Superficie de ruptura. Cristina Ramírez

Superficie de ruptura. Cristina Ramírez
Espacio Iniciarte
Calle Capitulares, 2 y calle Pedro López, 5
Córdoba
Hasta el 27 de agosto 2017

La exposición ‘Superficie de ruptura’ de la artista Cristina Ramírez (Toledo,1981), cuyo ciclo se inició en el Espai galería del Tossal (Valencia, diciembre 2016), con ‘Negro humo’, sigue mostrando la genialidad del trazo en el dibujo como obra definitiva, reivindicativa y con argumento propio. Actualmente visible renovada y ampliada, la muestra puede seguirse en el Espacio Iniciarte de Córdoba, ubicado en una antigua Casa Palacio de la Diputación y Biblioteca Provincial de Córdoba. Actualmente, también la Delegación Territorial de Cultura, cuya sala fue rehabilitada en el año 2010 para uso expositivo.

Las obras que componen, esta muestra impecable, forman parte de un todo, es decir, confirman la existente necesidad de imbuirse en la temática que la autora propone, para despertar la capacidad meditativa de cada visitante.

El punto de partida podría ser, la incertidumbre que suscita una naturaleza potente y descontrolada, la cual posee la capacidad divina de modificar todo el entorno hasta ahora conocido. Pero como apostilla Víctor Borrego, ”todavía podemos hacer hipótesis, inferir, atisbar y hasta dar expresión a nuestras expectativas;” otorgando a la humanidad esa capacidad redentora y salvadora, frente a lo inevitable.

'' 2.5 en el silencio se hace grande''. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

” 2.5 en el silencio se hace grande”. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

Con un estilo, que recuerda a la tendencia japonesa del manga, plasma una naturaleza desbocada y atroz, devorando todo a su alrededor. Rescatando la idea reflexiva que propone Borrego en su escrito, nos encontramos ante un punto de inflexión, en el que se presentan dos caminos; por un lado adentrarnos en la más oscura de las incertidumbres sin retorno y por otro,  cambiar el color que pinta el futuro.

La utilización de los colores, como continuidad de lo anterior, se reduce al blanco y negro, superpuesto uno sobre otro para crear texturas, espacios y profundidad aportando calidad al mensaje inicial. Podría entenderse que la presencia humana queda reducida a la figura del espectador, sin embargo, se aprecia en elementos de las propias representaciones como apunta PAC (Plataforma de Arte contemporáneo) ”(…)La podemos encontrar, no como figuración del cuerpo humano, sino a través de las creaciones del hombre: la escalera y la valla, elementos muy simbólicos, vinculados al mundo artesanal y al hogar.” Prueba de ellos es la obra Un zumbido durante días ( 2017).

Fragmento de la exposición, y de la obra  '' Un zumbido durante días''. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

Fragmento de la exposición, y de la obra ” Un zumbido durante días”. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

El trabajo de Cristina Ramírez, invita a reflexionar sobre nuestro propio futuro mirando a través de sus ojos, usando como hilo conductor del discurso la historia narrada mediante sus tintas. Y como sentencia Borrego ”(…) después todo es incierto, penetramos, con horror reverencial, en esa nube del no saber”.

Victoria Herrera Lluch

El deseo reducido a su mínima expresión

Entre tus líneas, de Nacho Casanova
Estudio 64
Benicolet, 2, Plaza de Benimaclet. Valencia
Del 1 al 31 de julio de 2017

La galería Estudio 64 de Valencia acogerá del 1 al lunes 31 de julio  una muestra del trabajo reciente del ilustrador Nacho Casanova (Zaragoza, 1972), dedicada exclusivamente al erotismo y a la sensualidad. En su último trabajo, Nacho centra su obra especialmente en el tema del deseo íntimo, utilizando únicamente la línea monocroma, entrecortada y sutil como medio de expresión, invitando al espectador a completar con su imaginación, y a recorrer un camino entre lo explícito y lo delicado.

Las ilustraciones de Nacho inspiran proximidad, conectando con quien mira, con quien observa al otro lado, permitiéndole consumar la información que el autor ha decidido sustraer del arte final. Las ilustraciones más crípticas permiten esta interacción con el espectador, que sabe que está formando parte en ese momento de la representación de una intimidad sexual. Las ilustraciones creadas por Nacho son imágenes que invitan al espectador a sentirse inmerso en una situación sexual sugerente y cercana.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

Entre tus líneas es una muestra que consta de 30 originales de formato íntimo, 14 x 14 cm, y 20 prints firmados de 42 x 29,7 cm. Un total de 50 obras seleccionadas de entre las más de 200 publicaciones que realiza en su cuenta de Instagram (@eroticasanova) en la cual muestra desde la intimidad del proceso al sugerente arte final, limpio y desnudo de adornos. Su cuenta de Instagram a pesar de tener un solo año de vida, cuenta con aproximadamente 35.000 seguidores de todo el mundo, en su mayoría de Australia, Estados Unidos, Francia e Italia principalmente, seguidores que mayoritariamente son mujeres frente a un público masculino minoritario.

