52 narrativas sobre la enfermedad en el IV FICAE

IV FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades
Universitat Politècnica de València y Asociación VINCLES, FICAE
Varias sedes de València
Del 23 de febrero al 3 de marzo de 2018

FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades es un festival único en el mundo ya que trata la enfermedad en todas sus variables y desde múltiples perspectivas. Bajo esa premisa, uno de los objetivos clave del festival es el de derruir los estigmas que padecen muchos pacientes en su entorno mediante el lenguaje universal del cine y el arte. FICAE también estimula el diálogo y la reflexión en torno a las distintas patologías y sus contextos.

Organizado por la Universitat Politècnica de València y la Asociación VINCLES, FICAE encara su cuarta edición, que se celebrará del 23 de febrero al 3 de marzo en varias sedes de València. Casi 1.700 películas de 108 países distintos se inscribieron para participar este año, pero finalmente han sido 52 cortometrajes los que se proyectarán tanto en las secciones competitivas como las paralelas, provenientes de países como Estados Unidos, España, México, Irak, Francia, Eslovenia, Serbia, Bulgaria, Rusia, Irán, Dinamarca, Chile o Suecia, entre otros.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'La Faim Va Tout Droit (Hunger Keeps Walking),', del la italiana Giulia Canella, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘La Faim Va Tout Droit (Hunger Keeps Walking),’, del la italiana Giulia Canella, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

FICAE propone narrativas que tratan sobre las percepciones y emociones de quien padece la enfermedad, las diversidades patológicas y sus consecuencias, los estigmas sociales y familiares de los pacientes, la figura de aquellos que los cuidan, los contextos sociosanitarios. Es por ello que los cortometrajes que forman parte de la Sección Oficial a competición están divididos en ocho bloques temáticos: Cáncer, Memoria, VIH-Sida, Psique, Parkinson, Cuidados (la figura del/la cuidador/a), Contextos sanitarios y Miscelánea (otras enfermedades). Las proyecciones de estas películas se realizarán del 28 de febrero al 3 de marzo en el IVAM (C/ Guillem de Castro, 118), sede oficial de 4FICAE, en sesiones de mañana y tarde, normalmente acompañadas de mesas de trabajo y debate con especialistas.

Como novedad de este año se ha incluido una sección a competición: Sección DMD, con el título ‘La muerte buena’, apoyada por la asociación Dret a Morir Dignament – Comunitat Valenciana, que se celebrará el lunes 26 de febrero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, de 18 a 21 h.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'Fragmentos del Rey desmembrado (Fragments of the Dismembered King), de Alejandro Miñarro Rodríguez, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Fragmentos del Rey desmembrado (Fragments of the Dismembered King), de Alejandro Miñarro Rodríguez, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Además de varias secciones paralelas que completan la programación de FICAE, el festival también cuenta desde sus inicios con una parte artística muy importante. Las intervenciones que se realizan en el Campus de la UPV, bajo el título de ‘Presbicia’ serán realizadas en esta edición por Diana Larrea y Ultranature y tratarán sobre los estigmas en torno a la salud mental. En el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero se llevará a cabo una exposición titulada ‘Epistemologías de la prevención del VIH/sida’ que recorre más de 30 años de campañas de prevención del VIH y del sida a través de carteles y otros elementos comunicativos. En la Fundación La Posta se presenta, por segundo año consecutivo, la sección ‘Conversa(c)ciones’, una aproximación crítica y compleja a la experiencia de la enfermedad, con Anaïs Florin y Eva Fernández, bajo el título ‘Práctica artística y visibilización de relatos silenciados: el caso del taller CUERPOS EN LUCHA’.

FICAE se ha convertido en un festival de referencia y punto de encuentro experiencial tanto para cineastas y espectadores, como para la comunidad de pacientes, asociaciones, colectivos sociales y personal sanitario.

Todas las actividades de FICAE son de entrada gratuita hasta completar aforo a través de acreditación previa.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'Crhistmas', del búlgaro Borislav Kolev, que participa y compite en la Sección DMD. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Crhistmas’, del búlgaro Borislav Kolev, que participa y compite en la Sección DMD. Fotografía cortesía de FICAE.

Cita con el festival de libro Sindokma en La Nau

SINDOKMA. FESTIVAL DEL LIBRO
Centre Cultural La Nau
Carrer de la Universitat 2/Plaça del Patriarca, Valencia
Del viernes 27 al domingo 29 de octubre de 2017

El festival del libro acoge del 27 al 29 de octubre en La Nau a medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista.

El festival del libro Sindokma, que tendrá lugar del 27 al 29 de octubre en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València y contará con medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista, se abre a Iberoamérica. Será una de las novedades de la tercera edición (segunda bajo esta denominación, tras la génesis de Russafa Book Weekend en 2014), que busca de esta forma consolidarse como encuentro de referencia para el sector del libro.

Sindokma se abre a Iberoamérica

Sindokma reafirma su presencia anual emplazándose por primera vez en el Centre Cultural La Nau, histórica sede de la Universitat de València desde su fundación a finales del siglo XV, erigiéndose en un enclave arquitectónico y urbanístico estratégico que permitirá solidificar la apuesta del festival a la hora de visibilizar a sus expositores y asegurar la presencia de público heterogéneo allegado desde múltiples áreas de la ciudad, de la provincia y de España, tendiendo puentes con Iberoamérica en esta tercera edición.

