirección, para celebrar el potencial intercultural de FiraTàrrega, esta edición contará con varias apuestas que giran en torno a esta cuestión. Coproducciones de gran formato como Manifesta, la última creación de los Obskené, un canto a la diferencia, festivo y lúdico; el estreno en España de Misa Fronteriza, de los mexicanos Universiteatro & Gorguz Teatro, una reflexión sobre la hibridación cultural; el estreno de Mulïer de Maduixa Teatre, un homenaje a todas las mujeres que, durante siglos de opresión, han luchado y siguen luchando por sus derechos; o el Cafe Europa de los italianos Ondadurto Teatro, una alegoría que retrata la hipocresía y los vicios de nuestra sociedad.

Novedades de FiraTàrrega 2016

Entre las novedades más importantes de este 2016, cabe destacar, dentro de la Sección Oficial, el nacimiento del #EspaiZebra, donde las compañías Baal y Les Impuxibles presentarán dos miradas sobre los lugares de paso entre sexualidades. También contaremos con la programación de #UrbanNation, un apartado dedicado a la cultura urbana que se expande para incluir los últimos trabajos de Montana Colors Cultura en colaboración con Tope, Iron Skulls Co., Get Bak, Arcopom, Ravid Goldschmidt & Quim Moya y los estadounidenses Ephrem Asherie Dance.

Este año FiraTàrrega presenta un foco artístico dedicado a Chile, una oportunidad para conocer la escena artística del país de la mano de propuestas como Fulgor, de Teatro Niño Proletario, que realizará una residencia creativa en la ciudad, dentro del Programa de Apoyo a la Creación. También se podrán ver los montajes Frames, de La Licuadora, Viaje no 9, de Teatro del Sonido y La cocina pública, de Teatro Container, esta última, ha implicado en su producción a varios vecinos de la ciudad de Tàrrega.

Sección Oficial. The Colour of Time. Compañía Artonik. Imagen Thierry Bonnet, cortesía FiraTàrrega.

Mercado de artes escénicas y actividades profesionales

FiraTàrrega va mucho más allá de la exhibición teatral y año tras año trabaja para convertirse en un hub profesional de primer nivel, propiciando la relación entre compradores y vendedores, que contribuye a generar mercado y sinergias, posicionando el sector de las artes escénicas.

La Llotja, un pabellón ferial de 1.100 m2, es el espacio donde se producen las reuniones profesionales. Con stands, salas de actos, puntos de encuentro y los servicios necesarios, es el epicentro de las relaciones profesionales, ya que acoge presentaciones y conferencias. Los profesionales también cuentan con el Club Pro, el espacio de encuentro de tarde-noche más lúdico e informal, de conversación más distendida.

Este año FiraTàrrega ha renovado acuerdos profesionales nacionales e internacionales, que sirven como plataforma de promoción preferente, con la Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), la Associació Professional d’Espectacles per a Tots els Públics (TTP), la Associació de Professionals de la Gestió Cultural de Catalunya (APGCC), la Xarxa Alcover de Teatres, la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de las Artes Escénicas (ADGAE), la Asociación de Circo de Andalucía (ACA), Xtrax (Reino Unido) y la Associazione Culturale C.L.A.P.S Spettacolo dal vivo (Italia).

Además, en la edición 2016 se incorporan dos asociaciones internacionales: Independent Street Arts Network, que aglutina a los profesionales de las artes de calle del Reino Unido, y ISACS Network, que agrupa a las entidades de la emergente escena de las artes de calle de Irlanda.

Por otra parte, cabe destacar el proyecto CASA – Circus and Street Arts Circuit, dentro del cual, del 5 al 11 de septiembre 10 profesionales de toda Europa visitarán Cataluña para explorar las artes de calle y circo, donde verán los principales espacios escénicos y de creación, además de participar activamente en la Fira, para conocer de primera mano nuestra realidad de las artes de calle y circo, con encuentros con las instituciones y entidades presentes en esta edición.

FiraTàrrega, ciudad y participación

FiraTàrrega entiende la participación de la ciudadanía como una parte clave en la gestación de las propuestas escénicas que se presentan. Y es que pretende acercar a la ciudadanía diversos proyectos de manera que no sólo se pueda ver su resultado, sino que se pueda participar activamente en el proceso. Implicar a las personas de forma activa, desde el minuto 0 del proceso de creación, proporciona una mirada diferente a los proyectos, democratizando la cultura. Por otra parte, las compañías tienen la oportunidad de interactuar con el público y de crear un diálogo con el paisaje humano y local de la localidad.

