30×30 Railowsky, tercera parte

30×30 Railowsky
Facultad de Bellas Artes
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta el 12 de mayo de 2017

La Facultat de Belles Arts de la UPV presenta la tercera y última parte del proyecto expositivo ’30 x 30 RAILOWSKY underground’ que, tras las muestras en el MuVIM y La Nau, pone el broche a la celebración del 30 aniversario de la Librería y fotogalería Railowsky que, el pasado mes de diciembre, recibía de esta misma Facultat su Medalla de Sant Carles por «su labor continua de difusión y dedicación especializada a la bibliografía sobre arte, fotografía y cine desde mediados de los años ochenta, siendo un referente cultural de la ciudad de Valencia, promotora de exposiciones y otras actividades, siempre tan cerca de la Universidad y de esta Facultad, y un lugar de ‘aprovisionamiento’ para nuestros estudiantes y profesores».

En los últimos meses, Railowsky ha celebrado su 30 aniversario realizando tres exposiciones en lugares a los que de una manera u otra ha estado y está muy unido: el MuVIM, el Centre Cultural La Nau y, ahora, la Facultat de Belles Arts de la UPV.

La tercera parte de la muestra reúne a 10 fotógrafos de reconocido prestigio que se unen entre sí por afinidad de estilos y amistades en un apasionante viaje en Metro. Alberto García-Alix, Ricky Dávila, Bernard Plossu, Vari Caramés, Las Fotolateras (Lola Barcia y Marinela Forcadell), Eduard Ibáñez, Pilar Pequeño, Javier Campano, Chema Madoz y Rafael Navarro se convierten en improvisadas estaciones de Metro que conforman, en el montaje de esta última parte, la línea morada de esta red imaginaria que une distintos espacios de la ciudad y a diferentes fotógrafos.

Cartel de 30x30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Cartel de 30×30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Esta tercera y última línea agrupa la parte más artística y vanguardista del ‘Universo Railowskyano’. El final de este viaje tan solo es el principio de uno nuevo porque, como decía el poeta catalán Miquel Martí i Pol: «i via fora! /que tot està per fer i tot és possible».

Alberto García-Alix es un reconocido fotógrafo español (nacido en León, en 1956), que fue uno de los estandartes de la llamada ‘Movida Madrileña’. En sus obras emplea una poderosa imaginería para llevarnos al lado más duro de la sociedad, combinándolo con su incuestionable genio artístico.

“Yo soy un permanente insatisfecho, nunca quedo contento, siempre sacaría un carrete más.” (Alberto García-Alix)

Ricky Dávila Wood es un fotógrafo vasco (nacido en 1964 en Bilbao) que es un poeta visual. Es un hombre reflexivo y apasionado a la vez. Busca imágenes definitivas, pero no el instante decisivo: busca almas y rostros, historias, busca emociones y escalofríos.

“Las caras tienen que ver con una dirección hacia fuera de la cámara, mientras que los paisajes me devuelven hacia un viaje interior.” (Ricky Dávila)

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Bernard Plossu es un fotógrafo francés (nacido el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam) del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes. Es el fotógrafo viajero por excelencia. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto.

“Viajar no es cruzar fronteras sino cambiar de olor.” (Bernard Plossu)

Vari Caramés es un fotógrafo gallego (nacido en 1953 en Ferrol). Actualmente vive en A Coruña. Es un incorregible perseguidor del azar, las sombras huidizas y los encuentros que sólo presuntamente son fortuitos. Con más de tres décadas de dedicación a sus espaldas y una obra de personalísimo trazo que lo coloca entre los fotógrafos españoles más singulares de nuestro tiempo, es un cazador de imágenes «en volumen bajo y alta fidelidad».

“Para mí la fotografía siempre fue un juguete, lo importante es conseguir imágenes poderosas, magnetizantes.” (Vari Caramés)

Eduard Ibáñez es un pintor, grabador y fotógrafo valenciano (nacido en Tavernes de la Valldigna, Valencia, en 1954) que es conocido en el ámbito fotográfico español principalmente por su consolidada trayectoria en fotomontajes.

“La fotografía me ha permitido, frente a su supuesta objetividad, estimular los lugares más recónditos de la percepción, provocando un torrente de emociones inesperadas.” (Eduard Ibáñez)

Lola Barcia y Marinela Forcadell, Las Fotolateras, nacidas en Valencia y Castellón (1968 y 1969 respectivamente). Desde el mundo de las Bellas Artes y del Marketing respectivamente, comienzan en 2008 su andadura estenopéica. Fotógrafas itinerantes y viajeras incansables, recorren el mundo con 45 cámaras de foto construidas a partir de latas metálicas ‘enlatando’ el mundo siendo ‘Ciudades enlatadas’ su obra más extensa. De una manera calmada y serena, retienen imágenes de ciudades bulliciosas y vivas transportando en sus maletas 45 latas y todo lo necesario para construir sus clásicos laboratorios ambulantes alrededor del mundo. Su pasión por la divulgación les lleva a impartir cursos, conferencias y exposiciones sobre fotografía en las que trasmiten el amor por la ciencia y el arte como forma de vida.

“No capturamos el instante, sino el momento. La imagen es tomada mientras suceden cosas en el exterior. Es algo lento, como la cocina.” (Las Fotolateras)

Fotografía de Pilar Pequeño.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

Pilar Pequeño es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1944) cuyo tema principal es la naturaleza: paisajes y bodegones de flores y plantas, al principio en blanco y negro y actualmente en color. De 1997 a 2005 desarrolla la serie ‘Huellas, fragmentos de tiempo’, fotografías de lugares abandonados; un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación por la naturaleza de lo que fue suyo.

“Me gusta trabajar en soledad y silencio, analizar la naturaleza.” (Pilar Pequeño)

Javier Campano es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1950, donde vive y trabaja) que nos ofrece, a través de sus fotografías, su propia visión cercana de las ciudades que ha visitado en sus viajes y, cómo no, de los múltiples viajes que ha realizado en una misma ciudad: Madrid.