Nacho Casanova, zaragozano de nacimiento, reside en Valencia, desde dónde muestra al mundo su último trabajo relacionado con el erotismo. Ha dibujado diez –y publicado nueve–, monografías de historieta (algunas en varios idiomas), ha ilustrado más de 50 contraportadas para El Naufraguito, ha rotulado más de 150 títulos para Diábolo Ediciones, más de 50 para Glénat/EDT, unos pocos para Dib•buks y, últimamente, maquetado unas cuantas revistas de divulgación científica.Ha sido presidente de APIV (Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia), y actualmente compagina su trabajo de ilustrador, rotulista y diseñador editorial con la docencia, es profesor de diseño editorial en ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología), así como tutor de proyectos de novelas gráficas en la misma escuela.

Cartel de la exposición 'Entre tus líneas', de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

Cartel de la exposición ‘Entre tus líneas’, de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

En la exposición ‘Entre tus líneas’, además de originales y prints a la venta, podrás encontrar bolsas de tela, artículos fetiche y las publicaciones de este nuevo Casanova que va a llenar de erotismo Estudio 64, la librería-galería especializada en ilustración de Valencia.

Entre tus líneas se inaugura el sábado 1 de julio de 2017 a partir de las 19,30h con la colaboración de Cervezas Ámbar. Previo a la inauguración, el viernes 30 de junio, Nacho atenderá a los medios de comunicación que deseen acercarse hasta Estudio 64 a las 12 del mediodía para una pequeña rueda de prensa que será refrescada por Cervezas Ámbar.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

Obra de Nacho Casanova. Imagen cortesía de Estudio 64.

Posible teoría de la causalidad narrativa

Fade to Grey, de Michael Roy
Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 23 de junio, a las 20.00h
Hasta el 4 de agosto de 2017

Sabemos que los relatos albergan poder, así que iniciemos uno de ellos a fin de intentar invocar un tipo de realidad…

Uno de los orígenes del mundo (contemporáneo) es la aparición de un dispositivo automático capaz de “capturar” la imagen. Este hecho no sólo generó una quiebra en la noción de representación sino también en la idea de lenguaje. Durante el periodo romántico, la lengua había adoptado la misión de “acompañar la historia de los hombres y el alma de los pueblos”, la fotografía marca el final de esa hegemonía y plantea un nuevo periodo en el que la palabra queda subordinada a la imagen. Nociones como documento o imagen verdad evidencian la fragilidad del texto, tanto oral como escrito, mostrando su aleatoriedad y polisemia. Ni tan siguiera un enjambre de un millar de palabras podía mermar las resistencias de la imagen.

“El lenguaje es un objeto concreto” (Jean Lescure, ‘Breve historia de Oulipo’, 1973)

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Pensemos en otro posible inicio…

En el principio fue la palabra. El propio Lévi-Strauss comienza El pensamiento salvaje con “una reflexión sobre la nominación y la expresión de lo concreto mediante lo abstracto”. Tanto las palabras, como los relatos tienen poder, incluso definen nuestra forma de percibir las imágenes ya que condicionan los regímenes de pensamiento.

“A felt a nostalgia for ages yet to come” (Saint Etienne, ‘Language Lab’, Finisterre, 2002)

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

En ese espacio de fricción entre la imagen y la palabra incorporemos un tercer elemento, el tiempo, o mejor dicho, su ficción: la imagen tiempo.

El cine propició un nuevo modo de alfabetización, hemos crecido incorporando la idea de montaje sin tener la necesidad de explicitarla o explicarla. No necesitamos conocer el postestructuralismo o la semántica para intuir la arbitrariedad del signo, el hecho de que cada elemento se define en relación con el resto. Una imagen anterior condicionará la lectura de las siguientes. Nuestra formación en la imagen tiempo nos lleva a identificar una escena anterior con el pasado y a vincularla con la que estamos viendo en ese momento.

“Existe un estrecho parentesco entre las maneras en las que se forman los valores significativos de un cinegrama y de una imagen onírica” (Jean Epstein, ‘El pecado contra la razón. La imagen contra la palabra’, ‘El cine del diablo’, 1947)

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todos estos principios nos conducen a un ámbito de indefinición, sentimos que hemos llegado a un relato que, en realidad, ya ha sido iniciado, ha comenzado en multitud de ocasiones y, al entrar en él, permanecemos silentes intentando identificar los signos, reconocer los recuerdos de otros que, por su familiaridad, casi podemos sentir como propios.

