La 41ª Mostra de València se abre camino entre buenas intenciones, desajustes narrativos y destellos de humanidad

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41ª Mostra de València – Cinema del Mediterrani
Del 3 al 15 de noviembre de 2026

La Mostra de València ya pasa por el ecuador de su 41ª edición y, poco a poco, va mostrando sus cartas. Aún sin terminar de ver la programación completa, no cabe hacer una valoración de sus intenciones, pero aquí van algunos apuntes sobre lo visto hasta ahora.

Arrancaba esta nueva cita de La Mostra con ‘El buen padre’, último trabajo del valenciano Roberto Bueso, cinta que iba a tener el honor de protagonizar la gala de apertura. En su tercer trabajo largo, Bueso toma la figura del padre para construir un drama intimista sobre las relaciones paternofiliales en la sociedad contemporánea. Una cinta que quería poner frente a frente a dos generaciones para dar cuenta de sus heridas emocionales, las visibles, las que salen en una discusión cuando las cosas se ponen tensas, y las invisibles, esas que no se ven, pero que se sienten y que conforman nuestro carácter y cómo nos desenvolvemos en la vida.

Expuestas las intenciones, la propuesta de Bueso cae en un error de estrategia que arrastra el desarrollo del filme. Como ocurría con ‘El ser querido’, la cinta de Rodrigo Sorogoyen, el valenciano tiene en la cabeza una imagen de lo que quiere contar, pero no acierta al escoger el punto de partida, lo que arrastra a un desarrollo que confía la potencia del guion a una serie de escenas con ciertos momentos de tensión, pero a las que les falta el soporte de unas líneas dramáticas mejor articuladas que sostengan el entramado.

Hay una cierta verdad en eso que dicen los personajes que les sucede, pero todo queda maniatado por una estructura forzada que los precipita hacia el cliché, cuando no a situaciones de relleno que cuestionan el propio tono de la película y una cierta verosimilitud.

El drama valenciano en la sección oficial

Si bien sobre otros ejes, encontramos problemas similares en dos de las películas valencianas que entraban en la sección oficial. La primera de ellas, ‘Els dies clars’, nos ponía tras los pasos de Vicent, un hombre que padece un trastorno bipolar que le impide hacer una vida normal y, sobre todo, se interpone en su felicidad y la de una familia que sufre sus idas y venidas emocionales hasta un punto que empujará la convivencia hasta la fractura.

Como en el caso de la cinta de Bueso, el trabajo de Sandra Ferrús no funciona como un relato, sino que, más bien, plantea una situación para hacer partícipe al espectador de las dificultades por las que pasan estas familias ante ciertas enfermedades, así como la falta de apoyos que padecen por parte de las administraciones públicas.

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Aquí el problema viene del propio planteamiento didáctico de la propuesta, más propio de un trabajo documental (quizá la forma más adecuada a sus intenciones) que de una pieza de ficción. Este didactismo, tan trasparente, arrastra una propuesta que choca con un espectador que puede empatizar o no con aquello que se muestra, pero que no se ve implicado dramáticamente. Todo ello envuelto en una producción algo falta de recursos a la que tampoco acompaña un elenco de actores con poca experiencia a los que les sobrepasa la tarea de dar cuerpo a un conflicto complejo para el que requería de mayor sutileza. Las intenciones son buenas, pero no bastan para montar un relato.

Sobre el problema entre forma y contenido podría versar también cualquier tesis sobre ‘La gran fiesta del cine’, de Toni Agustí y María S. Torregrosa. La cinta parte de la siguiente situación: varios años después del rodaje de su anterior película, ‘La última cena’, los dos directores se reúnen con el elenco de técnicos y actores que la protagonizaron para repartir los escasos beneficios que ha reportado hasta el momento (apenas 5.000 €). Los conflictos aparecen cuando Toni y María, que se representan a sí mismos, consultan a sus compañeros qué deben hacer con el dinero, si repartirlo a partes iguales entre todos o invertirlo en cualquier otra causa, quizá más provechosa, dado el pequeño monto recaudado.

