Un siglo de movimientos de vanguardia en el Pompidou Málaga

‘De Miró a Barceló. Un siglo de arte español’
Centre Pompidou Málaga
Pasaje Doctor Carrillo Casaux s/n, Málaga
Hasta el 1 de noviembre de 2021
15 de mayo de 2020

El Centre Pompidou París lleva cinco años cooperando con el Centre Pompidou Málaga y hasta 1.075 obras han viajado desde Francia hasta España. La reanudación del contrato por otros cinco años se inaugura con esta magnífica exposición: ‘De Miró a Barceló. Un siglo de arte español’ (de 1920 a 2020). Una muestra que exhibe 90 obras y 41 artistas internacionales (y no solamente españoles), entre los que se encuentran Yves Tanguy, Francis Picabia, Alberto Giacometti, René Magritte, etc.

El Centre Pompidou Málaga es un potente imán que recibe 167.000 visitas anuales y esta exposición semipermanente, de enorme calidad, se articula en seis salas. Una muestra con gran perspectiva y movimientos de vanguardia, empezando por los cubistas y un largo recorrido hasta Barceló o Cristina Iglesias.

El recorrido comienza en la década de los 20 del siglo pasado con el cubismo. Figuras y naturalezas pasan a formar parte de una arquitectura plana y colorida basada en las relaciones formales entre líneas y planos. ‘Nature morte à la guitare’ (1921), de Pablo Picasso, es un ejemplo de su capacidad para asimilar cualquier estilo y hacerse dueño del diccionario visual del mundo. ‘Le tapis bleu’ (1925), de Juan Gris, fiel a un método riguroso a menudo basado en la proporción aúrea, concibió esta composición como arquitectura plana, coloreada y abstracta. ‘Danseuse’ (1925), de Pablo Gargallo, opone superficies plenas y vacíos, rigidez y sinuosidad, sin renunciar al aspecto figurativo de la bailarina.

En 1929, con el desembarco de Salvador Dalí y Luis Buñuel, el surrealismo confirmó su anclaje en el pensamiento psicoanalítico. Igualmente, entre 1928 y 1932, Pablo Picasso y Julio González mantuvieron una colaboración realizando esculturas metálicas; el primero dibujaba las piezas y el segundo las plasmaba en hierro. En 1937 coincidieron en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París. El malagueño presentó ‘Guernica’ y el catalán ‘Monserrat’. En ‘Portrait de femme’ (1938) Picasso inventa una tipología específica basada en un código de colores cálidos que cubren vestimenta y cuerpo, que sugieren el embrujo diabólico y la alineación erótica que unían al pintor y su modelo Dora Maar, y, por su parte, en ‘Vase de fleurs et compotiers’ (1943) se percibe un ambiente de guerra y privaciones. Una paleta de grises encarnan el testimonio de clima de terror en el París de la ocupación.

Obras de Javier Vilató y Roberta González, pertenecientes a la exposición. Fotografía cortesía de Maite Santolaria Guimerá y Rosario Martínez.

En la década de los 50 el aislamiento de España, la nula modernidad y la falta de espacios expositivos, hace que muchos artistas miren al país vecino encontrándose con otros españoles que ya vivían en París desde los años 20. Es en esta época coinciden en Francia dos malagueños: el universal Pablo Picasso y el ya internacional Miguel Berrocal.

Berrocal, nacido en Villanueva de Algaidas, ya con 21 años representaba a España en la Bienal de Venecia como pintor y, diez años más tarde, como escultor. En ‘Strip-Tease mobile (Opus 57)’ (1963) el artista recrea formas antropomórficas, mediante técnicas complejas de ensamblaje. Desarrolló una técnica donde ponía una chapa sobre el patrón, la cortaba con soplete y la curvaba. Las curvas que evocan una figura femenina sin cabeza dan fe del notable sentido constructivo y del equilibrio en la obra de Berrocal, herencia de su formación como arquitecto.

La obra de Joán Miró ‘Silence’ (1968) pertenece a un conjunto de tres poèmes mediante letras o números, ocasionalmente con alguna palabra. El pintor rubrica un ámbito pictórico sometido a fuerzas magnéticas de colores y luces. Sus letras estarcidas recuerdan rótulos anónimos y funcionales, activos y dinámicos. Coincidiendo con la revuelta de Mayo del 68, el pintor responde con una llamada a la armonía.

En ‘Mujer sillón 2.84’ (1984), de Antonio Saura, la mujer ha sido protagonista inagotable de su repertorio iconográfico. Esta parece sufrir una metamorfosis hacia la forma de un sillón.

Un instante del recorrido para la prensa del pasado 12 de marzo. Fotografía cortesía de Maite Santolaria Guimerá y Rosario Martínez.

Por su parte, en ‘Gravitation’ (1989), de Eduardo Chillida –tinta china sobre papel hecho a mano–, el artista trabaja estos pliegos como si fuera una materia escultórica y realza la relación entre el cuerpo y su entorno, su humildad ante el espacio, la gravedad y el tiempo.

‘Exvoto con cabra’ (1994), de Miquel Barceló, es una obra que exalta la materialidad. El motivo de la naturaleza muerta, presente siempre en la obra de Barceló, es emblemático en su evolución pictórica. De tanto representar las cosas, siente la necesidad de incorporarlas directamente sobre la pintura. En esta obra, la cabra, las legumbres, las frutas y los peces han sido pintados sobre modelos “vivos”.

En 1986, Cristina Iglesias representó a España en la Bienal de Venecia. La obra de Iglesias se sirve del vocabulario de la arquitectura, con materiales como el fibrocemento, el acero y el vidrio. Realiza esculturas que parecen metáforas arquitectónicas. En esta exposición está representada con ‘Corredor suspendido I’ (2006).

41 artistas conforman la muestra que en este momento duerme y espera ser visitada. Pintores y escultores reconocidos mundialmente, comenzando por dos insignes malagueños: Picasso y Berrocal, además de Miró, Salvador Dalí, Antonio Saura, Pablo Gargallo, Eusebio Sempere, Julio González, Juan Muñoz, Jaume Plensa y Miquel Barceló entre otros, permanecerán hasta el 1 de noviembre 2021 en Centre Pompidou Málaga, en una amplia y didáctica exposición, comisariada por Brigitte Leal.

Detalle de ‘Silence’, Joan Miró. Fotografía cortesía del Centre Pompidou Málaga.

Maite Santolaria Guimerá y Rosario Martínez

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (IV)

#MAKMAOpinión #MAKMACine #MAKMAPantallas #MAKMALibros | Harterofilias domésticas | Estado de alarma (IV)
23 de abril de 2020

Conducido hacia un irremediable proceso de iluminación intelectual que eclosiona entre el légamo de la sinrazón y el aislamiento existencial de su personaje, el mirífico filósofo existencialista parisino Jean-Paul Sartre (1905-1980) –de reciente actualidad por la efeméride, el pasado miércoles 15 de abril, del cuadragésimo aniversario de su fallecimiento– depositaba en Antoine Roquentin las primigenias inquietudes fenomenológicas que encintan el sustrato conceptual y narrativo de ‘La náusea’, título capital de la novela filosófica del siglo XX y obra primigenia del escritor francés, cuya versión definitiva se hubo publicado, bajo el sello Èditions Gallimard, en 1938.