En 1980 Julia Fodor, que sería posteriormente conocida como Princess Julia, mira a cámara e inicia un recitado en francés, “Devenir gris”. La imagen se convierte en un referente permitiendo que Fade to Grey se convierta en el tema mas popular del grupo Visage.

Michael Roy, 2017, presenta su segunda exposición individual en Espai Tactel, el título de la muestra, el mismo que el del segundo single de Visage, ‘Fade To Grey’.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Video de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior: una galería de arte

Concebir un espacio arquitectónico como si fuese uno cinematográfico. No porque se presente ante nosotros una tramoya sino porque cada elemento nos conduce a otras imágenes: stills, capturas… Desconocemos si estas piezas son documentación previa al rodaje o se trata de la propia película expandida en el espacio. Ventanas. Imaginarios familiares y en conflicto. Frente a la noción del cine concebido como imágenes fotográficas nos encontramos con que lo que predomina es la imagen texto. Algo que podemos identificar con los orígenes del cine pero que, como señala Deleuze en ‘La imagen tiempo’, está también presente en nuestra cinematografía, tanto en la moderna como en la cotidiana. La fotografía, sobre todo cuando se vincula al relato, está más entrelazada a la palabra que lo que nuestros tópicos preconizan.

Si leemos las primeras, ‘Forest Knoll Drive’, nos encontraremos ante un bajorrelieve que, a su vez, es el título del video (2006) que se encuentra junto a ella. Una búsqueda rápida en internet nos sitúa de nuevo a un territorio conocido: una dirección de Los Ángeles, California.

El contenido del video, como el del resto piezas de la exposición, nos remiten a una estrategia planteada por el artista desde los años 90, la de no generar otras imágenes sino simplemente ‘posar su mirada’, seleccionar. Esta recolección de momentos, al igual que los instantes que componen nuestra memoria, esta cargada de ruido, deteriorada y distorsionada, efecto que se enfatiza por los sistemas empleados para registrarlas -capturas de imagen, decoupages, fotocopias…-.

El trabajo de Michael Roy, como ya veíamos en su pieza ‘I remember’ (2016), no sólo nos remite a construcciones nostálgicas, sino a los modos con los que hemos construido esas memorias. Hasta qué punto nuestras vivencias, recuerdos, deseos nos son propios o fruto de una construcción social y cultural, de relatos que otros han creado para generar esos grandes imaginarios.

Al mismo tiempo nos presenta una reflexión sobre el hacer, habitamos un mundo cada vez más plagado de imágenes así que cómo podemos posicionarnos ante él. Roy elige el intentar hacer sin hacer, confrontarnos con lo ya creado que, por otra parte, nos ha creado a nosotros mismos.

Pero su obra no se conforma con exponer lo que es visible, genera ámbitos de resistencia, nos obliga a confrontarnos con nuestros recuerdos y, a partir de ellos, dar sentido. En ‘The secret diary of’ (2011) mediante palabras tapadas Roy generaba espacios de vacío que universalizaban y nos invitaban a completar el sentido. En ‘Fade to Grey’ (2017) el espacio en blanco abandona su supuesta neutralidad para convertirse en otra enorme tachadura. El blanco no sólo delimita sino que construye, una sábana define al espectro, una línea, una frontera. El intentar acotar obliga a pensar en una disminución, como evidencia Peters en su cartografía, pero también una latencia basada en lo que se está intentando definir.

Y en ese espacio que se hace autoconsciente y en el que pueblan fantasmas de nuestro imaginario, nosotros, confrontándonos con un relato que alguien ha dispuesto pero no ha cerrado. ¿Qué ha ocurrido? ¿Cuándo? ¿De qué manera? ¿Somos actores cuyo acto es el de solo mirar? ¿Ha terminado la sesión o vuelve a iniciarse, una y otra vez?

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Fundido a…

“Al fin y al cabo, la palabra ‘arte’ significa etimológicamente ‘actuar’, no ‘hacer’, sino ‘actuar’. En cuanto actúas, eres un artista” (Marcel Duchamp, citado por Maurizio Lazzarato, ‘Marcel Duchamp y el rechazo del trabajo’, 2014)

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Eduardo García Nieto

Sobre lindes y otros colapsos

‘Atlas Mundial de Selecciones’, Juan José Martín Andrés
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Del 25 de mayo al 1 de julio de 2017

La naturaleza crea barreras casi imposibles de salvar que han condicionado, desde los orígenes de la humanidad, incluso los rasgos de las poblaciones y actuales asentamientos. A pesar de todo, el ser humano ha ido superando estos obstáculos naturales en su afán por conocer. Ya casi no existen fronteras naturales, por lo menos no las psicológicas, pero en cambio, se han ido creando otro tipo de límites. Sin duda alguna, guerras y conflictos son fuentes de creación de barreras artificiales.

