Carlos Barral: El Temps de les Paraules

Carlos Barral: El Temps de les Paraules
Fundació Suñol
Passeig de Gràcia, 98, Barcelona
1 de marzo de 2016, 19h.

Un recorrido por la personalidad y la obra del poeta y editor Carlos Barral con la colaboración de Carme Riera, Mario Vargas Llosa, Joan Marsé, Xavi Ayén, Xavier Sabater, Alberto Oliart, Josep Inglada, Sergi Aguilar, Fina Oliver, Joan Santacana, Malcolm Otero Barral, Dánae Barral, Yvonne Barral y Alexis Barral.

La presentación irá a cargo de Carme Riera, junto con la presencia de Jordi Nin como director, Helena Rotés, guionista, Jordi Ambròs, productor ejecutivo de Televisió de Catalunya y Anna Cler directora de producción i contenidos de TVE Catalunya.

Jordi Nin funda y dirige desde 2004 la productora ESPECTRUM PRODUCCIONS, S.L. Trabajando como guionista y realizador cinematográfico en proyectos de ámbito cultural y también es especialista en la creación artística de espectáculos audiovisuales arquitectónicos de gran formato.Fue Cofundador de Artimaña, disseny i comunicació, S.L. Jordi Nin es el creador de una de las primeras empresas de Barcelona que ha tenido como objetivo la integración y fusión del arte y el diseño en la comunicación puramente publicitaria y promocional. Durante el período de 1989 al 2003 trabajó en diversos proyectos multidisciplinarios procedentes de las artes plásticas, diseño gráfico e industrial, del interiorísmo, de la publicidad y del marketing. Cuenta con premios de prestigio entre los que destacan: el EDA European Design Annual, Art Director Annual USA, Laus, AMEC, IF Industrie Forum Design Hannover, PHOTO France y The Wagner Society of New York.

Cuando pasan más de 25 años de la muerte del poeta y editor Carlos Barral, acompañamos a Yvonne, su viuda, durante la visita que hace cada año al monumento erigido en su memoria. Durante los años grises del franquismo y las primeras décadas de la transición, Carlos Barral fue el editor más importante de nuestro país : como director literario de Seix Barral y después de Barral Editoras, impulsó la publicación de un catálogo de autores “imprescindibles” y propició el llamado “Boom” de la novela latinoamericana. También fue un personaje singular que se relacionó con los escritores e intelectuales más relevantes de su tiempo. Pero él habría querido que se lo recordara por su poesía, de una complejidad poco habitual. Evocar su vida nos trae a un tiempo de lucha contra la represión cultural del franquismo en el cual existía el convencimiento de que la cultura tendría un papel esencial en la construcción de la libertad .

Sofia Hultén llega a Barcelona

Cuando las líneas son tiempo
Espai 13
Fundación Joan Miró
Hasta el 6 de marzo de 2016

La artista sueca Sofia Hultén (Suecia, 1972) afincada en Berlín, llega a España de la mano de esta exposición, en la que especula con las múltiples historias de los objetos encontrados. Se trata de un proyecto transversal, comisariado por Martí Manen, (Barcelona, 1976) que propone reflexionar sobre cuestiones de temporalidad y producción en la práctica artística. Desde una perspectiva narrativa, explora la vida divergente de los objetos descontextualitzados e invita a imaginar las ficciones que se activan a partir de un uso alternativo de los elementos más cotidianos.

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Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

Los procesos industriales buscan optimizar la creación de productos con un diseño definido y una funcionalidad predeterminada. Aun así, más allá de la cadena de consumo en la que fueron concebidos, todos los objetos contienen la posibilidad de vidas paralelas, alternativas o, incluso, divergentes. La mirada de Sofia Hultén los libera de su lógica original, los desprograma mediante el uso erróneo o la aproximación lateral para jugar con el entramado de ficciones potenciales que se desencadenan. En palabras de Martí Manen, comisario del ciclo Cuando las líneas son tiempo, el trabajo de Hultén «implica una experimentación, desde el campo de la narratividad, con todo lo que nos rodea, que permite imaginar otras realidades y otras poéticas, otros contactos y relaciones». Los vídeos y las esculturas que la artista sueca presenta en el Espai 13 recogen distintos relatos en torno a los objetos encontrados. Zapatos, cadenas, carretillas o persianas se convierten, según Manen, «en detonantes para la especulación sobre el sentido de nuestra relación con lo que nos rodea».

Fotograma de Trucking, 2015. Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

Fotograma de Trucking, 2015. Cortesía de la artista. Daniel Marzona, Berlín; Galería Nordenhake, Estocolmo/Berlín; y Raebervon Stenglin, Zúrich.

El hecho de trasladar los objetos a lugares o situaciones imprevistos permite generar nuevas lecturas, del mismo modo que las teorías alrededor de la física cuántica prevén la aparición de universos paralelos. La exposición de Sofia Hultén representa, además, una pausa en el ciclo natural de estos objetos que, detenidos, permiten aislar diferentes momentos o imaginar nuevas líneas temporales. En uno de los proyectos expuestos, Hultén coge materiales de un contenedor y los modifica ligeramente para acabar devolviéndolos a la basura sin solución de continuidad. La intervención de la artista añade densidad narrativa a estos elementos, pero acaba desapareciendo también con el objeto rechazado en un tipo de bucle en el que el trabajo deja de tener una finalidad y se convierte en un gesto o en un momento. En otro vídeo, el calzado abandonado en la calle se convierte en un nuevo sistema urbano de navegación, en el que las distintas etapas de un camino están marcadas por pares de zapatos perdidos en la ciudad. El usuario los encuentra, se saca los suyos para ponerse otros y avanza hasta encontrar nuevo calzado. La búsqueda de zapatos lleva a mirar el espacio de otro modo, genera recorridos peculiares y deja un rastro narrativo. La muestra de Hultén se completa con una serie de objetos intervenidos que incorporan capas de tiempo y gestualidad añadida al espacio expositivo. Carretillas que no pueden funcionar y que en un primer momento parece que están en el lugar equivocado. Cadenas de grúas, persianas metálicas o bicicletas que pasan a ser relatos que revelan todo lo que podrían ser y no son, todas las derivaciones posibles, todos los usos que han escapado al control.