En este sentido, Sindokma inicia un ciclo de presentación en abierto para reivindicarse como puerta de entrada de la edición contemporánea de Iberoamérica en Europa, y como puerta de salida de Europa a Iberoamérica. El primer contacto en la presente edición 2017 se establecerá con México y concretamente con Ireri Topete, Hortensia Mínguez, Ioulia Akhmadeeva y Alejandro Villalbazo, con los que Antonio Damián, Antonio Alcaraz, Jim Lorena, Agnieszka Marcelak, Alejandro León y Evangelio, realizarán comunicación virtual para abordar la actualidad del sector editorial, y mostrar fórmulas de colaboración a distancia, tomando como modelo el proyecto ‘Publicaciones ensambladas’, a la vez que se transmitirá la realidad del festival online vía streaming a diversos países de Iberoamérica.

SINDOKMA. ORGANIGRAMA

ACTIVIDADES EN EL AULA MAGNA Y CLAUSTRO DE LA NAU

Sindokma, festival coorganizado por Makma, la Generalitat Valenciana, a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, y el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, cuenta con una programación que se repartirá entre el Aula Magna y el Claustro de La Nau, y en la que destacan la presencia de Javier Valenzuela, que presentará su último libro, ‘Limones Negros’;  Paz Fernández, directora de la Biblioteca de la Fundación Juan March, que pondrá el acento en el tema digital, con la conferencia que lleva por título ‘El acceso digital a los catálogos de arte de la Fundación Juan March’; Malile Crespo, Angel Cajal y Raquel de Prada, coorganizadores de la Feria del libro MASQUELIBROS; y otra vez Angel Cajal, que también presentará su libro de artista Pre-posiciones; Juanjo Mestre, que presentará su libro ’2020 discos cardinales’,  o Verónica Alarcón, Enrique Ferré y Andrea Familiar, que hablarán de ‘Los lindes del libro de artista’.

 TALLERES DE ‘LA PLAZA SE MUEVE’ Y SALA GONZALO MONTIEL

El festival del libro ofrecerá igualmente talleres infantiles gratuitos para el público en familia, que se llevarán a cabo en la Plaza del Patriarca en el marco del proyecto La Plaza se Mueve del restaurante Mar de Avellanas; ‘Joan Fuster i les máquines d’escriure’, elaborado por la casa Museu Joan Fuster, y ‘Huellas Frescas’ del colectivo L’Horta Gràfica de la mano de Andrea Familiar.

Igualmente, en la Sala Gonzalo Montiel se desarrollarán diversos talleres infantiles continuos enfocados en la elaboración de un libro de artista, titulados ‘Una historia: papel-libro de artista’ y realizados por Pinta Valencia.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

 EXPOSICIÓN EN SALA OBERTA

La Sala Oberta del Centre Cultural La Nau acogerá la exposición ‘Tipografía y Dadá Libros’, que representa una formulación de contenidos del libro como espacio de creación y cuyo título lo dice todo. Muestra comisariada por Antonio Alcaraz y Antonio Damián en homenaje al artista y tipógrafo Emilio Sdun.

Sindokma acogerá decenas de actividades paralelas, entre charlas, conferencia y talleres, erigiéndose así en un punto de encuentro entre los diferentes agentes del mundo de la edición especial, como tipógrafos, diseñadores, encuadernadores, grabadores, curadores, autores, editores y, por supuesto, ciudadanos, compradores y consumidores de libros.

Atendiendo a los índices de consumo cultural que se desprende de los últimos informes emitidos por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, como son el ‘Anuario de estadísticas culturales 2016′ y la ‘Encuesta de hábitos y prácticas culturales en España 2014-2015′, se antoja decisivo la consolidación de un cauce de colaboración entre iniciativas ciudadanas e instituciones públicas, en pro de la materialización de un corpus cultural que disemine y acerque sus contenidos al ámbito y radio de acción cotidianos de los individuos y diferentes colectivos que componen el mapa social de cada región de nuestro país.

El festival del libro Sindokma cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de València, Gandía Blasco y Cervezas Alhambra, así como con la colaboración de ECOMUNICAM, El Caballero de la Blanca Luna, Pinta Valencia, Universitat Politécnica de Valencia, Col.legi Major Rector Peset, ESAT, IVAM, Museu Joan Fuster, Tapinearte y Masquelibros.

Sindokma

 

La pureza de las formas de Silvestre Moros

20 esculturas, 1 escultor. Silvestre Moros
Ca la Vila
Plaça Major, 1. Llíria (Valencia)
Hasta el 30 de septiembre de 2017

“Siempre he tendido hacia el esquematismo buscando la síntesis como forma de abstracción. Creo que he hecho una lectura personal de la forma tratando de aprovechar lo esencial” (Silvestre Moros)

La exposición ’20 esculturas 1 escultor. Silvestre Moros’ presenta una selección de los trabajos planteados por el artista desde 2013 hasta la actualidad. Se trata de una revisión de sus dos últimas series escultóricas, oportunamente complementadas con algunas piezas que se ha considerado pertinente aportar a la mirada del presente.

Obras de Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización.

Obras de Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización.

Optando por la pureza de las formas que huyen de lo accesorio, la serie con mayor presencia en esta muestra está compuesta por cabezas que conjugan armoniosamente líneas y volúmenes que, en su conjunto, son un modelo de síntesis, capacidad expresiva, economía de medios y concepción espacial de volúmenes.

La otra serie escultórica la componen piezas con un eje vertebrador común relativo a aspectos formales, que bien podrían aludir a formas musicales. Unas obras en las que la sutileza de una línea curva de gran plasticidad y dinamismo, dibuja en el espacio con singular sencillez y elegancia plástica formas cargadas de ritmo y movimiento, revelando el dinámico poder espacial de la escultura.