Juan José Martín Andrés nos pone sobre la pista del origen de algunas de las pugnas actuales por el territorio en su nueva exposición ‘Atlas Mundial de Selecciones’ de manera sencilla pero muy eficaz. Actualmente residente en México, el artista presenta sus últimos trabajos gráficos, mapas originales intervenidos. Originales en el sentido de que muestran las divisiones de la época para la que fueron concebidos: el siglo XX, un siglo de profundas y cambiantes demarcaciones. Si el espectador se fija, no podrá reconocer muchos de ellos, no solo por el hecho de que el artista ha ocultado con opaca tinta vastas zonas con el objetivo de deshacer el concepto territorio-nación, sino por el gran cambio  sucedido (no en términos de calidad, sino en cantidad) en cuanto a la situación de las fronteras.

'Nations of the world' Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

‘Nations of the world’ Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

Imperios, repúblicas, constantes anexiones o separaciones de líneas rectas son elementos que Juan José Martín Andrés recalca a través del vacío. La ausencia de dibujo sirve aquí para hacer denotar el espacio. Los cambios de perspectiva y las distorsiones permiten al artista añadir reflexión y juego. Un juego que ya adelantaban en 1980 Guattari y Deleuze, cuando teorizaron sobre la máquina de guerra y el Estado. Mientras que el primero combate por una apertura espacial, el segundo controla y marca los límites de dicho espacio. Las maniobras resultantes quedan reflejadas en el presente, en ese tablero en el que fuerzas políticas y económicas ‘juegan’, como si no estuvieran en el mundo real.

Martín Andrés proyecta una distancia que resulta complicada de pronosticar para el día a día del ciudadano, y consigue, aunque sea de forma imperceptible, que se admire el panorama desde un punto de vista de global. En un mundo donde el cerebro humano está constantemente recibiendo datos, pero que solo retiene un escaso tanto por ciento, se hace necesario y agradable el reposo y el detalle. Aún teniendo en cuenta este consejo, se advierte que, con un rápido vistazo a ’Atlas Mundial de Selecciones’, una abrumadora sensación de velocidad histórica puede recaer sobre la conciencia, provocando, casi sin remedio, una exteriorización facial de incredulidad.

María Ramis

Pepe Gimeno, de la expresión a la estructura

Al Hilo del Pensamiento, de Pepe Gimeno
Galería Mr. Pink Av. Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: jueves 4 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 15 de junio de 2017

Los trazos, líneas y colores que habitan el mapa del inconsciente del diseñador gráfico Pepe Gimeno, del estudio GimenoGràfic, han traspasado de la mente al lienzo y son los protagonistas de la exposición ‘Al Hilo del Pensamiento’ que exhibirá la galería de arte Mr.Pink de Valencia del 4 de mayo al 15 de junio.

Este espacio creativo, abierto al arte de vanguardia y a tendencias y disciplinas artísticas nuevas, dará cabida al lenguaje poético de las pinturas y esculturas concebidas por Pepe Gimeno, diseñador gráfico de referencia en la Comunitat Valenciana y cuyos últimos trabajos incluyen la imagen del Circuit Ricardo Tormo y de la Plaça de Bous de València.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

La exposición se articula en tres bloques: ‘El Gesto’, una recopilación de trazos o dibujos en blanco y negro sobre papel; ‘La Estructura’, una colección de esculturas nacidas de materiales de desecho; y ‘La expresión’, un trabajo pictórico sobre lienzo a partir de las estructuras que contienen sus esculturas.

‘El Gesto’, parte introductoria de la exposición, incluye una serie de dibujos que, según el autor, “responde a un ejercicio del verano de 2010. Armado con un pincel y con la mente en blanco, plasmaba sobre un papel lo que me dictaba el inconsciente. La mano fluía ligera y libre creando líneas y manchas en las que tomaban forma mis sensaciones. El pincel reproducía imágenes y estructuras que pasaban veloces por mi mente. El ejercicio lo repetí innumerables veces. Mi inconsciente quedó reflejado minuciosamente en el proceso”, explica el diseñador. El resultado son un conjunto de imágenes figurativas y estructuras abstractas difíciles de crear racionalmente. “Son, en su conjunto, una respuesta primaria y contundente a preguntas complejas que verbalmente me era imposible contestar”, según Pepe Gimeno.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

En ‘La Estructura’, que mantiene el pulso de sus colecciones anteriores como ‘En 59 fragmentos’ y ‘The Green bag’, retoma el uso de los desechos para crear esculturas que establecen un diálogo fluido y rico entre los elementos que las conforman. “Lo que me lleva a desarrollar estas obras es una continua búsqueda de estructuras. Estructuras narrativas que cuenten historias, que planteen conflictos y que describan situaciones y vivencias. Mi intención es que las formas de los diferentes elementos que combino se relacionen y establezcan un diálogo fluido y rico entre ellas”, explica el autor.