De entre cuantos asuntos y materias pueblan el torso reflexivo de ‘La náusea’, deba ser el vacío del individuo –situado en el epicentro mismo del conocimiento frente a la moral esencialista y al razonamiento científico– el sustento argumental que configura la deriva del diario implementado por su protagonista, de entre cuyas páginas recupero el siguiente juicio:

“No es simpatía lo que hay entre nosotros; somos parecidos. Eso es todo. Está solo como yo… Ha de esperar su Náusea o algo por el estilo. (…) Debe de saber bien que nada podemos el uno por el otro. Las familias están en sus casas, en medio de sus recuerdos. Y aquí nosotros, dos ruinas sin memoria”.

Y en civilizada soledad compartida, desde el acomodado feudo de la memoria doméstica, uno cumple, contumaz y sin otro fin que el de la sorda predilección, con su dietario/memorando (tras cuarenta inopinadas jornadas de feraz reclusión) ‘Harterofilias domésticas | Estado de alarma’.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXI) | Lunes 13 de abril de 2020

“El individuo puede tener presentes toda clase de objetivos personales, de fines, de esperanzas, de perspectivas, de los cuales extrae la energía para los grandes esfuerzos y actividades; ahora bien, cuando lo impersonal que le rodea, cuando la época misma, a pesar de su agitación, en el fondo está falta de objetivos y de esperanzas, cuando ésta se le revela como una época sin esperanzas, sin perspectivas y sin rumbo, y cuando la pregunta sobre el sentido último, inmediato y más que personal de todos esos esfuerzos y actividades –pregunta planteada de manera consciente o inconsciente, pero planteada al fin y al cabo–, no encuentra otra respuesta que el silencio del vacío, resultará inevitable que, precisamente a los individuos más rectos, esta circunstancia conlleve cierto efecto paralizante que, por vía de lo espiritual y moral, se extienda sobre todo a la parte física y orgánica del individuo” (‘La montaña mágica’, de Thomas Mann).

Y, quizás, a un servidor no le reste otra porfiada voluntad que henchir la inmanejable concavidad del presente y desnortado trecho, para eludir la ataraxia, asiéndose al manubrio del hallazgo rutinario, morfología gimnástica de ‘Harterofilias domésticas | Estado de alarma’.

Tercera parte de mi memorando/dietario para MAKMA desde la primera jornada de confinamiento, fruto del decreto de estado de alarma por la pandemia de coronavirus.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXII) | Martes 14 de abril de 2020

“Little Joe never once gave it away
Everybody had to pay and pay
A hustle here and a hustle there
New York City is the place where they said:
Hey babe, take a walk on the wild side
I said hey Joe, take a walk on the wild side”.

Cuando otrora hubo urbes como flancos selváticos y voluptuosos, lares de lenocinio y crematística de urinarios y sótanos.

‘Walk on the Wilde Side’ (1972), de Lou Reed.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXIII) | Miércoles 15 de abril de 2020

🏋🏻‍♂️ Harterofilias domésticas | Estado de ⏰ 3️⃣3️⃣..🗣 (Anatoli Kárpov) –"Es posible que el campeonato sea muy largo, pero no creo que una persona sea capaz de aguantar esta tensión durante más de tres meses”.🗣 (Comentarista) –"Ahora Kárpov empieza a jaquear. La tensión se puede sentir. Él da jaque nuevamente y el rey regresa al rincón".🗣 (Periodista) –"Disculpe, ¿cúando preparó usted esto? 🗣 (Garri Kaspárov) "En España y lo analizamos aquí. De hecho, preparamos toda la estrategia aquí para aplicar esta sorpresa".🗣 (Periodista) –"Interesante". .👉 Dícese del escaque, sañuda contienda de razón, insania y antagonismos..♟ ‘Kaspárov vs Kárpov (Moscú, 1985)’ & ‘Kaspárov vs Kárpov (Lyon, 1990)’..#CulturaVsCoronavirus #ConfinadoParaVerAjedrez #ConfinadoParaJugarAlAjedrez #PartidasPandémicas #Kaspárov #Kárpov #KaspárovVsKárpov #Ajedrez #Chess

Publiée par Jose Ramón Alarcón San Martino sur Mercredi 15 avril 2020

(Anatoli Kárpov) –»Es posible que el campeonato sea muy largo, pero no creo que una persona sea capaz de aguantar esta tensión durante más de tres meses”.
(Comentarista) –»Ahora Kárpov empieza a jaquear. La tensión se puede sentir. Él da jaque nuevamente y el rey regresa al rincón».
(Periodista) –»Disculpe, ¿cúando preparó usted esto?
(Garri Kaspárov) «En España y lo analizamos aquí. De hecho, preparamos toda la estrategia aquí para aplicar esta sorpresa».
(Periodista) –»Interesante».

Dícese del escaque, sañuda contienda de razón, insania y antagonismos.

‘Kaspárov vs Kárpov (Moscú, 1985)’ & ‘Kaspárov vs Kárpov (Lyon, 1990)’.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXIV) | Jueves 16 de abril de 2020

“El síntoma más llamativo de la enfermedad es la tos, esa tos seca crónica que quiebra al doliente. Pero también la fiebre, la sudoración nocturna, la pérdida de peso, la languidez y el rostro demacrado. Y algo muy repulsivo para el afectado, la sangre en el esputo, esa sangre que impregna llamativamente el pañuelo después de expectorar.

André Gide y Roland Barthes engrosan la nómina de escritores afectados por la enfermedad. También ellos tuvieron su montaña mágica”.

Confluir, converger, desembocar –equidistantes– en parentescas aflicciones, zozobras e inquietudes; latifundio del que vaciar el compromiso hedonista, violeta y protestante con la literatura.

‘Gide/Barthes. Cuaderno de niebla’, de J. Benito Fernández (Montesinos – Ensayo, 2011).

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXV) | Viernes 17 de abril de 2020

«Provoke-era photographs, as many have noted, resist our visual understanding, with their bafflingly oblique angles, blurs, and speed-lines, framing «empty» infrastructural landscapes of wires, darkness, and roadside barriers. ‘Beauty’ is no longer at issue. To grasp the conceptual impetus behind them, one can begin with the work of the several prior generations of photographers, against whom these next waves of photographers rebelled –or, in a more generous metaphor, whose work they extended in unexpected ways» (‘Conceptualizing Japanese Post-War Photography: Snap, Movement, Refusal’ | Miryam Sas).

Acrisolarse desde la vigilia sobre las consecuencias del retorno a Yokosuka; hallazgo de ruinas nocturnas, naturalezas extintas y cimbreantes burdeles.

Fotografías de la serie ‘Noche sin fin / Endless Night (1978–1980)’, de Ishiuchi Miyako.

‘La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke’ (Bombas Centre d’Art Gens / La Fábrica, 2019). Catálogo de la exposición homónima exhibida en Bombas Gens Centre d’Art, del 22 de febrero de 2019 al 2 de febrero de 2020.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXVI) | Sábado 18 de abril de 2020

🏋🏻‍♂️ Harterofilias domésticas | Estado de ⏰ 3️⃣6️⃣..🗣 (Volker Spengler) —“Yo hacía un papel y él el otro. Yo decía: 'Cuando nuestra mirada ilumina una acción monstruosa el alma queda en vilo'. Y Christoph decía: 'Al fin pues, afronto mi destierro desposeído, exiliado, apenas un mendigo aquí. Una corona de laurel me impusieron para llevarme a un altar, como una bestia al sacrificio. Y así me sedujeron para arrebatarme mi poema, que era mi única posesión'"..👉 Descarnar los postreros días de existencia de un ser excluido y desprovisto del cuero clarividente de lo inane. .🎥 ‘Un año con trece lunas’ (1978), de Rainer Werner Fassbinder..#CulturaVsCoronavirus #ConfinadoParaVerCine #yomequedoencasaviendocine #UnAñoConTreceLunas #RainerWernerFassbinder #Fassbinder Filmin

Publiée par Jose Ramón Alarcón San Martino sur Samedi 18 avril 2020

(Volker Spengler) –“Yo hacía un papel y él el otro. Yo decía: ‘Cuando nuestra mirada ilumina una acción monstruosa el alma queda en vilo’. Y Christoph decía: ‘Al fin pues, afronto mi destierro desposeído, exiliado, apenas un mendigo aquí. Una corona de laurel me impusieron para llevarme a un altar, como una bestia al sacrificio. Y así me sedujeron para arrebatarme mi poema, que era mi única posesión'».