Carlos Bunga transforma la Capella MACBA

Carlos Bunga
MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona)
Plaza dels Angels, s/n Barcelona.
Hasta el 7 de febrero de 2016

El interés por lo urbano y el espacio público, se puede ver como protagonista en la intervención de Carlos Bunga, por vez primera en España en la Capella MACBA.

El artista portugués, fiel a su estilo, liga su producción tanto con la sociedad actual como con la pasada. Lo consigue poniendo en relación dos elementos; la propia función original de culto religioso católico del edificio y las diversas transformaciones del barrio en el que se encuentra.

La Capella fue en sus inicios un teatro para los ejercicios de la fe, rituales, jerarquías, así como símbolos y relatos. Fue construida en el siglo XV y desacralizada durante la desamortización de Mendizábal (1835-1840), como muchos otros edificios, conservando hoy en día un esqueleto espacial que acoge actos tanto laicos como cívicos.

Bunga pretende con su obra, implicarse y hacer que el espectador reflexione de una forma individual, y que ese pensamiento subjetivo se transforme en colectivo. Este artista, se muestra fascinado con que los actos individuales se conviertan en común y por ello emplea su propio lenguaje artístico –con el que consigue incluir el espacio publico.

La idea de libertad de actuación está patente en su forma de trabajar ya que se guía por su intuición creativa, pero también se refleja  en el resultado, ya que rompe con toda una serie de códigos de los que nos rodeamos, sean gramáticas, de lenguajes o normas que se han ido imponiendo a lo largo de nuestra vida.

Tenemos por tanto, a todo un artífice de dispositivos arquitectónico-escultóricos, ya que hay una mezcla entre los edificios intervenidos y sus propios elementos constructivos.

La sustracción, destrucción o desmontaje, de la que nos ha hecho partícipes Bunga desde los años 70, se vuelve a repetir una vez más con una naturaleza única, efímera y contrariamente sólida, de belleza singular. Así pues, el artista muestra como «La impermanencia está constantemente presente, constituye nuestro patrimonio genético. La ciudad, que funciona como una segunda piel, es la heredera de este patrimonio orgánico» y con su obra lo remarca.

Daniela Hurtado Reina

 

Josep Güell y lo extravisual

Josep Güell. Todo está del otro lado
Galería Víctor Saavedra
C/ Enric Granados, 97. Barcelona
Inauguración: 11 de junio, 20 h.
Hasta 4 de julio de 2015

El trabajo de Josep Güell rebosa poesía y sensibilidad. Una afirmación de ese carácter tiene en la actualidad un elevado riesgo, a medida que la obviedad de lo grotesco ha ido acaparando los campos de la vida pública, logrando a su vez empobrecer el desarrollo de las prácticas privadas. La sensibilidad se ve denostada, despreciada desde una incorrecta acepción que la confunde con la debilidad, ignorando que es necesaria una gran fortaleza para mantener los sentidos activados frente al duro azote de la realidad.

Josep Güell. Puerta sin casa. Cortesía del artista.

Josep Güell. Puerta sin casa. Cortesía del artista.

Las imágenes elaboradas por Güell, como los títulos de sus obras y sus textos publicados, se refieren con frecuencia a un estado vital de desnudez que nos acerca a la infancia, donde el artificio está de más, aunque en el supuesto de necesitarse, sería de producción propia y a cargo de la imaginación. El sometimiento a la materia -al consumo, a la marca, a las señas identitarias con cargo a la tarjeta de crédito-, ha prodigado la parálisis neuronal de la masa, extendiendo la creencia de que el dinero no hace la felicidad, pero la compra hecha, propagando un modo de vida que afecta ya sin diferencia generacional y deja tras de sí una sociedad desarticulada, con una juventud tan despistada, a veces, que el consumo de alcohol a buen precio le parece una reivindicación ajustada. Sin duda es peligroso perder la perspectiva de lo que nos rodea. Es peligroso obviar los estímulos que activan ciertas respuestas humanas, como inocente sería justificarlas en base al número de sus valedores. Puede que la educación debiera recuperar el importante lugar que le corresponde, puede que si desde la base se iniciara una lectura transversal del conocimiento y los acontecimientos, insisto, puede, que las personas recuperaran el disfrute procedente de lo pequeño. Los mensajes de consumo fabricados por la publicidad han alcanzado un estadio radical capaz de dominar el deseo y la libertad de las personas, sumidos todos en un continuo de satisfacciones inmediatas. Lo quiero, lo compro, lo tengo… ¡Soy!

Josep Güell. Strip-tease. Cortesía del artista.

Josep Güell. Strip-tease. Cortesía del artista.