Obras de Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización

Obras de Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización

La pluralidad de variantes sobre un mismo tema ha sido eficazmente resuelta en ambas series desde materiales tan diversos como la madera, el mármol, el bronce y el acero. De este modo, es innegable la gran significación que cobra la materia, así como la consecuente diversificación de la gama cromática de las obras.

Se suman a la muestra cuatro relieves pertenecientes a etapas cronológicamente anteriores a las de las dos series mencionadas, que aportan nuevas claves del personal lenguaje de Silvestre Moros y evidencian la coherencia de su trayectoria. Todos ellos permiten un análisis de suavidades y curvas de gran poder sensual, al tiempo que la mirada se concentra en la globalidad de la obra por su carácter simplificado.

Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización

Silvestre Moros. Imagen cortesía de la organización

Un políptico compuesto por seis paneles de dibujo sobre madera completa la exposición. Se trata de dibujos a tamaño real de una de las estanterías de su estudio en la que Silvestre Moros ha ido colocando proyectos, bocetos y esculturas de pequeño formato. La presencia de esta pieza en la sala no solo nos permite asomarnos al taller del artista, sino también a su obra gráfica.

Vista de la exposición en Ca la Vila.

Vista de la exposición ’20 esculturas, 1 escultor. Silvestre Moros’, en Ca la Vila de Llíria. Imagen cortesía de la organización.

Laura Silvestre García
Comisaria de la exposición. Profesora de la Universitat Politècnica de València

La memoria abierta de Antonio Alcaraz

Memoria Abierta. Arqueología Industrial. Antonio Alcaraz
Fundación Antonio Pérez. Museo de Arte Contemporáneo
C/ Julián Romero, 20. Cuenca
Hasta el 1 de octubre de 2017

Con motivo de la próxima publicación del catálogo de la exposición Memoria Abierta. Arqueología Indrustrial de Antonio Alcaraz, presentamos un extracto de la entrevista realizada al artista por parte de la comisaria que llevó a cabo la propia exposición, Felisa Martínez Andrés.

F. M. A.: ¿Qué tienen en común todos estos lugares que usted pinta?

A. A.: Prefiero responder a través de las palabras de Paula Santiago y del arquitecto y filósofo Ignasi de Solá-Morales. La primera, directora del Centro de Investigación Arte y Entorno de la UPV, quien dedicó un capitulo de su libro “In situ: espacios urbanos contemporáneos”, a los siguientes conceptos: “Lugares improductivos”, “Tercer paisaje” y “Terrain vague”. Este último, es un término francés que utiliza Ignasi de Solá-Morales para estudiar de forma objetiva los vacíos (ausencias) que se producen en la ciudades actuales generados por el abandono de espacios hasta entonces productivos y que pasan a ser obsoletos, improductivos o residuales. Llamando la atención y alertando del valor patrimonial que pueden tener estos espacios y sus edificios.

Y, en palabras de Solá-Morales, “Son lugares aparentemente olvidados donde parece predominar la memoria del pasado sobre el presente. Son lugares obsoletos en los que sólo ciertos valores residuales a pesar de su completa desafección de la actividad de la ciudad. Son, en definitiva, lugares externos, extraños, que quedan fueran de los circuitos, de las estructuras productivas (…) Son sus bordes faltos de una incorporación eficaz, son islas interiores vaciadas de actividad, son olvidos y restos que permanecen fuera de la dinámica urbana (…) exteriores mentales en el interior físico de la ciudad que aparecen como contra imagen de la misma”.

F . M. A. ¿Qué decir de la exposición Espacios Industriales. Patrimonio de futuro?

A. A. Espacios Industriales, es uno de mis proyectos más completos y tuve la oportunidad de compartirlo contigo. Tanto por la posibilidad de documentar nuevos espacios que se seleccionaron desde Patrimonio, como por los lugares en los que se presentó la muestra, que itineró por algunos de los principales centros de arte de la Comunidad Valenciana. Y que ahora, en versión reducida y revisada, llega a la Fundación Antonio Pérez en Cuenca.

Fue una exposición inaugurada en el Centro del Carmen de Valencia en los primeros meses de 2014, y organizada por la Dirección General de Patrimonio del Gobierno Valenciano, precisamente con la intención de concienciar y poner en valor estos edificios. La muestra recogía algunas de las construcciones mas relevantes de la Comunidad Valenciana.

Una de las secciones de la muestra la dedicamos a las Instalaciones Portuarias. Tuve la oportunidad de documentar los tinglados fruteros del puerto de Gandía (conocidas como las naves de los ingleses), grúas y faros de otros puertos valencianos.

El proyecto original incluía tres faros: Columbretes, Valencia y Tabarca. De los que solo llegué a realizar una gran pieza del faro de Valencia, debido a los límites impuestos por la financiación de la producción.

Imagen: Detalle del faro de Tabarca. Cedida por Antonio Alcaraz

Imagen: Detalle del faro de Tabarca. Cedida por Antonio Alcaraz

La mayoría de los faros conservados en nuestro país datan de 1847, cuando el Gobierno construyó ciento cincuenta torres con el Plan General de Alumbrado marítimo. El abandono ha sido progresivo hasta finales del siglo XX en el que se declara el cuerpo de funcionarios fareros en extinción y se entrega las llaves de los faros a ingenieros portuarios.

En apenas veinte años, los faros habitados en España no llegan a la treintena, y ciento treinta poseen valor patrimonial relevante. Valor desde el punto de vista tecnológico, social y arquitectónico. Pero también otro tipo de valores como la importancia testimonial, la singularidad, la representatividad tipológica, la autenticidad y el grado de integración en su entorno.