Descarnar los postreros días de existencia de un ser excluido y desprovisto del cuero clarividente de lo inane.

Un año con trece lunas’ (1978), de Rainer Werner Fassbinder.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXVII) | Domingo 19 de abril de 2020

«Temporary first-aid post erected by the Red Cross inside Bastille Métro station during August 1944, as locals struggled to cope with the injuries caused by the street fighting, to finally oust the Nazi occupying forces».

Derivarse hacia las cruciales máculas de los rieles metropolitanos –planisferio subterráneo de bóvedas y acero– de la Île-de-France.

‘Paris Underground. The maps, stations, and design of the Métro’, de Mark Ovenden (Penguin Books, 2009).

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XXXVIII) | Lunes 20 de abril de 2020

🏋🏻‍♂️ Harterofilias domésticas | Estado de ⏰ 3️⃣8️⃣..🗣 (Michel Foucault) —"Por lo tanto, la ciencia, el progreso de la ciencia y la adquisición de la ciencia, no es simplemente el olvido de los viejos prejuicios, o la caída de ciertos obstáculos. Se trata de una nueva red que enmascara ciertas cosas mientras que permiten la aparación de nuevos conocimientos. Por lo tanto, cuando critico la noción de creatividad, lo que quiero decir es que la verdad no se adquiere a través una especie de creación continua y acumulativa, sino más bien a través de un conjunto de rejillas apiladas una encima de la otra (…)". .🗣️(Noam Chomsky) —"(…) Esto no significa que en última instancia el ámbito de la ciencia lo incluya todo. En lo personal, creo que muchas de las cosas que quisiéramos entender, y tal vez las cosas que más quisiéramos entender -como la naturaleza del hombre, o la naturaleza de una sociedad decente- o muchas otras cosas, estarían, en realidad, fuera del alcance de la ciencia humana posible". .🗣️ (Televisiepresentator) –"¿Cómo se explica entonces la relación del hombre con respecto a su cultura en la política y tal vez, incluso, la pregunta acerca de cómo cambiar la cultura y la sociedad?"..👉 Enraizarse en la pulcritud kantiana y estructurar el devenir sistemático del pensamiento, combinar generativos códigos gramaticales y finitos términos de la calórica hacienda cultural.. 📺 'Noam Chomsky | Michel Foucault. La naturaleza humana: Justicia versus poder' (International Philosophers Project | Nederlandse Omroep Stichting – NOS, 1971)..#CulturaVsCoronavirus #ConfinadoParaVerFilosofía #ConfinadoParaEscucharFilosofía #ConfinadoParaLeerFilosofía #yomequedoencasaviendofilosofía #NoamChomsky #MichelFoucault #NaturalezaHumana #JusticiaVsPoder #InternationalPhilosophersProject #NederlandseOmroepStichting #NOS #Holanda #TvHolanda #Filosofía #Debate #DebateFilosófico

Publiée par Jose Ramón Alarcón San Martino sur Lundi 20 avril 2020

(Michel Foucault) –»Por lo tanto, la ciencia, el progreso de la ciencia y la adquisición de la ciencia, no es simplemente el olvido de los viejos prejuicios, o la caída de ciertos obstáculos. Se trata de una nueva red que enmascara ciertas cosas mientras que permiten la aparación de nuevos conocimientos. Por lo tanto, cuando critico la noción de creatividad, lo que quiero decir es que la verdad no se adquiere a través una especie de creación continua y acumulativa, sino más bien a través de un conjunto de rejillas apiladas una encima de la otra (…)».

(Noam Chomsky) –»(…) Esto no significa que en última instancia el ámbito de la ciencia lo incluya todo. En lo personal, creo que muchas de las cosas que quisiéramos entender, y tal vez las cosas que más quisiéramos entender –como la naturaleza del hombre, o la naturaleza de una sociedad decente– o muchas otras cosas, estarían, en realidad, fuera del alcance de la ciencia humana posible».

(Televisiepresentator) –»¿Cómo se explica entonces la relación del hombre con respecto a su cultura en la política y tal vez, incluso, la pregunta acerca de cómo cambiar la cultura y la sociedad?».

Enraizarse en la pulcritud kantiana y estructurar el devenir sistemático del pensamiento, combinar generativos códigos gramaticales y finitos términos de la calórica hacienda cultural.

‘Noam Chomsky | Michel Foucault. La naturaleza humana: Justicia versus poder’ (International Philosophers Project | Nederlandse Omroep Stichting – NOS, 1971).

Harterofilias domésticas | Estado de alarma XXXIX) | Martes 21 de abril de 2020

🏋🏻‍♂️ Harterofilias domésticas | Estado de ⏰ 3️⃣9️⃣..🗣️ (Taisto Kasurinen) –"¿Qué era eso?".🗣 (Mikkonen) —"Tranquilizantes".🗣️ (Taisto Kasurinen) –"¿Y eso?". 🗣️ (Mikkonen) –"Pregúntamelo dentro de un año". 🗣️(Taisto Kasurinen) –"¿Qué haces normalmente?". 🗣️ (Mikkonen) –"¿Qué significa 'normalmente'? Estoy aquí desde siempre". 🗣️ (Taisto Kasurinen) –"¿Qué piensas hacer cuando salgas?"..👉 Fabular con la conmutación existencial y remidir la aflicción –desazón taciturna y mortificante– para incoar el ajonjolí de otros cautiverios ..🎥 ‘Ariel’ (1988), de Aki Kaurismäki..#CulturaVsCoronavirus #ConfinadoParaVerCine #CinePandémico #PelículasPandémicas #yomequedoencasaviendocine #Ariel #AkiKaurismäki

Publiée par Jose Ramón Alarcón San Martino sur Mardi 21 avril 2020

(Taisto Kasurinen) –»¿Qué era eso?».
(Mikkonen) —»Tranquilizantes».
(Taisto Kasurinen) –»¿Y eso?».
(Mikkonen) –»Pregúntamelo dentro de un año».
(Taisto Kasurinen) –»¿Qué haces normalmente?».
(Mikkonen) –»¿Qué significa ‘normalmente’? Estoy aquí desde siempre».
(Taisto Kasurinen) –»¿Qué piensas hacer cuando salgas?».

Fabular con la conmutación existencial y remidir la aflicción –desazón taciturna y mortificante– para incoar el ajonjolí de otros cautiverios .

Ariel’ (1988), de Aki Kaurismäki.