Por último, y sin duda la parte más renovada de la obra plástica de Gimeno, se presenta ‘La Expresión’, un conjunto de lienzos en las que reinterpreta las estructuras de sus esculturas. “Me preguntaba si podría trasladar los conceptos que contienen estas estructuras tridimensionales a las dos dimensiones. Quería, apoyándome en la experiencia gestual desarrollada años antes, recoger en un plano la expresión que me transmitían las esculturas. Recrear el diálogo que plantean y la emoción que me producen desde un punto de vista nuevo, desde una mirada nueva”, añade el diseñador.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Las redes de Lola Pascual en Brut

Lola Pascual. Redes.
Espacio Brut
Calle Pelayo, 68 - 28004 MADRID
www.espaciobrut.com
Hasta el 24 de mayo de 2017

En unas declaraciones de Umberto Ecco al diario italiano La Stampa, el fallecido escritor Premio Príncipe de Asturias aseguró que “Las redes sociales le dan el derecho de hablar a legiones de idiotas que hablaban sólo en el bar después de haber bebido algún vaso de vino. Individuos que eran silenciados rápidamente por la estupidez de sus palabras y que ahora tienen el mismo derecho a hablar que un premio Nobel. Es la invasión de los necios en la red’’.

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Ciertamente, aún desde el lugar más inhóspito, las redes hacen posible contactar con el mundo entero a un solo click, manteniéndonos en la misma equidistancia entre la necedad y el ingenio, entre la mediocridad y la falta de rigor, entre la abundante basura y la escasez de pepitas de oro. Tal vez por ello Lola Pascual (Valencia, 1956)  no piensa en esas redes, las suyas no tienen nada que ver con la conectividad virtual, son en realidad manchas de tinta estiradas.

Líneas con nudos que evocan al pescador de antaño, al personaje que sale a faenar y respeta el medio que le da de comer, pero también recuerdan al buque arrastrero que esquilma el mar, al que no respeta el tamaño de sus capturas ni piensa en la necesidad de sostener la cadena de la naturaleza. Al fin y al cabo es víctima del sistema, de la red de economía de mercado que atrapa a la sociedad de consumo en una carrera sin frenos, de la red que detiene el balón cuando entra en la portería del deporte rey. Deporte convertido en una anestesia del sistema para adormecer a la sociedad ante la caja tonta.

Algo así como el pan y circo en que también los gladiadores usaban redes y mantenían entretenido al pueblo de Roma. Redes versátiles y sutiles, entramados que enmarañan y lían, que envuelven con la flexibilidad e inmovilizan con su maleabilidad. Redes sencillas y humildes que la memoria identifica con tramas entretejidas de hilaturas infinitas y recias. Redes que dependiendo de la mano en la que caigan, serán instrumento usado con inteligencia y equilibrio o no serán más que una herramienta destructora de la avaricia. En esto no hay diferencias. Tanto una red como las otras, todas son capaces de atrapar, empujar o arrimar, liberar o esclavizar.

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De todas estas redes que Lola Pascual presenta, hay un precedente en una serie de dibujos que bajo el título “Entramados” acogió el Colegio de España de París (2015), aquellas piezas ya destacaron por la refinada y natural elaboración a plumilla, pincel, lápiz o surco, y hasta aquí llegan sus parientes en forma de proyecto cuidado y minucioso que llama a ser observado con calma, y para reivindicarse como arte de elaborado y sutil sello reflexivo.

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Vicente Chambó

Dibuixant la salvatge civilització

‘Animalades’, d’Alba López Soler
Espai d’Art Colón
C/ Colón, 27. València
Inauguració: 9 de març a les 19:30h
Fins al 9 d’abril de 2017

Misteriosa, difícil de trobar, amagada al seu cau, la benissera Alba López Soler des del seu taller ens du animals. Animals que ens observen per ser observats.

Animals amb vestit, amb sinuoses línies de llapis congregades en un ésser animal, la tinta impregna el paper amb la indumentària protocol·lària. Animalitat i civilització convivint en un mateix espai. El vestit per damunt de l’animal, el cap per sobre de la jaqueta. Jaqueta embotonada, corbata lligada al coll, elegantment posant per al retrat. Senzillesa d’un sol element format per dues peces, dues tècniques quasi oposades d’una mateixa disciplina, d’una semblant tonalitat.

Equilibri i harmonia en els traçats, bellesa quasi fractal. Llapis i tinta comparteixen un mateix espai. Mil línies conformant una totalitat integrada. La frondositat dels seus dibuixos mostra i alhora oculta, la profunditat del missatge queda teixida entre grafies lineals i taques. Negre sobre blanc que rememora un passat. Tot sobre un suport vegetal.