“Todo está del otro lado”, título bajo el que se agrupa la última colección de trabajos de Josep Güell, lanza un guante a la cara del espectador con las buenas formas de un duelo entre caballeros, con la seguridad de que si nuestro corazón no ha muerto, con suerte saldrá herido. Hará brotar, entre las fisuras de una corteza construida sobre nuestros sentidos, la pulsión racional de nuestras emociones, trayendo a nuestra memoria aquellos baños de verano en un pequeño barreño de plástico duro o los frondosos bosques (de no más de cuatro árboles) de nuestro recuerdo infantil donde se desarrollaban las más apasionantes vivencias y juegos. Son aquellos momentos, sencillos y sin pasar por caja, los que de verdad hicieron rebosar nuestro corazón; los mismos que hoy, a través de la mirada de Güell, aceleran nuestro pulso recordándonos que estamos vivos, invitándonos a actuar como adultos pero a sentir como niños, poniendo en valor la sencillez frente al espectáculo que todo lo inunda. Tras un acercamiento a sus trabajos, cada cual debiera evocar su recuerdo, comunicar al otro su retazo de memoria, su momento imborrable e impagable, aquél que quedó grabado por siempre como alimento contra el desánimo. Aquel capaz de traernos a este lado, en el que la realidad de las cosas se hace palpable y adquiere el sentido impreciso de lo real.

Josep Güell. Alfabet. Cortesía del artista.

Josep Güell. Alfabet. Cortesía del artista.

Sin duda, la perspectiva desde la que abordamos los asuntos produce la modificación de nuestra percepción sobre los mismos, tal y como nuestra sociedad, simbólicamente referida en “el otro lado” por Josep Güell, no se detiene a prever las consecuencias de sus acciones ni el difícil paliativo de lo omitido. Quizás sea esta una invitación para disponer del tiempo para reflexionar mediante el juego de analogías que el artista propone, desentrañando las relaciones extra-visuales que abundan en su obra.

Josep Güell. Literal. Cortesía del artista.

Josep Güell. Literal. Cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

MACBA: cuatro décadas de Sergi Aguilar

Sergi Aguilar, Reverso/Anverso (1972-2015)
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1. Barcelona
Hasta el 31 de enero de 2016

«¿Cómo construir unos objetos físicos que proceden, y en cierta forma remiten, a la más pura inmaterialidad?» Esta incógnita es la obsesión que ha estimulado la investigación artística de Sergi Aguilar (Barcelona, 1946).

Sergi Aguilar. Reverso/Anverso (1972-2015) reúne en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) más de sesenta obras del artista que abarcan cuatro décadas de creación. Esta exposición, estructurada en torno a cinco episodios que ponen en diálogo obras y ciclos temáticos de distintas épocas, es la más amplia dedicada a Aguilar hasta hoy. La atmósfera del taller de Sergi Aguilar se traslada al MACBA. Lejos del relato cronológico, se recrean las dinámicas del espacio de trabajo del artista, mostrando una trama casi infinita de relaciones posibles y azarosas entre las piezas. La muestra, planteada como una travesía sinuosa por la producción escultórica de Aguilar a lo largo de más de cuarenta años, explora ciertas tensiones creativas constantes en su obra: el diálogo entre el objeto y el proceso, entre la mesura y la acumulación, la solidez y la ligereza, lo artificioso y lo natural, o el emplazamiento y el desplazamiento.

La muestra se acompaña de la publicación Sergi Aguilar. Reverso anverso, articulada con el mismo criterio de recorrido. El libro incluye una amplia selección de obras y fotografías que conforman un relato sin orden cronológico, en el que se juega con la metáfora del taller del artista. Esto permite profundizar en determinados conceptos (espacio, naturaleza, tiempo, tierra, desierto, desplazamiento) y en objetos clave (hierro, mármol, topografías, cartones, chapas, troncos, mapas, fotografías, collages y tablas).

Sergi Aguilar. Vers sud-est, 2004. 120 x 240 x 15 cm. Madrea, policarbonato y aluminio. Foto: Roberto Ruiz. Cortesía MACBA.

Sergi Aguilar. Vers sud-est, 2004. 120 x 240 x 15 cm. Madrea, policarbonato y aluminio. Foto: Roberto Ruiz. Cortesía MACBA.

La exposición Sergi Aguilar. Reverso/Anverso (1972-2015) en el MACBA se estructura en cinco episodios que ponen en diálogo obras y ciclos temáticos de distintas épocas:

Instrumentos y medidas: Una de las primeras series de Aguilar, Tronc, espai, terra, eina (1974), tiene como punto de partida el hallazgo de unos pequeños troncos utilizados por los habitantes de Menorca para la fabricación de herramientas. Son piezas de bronce y latón, de formas esenciales, en las que la idea de utensilio y el referente natural están muy presentes. «Me atraía —y me atrae— el aspecto constructivo de las cosas, pero creo que debe estar conectado con lo “vivo”. […] el arte trabaja con la artificialidad y se asocia así al mundo natural», sostiene Aguilar.

Eines i mesuradors (1974-2014) es una serie en la que también se acumulan los utensilios, pero estos se han vuelto más livianos y se presentan combinados con herramientas medidoras, con dibujos y algunos volúmenes de ecos abstractos.

En Abans de la cendra (1999-2004) se almacenan, sobre un carro de cinco baldas, instrumentos que plantean temas como el signo, el peso, las plantillas y los sistemas constructivos. Poco a poco, el referente natural se va disipando, y estos volúmenes menudos, aunque cercanos y accesibles, desprenden también una extraña funcionalidad.