Harterofilias domésticas | Estado de alarma XL) | Miércoles 22 de abril de 2020

«He llegado al negro. El negro devuelve al fundamento, al origen. (…) Obscuridad, antro de donde todo puede surgir, en donde todo ha de buscarse. Bajo las pieles, las cutículas, bajo una faja, bajo chapas, capós, tablazones, muros, bajo fachadas, bajo el casco de un buque, debajo de un blindaje, todo lo que importa, lo que es órgano, función o máquina, y lo que es ‘secreto’, está resguardado de la luz. En lo negro está lo que importa conocer, y en la noche es donde la humanidad se ha formado en su primera edad y en donde ha vivido su Edad Media. Más tarde vino la época del día a discreción, del día sin fin… se acabó la sumisión, libre pensamiento, libre de aprensión, libre de respeto» (Henri Michaux).

Florilegio incólume de cavilación, lirismo e ideogramas. Acudir tras la introspección enteógena, mezcalina lúbrica para registrar el éxtasis de todos las vesanias.

‘Escritos sobre pintura’, de Henri Michaux | Edición y traducción de Chantal Maillard (Vaso Roto, 2018).

Harterofilias domésticas | Estado de alarma (XLI). Foto: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

Beca de producción a la creación videográfica DKV-Es Baluard 2018

Convocante: Es Baluard y DKV Seguros
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de abril de 2018

Es Baluard y DKV Seguros convocan la quinta edición de la beca de producción a la creación videográfica.

La beca está abierta a la presentación de proyectos de obras de videoarte, y está dotada con un importe de 5.000 euros (+IVA). Esta cifra incluye los gastos de producción de la obra, honorarios, así como otra serie de conceptos desglosados en las condiciones.

La obra resultante se expondrá en Es Baluard a partir de noviembre de 2018, y participará en una exposición colectiva en Ca n’Oliver, Mahón, Menorca, del 5 de octubre al 6 de enero de 2018 (inauguración el 4 de octubre de 2018). El museo asumirá los gastos derivados de las exposiciones. Para la asistencia a la inauguración y presentación se dotará al ganador de una cantidad de 250 euros (+ IVA) que se entregará sumándolo a la totalidad del premio.

Condiciones

La selección de los proyectos ganadores correrá a cargo de un jurado de expertos.
La convocatoria está abierta a artistas y colectivos de nacionalidad española nacidos a partir de 1978. En el caso de colectivos al menos uno de los miembros debe cumplir ambos requisitos.
Los proyectos serán específicos, originales e inéditos. No se admitirán aquellos trabajos que hayan sido editados o premiados anteriormente.
El autor de la obra ganadora cederá a Es Baluard y a DKV Seguros los derechos de comunicación pública de la misma con fines promocionales, para la incorporación a la web, con fines didácticos y de investigación.
Asimismo, el autor se hace responsable de cualquier apropiación, cita o colaboración incluida en el trabajo que no sea de su autoría propia.
Dos pruebas de autor de la obra ganadora podrán pasar a formar parte de las colecciones de ambas instituciones si la comisión de adquisiciones de las mismas lo aprueba y sin coste adicional a la cuantía de la beca.
En caso de que la obra resultante contenga audios con conversaciones la pieza deberá ir subtitulada al inglés (o al castellano si la pieza estuviera producida en inglés).
La beca será abonada al autor o autores del proyecto vencedor previa presentación de factura.
El artista se compromete a acudir a la presentación de la exposición con la obra producida. Los gastos de alojamiento y transporte serán cubiertos por el artista con una dotación de 250 euros (+ IVA) adicionales a los 5.000 euros (+IVA) de la beca de producción.
El autor se compromete a entregar la obra producida antes del 30 de agosto de 2018, para su valoración por parte de los respectivos comités y el estudio de sus necesidades expositivas.
Criterios de valoración

Los proyectos serán valorados por el jurado en función de los siguientes criterios:

El valor artístico y cultural de los proyectos presentados en coherencia con la línea abierta en la beca DKV Es Baluard
La viabilidad de realización en función de los plazos y el presupuesto.
La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución.
Presentación

La solicitud deberá incluir la siguiente información, que se enviará por e-mail en un único pdf de máximo 10 Mb:

DNI y datos de contacto (dirección completa, mail y teléfono)
Fecha y lugar de nacimiento
Título del proyecto.
Cronograma del trabajo.
Justificación del proyecto (máximo 300 palabras).
Descripción del proyecto (máximo 500 palabras).
CV del artista o colectivo (máximo 300 palabras).
Dossier con el trabajo anterior del artista o colectivo con un máximo de 5 obras
Comité de valoración

Miembros del jurado:

Javier Hontoria (comisario y crítico de arte), Tania Pardo (Responsable de Exposiciones de La Casa Encendida), Nekane Aramburu (directora Es Baluard), Alicia Ventura (comisaria y asesora Colección DKV), Juan Bautista Peiró (asesor Colección DKV)

Plazos

El plazo para el envío de la documentación concluye el 15 de abril de 2018. La misma se deberá enviar a Es Baluard al correo electrónico: artistica02@esbaluard.org

Los resultados de los seleccionados de esta convocatoria y sus fases serán anunciados en la web del museo (www.esbaluard.org).

Proyecto seleccionado

Se solicitará a los artistas o colectivos autores de los proyectos seleccionados la firma de un acuerdo con Es Baluard-DKV que regule los términos, revisión de plazos de cumplimiento, pagos y derechos de comunicación de la obra.

Información y Consultas

Para cualquier información adicional pueden dirigirse a: artistica02@esbaluard.org
La participación en esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.
Las decisiones del jurado son inapelables. Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

Bases completas
Imagen de portada: The sun is gone but we still have the view, de Joan Bennassar

El videoarte ya tiene su Mostra

I Mostra de Videoart Independent Valencià
Vinyl Eye
C/ Túria, 35. Valencia
Viernes 1 de diciembre de 2017, a las 19.00h

La I Mostra de Videoart Independent Valencià se presenta el 1 de diciembre como un evento que busca conectar el videoarte con el público, además de dar visibilidad a artistas independientes. Esta muestra de videoarte nace de la mente de su directora, María Pérez-Cejuela, una joven artista valenciana que pretende impulsar y reivindicar el videoarte en Valencia como forma de expresión.

Esta iniciativa cultural, en palabras de su directora, tiene como objetivos “animar a los videoartistas a dar a conocer sus trabajos en un espacio que sirva para crear un marco de diálogo y colaboración entre ellos, y acercar al público a una disciplina artística con un potencial inigualable. El videoarte involucra imagen, color, sonido, música y movimiento. Es una forma de expresión donde el límite es la imaginación, y donde las convenciones estéticas y formales del cine pueden difuminarse, romperse o subvertirse».

El programa de videoarte incluye la proyección de diez obras de diferentes artistas, que acudirán también a presentar y hablar sobre sus proyectos en un coloquio abierto al público. Además, después de las proyecciones habrá un espectáculo de música en directo.

La asociación organizadora, Cremant Muses, de la cual María Pérez-Cejuela es presidenta, trabaja a medio camino entre asociación juvenil y productora audiovisual. Algunas de las actividades a las que se dedican comprenden: la gestión del festival Quartmetratges desde hace cinco ediciones, la coordinación e implementación de proyectos europeos relacionados con temáticas audiovisuales, master class, talleres para jóvenes del municipio de Quart de Poblet, producciones audiovisuales independientes y eventos performativos, habiendo realizado con éxito proyecciones de The Rocky Horror Picture Show, La Princesa Prometida o The Labyrinth.

El evento cuenta también con el apoyo de la marca de ropa Vinyl Eye, que prestará su espacio para las proyecciones. Esta empresa es conocida por su apoyo e incentivación de la creación artística en campos como la ilustración, el diseño o la música. La I Mostra de Videoart Independent Valencià tendrá lugar el viernes 1 de diciembre a las 19.00h en Vinyl Eye (C/ Túria, 35 Valencia), con entrada gratuita hasta completar aforo.