Muestra de ello, este año FiraTàrrega ha llevado a cabo una serie de talleres, castings, colaboraciones con asociaciones, escuelas y actores de la ciudad, con espectáculos que forman parte del Programa de Apoyo a la Creación. Destacan Algo de mí, algo de ti, de los mexicanos Carretera 45 Teatro; Massager, de la compañía coreana CCOT o El Diván de la peluquería de Sienta la Cabeza; y también con otros que forman parte de la programación general, como es el caso del espectáculo inaugural The Colour of Time, de la Cie. Artonik; la última creación de los valencianos El Pont Flotant; La cocina pública de los chilenos Teatro Container o #ciutatvisible los catalanes Colordellop.

Podéis consultar la programación de FiraTàrrega aquí.

Vociferio: la poesía toma la palabra

Posted on 20 mayo, 2016 por Salva Torres

Festival de Poesía Vociferio
Carme Teatre, Innsa Hotel, Mercado Mosen Sorell y Colegio Mayor Rector Peset, de Valencia
Del 8 al 12 de junio de 2016

A Vociferio le van que ni pintados los versos de Bécquer: «¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas? Poesía…eres tú». Que trasladados al siglo XXI vendrían a multiplicarse en los innumerables ‘tús’ de la gente de Kerouac, “loca por vivir, loca por hablar, loca por salvarse…la gente que nunca bosteza ni habla de lugares comunes, sino que arde”. En medio de esa combustión de palabras, se presenta la quinta edición del Festival de Poesía de Valencia Vociferio, este año del 8 al 12 de junio haciéndose eco del Spoken Word, la corriente más fresca y popular de la lírica nacional e internacional.

Como señalan David Trashumante y Raúl Lago, impulsores del evento, “aparte de reivindicar el ‘Spoken Word’, muy maltratado por la Academia que lo considera baja cultura, cuando no lo es, se trata de juntar propuestas locales, tanto en castellano como en valenciano, con otras del ámbito nacional e internacional, con el fin de recuperar la palabra y la poesía”. Poesía que vendría a ser lo que Celaya entendió como un arma cargada de futuro. Trashumante y Lago así lo creen. De ahí su apuesta decidida por una “poesía entremezclada con otras disciplinas como la música, las artes escénicas o el libro objeto”.

Le Fay en Vociferio. Imagen cortesía de la organización.

Piensan que después de la caída de muchos festivales en los 90, se está viviendo un “repunte” de los mismos. “La palabra empieza a tener cada vez más presencia entre los jóvenes”. Y sitúan ese auge en coincidencia con el movimiento 15M y las políticas abrasivas del capitalismo más feroz. “Eso de la poesía encerrada en los libros, pues no, la poesía puede vivir fuera del papel”, subrayan. Las actividades que integran Vociferio son muestra de ese espíritu libertario de la poesía emparentada con la canción protesta o esos encuentros poéticos a pie de calle y en aquellos pubs de los 50 a ritmo de jazz.

Vociferio se anuncia como poesía viva contemporánea, joven, espectacular, interactiva, fresca, prestigiosa, multidisciplinar, bella, elegante y popular. Trashumante y Lago justifican algunos de esos conceptos. “Es contemporánea porque queremos estar atentos a lo que se está haciendo, de lo que se está investigando ahora”. Su hermanamiento con el Festival Internacional Kerouac Vigo de poesía y performance va en esa dirección.

“Es joven porque entre el público de la poesía se está produciendo un rejuvenecimiento”. Prueba de ello es el VI Campeonato Nacional de Slam Poetry que este año se celebra en Valencia de la mano de Vociferio, y en el que un jurado compuesto al azar por el público decide el ganador del concurso de poetas que tendrá lugar el 11 de junio en Carme Teatre, de quien precisamente parte la iniciativa del festival en su conjunto. Este recital colectivo a micrófono abierto con participación del público dibuja el perfil, junto al Spoken Word, de esa poesía viva en todo momento aludida por Trashumante y Lago.