“Tiene tanto valor el color como el blanco y negro, son variaciones de lo mismo y en todos los casos la poesía y la emoción siempre están presentes, eso es lo que intento.” (Javier Campano)

Chema Madoz es un reconocido fotógrafo español (Madrid, 1958) amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes. No todo es lo que parece, y ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata y el absurdo, la paradoja, el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo, estableciendo una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo.

“La técnica me interesa en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo. Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente.” (Chema Madoz)

Rafael Navarro es un fotógrafo aragonés (nacido el 8 de octubre de 1940 en Zaragoza) cuya obra es un reflejo de su mundo interior. Mostrar lo evidente casi nunca ha sido un objetivo para él. Sus fotografías son siempre en blanco y negro y con un tamaño que oscila entre el convencional y los grandes montajes.

“Para mí la fotografía es un medio. Un medio que me permite hablar allá donde no encuentro las palabras. Un medio con el que busco en mi subconsciente, aflorando contenidos, sentimientos escondidos. Un medio que me permite crear objetos que contengan valores sutiles inteligibles para otros. Un medio que me deja respirar mi libertad.” (Rafael Navarro)

 

El legado de Emilio Sdun

Memorial Emilio Sdun
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta mediados de marzo de 2017

Para todos aquellos que entienden el libro como una obra de arte, Emilio Sdun es ya un referente ineludible. ¿Que quién es Emilio Sdun? Pues alguien que “destilaba imprenta por los poros de su piel y, tras unos minutos a su lado, uno acababa amando la tipografía”. Así lo define Paco Vela en la exposición organizada por el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Valencia y Librodeartista.info Ediciones de Jaén como homenaje al artista desaparecido hace dos años.

Antonio Alcaraz, comisario de la muestra junto a Antonio Damián, recuerda la impronta que dejó en Valencia en los dos talleres que impartió en la Universidad Politécnica. “Formó a un montón de gente, entre ellos a Marta Pina y Eva Mengual, a quien llegó a regalar gran parte de lo que ahora tiene”. Mengual, responsable de la Seiscuatro, participa de hecho en la exposición con un magnífico desplegable libro de artista. Junto a ella, otros 25 ejemplares integran la exposición Memorial Emilio Sdun. Un homenaje a su figura en el que han terminado participando artistas de diferentes países, a través de la convocatoria abierta para tal fin.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

“Muchos han conocido en Valencia la letra gracias a Emilio Sdun”

Como Emilio Sdun, en el momento de su fallecimiento en enero de 2015, se hallaba trabajando en torno al dadaísmo, este ha sido el motivo elegido a la hora de convocar los trabajos para el Memorial. “Sus gafas de componer, la jeringuilla utilizada a causa de su enfermedad, la pajarita; todas esas cosas las tenía en una cajita a modo de acto dadaísta”, señala Alcaraz, que recuerda igualmente la singular manera que tenía de trabajar: “Muchos han conocido aquí la letra por él; letras que trabajaba de forma poco ortodoxa”.

Dieter Emil Sdun nació en Leubnitz (Sajonia), se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín y fundó en Frankfurt, junto con su mujer Doris, el taller Prensa Cicuta, nombre tomado de una planta tóxica que crecía en el exterior del edificio donde ubicó su imprenta. Un viaje a España por Granada, dada su pasión por Lorca, le hizo abandonar su Alemania natal y adoptar pronto el nombre más castellano de Emilio Sdun. Alcaraz lo conoció en Frankfurt y una vez instalado en nuestro país no dejó de acercar su trabajo a los alumnos de la UPV, en cuya colección hay buena parte de su obra.

Obra de Familia Plómez. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de Familia Plómez en la UPV.

“Era hombre de pocas palabras, lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”

“Se implicó mucho aquí, dando talleres a gente joven y enseñando con generosidad cuanto sabía, que era mucho”. En la exposición ubicada en el ‘Espai (en vitrina)’ del Decanato y la Biblioteca de Bellas Artes, que permanecerá hasta el 28 de febrero, hay un trabajo realizado conjuntamente por Emilio Sdun y el propio Alcaraz, tomando como referente un texto de Paul Renner (“diseñador de la letra futura”), al que interpretan en el libro Die Kunst der Typographie (El arte de la tipografía). “Era hombre de pocas palabras, que lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”, subraya el comisario de la exposición.

“Soy un amante de la poesía y de los libros en general”, apuntaba el propio Sdun en la última entrevista concedida a medios, realizada por el editor Vicente Chambó, quien destaca el predominio en su obra del “texto en armonía con el espacio”. “Los jóvenes hoy en día trabajan con ordenadores, impresión digital y nuevas tecnologías”, decía en esa entrevista, para agregar: “Con la irrupción de lo digital, creo que el libro de calidad y de creación manual tiene un valor añadido”. Valor añadido que se puede ver en la exposición que sirve de homenaje a su figura.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

“Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”

Los libros de Sdun, como recuerdan los comisarios, se encuentran hoy en importantes museos y galerías de arte de todo el mundo, como la Tate Modern de Londres, el Museo Gutenberg de Maguncia o el Art Center Collage of Design de Pasadena en Estados Unidos. “Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”, explica Vela, quien destaca, además del trabajo realizado con Antonio Alcaraz, “la inclasificable obra Mi idolatrada felatriz, de Fernando Arrabal”. Alcaraz apunta que Sdun “chupa mucho de las vanguardias alemanas clásicas, de los constructivistas rusos y de la literatura iberoamericana”.

El Memorial Emilio Sdun, nacido como homenaje y que ha dado pie a la convocatoria con casi 100 trabajos presentados, de los que se han seleccionado los 25 que integran finalmente la exposición, pudiera tener continuidad. “No lo habíamos pensado, pero dado el éxito quién sabe”, barrunta el comisario. Las obras, presentadas en vitrinas y en el interior de singulares palés (“los trajimos de Fuente del Jarro”) montados sobre libros de viejo, giran en torno al dadaísmo, movimiento artístico surgido en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zurich, a instancias de Hugo Ball. Dadaísmo que fue a su vez última fuente de inspiración del propio Sdun, pivotando sobre ambos la muestra.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Hay obras de Argentina, Colombia, Brasil, Alemania, Francia y de algunas universidades españolas que trabajan el libro de artista, como la de Bellas Artes de Altea, la Complutense de Madrid, las de Salamanca y Granada, o la propia Universidad Politécnica de Valencia. También de las Escuelas de Arte y Diseño de Jaén y Barcelona. Obras de una gran calidad y originalidad que, siguiendo los dictados Dadá, juegan con las palabras y las imágenes para recrear universos donde la lógica da pie a los más variados despropósitos.