I Mostra de Videoart Independent Valencià.

I Mostra de Videoart Independent Valencià.

Disonantes y efectivos

Disonancias fronterizas. La artificialidad del límite político
Colectivo 1668. Dómix Garrido y Mario Gutiérrez
Sala exposiciones La Lonja
Paseo Almirante Julio Guillén Tato. Alicante
Hasta el 26 de noviembre de 2017

Disonantes y efectivos. Así se exponen Dómix Garrido y Mario Gutiérrez en su intervención en la Lonja de Alicante. Un toque de atención, una llamada de alerta y un grito socavado de auxilio. En esta línea de llamamientos el sonido es una de las herramientas inmersivas clave que destaca en la exposición ‘Disonancias fronterizas. La artificialidad del límite político’. Se trata de una serie de piezas de videoarte y performance que toman sentido en su conjunto. El objetivo es exteriorizar  el resultado de aquellas prácticas, sobre todo gubernamentales, que tienen un efecto directo en el individuo migrante, que normalmente es obligado a ello, y que solo trata de practicar su libertad supuestamente innata.

‘Lo ideal hubiera sido no inaugurar esta exposición, eso significaría que no existe este problema’, declara Dómix Garrido, resumiendo la necesidad compartida que tienen ambos artistas de expresar la injusticia de una situación. Cuentan que, en junio de 2014, llegaron a la ciudad de Melilla, ciudad fronteriza y comenzaron el proyecto que se expone. Reflexionan sobre el término fronterizo, estando precisamente en la frontera, pero sin ser eso mismo, situándose frente a frente, casi al margen. Esa línea divisoria (a veces imaginada) nos traslada inevitablemente a reflexionar sobre el inclasificable y casi interminable no-lugar.

Instalación en Disonancias fronterizas. Imagen cortesía de los artistas.

Instalación en Disonancias fronterizas. Imagen cortesía de los artistas.

Las disonancias se definen como un conjunto de sonidos que son poco inteligibles ya que se entremezclan. Cabe pararse a observar, y a escuchar. Pero antes se debe atravesar la negra cortina de entrada a la sala, donde ya se empiezan a escuchar esas disonancias. La famosa e hipnotizante apertura de ‘Europa’ de Lars Von Trier, nos da la bienvenida y nos lleva de lleno a una parte de Europa poco idealizada. Accedemos de esta forma a una especie de viaje estático, cuyo ambiente predominante está siendo reproducido por ‘Diálogos sordos (o la imposibilidad de un diálogo transfronterizo’, murmullos y voces rotas que parecen tratar de dialogar pero solo escupen sus historias ya sabidas y todavía por solucionar.

Las acciones del Colectivo 1668 se hayan recogidas en piezas audiovisuales. Entre las sucesiones de imágenes, algunas cifras se desvanecen casi de inmediato. Ante esta situación ha dejado de ser algo lejano, un hecho que hemos tratado de ignorar ante la escucha de los telediarios, pero que ahora se hace más real. Trata de nuevo de desaparecer pero algo queda en la memoria, acompañando, normalmente, a esas voces rotas y sordas. Los símbolos son también un continuo. La simbología que ya arranca en la propia imagen del colectivo, alcanza su punto álgido en los restos de la instalación ‘Balsa’ y la performance ‘Banderas mojadas’ que ocupan el final de la sala.

También invitan a la reflexión y participación. No importa que esas banderas estén mojadas, secas, clavadas en la pared u ondeando al viento. Son símbolos de una identidad. En este caso, una identidad perdida que trata de alcanzar una nueva en lugar alejado… Y para alcanzarla se hace necesario inventar y re-inventar, traspasar esa artificialidad de lo político que solo parece entender de límites. Esta importante misión se concreta en la intervención interactiva de Olga Diego ‘Alfombras voladoras’ [o como sobre volar una frontera]. En este taller participativo la imaginación da paso a la utopía y al trabajo conjunto, poniendo punto y final de una forma podríamos decir optimista. Pero la reflexión continúa ya que la problemática persevera en permanecer. Al igual que la frontera cuyas líneas parecen no tener fin.

Instante durante el Taller de Olga Diego. Imagen cortesía de los artistas.

Instante durante el Taller de Olga Diego. Imagen cortesía de los artistas.

María Ramis

Noche de videoarte en el Centre del Carme

Under the Subway Video Art Night
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Sábado 27 de mayo, 2017, a las 20.00h

El Centre del Carme Cultura Contemporània acoge el sábado  27 de mayo la séptima edición del festival de videoarte Under the Subway Video Art Night, el único festival en València dedicado exclusivamente al videoarte. Se trata de un evento a nivel internacional enfocado únicamente a esta disciplina con proyecciones en las paredes de las calles, espacios de arte, galerías, centros culturales, etc.

Además del Centre del Carme las proyecciones se realizarán de forma simultánea en la Accademia di Belle Arti di Brera (Milán), The Local (New York), Centre Cultural i de Creació Casa Planas (Palma de Mallorca), La Casa Amarilla (Málaga), Centro Cultural PLANA (São Paulo), FAC. Feria de Arte en Casa (Madrid) y en el PARACAIDISTA, Movie Bar (Madrid) haciendo este evento artístico cada vez más global en cada una de sus nuevas ediciones.

Imagen anunciadora del festival de videoarte, cortesía del Centre del Carme.

Imagen anunciadora del festival de videoarte, cortesía del Centre del Carme.

Según el director del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, José Luis Pérez Pont, “estamos abriendo el Centre del Carme a todo tipo de manifestaciones artísticas vinculadas con la cultura contemporánea dándoles el valor y el espacio que se merecen en el marco del arte actual”. Y añade: “En este sentido además de la pintura mural que exhibimos de la mano de la iniciativa ZEDRE o a partir de la exposición ‘Joc’, el sábado asistiremos a una velada sobre videoarte dirigida por el artista valenciano Antonio Ortuño en conexión con otras seis ciudades de diferentes partes del mundo”.

“Under the Subway Video Art Night es un festival que surge de la iniciativa de base, de una forma autogestionada que ha ido creciendo y a la que nos sumamos para darle nuestro apoyo y nuestro reconocimiento  como un festival genuino que busca acercar el videoarte a todos los públicos”, explicó Pérez Pont.

El pasado mes de abril se abrió el plazo para presentar libremente video creaciones que no sobrepasaran los cinco minutos. A la convocatoria han concurrido más de 200 propuestas de las que se han seleccionado 30 que van a formar parte de una gran obra visual a modo de cadáver exquisito, medio de creación usado por las surrealistas basado en la aportación libre.

Artistas de diez nacionalidades distintas, entre los que se encuentran 11 españoles, participan en este evento que se desarrolla a través de la red. El evento se presenta de una forma lúdica donde disfrutar del trabajo de los creadores y hacer visible esta manifestación artística.

El Centre del Carme dará la bienvenida a partir de las 20.00 horas a ritmo de música de los Djs N2 y Franky pinchadiscos, invitando a un vernissagge acompañado de unos refrescantes cócteles ofrecidos por Mixologist Academy, mientras los asistentes podrán ir acomodándose en el claustro gótico para presenciar las proyecciones. Al anochecer comenzará la proyección, anticipándose Antonio Ortuño, director y comisario del festival que desde New York presentará y dará paso a los 80 minutos de vídeo-arte. Under the Subway Video Art Night busca romper patrones y estereotipos visuales, invitando al público a dejarse llevar por la experimentación y la sorpresa.