Y es espectacular con matices. “Algunos lo dicen en términos despectivos, como teatralización que viene a tapar la baja calidad poética, y eso es mentira”, exclama Trashumante. “Es espectacular en cuanto a la experiencia emocional que promueve esta poesía y que estimula a la participación activa”, sostiene Lago. Y concluyen ambos: “Es una amplificación de la palabra”. Amplificación cuya causa hay que buscarla en la definición misma de poeta que ofrece Trashumante: “Es un ser en el que cuerpo y voz casan y te seduce”.

Los recitales tendrán lugar en Carme Teatre, Innsa Hotel, el Mercado Mosen Sorell y el Colegio Mayor Rector Peset, donde hay programados Showcase, Palabreadoras, que reúne a una serie de mujeres poetas (“por casualidad y atendiendo al talento de la propuesta más allá de lo paritario”), vermús poéticos a cargo del propio Trashumante y los mencionados Spoken Word (“100%”) y Slam Poetry. Un festival de poesía “muy directa”, destacan sus impulsores, y en la que los jóvenes “han encontrado mediante la palabra un modo de contar historias”.

Mansilla y los espías. Imagen cortesía de Vociferio.

Salva Torres

LOS PREMIOS MAX SE PONEN FETEN

Posted on 12 abril, 2016 por MAKMA

La feria FETEN de Gijón, Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016

La feria FETEN de Gijón, Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016 “por respetar, apoyar y dignificar los espectáculos para la infancia y por su encomiable labor de creación de nuevos públicos”.

El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas ha dado a conocer el Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016. En esta ocasión, el reconocimiento ha sido otorgado por unanimidad a la Feria Europea de las Artes Escénicas para Niños y Niñas (FETEN), de Gijón, que este año ha celebrado su vigésimo quinta edición. El comité concede la distinción al certamen “por consolidarse como referente internacional de artes escénicas dirigidas al público familiar y por respetar, apoyar, elevar y dignificar los espectáculos para la infancia. Porque está demostrado que acercarse al hecho escénico en edades tempranas ayuda a amarlo y, en ese sentido, FETEN lleva a cabo una encomiable labor de creación de públicos”.

Marián Osácar, directora de FETEN, recibirá el galardón en la ceremonia de los XIX Premios Max, que tendrá lugar el próximo 25 de abril en el Teatro Circo Price de Madrid. Osácar ha señalado que “para el Ayuntamiento de Gijón y para todo el equipo de organización de FETEN, este premio es una manera de decirnos que el trabajo va por buen camino, que está bien hecho. Nos hace sentirnos partícipes de la profesión y, como tales, debemos decir que hacemos FETEN entre todos: las compañías que nos visitan, los programadores que vienen a verlas y, cómo no, todos los niños y niñas de Gijón, que son los espectadores primeros de los espectáculos y los verdaderos protagonistas”.

La directora de FETEN, agradecida por el reconocimiento de los Premios Max a la feria, promueve el teatro familiar y recuerda que “llevando a nuestros hijos a espectáculos de artes escénicas estamos iniciándolos en el camino de la cultura, creando ciudadanos responsables y con capacidad de crítica y, sobre todo, estimulando su inteligencia emocional”. Osácar añade que “los espectáculos para niños y niñas tienen el mismo rigor, desde sus producciones, hasta sus elencos y sus puestas en escena, que el teatro de adultos. Es más; pienso que tienen mayor riesgo creativo, porque esa es su única carta de presentación. Aquí no existe una cabecera de cartel; lo que cuenta es su creatividad, su punto y su manera de presentarse a un espectador del presente, no del futuro”.

“FETEN nació en Gijón hace veinticinco años y siempre ha mantenido su aspecto de feria”, afirma Marián Osácar, que considera fundamental el carácter profesional de la iniciativa, más allá de la simple exhibición. A lo largo de este cuarto de siglo, el certamen asturiano ha ido “evolucionando, incluyendo técnicas y formatos, dando paso y cabida a la danza, el circo, el teatro de calle, la ópera o los musicales. También se ha incorporado teatro para bebés, multimedia o instalaciones no convencionales. De alguna manera, ha ido creciendo con el sector y ha mantenido siempre un aspecto muy importante: ser un lugar de encuentro profesional”.