Y aquí podríamos decir que las intenciones se quedan, de nuevo, a medio camino. En resumen: no es que la idea de Agustí y Torregrosa sea mala, es que, planteado el escenario, acaban por desviar la atención de lo principal y dejarse llevar por lo más anecdótico. Pasado el tiempo, cada uno de los actores hace balance, tras aquella experiencia, de sus ilusiones y esperanzas en el mundo del cine, y ahí brotarán las frustraciones, las expectativas, las envidias…

Pero, entretenidos en dejar constancia de su posición ante ciertas causas (cooperativismo, ecologismo, feminismo, etc.), los dos directores se olvidan de lo mollar, lo humano, que, si bien aparece de vez en cuando, se acaba perdiendo en una serie de situaciones donde impera la pretensión de mostrarse ingenioso, ocurrente, y una apariencia de espontaneidad que queda finalmente algo impostada. Para aderezar el artefacto, Agustí y Torregrosa se ponen la cámara en mano y dejan que veamos al equipo técnico del rodaje en un intento por darle estilo, así como un Dogma ya algo manido, a una forma que no sabemos bien que añade a la narración.

De formas y contenidos

Algo parecido sucedía en el caso de la griega ‘At No Cost’, de Mary Bouli, propuesta documental que abordaba la cuestión del negocio de la donación de óvulos en la Grecia contemporánea. En esta cinta, conoceremos a Dane, una joven que trabaja en un bar de copas y sueña con convertirse en bailarina profesional. Para pagar sus gastos y por mediación de una amiga, Dane decide hacerse donante, excusa que sirve a la directora para hacer un recorrido por todo el proceso. Y aquí, de nuevo, aparece la confrontación entre el resultado y las intenciones.

Con esta propuesta, Bouli nos quiere hacer partícipes del sufrimiento por el que pasan estas mujeres que, según su planteamiento, se someten a estas terapias bajo la promesa de ese no coste del título que, en principio, se ajusta a las reglas de un negocio netamente lucrativo para las dos partes implicadas. El reverso trágico a este supuesto engaño se centraría para la directora en ese otro coste físico y emocional que no aparece en los balances de cuentas, pero que dejará en ellas una huella psicológica indeleble.

El problema de la propuesta de Bouli, sin embargo, radica en que el espectador no tendrá conocimiento de esta situación hasta que el propio personaje lo verbalice al final de la película. Solo entonces entendemos aquello que, suponemos, parece el centro de su denuncia, pero cuya evolución no aparece a lo largo del metraje, dejando a ese espectador en una especie de limbo, asistiendo a una serie de situaciones cuya trascendencia no acaba de apercibir, por no hablar de unas formas muy amateur que, como pasaba en el caso de la cinta anterior, aportan poco a la propuesta. Eso sin olvidar una serie de contradicciones de tinte ideológico que acaban, en mi opinión, por desmontar las conclusiones.

Según vamos sabiendo, Dane es una chica comprometida con la causa de la okupación y el anticapitalismo (en una línea argumental paralela, Dane participa en una serie de manifestaciones para salvar un teatro ocupado por un grupo de activistas), pero, si es así, ¿qué hace vendiendo su cuerpo al mejor postor? No parece que tenga mucho sentido que una mujer tan consciente de los males del sistema caiga en la ingenuidad de dejarse comprar por él. Al final, la película se entregará en una cierta frivolidad que emana del propio personaje y que arrastrará la propuesta.

Con también pocos recursos, pero algo más armada, se presentaba la producción italiana ‘Keep Me In Mind’, de Alberto Palmiero. Una cinta que, como sucedía en ‘La fiesta del cine’, también nos habla de la difícil escalada para llegar a cumplir nuestros sueños y en la que el propio realizador interpreta a un joven que aspira a convertirse en director de cine. Pero, a diferencia de la cinta valenciana, la obra de Palmiero es mucho más consciente de lo que quiere contar y se vuelca en su desarrollo sin perderse en el camino.

Hablamos, de nuevo, de un cine pequeño, sin grandes aparatos, pero que se apoya en un guion que, si bien no nos revela nada nuevo, al menos dirige con mano recta al espectador, apoyándose en una serie de personajes y subtramas secundarias que no están ahí por estar, sino que apuntalan con cierta gracia, incluso, el viaje de su protagonista.

Alberto es un chico que duda de sí mismo, de su talento y de su capacidad para sortear los obstáculos que le impone un mundo, el del cine, lleno de carreras truncadas. Enfrente se encuentran sus padres, los amigos y, sobre todo, el paso de un tiempo implacable que nos impele a tomar ese tipo de decisiones que no queremos tomar a fin de no matar nuestros sueños (un trabajo, una casa, quizá una familia). Palmiero maneja bien estos elementos y nos dirige con conocimiento de causa hacia un desenlace que, al menos, deja satisfecho a un espectador que sabe por dónde ha ido.