Geometrías: De la copia de la naturaleza, el artista pasa al análisis de la misma. Se trata de una naturaleza geometrizada; una forma radical pero que no pierde de vista el contexto del que nace. Sobre una gran mesa de madera, diseñada por Aguilar para la ocasión –igual que todos los soportes que pueden verse en la exposición—, se distribuye una representativa selección de esculturas realizadas en mármol negro entre 1974 y 1998. Angle (1974), Dos-Tres núm. 1 (1978) o Canvi (1980) son bloques cuya abstracción parte de la naturaleza, pero que remiten ya abiertamente al posminimalismo. La corporeidad maciza de estos mármoles dialoga con obras como 18 (1994-1998), Fixed (2000) o Move (2000), en las que el cartón, la madera y el contrachapado introducen una idea de fragilidad y ligereza, a la vez que se vislumbran los primeros signos lingüísticos, fruto de una pronunciada síntesis formal.

Sergi Aguilar. Ruta vermella, 2009. 65 x 154 x 97 cm. Acero, aluminio y pintura. Foto: Pau Aguilar Amorós. Cortesía MACBA.

Sergi Aguilar. Ruta vermella, 2009. 65 x 154 x 97 cm. Acero, aluminio y pintura. Foto: Pau Aguilar Amorós. Cortesía MACBA.

Signos y paisaje: Los bloques van desapareciendo para dar paso al espacio como referente principal de las obras. Las esculturas se doblan, se encajan y desencajan, creando geometrías accidentales en las que los conceptos de rampa, recinto y compás son excusas para plantear ideas de visibilidad y obstáculo. La materia trabajada es el espacio; la forma es la transparencia y el vacío. Al artista le gusta mencionar la descripción que hace Tony Smith, hacia 1950, de su experiencia al circular en coche, al anochecer, con sus alumnos por una autopista en construcción de Nueva Jersey. El viaje supuso para Smith una experiencia reveladora y acabó siendo también una de las primeras ocasiones en las que el espacio, el tiempo y un cierto estado anímico del «espectador» se convertían en materiales creativos. Nord-Sud (1991) es el resultado de un viaje que Aguilar realiza por el desierto del sur de Argelia y ocupa un lugar central en esta sala. Se trata de una gran estructura de acero que nos recuerda a una pizarra, como espacio de anotaciones e inscripciones. Por su parte, Ruta vermella (2009) se despliega como el esqueleto de una montaña ligera, aludiendo a una cierta mirada al paisaje. El acento se traslada del objeto a las nociones de territorio, tránsito y vacuidad. Y la idea del desplazamiento se potencia a través de dos fotografías en blanco y negro del desierto de Libya (2005) y de una selección de vídeos tomados por el artista en sus diferentes travesías.

Lugar y territorio: A partir de sus viajes, Aguilar va incorporando a su trabajo los conceptos de suelo, territorio y topografía. «Ya no se trata del espacio, sino de itinerario, de ir y, por qué no, de retornar. El volumen parece que ya no es necesario. ¿Podríamos hablar de un volumen hecho de distancia, de una escultura hecha entre lugares?»

Entre viajes (2005-2009) está compuesta por 153 dibujos que remiten a un cuaderno de fichas realizadas en diferentes geografías anónimas, mestizas e indefinidas. 58 falques (2004-2010) y To G. Anselmo (2013) aluden a la desmaterialización de la escultura y al desplazamiento, tanto por el movimiento que sugieren al espectador, como por el contenido de las mismas.

To G. Anselmo es un carro con ruedas que contiene un bloque de acero, un nivel de agua, cables y otros materiales que sirven para medir y ubicarse en el territorio. Este, como otros carros y piezas de Aguilar en los que la acumulación deviene casi una categoría estética, nos remite a la noción del residuo que se resiste a desaparecer para acabar encontrando una nueva existencia artística.

Fugas y tiempo: Así, el recorrido, que en definitiva puede transitarse en bucle, se cierra con tres piezas: Via Laietana (1988), una escultura de acero, colgada a la pared, que nos invita a refugiarnos en su interior, pero a la vez nos arroja hacia Punt de fuga (2013- 2015) y Cara NNO (2015) –esta última concebida especialmente para la exposición– . Son obras que nos ofrecen caminos a seguir. «La atracción que ejerce la atmósfera de un paraje, de una topografía, de una marca, es una incógnita. Se produce una imantación particular. Para unos se trata de llegar; para otros del tiempo que conlleva y para los demás de quedarse. En cualquier caso, lo que nos fascina es la búsqueda de un horizonte que siempre está mudando, cuando no desapareciendo.»

Sergi Aguilar. Portàtil, núm. 3, 1997. 12 x 120 x 7 cm. Acero y bobina de hilo. Foto: Roberto Ruiz. Cortesía MACBA.

Sergi Aguilar. Portàtil, núm. 3, 1997. 12 x 120 x 7 cm. Acero y bobina de hilo. Foto: Roberto Ruiz. Cortesía MACBA.

Artistas de Barcelona frente al debate

*sekw-
Cyan gallery
C/ Balmes 88, 08008 Barcelona
Inauguración: viernes 7 de noviembre a las 19:30 horas
Hasta el 20 de diciembre de 2014

 

La Galería Cyan presenta una exposición multidisciplinar y colectiva donde artistas emergentes de Barcelona abordan el actual y controvertido debate sobre la posición de Cataluña frente al Estado español.

