CONVOCATORIA MULIER MULIERIS #11

Convocante: MUA Museu Universitat d´Alacant
Dotación: exposición
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 12 de diciembre 2016

11 CONVOCATÒRIA D’ARTS VISUALS
MULIER MULIERIS
Mulier mulieris proposa una reflexió plural i compromesa amb la construcció de nous imaginaris femenins a través de l’art.
A qui va dirigida?
Artistes de qualsevol sexe, edat i nacionalitat.
Recepció de les propostes
El termini de recepció de propostes serà del 17 de novembre al 12 de desembre de 2016, tots dos inclusivament.
Documentació
Les/els participants hauran d’enviar la proposta en un únic PDF que no excedisca els 5 MB. NO
S’ADMETRÀ UNA ALTRA CLASSE DE FORMAT.
L’índex del PDF serà:
1. Dades personals amb còpia del DNI
2. Descripció del projecte
3. Fitxa tècnica
4. Imatges de l’obra o sèrie
5. Currículum
No serà necessari presentar l’obra físicament.
El tema tindrà relació amb l’objecte de la convocatòria.
S’admetrà qualsevol tipus de disciplina artística.
En cas de tractar-se d’obres amb particularitats de muntatge, s’hi hauran d’adjuntar les instruccions corresponents.
ADREÇA A LA QUAL S’ENVIARAN LES
PROPOSTES:
Correu electrònic: mua.convocatorias@ua.es
Decisió
El museu publicarà la llista amb les persones seleccionades en la pàgina web www.mua.ua.es al final de gener. Només estes rebran notificació per correu electrònic.
Exposició
L’exposició es farà durant el març i maig de 2017.
Es podrà modificar la data si l’organització ho requereix.
El nombre d’obres exposades podrà variar depenent de les característiques i del nombre d’artistes que se seleccionen.
El museu editarà un catàleg de la mostra, del qual es remetran exemplars a els/les seleccionats/des.
Responsabilitat
El Museu de la Universitat d’Alacant procurarà la bona conservació de les obres durant el temps que estaran en el seu poder.
Devolució després de l’exposició
Es preveu un fons per a devolució d’obra en virtut de la disponibilitat pressupostària i fins a un límit legal de 600 € en total.
El museu coordinarà amb cada participant la devolució de l’obra.
Drets
Els organitzadors es reserven el dret de modificar o prendre iniciatives no regulades per aquestes bases amb l’objectiu de millorar l’organització de la convocatòria.
La participació en aquesta convocatòria implica l’acceptació d’aquestes bases, com també de les decisions del jurat.

Bases completas
Portada: imagen de varias obras de la pasada edición 2015

X Convocatoria de artes visuales Mulier Mulieris

Convocante: Universitat d´Alacant
Dotación: exposición sin dotación económica
Modo de presentación: envío de dossier en PDF
Plazo de admisión: hasta el 20 de diciembre de 2015

Mulier mulieris propone una reflexión plural y comprometida con la construcción de nuevos imaginarios femeninos a través del arte.
¿A quién va dirigido?
Artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
Recepción de las propuestas
El plazo de recepción de las propuestas será del 7 al 20 de diciembre de 2015, ambos inclusive.
Documentación
Las/los participantes deberán enviar la propuesta en un único PDF que no exceda los 5 MB. No se admitirá otro tipo de formato.
El índice del PDF será:
1. Datos personales con copia del DNI 2. Descripción del proyecto
3. Ficha técnica
4. Imágenes de la obra o serie
5. Currículum
No será necesario presentar la obra físicamente. El tema guardará relación con el objeto de la convocatoria.
Se admitirá cualquier tipo de disciplina artística. En caso de tratarse de obras con particularidades de montaje, habrán de acompañarse las instrucciones correspondientes.
DIRECCIÓN DE ENVÍO DE LAS PROPUESTAS: Correo electrónico: mua.convocatorias@ua.es
Fallo
El museo publicará la lista con las personas seleccionadas en su página web www.mua.ua.es a finales del mes de enero. Solamente éstas recibirán notificación por e-mail.
Exposición
La exposición se realizará durante los meses de marzo y mayo de 2016. Se podrá modificar la fecha si la organización lo requiere.
El número de obras expuestas podrá variar dependiendo de sus características y del número de artistas que se seleccionen.
El Museo editará un catálogo de la muestra, del que se remitirán ejemplares a los/las seleccionados/as.
Responsabilidad
El Museo de la Universidad de Alicante velará por la buena conservación de las obras mientras permanezcan en su poder.
Devolución tras la exposición
Se habilita un fondo económico para devolución de obra en virtud de la disponibilidad presupues- taria y hasta un límite legal de 600€ en total.
El museo coordinará con cada participante la devolución de la obra.
Derechos
Los organizadores se reservan el derecho de modificar o tomar iniciativas no reguladas por estas bases siempre que sea para mejorar la organización de la convocatoria.
La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas bases, así como de las decisiones del jurado.