Cinco faros de la provincia de Alicante se han integrado en el catálogo del Ministerio de Cultura como joyas del patrimonio. Y he tenido la oportunidad de fotografiarlos en repetidas ocasiones durante los últimos veinte años, son los faros de Tabarca, Santa Pola, Punta Albir en Alfás del Pi y los del Cabo San Antonio y Cabo La Nao en Javea.

En otro de los apartados del proyecto, Infraestructuras viarias ferroviarias, fue el hierro el elemento fundamental de la primera revolución industrial, el material que permitió proyectar obras hasta ese momento imposibles de realizar.

Puentes espectaculares, como el de Eiffel en Oporto, o la construcción de enormes espacios diáfanos como el Crystal-Palace de Londres, realizado por Paxton, o la sala de Maquinaria construida en 1889 por Dutert y Contamin en Paris.

Imagen: Detalle del puente de Oporto, Cedida por Antonio Alcaraz

Imagen: Detalle del puente de Oporto, Cedida por Antonio Alcaraz

Para Espacios Industriales, trabajé sobre dos puentes realizando obras de grandes dimensiones, que llegan a los tres metros y medio de ancho. Uno de los puentes de hierro se sitúa en Benissa sobre el rio Quisi, y también está atribuido a Eiffel o su escuela. Es un gran puente/viaducto para el tren de vía estrecha que comunica Alicante y Denia, que se encuentra en perfecto estado de uso. El otro se encuentra en Alcoy, denominado Puente de las siete lunas, fue construido con piedra y nunca llegó a a utilizarse.

Antonio Alcaraz, responde a más preguntas de Felisa Martínez Andrés en la inminente presentación del catálogo.

30×30 Railowsky, tercera parte

30×30 Railowsky
Facultad de Bellas Artes
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta el 12 de mayo de 2017

La Facultat de Belles Arts de la UPV presenta la tercera y última parte del proyecto expositivo ’30 x 30 RAILOWSKY underground’ que, tras las muestras en el MuVIM y La Nau, pone el broche a la celebración del 30 aniversario de la Librería y fotogalería Railowsky que, el pasado mes de diciembre, recibía de esta misma Facultat su Medalla de Sant Carles por “su labor continua de difusión y dedicación especializada a la bibliografía sobre arte, fotografía y cine desde mediados de los años ochenta, siendo un referente cultural de la ciudad de Valencia, promotora de exposiciones y otras actividades, siempre tan cerca de la Universidad y de esta Facultad, y un lugar de ‘aprovisionamiento’ para nuestros estudiantes y profesores”.

En los últimos meses, Railowsky ha celebrado su 30 aniversario realizando tres exposiciones en lugares a los que de una manera u otra ha estado y está muy unido: el MuVIM, el Centre Cultural La Nau y, ahora, la Facultat de Belles Arts de la UPV.

La tercera parte de la muestra reúne a 10 fotógrafos de reconocido prestigio que se unen entre sí por afinidad de estilos y amistades en un apasionante viaje en Metro. Alberto García-Alix, Ricky Dávila, Bernard Plossu, Vari Caramés, Las Fotolateras (Lola Barcia y Marinela Forcadell), Eduard Ibáñez, Pilar Pequeño, Javier Campano, Chema Madoz y Rafael Navarro se convierten en improvisadas estaciones de Metro que conforman, en el montaje de esta última parte, la línea morada de esta red imaginaria que une distintos espacios de la ciudad y a diferentes fotógrafos.

Cartel de 30x30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Cartel de 30×30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Esta tercera y última línea agrupa la parte más artística y vanguardista del ‘Universo Railowskyano’. El final de este viaje tan solo es el principio de uno nuevo porque, como decía el poeta catalán Miquel Martí i Pol: “i via fora! /que tot està per fer i tot és possible”.

Alberto García-Alix es un reconocido fotógrafo español (nacido en León, en 1956), que fue uno de los estandartes de la llamada ‘Movida Madrileña’. En sus obras emplea una poderosa imaginería para llevarnos al lado más duro de la sociedad, combinándolo con su incuestionable genio artístico.

“Yo soy un permanente insatisfecho, nunca quedo contento, siempre sacaría un carrete más.” (Alberto García-Alix)

Ricky Dávila Wood es un fotógrafo vasco (nacido en 1964 en Bilbao) que es un poeta visual. Es un hombre reflexivo y apasionado a la vez. Busca imágenes definitivas, pero no el instante decisivo: busca almas y rostros, historias, busca emociones y escalofríos.

“Las caras tienen que ver con una dirección hacia fuera de la cámara, mientras que los paisajes me devuelven hacia un viaje interior.” (Ricky Dávila)

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Bernard Plossu es un fotógrafo francés (nacido el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam) del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes. Es el fotógrafo viajero por excelencia. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto.

“Viajar no es cruzar fronteras sino cambiar de olor.” (Bernard Plossu)

Vari Caramés es un fotógrafo gallego (nacido en 1953 en Ferrol). Actualmente vive en A Coruña. Es un incorregible perseguidor del azar, las sombras huidizas y los encuentros que sólo presuntamente son fortuitos. Con más de tres décadas de dedicación a sus espaldas y una obra de personalísimo trazo que lo coloca entre los fotógrafos españoles más singulares de nuestro tiempo, es un cazador de imágenes “en volumen bajo y alta fidelidad”.