Los carteles de la Familia Plómez, apelando a la larga vida del papel (Paper is not dead), el propio montaje de Librodeartista.info Ediciones interpretando al poeta visual Antonio Gómez, o las ‘Parafasias sin re me dios’ de Consuelo Vallejo, jugando con los nombres de algunos medicamentos (Ytuponfreno, Antidiótico, Siponfín o Espararato), son algunos de esos trabajos dadaístas en honor a Emilio Sdun, que como recuerda Alcaraz poseía igualmente un socarrón sentido del humor. El Memorial que viene a restañar la herida de su muerte comenzó en el Museo de Jaén, se prolonga ahora en la UPV y concluirá ampliado en octubre en el marco del festival del libro SINDOKMA’17 en Valencia. Aunque, como desliza Alcaraz, quién sabe si no tendrá más larga continuidad.

Emilio Sdun.

Emilio Sdun en el cartel de la exposición que le dedica la UPV.

Salva Torres

Jesús Herrera Martínez obtiene la IV Beca de La Rambleta

Spatium Hermeticum es el título de la obra de Jesús Herrera Martínez galardonada con la IV Beca Espai Rambleta, escogida entre más de un centenar de proyectos internacionales. En esta edición, el galardón ha ido a parar a un artista valenciano. Aunque actualmente se encuentra residiendo y trabajando en Copenhague, el alicantino Jesús Herrera mantiene su centro de operaciones artístico en el barrio de Ruzafa.

El premio conlleva la concesión de diferentes ayudas materiales y económicas para la realización del proyecto ganador. La convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística, individual o colectiva, así como a proyectos de producción, investigación y comisariado. Gracias a residencias como esta, Rambleta continúa alcanzando algunos de sus objetivos principales: respaldar a los creadores, apostar por la calidad y dar visibilidad a los nuevos talentos.
Spatium Hermeticum es un proyecto pictórico que plantea una reflexión en torno a las estrategias tradicionales de exhibición. Abriendo interrogantes sobre si una narrativa pictórica contemporánea es posible simulando un espacio simbólico sacro o si un display alegórico puede compactar una serie pictórica poliédrica.

Jesús Herrera Foto2

Hasta 122 proyectos llegados de todas partes del mundo ha tenido que valorar un renovado jurado compuesto por expertos del sector artístico. A los miembros habituales del tribunal, se han sumado nuevas y reconocidas caras como las de David Pérez (director de Actividades Culturales de la UPV), Maribel Doménech (artista visual y catedrática BB.AA de la UPV), Marisol Salanova (comisaria y crítica de arte) y Reyes Martínez (SET Espai d’Art). En cuanto al resto de finalistas, el listado lo completan Damià Jordà, Antoni Signes, Anja Krakowski, Luis Urquieta, Jorge Isla, Chus García-Fraile,Mario Gutiérrez Cru, Cristina Spirelli y María Lamuy; un sugestivo y variado elenco de creadores que certifica el nivel que ostenta actualmente el certamen.

Con este reconocimiento, Jesús Herrera Martínez se une a una exclusiva lista de creadores conformada por Várvara & Mar, Santiago Morilla, y Avelino Sala, sin duda, todos ellos, una realidad del panorama artístico actual. Con La cuarta edición de la Beca de Investigación y Producción Artística de Espai Rambleta se consolida como una convocatoria artística de reconocido prestigio nacional. El valenciano comenzará su residencia y desarrollará su trabajo en la sala de exposiciones de Espai Rambleta a lo largo esta temporada, hasta que, en el último trimestre del año, se lleve a cabo la inauguración del proyecto ganador.

Más información

Jeús Herrera Foto

Arte enchufado

Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio
Sala Josep Renau
Facultat de Belles Arts
Universitat Politècnica de València
Del 27 de octubre de 2016 al 3 de marzo de 2017

El pasado mes de septiembre, durante la rueda de prensa anterior al acto de investidura como Doctor Honoris Causa UPV 2016, el investigador norteamericano Roger Malina recordó el trabajo de su padre como el de un pionero en la década de 1950 citando alguna de las críticas que recibió entonces. Una de ellas decía: “Si hay que enchufarlo, no puede ser arte”. El trabajo de Frank J. Malina entonces, como el de Roger Malina ahora, están detrás de esta exposición donde casi la totalidad de las obras que se muestran necesitan ser enchufadas.

Fruto del convenio de colaboración firmado este año por la UPV y la Colección BEEP de Arte Electrónico, gracias al interés del Máster Oficial en Artes Visuales y Multimedia y a la colaboración de LaAgencia, la exposición ‘Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio’ se plantea como un ejercicio expositivo que pretende mostrar la mejor colección de arte electrónico contemporáneo de nuestro país (colección que surgió en el contexto de la feria de arte contemporáneo ARCO en 2006) en el ámbito de la Universidad para su estudio e investigación, coincidiendo con su décimo aniversario. Este programa se encuadra dentro de los esfuerzos de responsabilidad social corporativa del grupo Ticnova en apoyo de la Universidad Pública, dando a los alumnos la oportunidad de trabajar con casos reales, poniendo a su servicio la Colección Beep de Arte Electrónico.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Se trata de un proyecto expositivo que reúne obras realizadas con nuevos medios y que abarcan desde el llamado net art, la robótica, la electrónica, el bioarte y lo digital hasta el arte interactivo, cubriendo todas las facetas que permite la tecnología contemporánea y siendo un fiel reflejo de los nuevos modos de reflexionar sobre nuestra realidad en plena era tecnológica.