El comisario de la exposición, Alex Brahim, ha pretendido romper la idea generalizada de que los agentes del arte y la cultura tienen un nulo pronunciamiento en el debate que supuestamente se lleva a cabo exclusivamente entre políticos y medios de comunicación.

Quaderns per a la educació en el nacionalisme català por Nano Orte. Imagen cortesía Galería Cyan.

Existe una gran cantidad de trabajos que han aportado reflexiones y acciones inspiradas en la construcción de lo catalán y lo español, sobre todo por parte de artistas emergentes. La exposición *sekw- toma como punto de partida la raíz indoeuropea homónima, una raíz común al castellano y el catalán, el latín “sek”, que significa seguir, origen etimológico de múltiples vocablos que designan dinámicas de organización social, relaciones sistémicas y estamentos de representación visual, que sirve para articular un recorrido por estas obras y proyectos de artistas de Barcelona que en los últimos años han abordado esta temática.

La muestra recorre de forma visual entre los casi 50 vocablos provenientes de este origen común, a través de un repertorio donde las fronteras entre lo “auto” y lo “anti” se diluyen al versar sobre las construcciones y modelos de representación de Cataluña y España. Deriva en una vuelta al origen que cuestiona el modelo de estado-nación como estamento esencial y a sus representaciones como régimen identitario.

Quaderns per a la educació en el nacionalisme català por Nano Orte. Imagen cortesía Galería Cyan.

Quaderns per a la educació en el nacionalisme català por Nano Orte. Imagen cortesía Galería Cyan.

La exposición contará con la participación de los artistas catalanes: Efrén Álvarez +Antonio Gagliano, David Bestué + Andrea Valdés, Narcís Díaz Pujol, Jaume Ferrete, Juan David Galindo, Ana García-Pineda, Ramón Guimaraes, Antoni Hervás, Victor Jaenada, R. Marcos Mota, Mariokissme, Obra Social Son Goku, Daniela Ortiz + Xose Quiroga, Quim Packard, Esther Planas, Sitesize, Rubén Verdú.

El público podrá ver trabajos como el de Ana García-Pineda, un vídeo que responde al encargo de TV3 con motivo de la Diada en clave autocrítica. Así como la Intervención sobre el escudo de armas del Estado español (2010-2014) de la Obra Social Son Goku, con un tono chistoso que empobrece a una autoridad institucional, entre muchas otras obras.

Coincidiendo con el referéndum del 9 de noviembre, y tras su exitosa acogida durante la presentación a la Galería 6más1 de Madrid, en el marco de A3 Bandas (Abril 2014), la exposición se presenta en Barcelona en un formato reformulado para el espacio de la galería Cyan.

Más información: www.cyangallery.com

Instalación de Ramón Guimaraes. Bufanda Made in Spain (2014). Imagen cortesía Galería Cyan.

Martí Anson y la arquitectura anónima

ACTE 29: Martí Anson. Pabellón Catalán. Arquitecto Anónimo.
Nivel Zero. Fundación Suñol
Paseo de Gracia, 98. Barcelona
Inauguración: 24 de abril a las 19:30 h.
Hasta el 6 de septiembre de 2014

El Nivel Zero de la Fundación Suñol presenta el ACTE 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo, un proyecto que toma como punto de partida la casa de vacaciones que Joaquín Anson ideó y construyó para su familia en los años setenta. Su hijo Martín la ha reconstruido con el objetivo de reivindicar la arquitectura anónima, sirviéndose del icono de los pabellones nacionales de las exposiciones universales.

El Pabellón catalán se presentó por primera vez en el Palais de Tokyo de París del año 2013. A principios de los años 60, Joaquín Anson se dedicaba a la creación de muebles de madera de manera altruista en Mataró. Su objetivo era hacer muebles a un precio asequible, siguiendo una cierta tendencia de la época basada en la cooperación entre profesionales de diferentes disciplinas. Arquitectos, abogados, administradores, gestores y artesanos trabajaban conjuntamente en diversos proyectos, apostando por las prácticas comunitarias y rompiendo con el sistema jerárquico de la dictadura. Siguiendo el espíritu de la edificación barata, Joaquín Anson, que no era ni arquitecto ni constructor, se planteó la construcción de una casa de vacaciones para su familia. Después de comprar un solar en las afueras de un pueblo de La Garrotxa, inició la construcción pensando que era posible disponer de una casa a bajo costo utilizando el mínimo de materiales necesario. Por ello, diseñó una casa donde la construcción con ladrillos cubría todas las necesidades, tanto a nivel de estructura como de mobiliario, que se incorporaba a la obra de ladrillo. La economía del espacio era uno de los puntos esenciales de la edificación. Un edificio como un mueble.

El año 2013, con motivo de la presentación en el Palais de Tokyo de Paris, su hijo Martí Anson decide reconstruir la casa. Se trata de una estructura de madera desmontable, que se puede volver a montar en pocos días y sin la ayuda de profesionales. Así, la construcción de Anson rinde homenaje a los constructores anónimos que realizaban proyectos que se concretaban en edificios sencillos, funcionales y asequibles. Así, pone en valor los conocimientos y la experiencia del patrimonio local, como hacen los pabellones nacionales de las exposiciones universales e internacionales, que representan las ideas de un país a partir de la forma arquitectónica en que se concretan. Así pues, la casa familiar es también un “pabellón catalán” y adquiere así un cierto significado político, aquel que reivindica una manera de hacer anónima y cooperativa.