Noche de videoarte. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Under the Subway Video Art Night. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Artistas y obras seleccionadas

Los artistas y las obras seleccionadas que participan en el evento son: Daniel Wechsler, ‘Dust’ (United Kingdom); Sandrine Deumier ‘Affordable Dreams 01’ (France); Francisco Orallo ‘Smoke signals’ (Spain); Márcia Beatriz Granero. ‘Minada’ (Brazil); Rafael Blanco ‘Crono en Y’ (Spain); Shelley Jordon ‘Night Flight’ (USA); Concha Vidal ‘Diving in your absence’ (USA); Lino Mocerino. ‘Shrine v2.4.5’ (Italy); Maria Vidagañ ‘Running at a Stand Still’ (Spain); Giacomo Cosa ‘Habemus Papam’ (Italy); Tino Varela ‘I am the light of the hill’ (Mexico); Iñaki Rodrigo Vera ‘Power to change’ (Spain); Kuesti Fraun ‘EILAND’ (Germany); Damian Lintell-Smith ‘Empire of Rusted Steel by Psychiceyeclix’ (United Kingdom) Paul Clay ‘LES Vid Cartoon’ (USA); Lisi Prada ‘Scopic Drive [Deriva Escópica]’ (Spain); Raziel H C ‘Subset’ (Mexico); Elena Wen ‘In time’ (Taiwan/USA); Janaina Wagner ‘Progress’ (Brazil); Abel Jaramillo ‘Prologue (NHLAPN)’ (Spain); Roberto Voorbij ‘Without clear purpose’ (Netherlands); Miquel Garcia ‘EUROPE’ (Spain); Jorge H. Rosas ‘Above’ (Mexico); Avelino Sala ‘The truth is corrupted with the silence’ (Spain); Mateo Fernández-Muro. ‘La Longue Route’ (Spain-USA); Marla Francis La Scala ‘High reactions’ (Italy); Jeanne Verdoux ‘La route’ (USA); Ivana Larrosa ‘Drinking piece for orchestra’ (USA-Spain); Fernando Clemente ‘La mirada del otro’ (Spain).

X PREMIO VIDEOARTE AYUNTAMIENTO DE ASTILLERO 2017

Convocante: Ayuntamiento de Astillero
Dotación: 2.500 euros en premios
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 17 de abril de 2017

BASES DEL PREMIO
El Ayuntamiento de Astillero desea apoyar las manifestaciones artísticas que tienen
como soporte las nuevas tecnologías mediante la décima edición de este Premio de
Videoarte.
PARTICIPANTES
Dirigido a cualquier persona, profesional o aficionado, sin límite de edad, con
independencia de su nacionalidad, sólo o en grupo, pudiendo presentarse un máximo
de tres (3) obras, que no hayan sido premiadas en concurso alguno.
DURACIÓN
1-10 minutos.
TEMÁTICA
El tema será libre. Los trabajos no deberán mostrar carga publicitaria y/o
propagandística, quedando en todo caso la organización exenta de toda
responsabilidad al respecto.
Derechos de imagen: los autores son los únicos responsables de los derechos de
imagen de las personas que pudieran aparecer en el trabajo, especialmente los que
atenten contra el honor, la intimidad y/o la imagen del menor y demás protegidos por
la legalidad vigente, así como la responsabilidad legal sobre empresa, entidad… que
no hubieran aprobado la presentación de su imagen en este Premio.
PRESENTACIÓN
El plazo de admisión de los trabajos comenzará el día 14 marzo a las 09:00h y
finalizará el 17 de abril de 2017 a las 20:00h. GMT +01:00.
La fecha y hora de recepción de los trabajos y datos solicitados a considerar será la
registrada en la web habilitada para tal fin, no pudiéndose alegar cambio de usos
horarios del país de origen. El horario a tener en cuenta será el del país de destino,
España. http://videoarte2017.elalmacendelasartes.com
FORMATO
Serán admitidos a concurso sólo creaciones en HD H.264 en formato mp4.
Se recomienda formato PAL 16:9 o cualquier otro formato preparado para ser
proyectado en este marco de proyección.
Además del trabajo, será necesario subir los siguientes datos y recursos:
1. Nombre y apellidos del / los creador/es
2. Fecha y lugar de nacimiento
3. Fotocopia del DNI o pasaporte
4. Dirección postal / teléfono de contacto / email
5. Breve CV (Max 15 lineas)
6. Título de la obra
7. Sinopsis (Max 15 líneas)
8. Año de edición
9. Ficha técnica
10. 2 imágenes diferentes del trabajo en HD, 300 dpi, *Jpg

JURADO
El jurado estará formado por especialistas del mundo de la comunicación, la imagen y
el arte, así como por la Concejala de Educación, Cultura y Juventud del Ayuntamiento
de Astillero y un representante más que actuará como secretario.
El fallo del jurado será inapelable pudiendo ser declarado el premio desierto. El
resultado será comunicado a los medios de comunicación y publicado en la página
web de El Almacén de las Artes. www.elalmacendelasartes.com.
PREMIO
Se establece un primer premio a la Mejor Videocreación de mil quinientos euros
(1500€) y un segundo premio otorgado por la Dirección General de Cultura del
Gobierno de Cantabria dotado con mil euros (1000€), el jurado podrá estimar
entregar 2 accésit sin dotación económica.
Como resultado de la convocatoria, tanto los premiados, como los 2 accésit y una
selección de trabajos presentados serán proyectados para su visionado público.
Los premios están sujetos a las retenciones que establece la legislación vigente.
DIFUSIÓN
Los trabajos ganadores deberán enviar copia física de la obra con estuche y
presentación del trabajo debidamente acreditado, así como un certificado de
autenticidad con el correspondiente número de copia, ficha técnica y sinopsis firmado
por el artista.
Los trabajos serán cedidos por el artista y pasarán a formar parte de la Colección
Videoartística del Ayuntamiento de Astillero, en el caso del primer premio y de la
Colección de Arte del Gobierno de Cantabria, el segundo premio.
La organización, el Ayuntamiento de Astillero y el Gobierno de Cantabria, se
comprometen a que las obras no sean copiadas ni difundidas por terceros sin el
permiso de sus autores, salvo para su exposición o visionado público en actividades
que estimen puedan ayudar a promover el premio, la colección o el trabajo de los
artistas, siempre bajo un criterio artístico y/o educativo.
INFORMACIÓN
Más información en:
EL ALMACÉN DE LAS ARTES
Plza. del Mercado s/n 39610 Astillero (Cantabria)
www.elalmacendelasartes.com
info@elalmacendelasartes.com
Tel. 942 077 065 (El Almacén de las Artes)
Fax 942 077 069 (English/Français. Coordinación del premio. Laura Cobo)

La participación en el certamen supone la aceptación de las bases
Bases completas
Imagen de portada extraída del trabajo ganador en el IX Premio de Videoarte 2016, “Eat pray day” de Victor Ripoll.