Línies que recorden els gravats de Dürer, on la representació de l’ésser humà i la natura és un mateix fet. Des del realisme contemporani torna als principis de la bellesa, després d’un viatge d’anada i tornada. Inspirada pels il·lustradors americans, viu en la postmodernitat. Sense deixar-se dur per pessimisme, ens dóna una visió integradora, fins i tot espiritual. Podem intuir la proposa d’una crítica reflexiva plena de matisos.

Davant l’obra d’Alba respirem la distància que separa l’animal i la civilització; l’envestida incansable de dominació de la natura per part de la civilització. L’animal social queda colonitzat per la salvatge civilització atomitzant; l’intent il·lustrat d’autonomia moral queda eclipsat per la voracitat individualista asocial. El vestit que pensàvem protecció, ara minva i empresona. Un tot passat per un filtre social, xarxa normativa, llei, sistema. Animal enfosquit en les tenebres, cau a la xarxa social, teranyina que ens paralitza els sentits i no deixa viure la realitat.

Pensàvem que ens protegia de les nostres animalitats, però, el vestit deslliga la salvatge fúria del poder. Individu, individual, individualista com a norma social. Aprofitades les animalitats per a fer-nos éssers antinaturals, perdent la identitat social i cultural. Ningú no escapa a les forces socialitzadores, presons amb pressions ensinistradores.

El sistema civilitzador requereix dinamisme vital, com Faust necessità Mefistòfil per a moure’s de la cadira. La freda netedat reglamentada d’Apol·lo demana la bogeria dionisíaca. No són casuals les festes Lupercals ni les nits de Walpurgis.

Cartell de la exposició de Alba López. Imatge cedida per el CDAVC.

Cartell de la exposició de Alba López. Imatge cortesía Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle” (CDAVC).

Quan la relació amb nosaltres parteix de la dualitat, la relació amb els altres pateix la dualitat d’individualitats. Que potser som molt diferents tu i jo? No és el mateix alè, la mateixa energia vital la que ens fa alçar-nos cada matí, la que també mou la mar i respiren les muntanyes?

Les ales il·limitades de la imaginació ens doten de llibertat per a poder anar…

Més enllà de l’esclavitud natural i legisladora

Més enllà del senzill equilibri

Més enllà de la doble dominació

Més enllà de la treva condicionada

Més enllà de la senzilla pau entre dues realitats

Enmig del temible regne de les forces naturals, i enmig també del sagrat regne de les lleis, l’impuls estètic construeix, com ens diu Schiller, un tercer regne feliç, el regne del joc i l’aparença que allibera l’home de les cadenes de tota circumstància i tota coacció.

Equilibri serè, amb força per la plena comprensió d’aquesta doble realitat dinàmica. Un tot diferent de la senzilla suma de les parts. No se li pot negar la força, a aquell Tigre, tot i dur vestit, no se li pot negar poder ni serenitat. Al Mardà, se li pot intuir presència conscient. Participen plenament de la dicotomia, de la confrontació, de la controvèrsia i la incoherència fins i tot. Però en el dibuix, un tot dominat, dominant, serè. Serenitat per l’acceptació, el descobriment, la conquesta. El joc dinàmic entre dos oposats. En una simbiosi entre les passions i les reflexions humanes, l’art ens du a un espai de força i serenitat, d’humanitat cultural social.

I ara vius la respiració, trobes que estàs dins d’aquest conjunt d’animals amb vestit, creant una identitat social pròpia. Incloent-te en l’interior d’aquesta sala, formant també part d’aquestes Animalades. Mires al voltant teu i veus més animals amb vestit:uns, a les parets; d’altres, mirant-les.

Solemnement, obrint la nostra realitat.

Josep Ferragut

Omega TBS y su ¿horror? Vacui

Vacui, de OmegaTBS
Galería Plastic Murs
C/ Dènia, 45. Valencia
Inauguración: viernes 3 de febrero, a las 20.00h
Hasta el 10 de marzo de 2017

“Tienes que ver los trabajos de Omega, te gustarán…”. Si un camarada al que toleras por sus conocimientos, gusto gráfico y no dado a las recomendaciones te dice algo así, la visita al susodicho es inevitable.

¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes? La expresión con reminiscencias ochentonas ¿estudias o ilustras? se ha hecho más actual que nunca. La cantidad de ilustradores y artistas por metro cuadrado afincado en Valencia es brutal. No recuerdo que en nuestra ciudad haya habido tanta gente dibujando tan mal y con tanto éxito. Soy consciente de que mis escasos conocimientos, más la envidia, la coca, las telenovelas y el chocolate avalan esta opinión.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Omega es un artista paciente y repleto de ideas imaginativas. Igual se enfrenta al óleo, la acuarela, al guache o a la tinta china con total condescendencia, con riqueza y sin prisas. Sus habilidades técnicas son refinadas, expresivas y disfruta de un penetrante poder de percepción que me recuerda al tratamiento de los personajes enfermizos de Gerónimo El Bosco, o a la honestidad con la que refleja la vida cotidiana Pieter Brueghel el Viejo, y por qué no, al más disparatado Giraud y su estilo de dibujo sintético donde la línea pura define las figuras con una representación muy cercana a la caricatura. Escenas rutinarias de poca acción y mucho sentido sentido del humor.