“Para mí la fotografía siempre fue un juguete, lo importante es conseguir imágenes poderosas, magnetizantes.” (Vari Caramés)

Eduard Ibáñez es un pintor, grabador y fotógrafo valenciano (nacido en Tavernes de la Valldigna, Valencia, en 1954) que es conocido en el ámbito fotográfico español principalmente por su consolidada trayectoria en fotomontajes.

“La fotografía me ha permitido, frente a su supuesta objetividad, estimular los lugares más recónditos de la percepción, provocando un torrente de emociones inesperadas.” (Eduard Ibáñez)

Lola Barcia y Marinela Forcadell, Las Fotolateras, nacidas en Valencia y Castellón (1968 y 1969 respectivamente). Desde el mundo de las Bellas Artes y del Marketing respectivamente, comienzan en 2008 su andadura estenopéica. Fotógrafas itinerantes y viajeras incansables, recorren el mundo con 45 cámaras de foto construidas a partir de latas metálicas ‘enlatando’ el mundo siendo ‘Ciudades enlatadas’ su obra más extensa. De una manera calmada y serena, retienen imágenes de ciudades bulliciosas y vivas transportando en sus maletas 45 latas y todo lo necesario para construir sus clásicos laboratorios ambulantes alrededor del mundo. Su pasión por la divulgación les lleva a impartir cursos, conferencias y exposiciones sobre fotografía en las que trasmiten el amor por la ciencia y el arte como forma de vida.

“No capturamos el instante, sino el momento. La imagen es tomada mientras suceden cosas en el exterior. Es algo lento, como la cocina.” (Las Fotolateras)

Fotografía de Pilar Pequeño.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

Pilar Pequeño es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1944) cuyo tema principal es la naturaleza: paisajes y bodegones de flores y plantas, al principio en blanco y negro y actualmente en color. De 1997 a 2005 desarrolla la serie ‘Huellas, fragmentos de tiempo’, fotografías de lugares abandonados; un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación por la naturaleza de lo que fue suyo.

“Me gusta trabajar en soledad y silencio, analizar la naturaleza.” (Pilar Pequeño)

Javier Campano es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1950, donde vive y trabaja) que nos ofrece, a través de sus fotografías, su propia visión cercana de las ciudades que ha visitado en sus viajes y, cómo no, de los múltiples viajes que ha realizado en una misma ciudad: Madrid.

“Tiene tanto valor el color como el blanco y negro, son variaciones de lo mismo y en todos los casos la poesía y la emoción siempre están presentes, eso es lo que intento.” (Javier Campano)

Chema Madoz es un reconocido fotógrafo español (Madrid, 1958) amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes. No todo es lo que parece, y ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata y el absurdo, la paradoja, el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo, estableciendo una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo.

“La técnica me interesa en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo. Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente.” (Chema Madoz)

Rafael Navarro es un fotógrafo aragonés (nacido el 8 de octubre de 1940 en Zaragoza) cuya obra es un reflejo de su mundo interior. Mostrar lo evidente casi nunca ha sido un objetivo para él. Sus fotografías son siempre en blanco y negro y con un tamaño que oscila entre el convencional y los grandes montajes.

“Para mí la fotografía es un medio. Un medio que me permite hablar allá donde no encuentro las palabras. Un medio con el que busco en mi subconsciente, aflorando contenidos, sentimientos escondidos. Un medio que me permite crear objetos que contengan valores sutiles inteligibles para otros. Un medio que me deja respirar mi libertad.” (Rafael Navarro)

 

El legado de Emilio Sdun

Memorial Emilio Sdun
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta mediados de marzo de 2017

Para todos aquellos que entienden el libro como una obra de arte, Emilio Sdun es ya un referente ineludible. ¿Que quién es Emilio Sdun? Pues alguien que “destilaba imprenta por los poros de su piel y, tras unos minutos a su lado, uno acababa amando la tipografía”. Así lo define Paco Vela en la exposición organizada por el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Valencia y Librodeartista.info Ediciones de Jaén como homenaje al artista desaparecido hace dos años.

Antonio Alcaraz, comisario de la muestra junto a Antonio Damián, recuerda la impronta que dejó en Valencia en los dos talleres que impartió en la Universidad Politécnica. “Formó a un montón de gente, entre ellos a Marta Pina y Eva Mengual, a quien llegó a regalar gran parte de lo que ahora tiene”. Mengual, responsable de la Seiscuatro, participa de hecho en la exposición con un magnífico desplegable libro de artista. Junto a ella, otros 25 ejemplares integran la exposición Memorial Emilio Sdun. Un homenaje a su figura en el que han terminado participando artistas de diferentes países, a través de la convocatoria abierta para tal fin.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

“Muchos han conocido en Valencia la letra gracias a Emilio Sdun”

Como Emilio Sdun, en el momento de su fallecimiento en enero de 2015, se hallaba trabajando en torno al dadaísmo, este ha sido el motivo elegido a la hora de convocar los trabajos para el Memorial. “Sus gafas de componer, la jeringuilla utilizada a causa de su enfermedad, la pajarita; todas esas cosas las tenía en una cajita a modo de acto dadaísta”, señala Alcaraz, que recuerda igualmente la singular manera que tenía de trabajar: “Muchos han conocido aquí la letra por él; letras que trabajaba de forma poco ortodoxa”.

Dieter Emil Sdun nació en Leubnitz (Sajonia), se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín y fundó en Frankfurt, junto con su mujer Doris, el taller Prensa Cicuta, nombre tomado de una planta tóxica que crecía en el exterior del edificio donde ubicó su imprenta. Un viaje a España por Granada, dada su pasión por Lorca, le hizo abandonar su Alemania natal y adoptar pronto el nombre más castellano de Emilio Sdun. Alcaraz lo conoció en Frankfurt y una vez instalado en nuestro país no dejó de acercar su trabajo a los alumnos de la UPV, en cuya colección hay buena parte de su obra.