Fenómeno CALL en Luis Adelantado

CALL XVIII
Simone Bailey, Alejandro Botubol, Florencia Caiazza, Carlos Correcher, Iñaki Domingo, Ana Esteve, Sejma Ferré, Alejandro Ginés, Daniel Jordán, María León, Sali Muller, Elia Nuñez, Hilde Onis, Martín Piolatti, Manel Ros, Rosa Rubio y Jesús Eloy Sánchez
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia

“Yo es que nunca me pierdo la Call”. Cuando esta es una de las frases escuchadas en una inauguración, es un hecho que hay algo que funciona. Además, nos aporta una gran pista sobre la dimensión de la exposición. Retomando la genial nominalización cuando hablamos de “La Call” nos estamos refiriendo a la Convocatoria internacional de jóvenes artistas que dirige la galería Luis Adelantado. Esta convocatoria nace con el propósito de fomentar y apoyar la creación artística, y por supuesto, ha logrado, en su ya décimo octava edición, dar a conocer el arte emergente y joven, así como a sus autores enmarcándolos en un ámbito profesional. En esta edición nos topamos con más de una sorpresa…

Casi todas las disciplinas tiene un representación en el recorrido expositivo. Obras de diecisiete artistas componen el total de la exposición, once de ellos son españoles y cuatro de la Comunidad Valenciana. El resto se reparte entre distintas nacionalidades como la argentina, luxemburguesa, estadounidense, holandesesa o serbia. Distintas partes del mundo, incluso de España, con sus respectivas particularidades inherentes al contexto y la cultura.

Dar la bienvenida con un tipo de instalación como ‘The Fool Show XII’ de Daniel Jordán es un gran acierto. Genera curiosidad y realmente representa ese choque que suele ir implícito al arte joven contemporáneo. Esta gran caja de cartón tamaño humano en la que asoman por debajo unos pies esconde algo y fomenta la sensación de querer saber más. María León parece continuar con el juego generado a través de los vacíos creados por la materialidad de la cortina, negra, sobre fondo blanco. Iñaki Domingo con la serie fotográfica ‘Somewhere to Nowhere’ nos muestra la esencia de la disciplina reducida casi al mínimo donde la protagonista es la luz.

Instalación de María León. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Instalación de María León. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Mientras tanto Alejandro Botubol estudia la simbología de los elementos pictóricos a través, sobre todo, de la geometría. De nuevo, un breve ápice instalativo con ‘Sweet, Backbreaking Adolescence’ de Hilde Onis donde el pasado reciente se materializa a modo de juguete y desprende roja limonada, lo que nos recuerda que no hay que dejar de observar o nos perderíamos la intervención en la ventana de Elia Nuñez así como los no-retratos de Jesús Eloy. El aporte de videoarte lo hace Ana Esteve con ‘Después de Nunca Jamás / After Nerverland’, una pieza que toma como referencia la famosa Ruta del Bakalo para construir dos vídeos, mostrados paralelamente, que reflejan el estilo de vida de dos jóvenes anónimos que entran en el bucle de la cotidianidad de la fiesta, el baile y el alcohol.

Una nueva perspectiva hacia la decoración se puede ver en el trabajo realizado por Rosa Rubio y en el hueco detrás del muro, se pueden ver alojados los paisajes de Alejandro Ginés, lo que implica que su ‘Plan de Fuga’ está funcionando, pues tiene vida propia. Los rostros naturales de los personajes de Manel Ros transmiten pura expresión, esa que también, aunque de manera distinta, quiere transmitir la instalación de Sali Muller. Las obras de Martín Piolatti ocupan gran parte de la sala donde están expuestas, el detalle del color intercambiado de los marcos y la neutralidad de los mismos, hace que las texturas sean las protagonistas.

Vista general de las obras de Carlos Correcher (al fondo) y Florencia Caiazza. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Vista general de las obras de Carlos Correcher (al fondo) y Florencia Caiazza. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Ya en la última sala, al ver las obras sin título de Sejma Ferré nos vienen a la mente las escenas de Richard Hamilton pero de composición aún más abigarrada. Parece que se respira mejor alrededor del video de la estadounidense Simone Bailey y cierra el recorrido un Carlos Correcher cuyas obras dialogan con las de otros artistas, obligándonos a pasear entre ellas, a acercamos, como si en el mismo estudio del artistas nos halláramos.

Sin embargo, “La Call” nos reserva otra última sorpresa. Como novedad en las bases de esta edición se incluía premiar a uno de los artistas seleccionados, con el objetivo de llevar a cabo una exposición individual para el espacio Boiler Room, última sala expositiva, en la parte más alta de galería, durante el verano de 2017. La elegida ha sido Florencia Caiazza, cuyas piezas presentadas reflexionan sobre incompatibilidad de los materiales crudos. El vaciado de cemento con un molde de papel, o el cemento y la moqueta,  supeditan todo el proceso artístico al paso del tiempo, su deterioro o transformación es clave para el interesante estudio sobre el volumen escultórico que la artista lleva a cabo. Merecida mención y enhorabuena, en general, a todos los implicados en el proyecto. Muchos estaremos esperando la siguiente “Call”.

María Ramis

Certamen Villalart

Convocante: Ayuntamiento de Villalar
Dotación: 2.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de abril

El Ayuntamiento de Villalar en colaboración con la Fundación Villalar Castilla y León y la Fundación Fermín Carnero (en adelante la Organización), se complace en convocar la 1a edición de “VILLALART”, que se celebrará en la Pz. de los Comuneros, el 23 de abril de 2.016 de 11:30 a 19h.
“VILLALART” se presenta como cita experimental para conocer aquellas propuestas de 70 artistas, que quieran mostrar su trabajo, sin tener en cuenta la edad, trayectoria o cualquier otra limitación.
Este programa está dirigido a creadores que tengan proyectos de gran calidad y que merezcan ser expuestos, dando la oportunidad de participar en esta particular muestra de arte contemporáneo.
El propósito de esta convocatoria, es celebrar una exposición al aire libre que establezca un vínculo real y cercano entre las obras expuestas y sus creadores, que permita y facilite el acercamiento con el público en general, pero también con críticos, comisarios, prensa, coleccionistas, galeristas, museos, centros de arte, etc.
Se pretende que los artistas no sólo muestren sus obras en esta convocatoria, sino que también se involucren directamente en la explicación, difusión y venta de la mismas, facilitando de esta forma que puedan continuar con su labor creativa.
Condiciones de participación:
• Todos los soportes y disciplinas artísticas están permitidos, siempre que puedan adaptarse a los caballetes donde se expondrán, que tienen como medidas 90 cms. ancho x 160 cms. alto. Se podrá presentar más de una obra siempre y cuando se ajusten a las medidas del caballete. Por tanto, pintura, dibujo, collage, fotografía, grabado, ilustración, etc, serían formatos idóneos para ser expuestos en esta muestra.
• La recepción de proyectos será hasta viernes 8 de abril de 2016.
• Como fecha tope, el 15 de abril de 2016 se publicará en la web del Ayuntamiento de Villalar y de la Fundación Villalar Castilla y León la lista definitiva de proyectos seleccionados, asimismo se comunicará vía email únicamente a los interesados.
• Las obras deberán ser instaladas en los caballetes que se asignen previamente por la organización el día 23 de abril a las 11:30h., siendo el artista o la persona por él designada quien se encargue de hacerlo, debiendo traer el material que estime oportuno para ello.
• Durante la muestra, el artista o la persona por él designada, velará por la buena conservación de su obra/s, no siendo responsable la organización de ningún deterioro, hurto o robo que se pudiese producir durante el evento.
• Los precios de las obras serán fijados exclusivamente por los artistas.
• En caso de producirse una venta de obra artística, ésta se realizará siempre de forma directa entre el coleccionista o cliente y el artista. La organización no participará del beneficio de la venta de las obras, y será el artista quien negocie directamente con el comprador, tanto el precio, las condiciones de pago, descuentos y demás temas relacionados con dicha venta.