Martín Anson, "Pabellón Catalán. Arquitecto Anónimo". Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Martí Anson, “Pabellón Catalán. Arquitecto Anónimo”. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Programación de actividades en el pabellón:
Comisario: Frederic Montornés

24/04/2014, a las 19:30 h.
Durante la inauguración del ACTO 29: Martí Anson. Pabellón catalán. Arquitecto anónimo, concierto en directo de Marc Egea y Pol Ducable, que pondrán la banda sonora de la película Two weekends de Martí Anson.

08/05/2014, a las 19h.
Inauguración de la exposición de Rasmus Nilausen.

03/06/2014, a las 19h.
Acción a partir del concepto de copia y anonimato en la producción arquitectónica desde la domesticidad, a cargo de MAIO

19/06/2014, a las 19h.
Charla de Josep Muñoz i Pérez alrededor del mobiliario arquitectónico en los años 60.

03/07/2014, a las 19h.
Intervención con el espacio de Carme Torrent y Aimar Pérez Galí

Martí Anson. Después de licenciarse en Bellas Artes, ha sido arquitecto (Bon dia, Sala Montcada, Fundació La Caixa, 1999-2000 y L’Apartament, Galeria Toni Tàpies, 2002), futbolista (L’angoixa del porter al penal, Iconoscope, Montpellier 2001), director de cine (Walt & Travis, Wexner Center de Columbus, Ohio, EE.UU. 2003), constructor de barcos (Fitzcarraldo, Centre d’Art Santa Mònica, 2004-2005), ladrón de cuadros (Mataró/Montréal, Circa Gallerie de Montréal, 2006) y paleta, construyendo una réplica de un edificio en Estados Unidos con el objetivo de contribuir a la preservación del patrimonio local (Martí i la fàbrica de farina, Lucky 7, Biennal Site Santa Fe, New Mexico, EE.UU. 2008). También ha sido transportista, intentando transportar una fábrica de Mataró, su ciudad natal, a Lyon (Martí i la Fàbrica de xocolata, Rendez-vous 09. X Bienal de Lyon. Frac Villaurbane) y pintor de paredes, pintando las paredes de una galería con los colores de dos equipos de fútbol y sus resultados (El preu dels colors, Galeria Toni Tàpies, 2009-2010). También ha buscado fortuna montando una empresa de chóferes con la colaboración de Latitudes (Mataró Chauffeur Service, No soul for Sale, Tate Modern, London 2010) y trabajando para recuperar el mobiliario que hizo su padre en los años 60 en la ciudad de Mataró (Joaquimandson, Meessen de Clerq Gallery, Bruxelles 2011). A día de hoy, se dedica a la arquitectura recuperando una casa de vacaciones que diseñó su padre en los años 70 (Catalan Pavilion. Anonymous architect, Palais de Tokyo, Paris 2013)

Martín Anson, "Pabellón Catalán. Arquitecto Anónimo". Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Martí Anson, “Pabellón Catalán. Arquitecto Anónimo”. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Martin Parr: Los inconformistas

Martin Parr: Los inconformistas
La Virreina. Centro de la Imagen
La Rambla, 99. Barcelona
Inauguración: 16 de abril a las 19:30 h.
Hasta el 27 de julio de 2014

Hebden Bridge, en la década de 1970, lo tenía todo, especialmente una recién creada y animada comunidad de «forasteros» —jóvenes artistas refugiados de Manchester y Leeds en busca de estilos de vida alternativos y viviendas baratas. Pero también tenía el ambiente de un pueblo tradicional. Había una auténtica frutería a la antigua donde comprar manzanas reineta y granadas. Waites, el panadero, vendía tambaleantes pasteles de crema salpicados con raspaduras de nuez moscada y panes de malta calientes. Se podía comprar carbón, zuecos y pana (todos nos hacíamos nuestros propios pantalones en esa época). Y bajo las tradiciones se percibían raíces profundas: personas que habían sido vecinos y compañeros de trabajo durante décadas, comunidades de toda la vida, campos que habían sido cultivados por las mismas familias durante generaciones. Personas que se conocían unos a otros, que conocían cada árbol y cada piedra de sus campos, cada curva de la carretera.

Nave de costura de Redman, Scarbottom 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Nave de costura de Redman, Scarbottom 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Pero el Hebden tradicional también estaba en declive, las fábricas textiles cerraban y las antiguas industrias se iban a la quiebra. La arena de la rueda del molino seguía siendo negra, y la vida en los pueblos del valle podía ser muy dura. Existía una sensación de pérdida y melancolía en aquel lugar, y cierto resentimiento también en la gente que observaba a los hippies recién llegados restaurando ruinas y cultivando pequeñas parcelas. Empezaron a surgir refugios de escritura, estudios de escultura y alfarerías en fábricas textiles abandonadas y viejas granjas.

Martin había iniciado un exhaustivo estudio fotográfico de Hebden Bridge y la zona circundante. Fotografiaba los partidos de fútbol, a los criadores de ratones y palomas, a los guardabosques en la hacienda de Lord Savile, un club para maridos calzonazos y el restaurante Lady de Willie Sutcliffe en las alturas, donde hacían bizcochos borrachos en palanganas. Siempre daba una copia de la foto a quienquiera que fotografiara, para darle las gracias. Queríamos trabajar juntos y empezamos a documentar tímidamente elementos que parecían ser profundamente tradicionales o estar en declive, o ambas cosas a la vez. Empezamos poco a poco, en una carnicería en cuyo escaparate se exponían trozos de carne asada en enormes fuentes de porcelana ensangrentadas, y donde a los clientes aún se les cobraba en libras, chelines y peniques. Después pasamos al cine de Hebden Bridge iluminado a gas y a la Cliviger Coal Company, ya en Lancashire. Ninguno de los dos conducíamos, así que íbamos a todos sitios a pie, en bicicleta y a veces en autobús.