Uno de los aspectos más importantes de la muestra es el enfoque como “caso de estudio”, lo que permitirá que los estudiantes y el profesorado de la Universidad trabajen directamente en el montaje, la documentación y la preservación de las obras, conociendo de primera mano la complejidad tecnológica que configura las obras contada por sus protagonistas, los artistas y técnicos que impartirán a los estudiantes sesiones de trabajo para explicar tanto sus propias metodologías de trabajo como los protocolos necesarios para la preservación de estas obras. La propuesta, aunando práctica artística y tecnología, promueve una alianza innovadora en la intersección Arte, Ciencia y Tecnología, buscando el encuentro y la convergencia entre métodos científicos y artísticos.

Así, esta exposición plantea un novedoso enfoque pedagógico al ofrecer a los estudiantes las obras como “casos de estudio”. Enfrentarse al estudio de obras de arte de base tecnológica implica una dificultad añadida: la necesidad de comprender las transformaciones tecnológicas y entender la conceptualización de las propuestas. Al llevar a cabo el montaje junto a los artistas y técnicos, los estudiantes de la UPV conocerán de primera mano los procesos creativos de los artistas.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Toda la documentación generada durante la exposición por los estudiantes en torno a la colección (instrucciones de montaje, fichas de mantenimiento, protocolos de preservación ante la obsolescencia de los componentes, recopilación de lenguajes de programación y mantenimiento informático, etc.) constituirá a su vez una información relevante tanto para los investigadores, los gestores culturales como para los mismos conservadores de la colección BEEP, ofreciendo un conocimiento en profundidad de las obras y una sistematización de sus requisitos de exposición.

Para que esto sea posible, el espacio de la Sala Josep Renau se ha ajustado a un diseño expositivo a modo de stands de feria, ya que la muestra se plantea como un work in progress, como un ensayo que se desarrolla en el tiempo y donde las piezas irán cambiando, actualizándose, cada tres semanas, de manera que al final todas las que integran la colección serán revisadas, exhibidas y documentadas.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

La Colección BEEP de Arte Electrónico: 12 años dedicados al Arte tecnológico

La Colección BEEP de Arte Electrónico es el fruto del objetivo del grupo TICNOVA de potenciar la creación artística vinculada a la tecnología, favorecer la comunicación entre los desarrolladores/creadores de tecnología y los creadores artistas. Una colaboración natural que beneficia y enriquece a ambos mundos.

Vinculada desde sus inicios a la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO a través del Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico, ha generado en 10 años una de las colecciones de Arte Electrónico más importantes de Europa. 16 obras resumen de forma ecléctica las tendencias de los medios tecnológicos en el campo de las prácticas artísticas.

En una metáfora sobre el funcionamiento de la sociedad y el uso de la internet se sitúa la obra de Davide Grassi, Christophe Bruno, el colectivo Ubermorgen, Julius Von Bismarck & Benjamin Maus, Manuel Fernández o Daniel Canogar. Trabajando con programas informáticos destaca el caso de las instalaciones de Charles Sandison, jugando bajo la metáfora recurrente del espejo encontramos las obras de Christa Sommerer Laurent Mignonneau y de Rafael Lozano-Hemmer y en la conjunción de arte sonoro y nuevos medios las piezas de José Antonio Orts. Por su parte, Eduardo Kac reflexiona a través del conocido como bioarte en torno al sujeto en el mundo postdigital mientras que Andrés Pachón y Manu Arregui nos exponen una nueva realidad social valiéndose de la tecnología 3D.

En el campo de la robótica, nos encontramos con las esculturas interactivas de Anaisa Franco que conectan lo físico y lo digital, y de Marcel·lí Antunez en la que un tronco de madera esconde un sistema robótico empático; con nuevas formas de comunicación entre elementos mecánicos en las instalaciones de Ricardo Iglesias y Gerard Kloger; con una búsqueda de un sistema auto-organizativo en mímesis con la naturaleza en las piezas de José Manuel Berenguer; y, en la obra de Marcela Armas, como canal para investigar los conceptos de energía y sostenibilidad.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

La Cabina se duplica por obra de Lawerta

Cartel del Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina 2016
Autor: Jorge Lawerta
Presentado en La Fábrica de Hielo
C / Pavia, 37. Valencia
Viernes 22 de julio de 2016

Carlos Madrid, director de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, y el ilustrador Jorge Lawerta presentaron el viernes 22 de julio el cartel de la novena edición del festival en La Fábrica de Hielo. La imagen representa una escena del mediometraje dirigido por Antonio Mercero en 1972, protagonizado por José Luis López Vázquez y cuyo título ha tomado el festival, La cabina.

El cartel del festival es, desde hace unos años, un acontecimiento en sí mismo. En las últimas ediciones, artistas y diseñadores de la talla de Paula Bonet, Luis Demano, Escif o Carla Fuentes (Littleisdrawing) han sido los encargados de llevarlo a cabo. Para esta novena edición, que se celebrará del 3 al 13 de noviembre, La Cabina ha contado con el ilustrador valenciano Jorge Lawerta.

Madrid destaca del cartel que “integra perfectamente todos los elementos dentro de la imagen” y que “es muy dinámico en cuanto a los colores utilizados por Lawerta que representan las tres secciones del festival: Sección Oficial, Amalgama e Inèdits”. Además, añade que “es una buena reinterpretación de la película de Mercero, aunque en nuestro cartel José Luís López Vázquez aparece encantado de estar encerrado en la cabina, al igual que esperamos que el público esté encantado de encerrarse con nosotros los días del festival”.

Lawerta está titulado en Bellas Artes por la UPV, ha sido Director de Arte en agencias como CuldeSac™: Espacio Creativo, Comunicación, Experience o Global Works y ha colaborado en El País, Eleven Magazine, ICON – EL PAÍS o Panenka entre otras publicaciones. Además, ha realizado diseño de marca para clubes como el Valencia CF y el Levante UD. Esta faceta deportiva de su trabajo se manifestó recientemente en su primera exposición –Amor por los colores– en la galería Pepita Lumier art&shop.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

González Garrigues, Premio BBAA San Carlos

Levitas, de María González Garrigues
Premio Nacional de Pintura
Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia

La joven artista María González Garrigues (Gandia, 1992) ha resultado ganadora del XVII Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, que se convoca anualmente con el patrocinio de Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

El jurado, que tuvo que elegir entre 53 obras presentadas, ha destacado el alto nivel artístico de la convocatoria y ha elegido como ganadora ‘Levitas’ de María González Garrigues.