De propuestas más o menos alternativas, saltamos a la pieza formalmente más ortodoxa, hasta el momento, de la programación. Hablamos de la francesa ‘Un affaire turque’, de Hüseyin Aydin Gürsoy, cinta en la que conoceremos a Mathieu, un próspero abogado de origen turco que oculta sus orígenes étnicos y religiosos para prosperar en la alta sociedad.

Los problemas empiezan para él cuando su hermana le pide que ayude a un amigo taxista que ha sufrido un ataque racista por parte de un cliente. En principio, Mathieu no quiere saber nada de la situación, pero su implicación final en el caso pondrá en peligro su posición, al tiempo que cuestionará su propia relación con unos orígenes de los que se siente ya muy alejado.

Dos apreciaciones. Por un lado, cabe agradecer que Aydin Gürsoy trate de superar ciertas barreras y tenga la valentía de no dibujar un relato de buenos y malos. Desde su premisa argumental, el realizador francés reparte sus dardos a los dos lados de la frontera. De un lado, unas élites que operan en la sombra y cuyos intereses económicos y políticos se sitúan muy lejos de los intereses del ciudadano común. Del otro, una comunidad inmigrante que se aferra a la discriminación como marca de identidad y arma arrojadiza contra sus enemigos o, como en este caso, contra un hombre que, al final, solo pretende adaptarse y prosperar.

Ambos ejes suponen un reto para el espectador al que se quiere sacar de su estado de confort. Caben aquí, sin embargo, otras dos precauciones. De una parte, la duda de si el realizador no deja en peor estado a aquellos a los que quizá busca comprender, a la minoría turca, que a esa élite que denuncia. Al fin y al cabo (y sin hacer spoilers), aquí todo el mundo se compra y se vende, como veremos.

De otra parte, una estructura dramática que, siguiendo el canon del thriller, no logra componer un trabajo bien trabado y en el que las salidas a ciertos puntos de giro en los que acorrala a su personaje protagonista, resultan muchas veces previsibles, cuando no dramáticamente forzadas o demasiado sencillas, faltas de potencia.

Hüseyin Aydin Gürsoy toma un asunto complejo, de hondas implicaciones sociales y se atreve a abordarlo desde distintos flancos, lo cual es de agradecer, como decimos, pero la resolución de la trama no está, me parece, a la altura.

Y así llegamos a la propuesta quizá más lograda hasta el momento de esta 41ª edición de La Mostra. De nuevo, las relaciones paternofiliales se encuentran en el nudo de la egipcia ‘My Father’s Scene’, de Mohamed Siam. Aquí conoceremos a Farouk, un joven sin oficio ni beneficio que sobrevive trapicheando con drogas y cuya vida se trastoca cuando su padre regresa a casa tras pasar un largo periodo de tiempo hospitalizado. El reencuentro con el padre pondrá sobre la mesa viejas rencillas, preguntas incómodas, esa exigencia de dar cuentas ante la sociedad por ese futuro que, como sucede tantas veces en la vida, como le ocurría a Alberto en la propuesta italiana, no siempre está claro.

Pero donde la mayoría de las veces nos centraríamos en señalar a esa confrontación generacional, caso de la cinta de Roberto Bueso, Siam, sin perder dicha perspectiva, apunta a la reconciliación y, de ahí, a algo que va más allá: la idea, simple, pero compleja, en este caso, de que la gente, si hay voluntad, se acaba entendiendo. En medio, Siam nos ofrece un relato humano en el que, desde el sentido del humor, nos habla de cómo superar nuestros prejuicios, nuestros laberintos mentales y exponernos para salir de ese yo dominante, el ego, y construir algo mejor.

Siam juega con unos personajes bien construidos, llenos de matices que acabarán encontrando su camino. Una pieza que, desde una puesta en escena solvente, denota una gran sensibilidad y apela a esa manera de construir historias que no pierde de vista esa cosa tan humana que nos define: la duda. Creamos lo que creamos, no somos tan perfectos y no siempre nos asiste la razón.

Y hasta aquí, de momento, lo que hemos visto. Seguimos para la próxima.