Hebden Bridge. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Hebden Bridge. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Quizá debido a su educación, a Martin le atraían mucho las capillas inconformistas que encontrábamos por todos sitios, muchas de ellas, o bien cerradas, o en declive terminal. Históricamente, los inconformistas se habían distanciado de la ceremonia, la liturgia y la arquitectura de la Iglesia de Inglaterra. Martin fotografiaba actos y cultos en una variada gama de lugares. Para nosotros, había algo en el etos de los inconformistas que nos recordaba a la idiosincrasia de West Yorkshire: trabajadores, frugales, mesurados, disciplinados, autosuficientes, aficionados al té y a la tarta.

En los treinta y tantos años que han pasado desde que nos fuimos, Hebden Bridge se ha convertido en una atracción turística, rebosante de cafeterías y tiendas de antigüedades y artesanía. Renovada y evocadora, es un baluarte de lesbianas y una animada ciudad dormitorio para profesionales que trabajan en Leeds, Bradford y Manchester. Pero algunas cosas siguen igual: las granadas siguen brillando en el escaparate de Holt y aún se puede comer una fragante tarta de crema en Waites.

Susie Parr
Texto extraído de la introducción del libro Los inconformistas. Martin Parr. Edición de 2013 La Fábrica

Limpieza anual de primavera previa al culto del Aniversario, Cornholme capilla metodista de Crimsworth Dean/ 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Limpieza anual de primavera previa al culto del Aniversario, Cornholme capilla metodista de Crimsworth Dean/ 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Los inconformistas, en la Virreina Centro de la imagen.

En 1975, cuando apenas acababa de salir de la escuela de arte, Martin Parr se puso a fotografiar las ciudades textiles de Hebden Bridge y Calderdale en Yorkshire; documentando así una forma de vida tradicional que entonces empezaba a desaparecer.

Los inconformistas acabó siendo un proyecto conjunto de Martin Parr y la escritora e investigadora Susie Mitchell. Mitchell empezó a escribir sobre las personas de los pueblos y de la zona, y también sobre las comunidades de fieles y de granjeros que Martin había estado fotografiando durante cinco años. Juntos han creado un documento en forma de libro, que se publica por primera vez en castellano, ya que fue editado en inglés, y al mismo tiempo, se presenta una exposición en el Virreina Centro de la Imagen.

Té del Aniversario, capilla metodista de Boulderclough/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Té del Aniversario, capilla metodista de Boulderclough/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

El título The Non-Conformists (Los inconformistas) hace referencia a las capillas metodistas y bautistas que caracterizan esta zona de Yorkshire y define el espíritu independiente de su gente. A través de las fotografías, Martin documenta la vida cotidiana de los trabajadores de las fábricas textiles, los mineros de las minas de carbón, los granjeros de las montañas y los criadores de palomas.

El Antiguo Orden de los Maridos Calzonazos, asamblea general anual. Lunes de Pasqua, capilla de Nazebottom/ 1975-1980 © Martin Parr / Magnum Photos

El Antiguo Orden de los Maridos Calzonazos, asamblea general anual. Lunes de Pasqua, capilla de Nazebottom/ 1975-1980 © Martin Parr / Magnum Photos

La muestra expositiva se conforma de un total de 75 imágenes, en tirada del propio autor e impresiones en tintas pigmentadas.

La exposición Los Inconformistas es el preludio de la visita a la ciudad del fotógrafo Martin Parr prevista el 11 de junio cuando pronunciará la conferencia inaugural de la IV edición del OjodePez Photo Meeting Barcelona. El encuentro internacional de fotógrafos organizado por La Virreina Centro de la Imagen y La Fábrica que tendrá lugar los días 11,12 y 13 de junio.

Boda, capilla metodista de Crimsworth Dean. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Boda, capilla metodista de Crimsworth Dean. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

BIOGRAFIA MARTIN PARR

«Mi mayor fascinación es tratar de convertir lo ordinario en extraordinario. Me siento increíblemente afortunado de ser fotógrafo y de tener la vida que tengo. Cada día es diferente, nunca me aburro. Me encanta poder viajar y conocer lugares y sitios nuevos cada día».

Martin Parr nació en Epsom, Surrey, Reino Unido, en 1952 . Cuando era un niño, su incipiente interés por la fotografía fue alentado por su abuelo George Parr, él mismo fotógrafo amateur. Parr estudió fotografía en la Politécnica de Manchester, entre 1970 a 1973.
Martin Parr es una figura clave del mundo de la fotografía, reconocido por su brillante sátira de la vida contemporánea. Autor de cerca de ochenta libros de fotografía, incluyendo Common Sense (2002),Our True Intent Is All for Your Delight (2003), y Life’s a Beach (2013), sus fotografías forman parte de la colección de museos de todo el mundo como el Getty Museum de Los Ángeles, el MoMA de Nueva York O la Tate Modern de Londres.
Desde que se iniciara en la fotografía el 1970, Parr se ha labrado una reputación internacional por su innovadora estética fotográfica, su peculiar visión del documentalismo social y su aportación a la cultura fotográfica, tanto británica como universal. Miembro de Magnum Photos desde 1994, ha ejercido de director artístico invitado de los Rencontres d’Arles el 2004 y otros festivales internacionales de renombre, y ha contado con retrospectivas de su carrera en grandes centros de arte como el National Media Museum del Reino Unido. El 2008, ganó el premio Baume et Mercier que concede PHotoEspaña en reconocimiento a su carrera profesional y a las contribuciones hechas a la fotografía contemporánea.