Obra de Familia Plómez. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de Familia Plómez en la UPV.

“Era hombre de pocas palabras, lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”

“Se implicó mucho aquí, dando talleres a gente joven y enseñando con generosidad cuanto sabía, que era mucho”. En la exposición ubicada en el ‘Espai (en vitrina)’ del Decanato y la Biblioteca de Bellas Artes, que permanecerá hasta el 28 de febrero, hay un trabajo realizado conjuntamente por Emilio Sdun y el propio Alcaraz, tomando como referente un texto de Paul Renner (“diseñador de la letra futura”), al que interpretan en el libro Die Kunst der Typographie (El arte de la tipografía). “Era hombre de pocas palabras, que lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”, subraya el comisario de la exposición.

“Soy un amante de la poesía y de los libros en general”, apuntaba el propio Sdun en la última entrevista concedida a medios, realizada por el editor Vicente Chambó, quien destaca el predominio en su obra del “texto en armonía con el espacio”. “Los jóvenes hoy en día trabajan con ordenadores, impresión digital y nuevas tecnologías”, decía en esa entrevista, para agregar: “Con la irrupción de lo digital, creo que el libro de calidad y de creación manual tiene un valor añadido”. Valor añadido que se puede ver en la exposición que sirve de homenaje a su figura.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

“Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”

Los libros de Sdun, como recuerdan los comisarios, se encuentran hoy en importantes museos y galerías de arte de todo el mundo, como la Tate Modern de Londres, el Museo Gutenberg de Maguncia o el Art Center Collage of Design de Pasadena en Estados Unidos. “Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”, explica Vela, quien destaca, además del trabajo realizado con Antonio Alcaraz, “la inclasificable obra Mi idolatrada felatriz, de Fernando Arrabal”. Alcaraz apunta que Sdun “chupa mucho de las vanguardias alemanas clásicas, de los constructivistas rusos y de la literatura iberoamericana”.

El Memorial Emilio Sdun, nacido como homenaje y que ha dado pie a la convocatoria con casi 100 trabajos presentados, de los que se han seleccionado los 25 que integran finalmente la exposición, pudiera tener continuidad. “No lo habíamos pensado, pero dado el éxito quién sabe”, barrunta el comisario. Las obras, presentadas en vitrinas y en el interior de singulares palés (“los trajimos de Fuente del Jarro”) montados sobre libros de viejo, giran en torno al dadaísmo, movimiento artístico surgido en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zurich, a instancias de Hugo Ball. Dadaísmo que fue a su vez última fuente de inspiración del propio Sdun, pivotando sobre ambos la muestra.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Hay obras de Argentina, Colombia, Brasil, Alemania, Francia y de algunas universidades españolas que trabajan el libro de artista, como la de Bellas Artes de Altea, la Complutense de Madrid, las de Salamanca y Granada, o la propia Universidad Politécnica de Valencia. También de las Escuelas de Arte y Diseño de Jaén y Barcelona. Obras de una gran calidad y originalidad que, siguiendo los dictados Dadá, juegan con las palabras y las imágenes para recrear universos donde la lógica da pie a los más variados despropósitos.

Los carteles de la Familia Plómez, apelando a la larga vida del papel (Paper is not dead), el propio montaje de Librodeartista.info Ediciones interpretando al poeta visual Antonio Gómez, o las ‘Parafasias sin re me dios’ de Consuelo Vallejo, jugando con los nombres de algunos medicamentos (Ytuponfreno, Antidiótico, Siponfín o Espararato), son algunos de esos trabajos dadaístas en honor a Emilio Sdun, que como recuerda Alcaraz poseía igualmente un socarrón sentido del humor. El Memorial que viene a restañar la herida de su muerte comenzó en el Museo de Jaén, se prolonga ahora en la UPV y concluirá ampliado en octubre en el marco del festival del libro SINDOKMA’17 en Valencia. Aunque, como desliza Alcaraz, quién sabe si no tendrá más larga continuidad.

Emilio Sdun.

Emilio Sdun en el cartel de la exposición que le dedica la UPV.

Salva Torres

Jesús Herrera Martínez obtiene la IV Beca de La Rambleta

Spatium Hermeticum es el título de la obra de Jesús Herrera Martínez galardonada con la IV Beca Espai Rambleta, escogida entre más de un centenar de proyectos internacionales. En esta edición, el galardón ha ido a parar a un artista valenciano. Aunque actualmente se encuentra residiendo y trabajando en Copenhague, el alicantino Jesús Herrera mantiene su centro de operaciones artístico en el barrio de Ruzafa.

El premio conlleva la concesión de diferentes ayudas materiales y económicas para la realización del proyecto ganador. La convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística, individual o colectiva, así como a proyectos de producción, investigación y comisariado. Gracias a residencias como esta, Rambleta continúa alcanzando algunos de sus objetivos principales: respaldar a los creadores, apostar por la calidad y dar visibilidad a los nuevos talentos.
Spatium Hermeticum es un proyecto pictórico que plantea una reflexión en torno a las estrategias tradicionales de exhibición. Abriendo interrogantes sobre si una narrativa pictórica contemporánea es posible simulando un espacio simbólico sacro o si un display alegórico puede compactar una serie pictórica poliédrica.