Artista nacida en El Grau de Gandia en 1992, María González Garrigues realizó sus estudios de Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València y ha obtenido el primer premio dotado con 6.000 euros con una obra realizada con técnica mixta sobre tabla.

El jurado, encabezado por Manuel Muñoz Ibáñez, presidente de la  Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, estuvo formado por los académicos, Román de la Calle, Aurora Valero, Felipe Garín y Rafael Armengol.

Omnia In Sublimi Sunt.

Omnia In Sublimi Sunt, de David Marqués Serra. Imagen cortesía de la organización.

El jurado falló también dos accésits dotados con 3.000 euros cada uno a favor de David Marqués Serra (Valencia, 1988) por Omnia In Sublimi Sunt y de Isidoro Moreno López  (Valladolid, 1975) por su obra Duero.

Las obras ganadoras y las otras siete seleccionadas permanecerán expuestas hasta el 24 de julio en Nuevo Centro Espai d´Art.

Levitas, de María González Garrigues.

Levitas, de María González Garrigues.

 

4º Premio Culturama Innovación Social en materia de juventud

Convocante: Culturama SL. amb la col·laboració de Generalitat Jove – IVAJ, Diputació Provincial de
València, Universitat de València, Consorci xarxa Joves.net, Consell de la Joventut de la
Comunitat Valenciana-CJCV, Associació de Professionals de Joventut de la CV i la Universitat
Politècnica de València
Dotación: 800 euros + accésits
Modo de presentación: a través de correo electrónico
Plazo de admisión: hasta el 29 de julio de 2016

Culturama SL. amb la col·laboració de Generalitat Jove – IVAJ, Diputació Provincial de València, Universitat de València, Consorci xarxa Joves.net, Consell de la Joventut de la Comunitat Valenciana-CJCV, Associació de Professionals de Joventut de la CV i la Universitat Politècnica de València, convoca la quarta edició d’aquest premi.
Una edició que emfatitza el seu interés per premiar aquelles propostes que basen el seu desenvolupament en la cultura i l’art contemporani com a motor de canvi social. Ens interessen especialment aquells projectes que vinculen les estratègies artístiques amb l’àmbit juvenil per a impulsar noves perspectives de construcció de coneixement i enfortiment de la ciutadania activa i implicada.
En un moment com l’actual, on la producció artística presa el nostre context polític, econòmic i social, els estudis d’antropologia, psicologia i filosofia així com la història i la història de l’art com a material de treball; l’art actual suposa un recurs que supera la mera contemplació i dóna lloc a experiències d’educació no formal que incentiven el compromís social del públic com a ciutadà.

BASES
1. Objectius de la convocatòria
Premiar projectes desenvolupats per joves (màxim 35 anys) o dirigits a joves en els quals a través de la cultura i l’art contemporani es fomente un enfortiment de la ciutadania implicada, conscient i solidària.

2.- Activitats objecte del premi
Podran optar al premi aquells projectes ja realitzats o en fase de realització, desenvolupats en l’àmbit de l’Estat Espanyol, en un període no anterior a 2014. Seran activitats objecte d’aquest premi aquelles que usant com a eines les pròpies de la cultura contemporània (projectes que incloguen arts plàstiques, fotografia, videoart, net.art, instal·lacions, intervencions, landart, art postal, art públic, performance, accions i altres expressions pròpies de les arts visuals) impliquen a la població juvenil en processos d’apoderament ciutadà actiu.
3.- Condicions dels participants
Podran presentar-se a aquesta convocatòria totes aquelles persones, físiques o
jurídiques (sense ànim de lucre) que desenvolupen la seua activitat a l’àmbit de l’Estat
Els professionals que treballen en el si de les entitats col·laboradores només podran
presentar-se al premi quan la proposta en la qual participen no haja estat realitzada en
l’entitat per a la qual presta els seus serveis ni pot haver sigut recolzada econòmicament per
aquesta.
En cap cas podran presentar-se a concurs les entitats organitzadores ni col·laboradores
del premi.
4.- Presentació de les sol·licituds
El termini de presentació de sol·licituds serà des del 2 de Maig fins al 29 de juliol de
2016.
Les persones o entitats interessades a optar al premi tindran la documentació
necessària per a la presentació de la seua experiència a través de la web de Culturama
(www.culturama.es), on podran obtenir la fitxa d’inscripció (annex 1), el formulari de sol·licitud
(annex 2) i un model de declaració jurada (annex 3) que acreditarà l’autoria de la proposta.
Només seran admeses al premi aquelles propostes que es lliuren via correu electrònic
(premi@culturama.es). Les propostes que opten a aquest premi, obligatòriament, hauran
d’usar el citat formulari (annex 2) i seguir l’estructura marcada en el mateix sense excedir en
cap dels camps les 500 paraules. No es tindran en compte aquelles paraules una vegada
sobrepassat el límit.
En cas d’adjuntar imatges o material audiovisual digital, s’enviarà per correu electrònic
(fins a un màxim de 15 MG) juntament amb la resta de la documentació. També es pot enviar
per correu postal a Culturama Sl. c/ Santa Teresa, 11b. 46920-Mislata (València), indicant IV
PREMI CULTURAMA en el sobre i acompanyant-ho d’una còpia de la fitxa d’inscripció.
Les sol·licituds rebudes en Culturama tindran un nombre de registre assignat que serà
comunicat als participants per correu electrònic en el termini de 48h. En cas de no rebre la
confirmació amb el nombre de registre, en termini i forma, farà falta que els participants ho
comuniquen a l’empresa per a resoldre la incidència.