Desde su primera edición, en 1991, FETEN complementa la exhibición y mercado de espectáculos con la programación de actividades paralelas: foros y conferencias; presentaciones de libros; exposiciones; y otros elementos de agitación intelectual, convirtiéndose en marco de debate referencial para el sector de las artes escénicas para niños.

Entre los próximos retos de FETEN, Marián Osácar destaca la internacionalización. En este sentido, y aunque resalta la presencia de “un diez a un trece por ciento” de compañías de fuera de España, considera interesante para la feria gijonesa la expansión exterior. “El mercado nacional está establecido; ya hay compra y venta. Pero lo que pretendemos es salir y que vengan muchos programadores internacionales para abrir fronteras a todas nuestras compañías”, concluye la directora de la feria.

Además de las 22 candidaturas a concurso a los Premios Max de las Artes Escénicas, el comité organizador concede 3 premios especiales: Honor, Contribución a las Artes Escénicas y Aficionado. Organizados por la Fundación SGAE desde 1998, los Premios Max, cuyo galardón está diseñado por el poeta y artista plástico Joan Brossa (Barcelona-1919/1999), impulsor de uno de los colectivos renovadores del arte español de posguerra, se han consolidado a lo largo de estos años como el reconocimiento más amplio en el ámbito de las Artes Escénicas en el Estado español.

En primer plano, Marián Osácar y detrás, Montserrat López Moro, concejala de Educación y Cultura de Gijón, y el resto del equipo de FETEN. Fotografía cortesía de Tencontén Media.

Cabanyal Íntim: “El Porvenir”

Posted on 8 febrero, 2016 por MAKMA

6ª edición Festival Cabanyal Íntim: “El Porvenir”
Arte en vivo en el interior de las casas del barrio
Barrio del Cabanyal, Valencia
Del 5 al 15 de mayo de 2016
Apoya esta iniciativa a través de Verkami

El Festival Cabanyal Íntim es una iniciativa social y cultural, organizada por Francachela Teatro, que cuenta con la colaboración de la plataforma cívica Salvem el Cabanyal, precursor en la Comunitat Valenciana a la hora de llevar las artes escénicas de vanguardia al ámbito más intimo de las casas del histórico barrio del Cabanyal. El barrio Marinero de la ciudad de Valencia, hoy no caído en el desuso, es un superviviente de un proceso de especulación urbanística, que amenazaba con la desintegración del entramado urbano reticular, reflejo de las barracas, antiguas viviendas típicas de la zona valenciana.

Es la diversidad tipológica del teatro de resistencia, la que refuerza el carácter dinamizador y rehabilitador que éste genera en su diálogo con el barrio, en el cual entran en juego la creación escénica emergente y la singularidad de un barrio cargado de historia y como no, de historias.

El Festival traza una travesía escénica por el barrio durante dos fines de semana consecutivos, en los que los espectáculos íntimos, experimentales y contemporáneos orientados a todos los públicos ahondan desde la diversidad en el hecho teatral. Así pues, desde la danza hasta la poesía, pasando por el vídeo arte, toda la amalgama artística que acoge el teatro de resistencia, ocupa los dormitorios y salones de las viviendas del barrio marinero.
La ruta de teatro a domicilio se articula en una veintena de piezas de arte en vivo, que combina las de pequeño formato y duración con otras más largas y de gran formato, creadas todas ex profeso en función del lema planteado en cada edición. Alejados de los cánones convencionales, montajes audaces e innovadores cobran vida a lo largo del día en los espacios cedidos por los vecinos del Cabanyal, de forma totalmente altruista.
Junto a la programación oficial, el Festival ofrece a los espectadores una serie de actividades paralelas de carácter gratuito como talleres de teatro, presentaciones de libros, debates o espacios para la reflexión tanto escénica como social.

La 6ª edición del Festival Cabanyal Íntim se articula este año bajo el lema “El porvenir”. Ese espacio que transciende de lo cuantificable del tiempo, para dar lugar a aquello con lo que solo nuestra mente puede soñar, convirtiendo a través de los veinte montajes multidisciplinares, que acoge esta sexta edición, lo imposible en posible.

Teatro de resistencia, 2016. Cortesía de Cabanyal Íntim.

Cabanyal Íntim está orientado para aquel espectador inquieto que quiera satisfacer su yo curioso, independientemente de la edad, con ganas de vivir nuevas experiencias escénicas, apoyar la rehabilitación del Cabanyal y la cultura emergente que se desarrolla en la ciudad.