Jesús Herrera Foto2

Hasta 122 proyectos llegados de todas partes del mundo ha tenido que valorar un renovado jurado compuesto por expertos del sector artístico. A los miembros habituales del tribunal, se han sumado nuevas y reconocidas caras como las de David Pérez (director de Actividades Culturales de la UPV), Maribel Doménech (artista visual y catedrática BB.AA de la UPV), Marisol Salanova (comisaria y crítica de arte) y Reyes Martínez (SET Espai d’Art). En cuanto al resto de finalistas, el listado lo completan Damià Jordà, Antoni Signes, Anja Krakowski, Luis Urquieta, Jorge Isla, Chus García-Fraile,Mario Gutiérrez Cru, Cristina Spirelli y María Lamuy; un sugestivo y variado elenco de creadores que certifica el nivel que ostenta actualmente el certamen.

Con este reconocimiento, Jesús Herrera Martínez se une a una exclusiva lista de creadores conformada por Várvara & Mar, Santiago Morilla, y Avelino Sala, sin duda, todos ellos, una realidad del panorama artístico actual. Con La cuarta edición de la Beca de Investigación y Producción Artística de Espai Rambleta se consolida como una convocatoria artística de reconocido prestigio nacional. El valenciano comenzará su residencia y desarrollará su trabajo en la sala de exposiciones de Espai Rambleta a lo largo esta temporada, hasta que, en el último trimestre del año, se lleve a cabo la inauguración del proyecto ganador.

Más información

Jeús Herrera Foto

Arte enchufado

Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio
Sala Josep Renau
Facultat de Belles Arts
Universitat Politècnica de València
Del 27 de octubre de 2016 al 3 de marzo de 2017

El pasado mes de septiembre, durante la rueda de prensa anterior al acto de investidura como Doctor Honoris Causa UPV 2016, el investigador norteamericano Roger Malina recordó el trabajo de su padre como el de un pionero en la década de 1950 citando alguna de las críticas que recibió entonces. Una de ellas decía: “Si hay que enchufarlo, no puede ser arte”. El trabajo de Frank J. Malina entonces, como el de Roger Malina ahora, están detrás de esta exposición donde casi la totalidad de las obras que se muestran necesitan ser enchufadas.

Fruto del convenio de colaboración firmado este año por la UPV y la Colección BEEP de Arte Electrónico, gracias al interés del Máster Oficial en Artes Visuales y Multimedia y a la colaboración de LaAgencia, la exposición ‘Electronic Timing. Colección Beep de Arte Electrónico. Caso de Estudio’ se plantea como un ejercicio expositivo que pretende mostrar la mejor colección de arte electrónico contemporáneo de nuestro país (colección que surgió en el contexto de la feria de arte contemporáneo ARCO en 2006) en el ámbito de la Universidad para su estudio e investigación, coincidiendo con su décimo aniversario. Este programa se encuadra dentro de los esfuerzos de responsabilidad social corporativa del grupo Ticnova en apoyo de la Universidad Pública, dando a los alumnos la oportunidad de trabajar con casos reales, poniendo a su servicio la Colección Beep de Arte Electrónico.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Obra de Jose Manuel Berenguer de la Colección Beep.

Se trata de un proyecto expositivo que reúne obras realizadas con nuevos medios y que abarcan desde el llamado net art, la robótica, la electrónica, el bioarte y lo digital hasta el arte interactivo, cubriendo todas las facetas que permite la tecnología contemporánea y siendo un fiel reflejo de los nuevos modos de reflexionar sobre nuestra realidad en plena era tecnológica.

Uno de los aspectos más importantes de la muestra es el enfoque como “caso de estudio”, lo que permitirá que los estudiantes y el profesorado de la Universidad trabajen directamente en el montaje, la documentación y la preservación de las obras, conociendo de primera mano la complejidad tecnológica que configura las obras contada por sus protagonistas, los artistas y técnicos que impartirán a los estudiantes sesiones de trabajo para explicar tanto sus propias metodologías de trabajo como los protocolos necesarios para la preservación de estas obras. La propuesta, aunando práctica artística y tecnología, promueve una alianza innovadora en la intersección Arte, Ciencia y Tecnología, buscando el encuentro y la convergencia entre métodos científicos y artísticos.

Así, esta exposición plantea un novedoso enfoque pedagógico al ofrecer a los estudiantes las obras como “casos de estudio”. Enfrentarse al estudio de obras de arte de base tecnológica implica una dificultad añadida: la necesidad de comprender las transformaciones tecnológicas y entender la conceptualización de las propuestas. Al llevar a cabo el montaje junto a los artistas y técnicos, los estudiantes de la UPV conocerán de primera mano los procesos creativos de los artistas.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Obra de Daniel Canogar de la Colección Beep.

Toda la documentación generada durante la exposición por los estudiantes en torno a la colección (instrucciones de montaje, fichas de mantenimiento, protocolos de preservación ante la obsolescencia de los componentes, recopilación de lenguajes de programación y mantenimiento informático, etc.) constituirá a su vez una información relevante tanto para los investigadores, los gestores culturales como para los mismos conservadores de la colección BEEP, ofreciendo un conocimiento en profundidad de las obras y una sistematización de sus requisitos de exposición.

Para que esto sea posible, el espacio de la Sala Josep Renau se ha ajustado a un diseño expositivo a modo de stands de feria, ya que la muestra se plantea como un work in progress, como un ensayo que se desarrolla en el tiempo y donde las piezas irán cambiando, actualizándose, cada tres semanas, de manera que al final todas las que integran la colección serán revisadas, exhibidas y documentadas.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

Obra de Analivia Cordeiro de la Colección Beep.