5.- Criteris de valoració
Es considerarà com a criteris de valoració per a atorgar el premi:
• L’adequació del projecte als requisits de la convocatòria
• La innovació i singularitat de l’experiència presentada
• La càrrega de valors socials i culturals de la idea
• El respecte i aplicació dels codis de bones pràctiques en la gestió cultural
• La qualitat de la proposta
6.- Jurat
El jurat estarà format per un/a representant de: Culturama SL
IVAJ. Generalitat Jove
Exma. Diputació Provincial de València Universitat de València
Consorci Xarxa Joves.net
Consell de la Joventut de la Comunitat Valenciana-CJCV
Associació de Professionals de Joventut de la Comunitat Valenciana Universitat Politècnica de València

Els premis podran ser declarats deserts segons el parer del jurat. Qualsevol dubte sobre
aquestes bases ha de ser resolt pel jurat, el veredicte del com és inapel·lable.

7.- Import i Adjudicació del premi
L’experiència que obtinga el 1er Premi guanyarà 800 € (impostos inclosos) i un guardó. Però també hi ha altres premis en forma d’accèssits als quals se’ls editarà la seua experiència al llibre de pràctiques innovadores en matèria de joventut que serà publicat en format digital i enllaçat des de cadascuna de les planes web de les entitats col·laboradores en l’edició del premi. I en una edició impresa, que serà distribuïda a totes Regidories de Joventut dels ajuntaments de la província de València, a tots els Centres d’informació Juvenil de les províncies d’Alacant i Castelló i a una selecció de 20 facultats d’art del Territori Espanyol.
(…)
Bases completas y más información

Una granja a la española

‘Spanish Farm’, de Miguel Ángel Escoín
Cafetería Facultad de Bellas Artes
Camí Vera, s/n Valencia
Inauguración: 19 de mayo a las 11:00h
Hasta el 30 de junio de 2016

‘Spanish Farm’ es un proyecto expositivo realizado con el programa de dibujo asistido por ordenador Illustrator, impreso en soporte de papel y con unas medidas totales de 1,00 m. x 14,00 m. Un tamaño descomunal para una tira de humor gráfico. Y es ahí donde radica la original aportación del autor, al trasladar de los cauces habituales, prensa, revistas, novela gráfica, etc. al espacio expositivo, creando así una nueva forma de ver y leer una obra de ilustración.

‘Spanish Farm’, la granja española, es una creación artística que, indiscutiblemente, se puede calificar como contemporánea, en el sentido de que toma una clara postura frente a la actualidad política que vivimos en el presente. Su mensaje, de contenido político, pretende hacernos reflexionar sobre las promesas incumplidas y la corrupción de la clase política. Pero, sobre todo, plantea un interrogante para que el espectador interactúe con la obra. ¿Por qué seguimos votando a partidos y políticos corruptos?

El autor nos da pistas para resolver este dilema, aportando imágenes explícitas con el lenguaje del cómic, que nos llevan a comprender que la respuesta está en el viento. Un viento que sopla cargado de casos de corrupción y comportamientos poco éticos de nuestra clase política, poblada de personajes que conocen el precio de todo pero que desconocen el valor de la decencia y la honradez.

‘Spanish Farm’ es una obra realizada por Miguel Ángel Escoín, quien como artista visual siente la necesidad imperiosa de expresar su desconcierto y hastío ante la situación socio-económica que vivimos día a día. Y lo hace en clave de fábula, con humor y unas grandes dosis de ironía.

Miguel Ángel Escoín junto a la obra ya montada. Imagen cortesía del artista.

Miguel Ángel Escoín junto a la obra ya montada. Imagen cortesía del artista.

«La pintura nos hermana a todos»

‘Pintar en los tiempos del arte. La persistencia de la pintura’
Conversación con Antonio López
Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia
Auditorio Alfons Roig
6 de mayo de 2016

Antonio López -artista eximio por antonomasia-, coadyuvado dialécticamente por dos referentes de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, como son Ricardo Forriols -Vicedecano de Cultura- y José Saborit -Catedrático del Departamento de Pintura-, ha acontecido por el Levante portando consigo los céfiros continentalizados de Tomelloso, el lustre del oficio y la palabra octogenaria -de prosodia honda y naturaleza límpida-, para regresar a la corte (surcando La Mancha con un puñado de chufas) tras haber insuflado su impronta y convertir su prédica en acontecimiento.

Ante un auditorio ahíto de incipientes universitarios, profesores y foráneos del ámbito académico, Antonio López -quien comenzó la jornada evocando su parentesco de recuerdos y devoción por Valencia, los primeros años de María Moreno (artista y esposa) en la ciudad, su exposición por estos lares con Lucio Muñoz y Amalia Avia, etc- se manejó con campechanía en los coloquialismos y con mundología en los filosofemas, para aventurarse, a la postre, por los recodos de diversos temas suscitados durante la conversación: la realidad/el tema/la impronta, la tarea, la técnica, la libertad vs la ortodoxia, el azar y ‘Realistas de Madrid’.

Antonio López, acompañado de Ricardo Forriols y José Saborit, durante un instante de la conversación. Fotografía: Merche Medina.

Antonio López, acompañado de Ricardo Forriols y José Saborit, durante un instante de la conversación. Fotografía: Merche Medina.

LA REALIDAD/ EL TEMA /LA IMPRONTA

Partiendo de Ernst Gombrich -referencia de José Saborit- y, en particular, del ensayo del historiador británico ‘Los criterios de fidelidad: imagen fija y el ojo en movimiento’, en el que reflexiona sobre el “principio del testigo ocular” -“se trata del principio que, a la luz de la antigua estética, se solía considerar de mímesis, la imitación de la naturaleza” (E. Gombrich)-, Antonio López sentencia que, como espectador, “todo ha surgido del mundo real” y, tanto por su experiencia como por sus múltiples referentes -menciona a Ingres, George de La Tour (ambos en el Museo Nacional del Prado) y Andrew Wyeth (Museo de arte Thyssen-Bornemisza), en tanto que coincidentes temporales en la capital con ‘Realistas de Madrid’ (compartiendo galpón con ‘Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio’)-, afirma que “a lo largo de la realización del cuadro nunca se ha interrumpido esa relación”, puesto que “el mundo real te aporta tal cantidad de elementos para ir dialogando con él que es incomparable”.