La organización no participará en ninguna fase de la transacción de la compra-venta, eximiéndose de cualquier responsabilidad u obligación que se pudiera generar en este sentido.
• El artista o la persona por él designada deberá recoger su obra/s al finalizar el evento, es decir el día 23 de abril a las 19:00 horas.
• Los gastos de transporte desde sus lugares de origen hasta Villalar, tanto de las obras a exponer como de los artistas, correrán por cuenta de estos, lógicamente también el transporte de vuelta.
• La organización tampoco se encargará del embalaje y desembalaje de las obras.
• La participación en esta convocatoria implica la total aceptación de las bases de la misma. La organización se reserva el derecho de resolver, de la forma que considere oportuna, cualquier situación no prevista en las mismas, teniendo en cuenta criterios de equidad y sentido común.
Documentación de aplicación a enviar al email: villalart@gmail.com
• Nombre, apellidos, email y teléfono de contacto.
• Breve texto describiendo la obra a exponer. (No más de 100 palabras).
• Título de la obra/s, técnica, medidas, año de creación y precio de venta.
• Una o dos imágenes de la obra/s a exponer.
• Toda la información, es decir el texto descriptivo, las imágenes y currículum si lo tuviese,
deberá ser montado en un único PDF, evitando las imágenes por separado, con un máximo de
10 Mb de peso.
• El criterio para nombrar el archivo PDF con la documentación será el siguiente:
Nombre del artista.pdf
• No es imprescindible adjuntar currículum del artista, en caso de adjuntarse tendrá como máximo 200 palabras.
• Si dispone de sitio web, adjuntar también el mismo. Criterios de Selección.
La selección de los 70 participantes y su correspondiente asignación de caballetes se realizará por la organización. Dicha asignación se comunicará el mismo día del montaje.
Se tendrá en cuenta la originalidad del proyecto, la adaptación del mismo al espacio concreto de la Plaza de los Comuneros (Villalar), valorándose también que no hayan sido expuestas anteriormente.
Premios y Fallo.
Se concederán 3 premios: 1o de 1.000 €, 2o de 500 € y el premio especial Fermín Carnero a la obra que mejor refleje la realidad social de Castilla y León, dotado de 500 €.
El jurado de esta convocatoria estará compuesto por: Semíramis Gonzalez, comisaria independiente, Javier Díaz Guardiola, periodista cultural, Juan Zapatero, director de la Fundación Villalar Castilla y León, Enrique Berzal de la Fundación Fermín Carnero y Luis Alonso, Alcalde de Villalar.
La entrega de premios será a las 19:00 h. una vez finalizada la muestra.
Dirección de la exposición.
Plaza de los Comuneros. Villalar de los Comuneros – 47111 (Valladolid)

Poliniza Dos

Convocante: Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria de la Universitat Politècnica de València
Dotación: 4.200 euros
Plazo de admisión: hasta el 8 de abril de 2016
Modo de presentación: a través de la web

BASES CONVOCATORIA POLINIZA DOS 2016 (TROBADA D’ART URBÀ)
1. OBJETO
El Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria de la Universitat Politècnica de València organiza, dentro del programa de actividades de POLINIZA DOS 2016 (Trobada d’Art Urbà), un encuentro de intervenciones de pintura mural; entendiendo ésta como aquella pintura realizada sobre un soporte arquitectónico y que se relaciona plástica y simbólicamente con su entorno urbano.
2. REQUISITOS PARA PARTICIPAR
La convocatoria está abierta a todos los artistas, mayores de edad, interesados en participar en la misma de manera individual o colectiva.
Éstos, si finalmente son seleccionados por el jurado, deberán presentar un proyecto con el fin de realizar una intervención pictórica desde el 16 al 20 de mayo de 2016 (ambos inclusive), cada día entre las 10.00 y las 18.00 horas, sobre los muros habilitados a tal efecto en el Campus de Vera de la UPV.
3. SOLICITUD DE INSCRIPCIÓN Y PLAZO DE PRESENTACIÓN
El plazo de inscripción y presentación de solicitudes será del 14 marzo al 8 de abril de 2016 (ambos inclusive). Para ello, deberá rellenarse la ficha de inscripción anexa al final de este documento o descargándola de la página web www.upv.es/poliniza/. Asimismo, se presentará junto a ésta un portfolio digital o un enlace web con el trabajo de los interesados.
Todo ello debe presentarse de manera presencial o por correo certificado en el Registro General de la Universitat Politècnica de València, situado en la planta baja del edificio 3F del Campus de Vera (Camino de Vera, s/n. 46022, Valencia); en el Registro de la Escuela Politécnica de Alcoy (Plaza de Ferrándiz y Carbonell s/n. 03801 Alcoy, Alicante); en el Registro de la Escuela Politécnica Superior de Gandia (C/ Paranimf, 1. 46730 Grao de Gandia, Valencia); o mediante cualquiera de las formas establecidas en el artículo 38.4 de la Ley 30/1992, de régimen jurídico de las administraciones públicas y del procedimiento administrativo común, redactado de acuerdo con la Ley 4/1999, de 13 de enero.
4. JURADO
El jurado estará compuesto por los siguientes miembros de la Universitat Politècnica de València: la Vicerrectora de Alumnado y Extensión Universitaria, el Director del Área de Actividades Culturales, el Vicedecano de Cultura de la Facultad de Bellas Artes, un/a profesor/a de la Escuela Superior de Ingeniería de Edificación, los comisarios de POLINIZA DOS y un representante del alumnado.

Valorando la información aportada, el jurado realizará una selección de los participantes en el encuentro. A su vez, estos deberán presentar un boceto del proyecto de intervención en el plazo de quince días naturales contados desde la comunicación de la resolución y se comprometerán a la realización del mismo en los términos expuestos en estas bases.
El funcionamiento del jurado será conforme a las normas de los órganos colegiados establecidas en la Ley 30/1992 de régimen jurídico de las administraciones públicas y procedimiento administrativo común, modificada por la Ley 4/1999, de 13 de enero.
5. CRITERIOS DE SELECCIÓN
La valoración del jurado se realizará teniendo en consideración los siguientes criterios:
1. Trayectoria curricular y/o formación académica y artística
2. Participación en exhibiciones, eventos, festivales y exposiciones vinculados con el
arte urbano
3. Obtención de becas y premios
4. Trabajo continuado en la realización de intervenciones murales en el espacio público
6.RESOLUCIÓN
El jurado evaluará y propondrá a los premiados, y elevará propuesta al rector para su resolución.
Se dará a conocer la resolución del concurso a través del enlace de ‘Cultura’ de la
dirección www.upv.es (www.upv.es/entidades/ACU/index-es.html) y en la web de POLINIZA DOS (www.upv.es/poliniza/).
7. PREMIO
El importe total de la ayuda es de 4.200 euros a cargo de la partida presupuestaria 009010000-422-47110. El premio es de 600 euros brutos por cada intervención concluida. Habrá un máximo de 7 intervenciones (individuales o colectivas). La organización asume, además, los gastos de desplazamiento, alojamiento y manutención de los artistas seleccionados. Asimismo, se proporcionarán los materiales necesarios para la realización del proyecto. Los premios estarán sujetos a la retención fiscal correspondiente.
8. CONDICIONES DE REALIZACIÓN DEL PROYECTO
Los artistas cederán los derechos de sus obras a la UPV, que libremente podrá disponer de éstas. Por su parte, el Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria se compromete a realizar la difusión del premio a través de sus medios habituales y proveer de la infraestructura y los materiales necesarios para la realización del proyecto seleccionado.
(…)
Bases completas y más información