El equipo humano del Cabanyal Íntim está compuesto por profesionales de diversos ámbitos culturales, que junto con el apoyo incondicional de colaboradores, creadores, vecinos del barrio y voluntarios, hacen posible esta aventura teatral pionera en la Comunidad Valenciana en trasladar las artes escénicas a los diferentes hogares.

Esther Ferrer en El Cabanyal

Posted on 18 noviembre, 2015 por MAKMA

Territorios compartibles/la vida en escena es un proyecto de Paula Valero producido por el TEM/Teatro el Musical de Valencia, que propone desplegar un campo de intervención e investigación sobre prácticas escénicas que se desbordan de los márgenes del propio teatro hacia la esfera pública del barrio. En el proyecto se invita a artistas, arquitectos, directores teatrales, y teóricos/as de diversos orígenes que trabajan en las fronteras de la escena y la teatralidad para generar un campo de actividad y encuentro con los/as vecinos/as del barrio y público en general los próximos días 21 y 22 de Noviembre.

La dinámica de resistencia del barrio de El Cabanyal es un ejemplo tangible de la eficacia de la sociedad civil cuando ésta decide movilizarse colectiva y positivamente: sus vecinas/os han escenificado la lucha de sus vidas, su intimidad, intentando salvar sus vivencias. En este proyecto, mediante nuestras prácticas; nos replanteamos esta dicotomia de la vida como campo de batalla y como lugar latente para transformar la realidad.

Dentro del mismo, la reconocida artista interdisciplinar Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) realizará su conocida acción: Se hace camino al andar.

El caminar el barrio por sus habitantes de una manera colectiva, trazando y visibilizando sus recorridos comunes funciona como una alegoría del proceso de tantos años de su resistencia frente a su posible destrucción. También como propuesta artística que potencia la valoración y celebración de la articulación de una potente política de afectividades por la Plataforma Salvem el Cabanyal.

Durante los trayectos se irán colocando frases sobre el imaginario del barrio: como aquella que dice que les gusta su barrio con sus calles amplias lo que permite siempre “sentir la brisa del mar”, disponiéndolas aleatoriamente sobre las calles que se recorren. También en cada punto a destacar hay un texto sobre los diferentes puntos de una cronología de los procesos del barrio, judiciales, de resistencia. Esta cronología propone una cartografía, el barrio se irá señalando de aquellas fechas que constituyeron este proceso, y en esta acción se propone como ejercicio de memoria.

Todos ellos están pensados para desembocar en el mar, ese mar que resume simbólicamente, “nuestra lucha, nuestros afectos y resistencias” y donde confluirán todos trayectos al unísono. Los cuales fueron configurados desde los sentidos de la propia lucha vecinal, para ello, durante varios meses, se estableció un diálogo continuo con la plataforma, componiendo mano a mano los recorridos posibles concretando en sus asambleas.

LOS TRAYECTOS:

Se realizarán 5 trayectos en total, cada recorrido con su grupo de vecinos/as del barrio, que serán quienes se desplacen con la cinta. A estos trayectos le puede acompañar el público asistente.

El punto de salida es desde el Escorxador, lugar de las asambleas desde hace años de la Plataforma Salvem el Cabanyal, se realizarán cuatro trayectos por calles perpendiculares al mar y un recorrido en paralelo al mar.

-Punto de encuentro: 12:00h en el l’Escorxador: Carrer Sant Pere 27

-Punto de salida: 12.30h desde el l’Escorxador: Carrer Sant Pere 27

-Punto de llegada: zona C/Pavia número 41, hacia el paseo marítimo

1-Trayecto verde, por calle Columbretes

2-Trayecto azul, por calle Amparo Guillém.

3-Trayecto rosa, por calle Pescadores.

4-Trayecto naranja por calle Cura Planells.

5-Trayecto por las perpendiculares, Calle Escalante, Benlliure, Progrés, La Reina.

(Tramo de los recorridos: de 850 m a 950 m)

Lugar de llegada calle Pavia núm 41, desde ahí desembocarán los cinco trayectos en el mar, donde se leerá un texto junto con el poema de Machado, caminante no hay camino.

Más información: http://territorioscompartibles.weebly.com/