No obstante, López reflexiona acerca de la conveniente o inapropiada presencia del modelo para la materialización de la obra, ejemplificado en artistas como Francis Bacon -sobre el que afirma que “no puede pintar teniendo al modelo allí, Lucian Freud, por ejemplo. Le va a quitar libertad”, concluyendo que “para qué quiere el mundo real si, después, lo va a romper todo”- o en el recurso de la fotografía como vehículo de auxilio -”el mundo real te aporta tal cantidad de elementos para ir dialogando con él que es incomparable”. Se adentra, entonces, en los fundamentos de su formación artística: “yo me eduqué en la mitad de los años cincuenta, trabajando sobre el modelo. Llegué a tener una facilidad de trabajar sobre el modelo que no me creaba ninguna dificultad. Coger a mi hermana, a los 17 años, en Tomelloso, y hacer un cuadro a tamaño natural, leyendo un libro, sin pensar que estaba haciendo algo excesivamente complicado”.

En plena digresión, cita a Miguel Ángel y al pintor del siglo XVII Juan Sánchez Cotán -”¿qué es pintar un bodegón de Sánchez Cotán si no lo habitas con el espíritu que tiene? Lo importante es que los objetos, este vaso, te diga cosas del mundo”-, o reflexiona acerca del tercer personaje de las obras de Edward Hopper -”lo que decide todo”-, la clarividencia de Velázquez y la insólita frescura de las pinturas de Altamira -”la inmediatez, extrañeza y fascinación que tienen las cosas que nos gustan. Cuando el hombre casi no sabía nada, sabía expresarse con la pintura. Se nota que todo eso se hace con el hígado, una segregación de los sentimientos”-.

Partiendo de este ineludible vínculo con la realidad como génesis de la obra, de la que “todo lo que coges es una mínima parte de lo que la vida es”, admite que “ copiar la realidad no bastaba, no ibas a ningún sitio”, por lo que, en pleno ejercicio de materialización de la pintura, “tenía que pasar algo”, de esta forma “se crea una especie de tercer personaje, que es el contenido del cuadro, que es lo que decide todo. Que se haga cercano y paralelo al mundo real, que se invente, como Rothko”. En este orden de cuestiones, el pintor persiste en vindicar su fidelidad con el tema de sus trabajos. De un modo u otro “todo tiene relación con la realidad. La pintura nos hermana a todos”.

Imagen de 'Ventana de noche', de Antonio López, que puede contemplarse en la exposición 'Realistas de Madrid'. Fotografía cortesía del Museo de arte Thyssen-Bornemisza.

Imagen de ‘Ventana de noche’, de Antonio López, que puede contemplarse en la exposición ‘Realistas de Madrid’. Fotografía cortesía del Museo de arte Thyssen-Bornemisza.

LA TAREA

A modo de orientación teleológica, Antonio López polariza los fundamentos del quehacer artístico en torno de la tarea, como si se tratase de una revelación metafísica que cobra sentido morfológico, verbigracia, en la praxis pictórica de Wyeth y Hopper -”se sienten con una tarea para hacer. En Europa no teníamos ninguna tarea, como si no fuéramos necesarios. (…) Ellos me dan mucho aire, mucho oxígeno. Sabían que tenían que pintar su mundo, con sus limitaciones, con sus sacrificios. (…) El retrato de América lo han hecho ellos, desde los márgenes ni los fotógrafos ni los pintores abstractos”-, rememorando, de este modo, sus primeros vestigios de conciencia emparentados con una causa pictórica final, desvestida por un lúcido delirio, como “una atracción y fascinación, sin poderlo describir más que pintando. (…) Desde los 17 años, sentí que ya tenía una tarea, algo que pintar (…) la gente anda muy perdida. Hay gente que la encuentra y no la nota. Eso es tan  importante como aprender el lenguaje de la pintura”.

LA TÉCNICA

López, amén de ser inquirido por los nuevos medios digitales en el microcosmos de la creación artística -”parece que todo lo que ha ido surgiendo ha estado bien (…) óleo, tempera, huevo, la perspectiva (…) nunca sobro nada. El error es pensar que hay una cosa mejor en arte”-, transita livianamente sobre el plano rudimentario de su técnica pictórica, entendida como una “burocracia del cuadro. (…) Esa primera parte la paso lo más rápido posible para entrar en lo esencial y de qué manera todo aquello que te ha llevado allí -la luz- pueda atraparlo. (…) Toda la parte de la precisión la realizo con la mayor facilidad posible”.

LA LIBERTAD VS LA ORTODOXIA

Durante el flujo conversacional se manejan conceptos, reflexiones y anécdotas cuyo raquis común se encuentra vertebrado por esta ineludible dicotomía, tras la que se solidifican los mecanismos fundamentales del devenir histórico y artístico -movimiento y metamorfosis-, ejemplificado en los impresionistas -”decidieron romper con la historia”-, los surrealistas -René Magritte, Salvador Dalí-, y, en el horizonte coetáneo, la insurrección del grafiti; “saltarse los controles” como común denominador, puesto que “hay una forma de pudor que es una especie de atadura, una forma de ir a donde no debes. Eso sucede en el arte, eso va contra los mejores”.

López responsabiliza aquí tanto al imperio acaudillado por los portadores de un talento horizontal -”hay una gente media que aprovecha ese esperanto, esa especie de idioma (…) esa gente que tiene que ir hasta el extremo no puede ir hasta él”- como a los encorsetados preceptos de la ortodoxia artística circundante -”hay una policía en el arte que es como la Gestapo. Hay que salvar el escollo de los que deciden lo que hay que hacer. No somos libres”-. Fruto de estos grilletes, Antonio López asevera que “los mejores siempre pierden con esa especie de inspección. (…) La sociedad nos está señalando caminos que no son los nuestros. Hay gente se salva y gente que se condena para siempre”.