Imagen de portada: Vista de la exposición en la pasada edición.
Bases completas

Ayuda al estudio sobre arte contemporáneo Antonio Miró

Convocante: Cátedra Antoni Miró, Universidad de Alicante
Dotación: 1.500 euros
Modo de presentación: envío de solicitud por correo
Plazo de admisión: hasta el 30 de noviembre

La Cátedra Antoni Miró, con el propósito de estimular trabajos que contribuyan al conocimiento del arte contemporáneo, crea y convoca por primera vez una ayuda de estudio sobre arte contemporáneo. El plazo para la presentación de trabajos acaba el 30 de noviembre.

La convocatoria está abierta a los estudios de cualquier aspecto relacionado con el arte contemporáneo, especialmente valenciano o sobre la obra de Antoni Miró. Podrán concurrir proyectos de investigación planteados tanto individualmente como en equipo de trabajo. Los proyectos, de extensión y configuración libres, tendrán que expresar claramente el objetivo del estudio, las principales hipótesis y los métodos d´investigación previstos. Se podrán utilizar materiales ya elaborados en investigaciones previas (tesis doctoral o de licenciatura, u otros trabajos d´origen no académico), siempre que sean inéditos.

Las solicitudes serán analizadas por una comisión constituida al efecto, de la cual formarán parte el vicerrector de Cultura, Deportes y Política Lingüística, la directora del Secretariado de Promoción Cultural y Lingüística, dos representantes de la Comisión de Seguimiento de la Cátedra Antoni Miró elegidos entre sus miembros y el director académico de la Cátedra, que será el secretario. La ayuda será dotada con 1.500€.

Imagen de portada: Presentación de la Cátedra en la Universidad de Alicante
Bases completas

Albero: «Branques busca complicidad con el lector»

Entrevista a María Albero
Branques, revista objetual

María Albero (Biar-Alicante, 1981) se recuerda a sí misma escribiendo, dibujando y manipulando recortes de papel, pequeños sobrantes que encontraba en la imprenta de su padre (Imprenta Albero, Biar) desde que tiene uso de razón. De su labor creativa destaca la relación personal con el papel por sus singulares características, gramaje, textura, color o sonido. Lo considera algo más que un material, es -para ella- una “sustancia creativa”. Licenciada por la Facultad de BBAA de Altea (Alicante), especialidad diseño gráfico y escultura (2004), es también  titulada en museología  y arte contemporáneo por el Museo de la Universidad de Alicante (2005), prefiere dejar su obra escultórica al margen por considerar que pertenece a un ámbito más íntimo. Como diseñadora gráfica ha desempeñado proyectos en importantes empresas del sector del juguete formando equipo de marcas y modelos de reconocido éxito. Es fundadora, directora y creadora de Branques, revista objetual. Sin saberlo, ni proponérselo se ha convertido en un ejemplo para creativos y/o emprendedores.

¿Por qué Branques?

Branques significa “ramas” en mi lengua materna. Yo visualizaba este proyecto como algo orgánico que se extiende, crece, se detiene, evoluciona y da continuidad a más y más ramificaciones.

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¿Cómo definirías Branques?

Branques es una revista objetual creada para con-mover, busca la complicidad del lector para contar y construir con él un mundo de sensaciones. Cada número versa sobre un tema y se compone de pequeños artículos que contienen: un texto corto, tan solo seis líneas que nos sitúan en un espacio literario; una imagen que nos inspira; un objeto que nos emociona y una propuesta de acción que invita al lector a tomar parte de la aventura para completarla.

¿Qué destacarías del proyecto?

En la producción destacaría la labor de colaboradores y traductores, y muy especialmente el papel activo de los lectores, me emociona recibir su correspondencia. En sus cartas me transmiten  mucho apoyo con sus comentarios, es la señal de que Branques ha conectado con su público. En cuanto a colaboradores y traductores me siento rodeada de profesionales con mucho talento.

¿Se puede cambiar algo a través de una revista?

Yo siempre he defendido que el arte es de todos y para todos. Cuando decidí crear Branques pensaba en un libro de artista. Pero el libro de artista suele estar más alejado de un público que a mí me gustaría que fuera más numeroso. Por lo tanto Branques no es una revista por accidente, lo es para llegar a mucha más gente, sin renunciar al soporte de papel, ni a la calidad artística. Branques pretende ser de todos y para todos, sin elitismos ni exclusiones.