En los últimos 4 años Parr ha estado trabajando en un proyecto documental sobre el Black Country, una zona del West Midlands de Inglaterra. Phaidon publicará el tercer volumen de la Historia del Photobook durante 2014 y también está trabajando en un libro sobre la historia de los fotolibros chinos que publicará en inglés Aperture a finales de 2014 . Martin Parr ha publicado más de 80 libros de su propio trabajo y ha editado otros 30 más.

Subasta de los productos de la cosecha, capilla metodista de Pecket Well/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Subasta de los productos de la cosecha, capilla metodista de Pecket Well/. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Susie Parr es escritora e investigadora, así como la autora de la obra The Story of Swimming (2011), muy aclamada por la crítica de Inglaterra.

Tres capillas de la zona se reunen para celebrar una ceremonia al aire libre/ West Vale Park, Halifax. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Tres capillas de la zona se reunen para celebrar una ceremonia al aire libre/ West Vale Park, Halifax. 1975-1980. © Martin Parr / Magnum Photos

Carlota Loveart presenta LoveBNC

LOVEBCN por Carlota Loveart
Black & Rad Squat
San Joaquín, 23. Barcelona.
7 de abril de 2014
De 20:00 h. a 23:00 h.

El 7 de abril de 2014 tendrá lugar en Barcelona una exposición efímera en la que artistas que conocen la ciudad darán su propia visión de ella. Una exposición comisariada por Carlota Loveart, quién nos explica en qué consiste esta propuesta:

“La Autenticidad siempre la he entendido como la suma de Actitud y Aptitud. La ciudad de Barcelona tiene la suma de las dos A y aun así, no me es Auténtica.

Siempre que la visito me queda un regusto amargo…quizás sea eso que la visitó y no la vivo.

Por ello he pedido a artistas que viven en ella o la han vivido que me muestren su Barcelona: Cumhur Jay, Etsueña Heroe de Pacotilla, Gori de Palma, JuanPe, Nacho Hernández, Roger Ferrero, Sebas Romero, Selector Marx, Vanesa Muñoz Molinero, Xavier Torres –Bacchetta.

Barcelona es contradicción, es como un amor no correspondido, son ganas de más, es un monstruo de dos cabezas, es arte urbano, es diseño, es tópico, es el mar y lo áspero de la montaña, es mentira, es desencanto, es creatividad, son ganas de salir de ella y de regresar, es identidad y diferencia, es locura…”

Carlota M. Abarca (Comisaria de Arte)

Cuhmur Jay "LOVEBCN". Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Cuhmur Jay “LOVEBCN”. Imagen cortesía de Carlota Loveart.

JuanPe "LOVEBCN". Imagen cortesía de Carlota Loveart.

JuanPe “LOVEBCN”. Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Selector Marx "LOVEBCN". Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Selector Marx “LOVEBCN”. Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Xavier Torres "LOVEBCN". Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Xavier Torres “LOVEBCN”. Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Nacho Hernández "LOVEBCN". Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Nacho Hernández “LOVEBCN”. Imagen cortesía de Carlota Loveart.

Remco Torenbosch: European Contextualisation

“The Story Behind”: European Contextualisation de Remco Torenbosch
NoguerasBlanchard
C/ Xuclà, 7. Barcelona
Hasta el 25 de abril de 2014

En unas horas tendrá lugar la inauguración de European Contextualisation de Remco Torenbosch dentro del ciclo expositivo “The Story Behind” de NoguerasBlanchard.

El ciclo “The Story Behind” presenta un grupo de obras donde historias, ya sean ficticias o reales, dan cuerpo al mundo oral y paralelo que acompaña a las imágenes.

Dentro de este ciclo tiene lugar el trabajo de Torenbsoch, en el que hace uso de múltiples medios: instalación, collage, escultura y performance. Un proyecto en el que el artista se ha interesado por cuestiones en torno a la economía. Por una parte, la investigación que sustenta sus proyectos explora con matiz historicista las políticas de las relaciones económicas que se dan en la sociedad contemporánea, mientras que la formalización de sus piezas en el espacio, remite a la austera estética minimalista, despojada de todo referente cognitivo.

European Contextualisation parte de una investigación en torno a la historia y condiciones de
producción originales del color azul del fondo de la bandera de la Comunidad Europea diseñada por Arsène Heitz y Paul Lèvy en 1955. La muestra incluye una colección de telas en el azul oficial de la bandera, manufacturadas en las aún existentes fábricas de tejido en Europa. A pesar de que el color azul de la bandera está predeterminado y es de uso obligatorio, los diferentes procesos de producción de cada país y fábrica influyen en las variaciones de tono que se aprecian en la colección expuesta.

Se trata de la primera exposición individual de Torenbosch en España, y forma al mismo tiempo parte de un proyecto del Prix de Rome de Holanda y expuesto en Appel Art Centre de Amsterdam.

Remco Torenbosch, "European Contextualisation" (fotografía telas azules). Imagen cortesía de la NoguerasBlanchard.

Remco Torenbosch, “European Contextualisation” (fotografía telas azules). Imagen cortesía de la NoguerasBlanchard.