Vista general del público que completó el aforo del Auditori Alfons Roig. Fotografía: Merche Medina.

Vista general del público que completó el aforo del Auditori Alfons Roig. Fotografía: Merche Medina.

EL AZAR

La estocástica, erigida en uno de los conceptos capitales que vertebra, en penumbra, la transmutación creativa, cobra, a la postre, una presencia indispensable. El azar habita, de este modo, como un accidente, en las transparencias de Velázquez, en la luz de Vermeer, en Sorolla o en la propia obra de Antonio López -”es una emoción que tiene que ver con la psicología de la historia, que se da de una manera natural. Hay quien quiere sistematizar el azar; yo prefiero no hacerlo, pero cuento siempre con él. Es mi aliado, el de todos, no sólo en pintura, sino en la vida”-.

REALISTAS DE MADRID

En relación a ‘Realistas de Madrid’ -exposición temporal exhibida en el  Museo de arte Thyssen-Bornemisza, que reúne, amén de a Antonio López, a coetáneos de estrecho vínculo, como son María Moreno, Julio y Francisco López, Esperanza Parada, Isabel Quintanilla y Amalia Avia- el artista manifiesta que “nunca ha estado en nuestra voluntad formar un grupo. Nos han unido por generación, que vivió la guerra y la posguerra”, experiencia decisiva que “tiene algo muy tremendo todo. Una España que no la han podido vivir los demás. Todo nace de ahí, de la elementalidad de las cosas, del respeto a como son”.

Allende divagar sobre la perspectiva curvada como uno de los motivos capitales de su trabajo en pro de su contumaz pretensión por una representación verídica de lo real -tarea inconclusa que puede apreciarse en ‘Ventana de noche’, pieza que cierra el recorrido expositivo-, una de las cuestiones subyacentes y anecdóticas de ‘Realistas de Madrid’ ha sido, para Antonio López, reencontrarse, medio siglo después, con la obra ‘El cuarto de baño’ (1966) -propiedad de un coleccionista norteamericano-, así como con ‘Lavabo y espejo’ (1967) -cedido para la muestra por el Museum of Fine Arts de Boston-, experiencia que le provocaba “miedo y zozobra ante la posibilidad de que no me gustaran a mí, el hecho de verlos juntos, encontrarlos ajenos a tu sensibilidad de ahora mismo, verlos equivocados”.

Sin embargo, a pesar de que “reunirlos todos, mezclarlos con la obra de otros, es un riesgo tremendo”, concluye que “me ha gustado vivirlo. Visto ahora todo lo que hemos hecho al cabo de muchos años me inspira mucho respeto, no solamente desde el punto de vista técnico, sino que hay una mirada al mundo de un peso, una razón de ser que no me imaginaba”.

El pintor Antonio López, tras la conversación. Fotografía: Merche Medina.

El pintor Antonio López, tras la conversación. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

PAM!, SHORTPAM! y los Cines Aragón

PAM! 16
Universitat Politècnica de Valencia
Camino de Vera, s/n. Valencia
Del 26 al 29 de abril de 2016

Más de 200 estudiantes de la Universitat Politècnica de Valencia, en colaboración con la Universitat de Valencia y la Escuela Superior de Danza, están trabajando en la puesta en marcha de PAM!16, la Mostra de Produccions Artístiques i Multimèdia que llega este año a su cuarta edición cumpliendo cifras de récord, tanto en el número de obras presentadas como de artistas involucrados.

Esta muestra de arte contemporáneo y multimedia tendrá lugar del 26 al 29 de abril, transformando los pasillos y salas de la Facultad de Bellas Artes en un gran espacio donde la pintura, la fotografía, la escultura, el diseño y muchas más disciplinas artísticas y multimedia, serán las protagonistas, con la finalidad de promocionar el talento de los jóvenes artistas.

Muestra PAM. Cortesía de la organización.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.

Así, la muestra está siendo organizada íntegramente por los alumnos del Máster Interuniversitario de Gestión Cultural de la Universitat de València-Universitat Politècnica de València, y tendrá como protagonistas a los estudiantes del Máster en Producción Artística y el Máster en Artes Visuales y Multimedia, ambos de la Universitat Politècnica de València, quienes expondrán sus obras inéditas dentro de este certamen artístico universitario.

En paralelo a la muestra, PAM! ha organizado un amplio programa de actividades, abiertas al público, como conciertos, talleres didácticos, danza, debates o conferencias, entre otros. Los más pequeños también tendrán cabida en la propuesta cultural con MiniPAM!, donde podrán demostrar sus dotes artísticas en colaboración con la Facultat de Magisteri y diversos colegios e institutos.

Dentro del apartado de creaciones multimedia, PAM! ha puesto en marcha el concurso de cortometrajes SHORTPAM!, una iniciativa creada en colaboración de Cines Aragón y que se presentó el pasado 21 de abril en la Filmoteca Valenciana, donde se proyectarán las obras seleccionadas, producidas por los alumnos del Máster en Producción Artística y Máster en Artes Visuales y Multimedia.

Muestra PAM. Cortesía de la organización.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.

Asimismo, y gracias a la colaboración de EMT Valencia, la muestra PAM! se difundirá por toda la ciudad por medio del concurso Transport]ART[e, el cual permitirá a los alumnos expresarse libremente en nuevos soportes como autobuses, paradas o marquesinas.

PAM! nació en el año 2013 con el objetivo de dar a conocer a las promesas del arte en Valencia y crear un espacio multidisplinar para estimular la creación artística. Edición tras edición, la muestra ha ido creciendo en cuanto a número de participantes y actividades organizadas, consolidándose como una cita de referencia en el panorama valenciano. Así, PAM! se convierte en una muestra exclusiva con obras originales e inéditas de jóvenes artistas, nacida con la finalidad de promocionar y difundir el talento de los jóvenes universitarios.

Una vez más, PAM!16 cuenta con el patrocinio de la Fundación Hortensia Herrero y la activa colaboración de EMT Valencia, así como la Universitat de València, la Facultad de Magisterio, la Escuela Superior de Danza y el Centre del Carme.

Muestra PAM.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.