Mario me ha pedido que escriba sobre la obra de su nueva exposición. Crear es un placer donde no cabe el equilibrio, pocas veces va acompañado de amor y coquetea con el reconocimiento, que es su perdición. Sabe bien de lo que hablo. Así que es una excusa perfecta para acercarme al estudio y disfrutar de sus novedades.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Lo que encuentro es fresco, sorprendente, provocador, ¿psicodélico?, ¿lunático? Desde luego, desconocido en cuanto a mi prejuicio sobre su trabajo. Todo un pasmo. Intenta explicarme la técnica pero no entiendo nada. Sólo me quedo con la tinta, las capas, el papel higiénico y poco más. Bromeamos. Una vez más no ha conseguido evitar la esquizofrenia artística y, por lo tanto, ha ampliado el límite de las artes plásticas. Se encuentra en el reino viscoso que llama a la creación de imágenes para el enriquecimiento social. Y por eso le estamos agradecidos. ¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes?

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

MacDiego

Adelantado se engalana de nuevo

‘Plasma Pool’ de Folkert de Jong, ’Tristes Topiques’ de Ting Ting Cheng y ‘Why Animals Travel’ de Fuentesal & Arenillas
Galería Luis Adelantado y Boiler Room
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: miércoles 25 de enero, 2017, a las 20h

La galería Luis Adelantando vuelve a apostar por una triple apertura donde podremos disfrutar de tres interesantes proyectos artísticos entre los que se establecen relaciones creando así un recorrido expositivo interesante y que no nos dejara indiferentes.

En primer lugar, presentan ‘Plasma Pool’ el nuevo proyecto de Folkert de Jong en el que nos habla del concepto de colisión entre el hombre y la naturaleza. Esta relación se refleja —según el artista—, en las historias de ciencia ficción, y la inteligencia artificial. Se trata de una propuesta en la que se mostrarán una serie de esculturas en bronce, con referencia al cuerpo humano, se presentarán algo distorsionadas, modeladas por el bronce caliente, dado su paso por la fundición. En diálogo con estros fragmentos de vida, encontraremos animales de un bronce dorado impoluto, en un ejercicio cargado de sinergias.

De Jong otorga una fuerte carga simbólica y de significado a estas obras. El oro, como metal precioso que posee un estatus superior sobre el resto de metales, simboliza en ellas la pureza y la inmortalidad. Pero, también nos mostrará la otra cara de la moneda; representando a su vez, el egoísmo humano y la explotación.

En esta relación de extremos, el artista encuentra la oportunidad de resucitar una nueva obra que viene de lugares dispares, como el ave fénix. Los animales dorados emergen como vencedores sobre un mundo material, destrozado por la violencia humana.

En diálogo con las esculturas, encontramos dibujos, que giran en torno a la idea de conflicto, la colisión y la interferencia. Algunos de ellos dirigen nuestra mirada hacia lo infinito, en alusión a la red de constelaciones que pueblan el universo. Otros, nos recuerdan en su complexión a unas súper dimensionadas manchas de Rorschach, que manifiestan el encuentro directo entre el cuerpo y la tinta, como medio artístico.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

En segundo lugar,  podremos observar ‘Tristes Tropiques’ la segunda exposición individual de la artista taiwanesa Ting-Ting Cheng. La exposición incluye los más recientes trabajos de la artista, que fueron realizados durante una residencia artística en Brasil, entre los años 2015 y 2016.

El título de la muestra es homónimo al del libro Tristes Tropiques del antropólogo y estructuralista francés Claude Lévi-Strauss, publicado en 1955, quien documentó su viaje a Brasil, donde realizó una serie de destacados estudios de antropología. A pesar de su formato de diario de viaje, el libro explora su interés por la filosofía, la sociología, la geología y la historia de Sudamérica, a través de una perspectiva antropológica europea.

Durante su estancia en Brasil, Cheng se influenció e inspiró en los análisis críticos que Lévi-Strauss realizó del país. Irónicamente, encontró una conexión entre la colonización y la antropología. En sus constantes viajes de una a otra punta del país, se evidencia la intención de atrapar el momento, de conocer la cultura en primera persona.

En conclusión, Cheng genera su propia guía de viaje a través de su propuesta artística, en la que podemos encontrar fotografía, vídeo, pintura e instalación, a través de los cuáles examina los conceptos de viaje, sur, conocimiento, ficción y resistencia, trazando un recorrido tanto del país, como de su relación con él.