La Colección BEEP de Arte Electrónico: 12 años dedicados al Arte tecnológico

La Colección BEEP de Arte Electrónico es el fruto del objetivo del grupo TICNOVA de potenciar la creación artística vinculada a la tecnología, favorecer la comunicación entre los desarrolladores/creadores de tecnología y los creadores artistas. Una colaboración natural que beneficia y enriquece a ambos mundos.

Vinculada desde sus inicios a la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO a través del Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico, ha generado en 10 años una de las colecciones de Arte Electrónico más importantes de Europa. 16 obras resumen de forma ecléctica las tendencias de los medios tecnológicos en el campo de las prácticas artísticas.

En una metáfora sobre el funcionamiento de la sociedad y el uso de la internet se sitúa la obra de Davide Grassi, Christophe Bruno, el colectivo Ubermorgen, Julius Von Bismarck & Benjamin Maus, Manuel Fernández o Daniel Canogar. Trabajando con programas informáticos destaca el caso de las instalaciones de Charles Sandison, jugando bajo la metáfora recurrente del espejo encontramos las obras de Christa Sommerer Laurent Mignonneau y de Rafael Lozano-Hemmer y en la conjunción de arte sonoro y nuevos medios las piezas de José Antonio Orts. Por su parte, Eduardo Kac reflexiona a través del conocido como bioarte en torno al sujeto en el mundo postdigital mientras que Andrés Pachón y Manu Arregui nos exponen una nueva realidad social valiéndose de la tecnología 3D.

En el campo de la robótica, nos encontramos con las esculturas interactivas de Anaisa Franco que conectan lo físico y lo digital, y de Marcel·lí Antunez en la que un tronco de madera esconde un sistema robótico empático; con nuevas formas de comunicación entre elementos mecánicos en las instalaciones de Ricardo Iglesias y Gerard Kloger; con una búsqueda de un sistema auto-organizativo en mímesis con la naturaleza en las piezas de José Manuel Berenguer; y, en la obra de Marcela Armas, como canal para investigar los conceptos de energía y sostenibilidad.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

Cartel de la exposición Electronic Timing. Imagen cortesía de la UPV.

La Cabina se duplica por obra de Lawerta

Cartel del Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina 2016
Autor: Jorge Lawerta
Presentado en La Fábrica de Hielo
C / Pavia, 37. Valencia
Viernes 22 de julio de 2016

Carlos Madrid, director de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, y el ilustrador Jorge Lawerta presentaron el viernes 22 de julio el cartel de la novena edición del festival en La Fábrica de Hielo. La imagen representa una escena del mediometraje dirigido por Antonio Mercero en 1972, protagonizado por José Luis López Vázquez y cuyo título ha tomado el festival, La cabina.

El cartel del festival es, desde hace unos años, un acontecimiento en sí mismo. En las últimas ediciones, artistas y diseñadores de la talla de Paula Bonet, Luis Demano, Escif o Carla Fuentes (Littleisdrawing) han sido los encargados de llevarlo a cabo. Para esta novena edición, que se celebrará del 3 al 13 de noviembre, La Cabina ha contado con el ilustrador valenciano Jorge Lawerta.

Madrid destaca del cartel que “integra perfectamente todos los elementos dentro de la imagen” y que “es muy dinámico en cuanto a los colores utilizados por Lawerta que representan las tres secciones del festival: Sección Oficial, Amalgama e Inèdits”. Además, añade que “es una buena reinterpretación de la película de Mercero, aunque en nuestro cartel José Luís López Vázquez aparece encantado de estar encerrado en la cabina, al igual que esperamos que el público esté encantado de encerrarse con nosotros los días del festival”.

Lawerta está titulado en Bellas Artes por la UPV, ha sido Director de Arte en agencias como CuldeSac™: Espacio Creativo, Comunicación, Experience o Global Works y ha colaborado en El País, Eleven Magazine, ICON – EL PAÍS o Panenka entre otras publicaciones. Además, ha realizado diseño de marca para clubes como el Valencia CF y el Levante UD. Esta faceta deportiva de su trabajo se manifestó recientemente en su primera exposición -Amor por los colores- en la galería Pepita Lumier art&shop.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

González Garrigues, Premio BBAA San Carlos

Levitas, de María González Garrigues
Premio Nacional de Pintura
Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia

La joven artista María González Garrigues (Gandia, 1992) ha resultado ganadora del XVII Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, que se convoca anualmente con el patrocinio de Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

El jurado, que tuvo que elegir entre 53 obras presentadas, ha destacado el alto nivel artístico de la convocatoria y ha elegido como ganadora ‘Levitas’ de María González Garrigues.

Artista nacida en El Grau de Gandia en 1992, María González Garrigues realizó sus estudios de Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València y ha obtenido el primer premio dotado con 6.000 euros con una obra realizada con técnica mixta sobre tabla.

El jurado, encabezado por Manuel Muñoz Ibáñez, presidente de la  Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, estuvo formado por los académicos, Román de la Calle, Aurora Valero, Felipe Garín y Rafael Armengol.

Omnia In Sublimi Sunt.

Omnia In Sublimi Sunt, de David Marqués Serra. Imagen cortesía de la organización.

El jurado falló también dos accésits dotados con 3.000 euros cada uno a favor de David Marqués Serra (Valencia, 1988) por Omnia In Sublimi Sunt y de Isidoro Moreno López  (Valladolid, 1975) por su obra Duero.

Las obras ganadoras y las otras siete seleccionadas permanecerán expuestas hasta el 24 de julio en Nuevo Centro Espai d´Art.

Levitas, de María González Garrigues.

Levitas, de María González Garrigues.