Y por último, en la siempre innovadora sala Boiler Room se expondrá ‘Why Animals Travel’ de los andaluces Fuentesal & Arenillas. Se trata de un proyecto de investigación basado en su experiencia dual como creadores de forma antagónica, y el estudio de la traslación. Del dibujo expandido y de su desterritorialización. Trabajando con materiales propiamente destinados al dibujo, los cuáles son despojados de su función original y dotados de un nuevo concepto, manteniendo el paralelismo de la materia pero desplazando todos sus componentes a un nuevo territorio.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

‘Why Animals Travel’ describe los desplazamientos periódicos de su trabajo artístico, ciclo experimental y búsqueda constante. Narran la realidad adquirida por su proceso de vida, viaje, trabajo, tiempo, formación, como reflejo de su momento actual. Les interesa la idea de adaptación, desterritorialización y holismo.

Hablar de la desterritorialización les remite necesariamente a la obra de dos filósofos: Gilles Deleuze y Felix Guattari, quienes utilizan éste concepto en su filosofía, y para los cuales, tiene un sentido especialmente positivo: la apertura para lo nuevo, la línea de fuga como momento de salida de una antigua territorialidad y de construcción de un territorio nuevo.

Paula Bonet ilustra a Tirant

Tirant Lo Blanc
Llibres de Drassana
Joanot Martorell, Josep V. Miralles, Vicent Baydal y Paula Bonet
Presentación en Galería Pepita Lumier, jueves 22 diciembre a las 19h
C/ Sogorb 7, Valencia.

La Carmesina del siglo XXI tiene mejillas coloradas puesto que Paula Bonet ilustra una nueva versión de Tirant lo Blanch que acerca el clásico valenciano al lector actual.

El Tirant es una maravilla. Una obra que no debemos dejar de reivindicar por la fuerza que contiene, por cómo mezcla batalla, amor, deseo e historia, por cómo representa ese contexto concreto que es el que se explicaba a través de las novelas de caballería”. Paula Bonet realiza esta reivindicación lápiz, acuarelas y pinceles en mano. La exitosa artista valenciana se ha encargado de ilustrar una nueva versión editada por Llibres de la Drassana. “El proceso creativo fue muy estimulante. Era un trabajo que tenía muchas ganas de realizar pero disponía de muy poco tiempo, así es que intenté exprimir al máximo cada minuto que tenía.  Fue muy fácil teniendo en cuenta que el punto de partida era la maravillosa adaptación de Josep Vicent Miralles”. 

El guionista valenciano ha sido el responsable de acercar el clásico de Joanot Martorell al lector actual, a menudo maltratado por versiones mutiladas o infantilizadas de la obra. “Yo recomendaría a cualquier lector que tema a los clásicos por considerarlos una imposición de manual o una cosa aburrida que se adentre en este Tirant de Llibres de la Drassana. Encontrará una obra divertida, potente, que le hará estremecer y tomar partido, y que le permitirá conocer personajes de esos que te acompañan ya para siempre. Además, es un texto que seducirá por igual al devoto de Juego de Tronos, al aficionado a la novela negra, al cazador o cazadora de carne estilo Grey o al consumidor más experto y exigente, afirma Miralles. Una versión resumida que nos muestra el Tirant más cortesano, y se recrea en los amores caballerescos e intrigas palaciegas sin dejar de lado su parte aventurera.

Portada de la nueva edición de Tirant lo Blanch. Imagen cortesía Llibres de la Drassana.

Portada de la nueva edición de Tirant lo Blanch. Imagen cortesía Llibres de la Drassana.

“El hecho de tener que dibujar personajes y escenarios medievales era un reto absoluto para mi. Era salir totalmente de mi zona de confort a la hora de pintar o dibujar. Fue muy estimulante. No creo que lo hubiese hecho si no se hubiera tratado del Tirant”, confiesa Bonet. Ha contado, no obstante, con la ayuda de Vicent Baydal. El medievalista valenciano se ha encargado del asesoramiento histórico de la obra.

“Uno de mis cometidos en este proyecto ha sido contextualizar para Paula el periodo en el que se desarrolla el Tirant. Le di algunas indicaciones acerca de peinados, vestidos o estancias de la época: como sería una princesa bizantina del siglo XV, una doncella, un caballero bretón o la corona de un emperador”, explica Baydal. El mediático historiador también se ha ocupado de la revisión del texto a fin de que fuera historiográficamente riguroso y ha añadido algunas notes a pie de página que, por primera vez en una versión de bolsillo, permiten conocer el trasfondo histórico de Tirant lo Blanch.

Llibres de la Drassana publica en dos ediciones, en valenciano y en castellano, esta nueva versión que sigue la tradición de adaptar clásicos a los gustos contemporáneos.