¿Hacia dónde se dirige Branques?

Próxima estación: sacar el siguiente número. Después seguir el camino de la creatividad y buscar la participación activa del público a través de la imaginación. Abrir bien los ojos para aprender, madurar y mejorar. El camino es largo, pero lleno de sorpresas y muchas posibilidades. Sé que no es fácil pero es posible.

¿Dónde se puede encontrar Branques?

Tenemos distintos puntos de venta en Madrid, Valencia y Alicante que vamos ampliando poco a poco. Toda la información está en nuestra web (ver más abajo), tenemos suscriptores nacionales así como a nivel internacional a los que le remitimos la revista a domicilio. Siempre hacemos uso de material reutilizado para el embalaje. Para Branques cuidar del medio ambiente es muy importante.

María Albero. Directora de Branques. Fotografia Vicente Chambó

María Albero, directora de Branques. Fotografía Vicente Chambó

¿Podemos saber algo del siguiente número?

Considero que la sorpresa es un factor importante para el lector, enriquece su experiencia.

¿Entonces no hay primicia informativa?

Bueno, yo no voy a decirte más, la vida está llena de re-vueltas

¿Revueltas con guión?

Con guión, sin guión…todo revuelto…en bucle….en espiral (rie)

 

 www.branques.es

 

 

Vicente Chambó

Sembrando lectores

Sembra Llibres
Totes les cançons parlen de tu, de Xavier Sarrià
Vertigen, de Esperança Camps y Empar Marco

El nacimiento de una nueva editorial en estos tiempos precarios y sombríos es una buena noticia que apetece anunciar a bombo y platillo y proclamar a los cuatro vientos. Y todavía más si se trata, como es el caso de Sembra Llibres (Siembra Libros), de un proyecto valenciano y en valenciano.

“El dinero es importante, pero más es tener un proyecto que sea reconocible, que pueda ocupar su propio espacio y cubrir una necesidad en ese aspecto», dice Juan Carles Girbés, que tras una larga etapa en Bromera lidera este nuevo proyecto. «De momento en esta primera fase vamos a trabajar con colaboradores externos y más adelante ya veremos».

Portada del libro de Xavi Sarrià, Totes les cançons parlen de tu, de Sembra Llibres

Portada del libro de Xavi Sarrià, Totes les cançons parlen de tu, de Sembra Llibres

El objetivo prioritario de Sembra  es crear nuevos lectores en valenciano entre la gente adulta pero joven que ha estudiado la lengua en la escuela. “Hay muchos que saben leer en valenciano pero no lo hacen”, comenta Girbés. “Nuestra intención es conquistar a esos lectores potenciales completando la oferta que ya existe con títulos algo diferentes y muy conectados con la realidad actual, que ayuden al lector a comprender el complejo y convulso mundo en el que vivimos”.

Sembra se lanza a la palestra editorial con dos títulos contundentes. Totes les cançons parlen de tu (Todas las canciones hablan de ti) la esperada primera novela de Xavi Sarrià, cantante de Obrint Pas, que se publica el 14 de marzo. El segundo es  Vertigen (Vértigo), relato escrito a cuatro manos por Esperança Camps, escritora y periodista de  RTVV y  Empar Marco, corresponsal de TV3 en la Comunidad Valenciana. En un tiempo récord, inspiradas en el cierre de la televisión valenciana, las dos autoras han trazado un audaz retrato de la Valencia de nuestros días. Se pondrá a la venta el 28 de marzo, cuatro meses después del cierre de RTVV.

Portada del libro 'Vertigen', de Esperança Camps y Empar Marco.

Portada del libro ‘Vertigen’, de Esperança Camps y Empar Marco.

“Son dos libros muy distintos pero existe una sintonía entre ellos”, señala Girbés. “Eso es lo que pretendemos y con ese criterio seleccionaremos las propuestas que van llegando”.

A la línea de ficción se sumará próximamente una de ensayo dedicad a trabajos periodísticos insertos en la actualidad. “Estamos muy satisfechos de eco que ha tenido la recién nacida editorial en las redes sociales. Se capta una demanda social que nos parece muy gratificante. Ahora sólo resta seguir trabajando y esperar que la semilla caiga en tierra receptiva como deseamos”, concluye Girbés.

‘Veus literàries’.

Por otra parte, el Aula de Lectura i Escriptura de la Universitat de València, dirigida por el catedrático y escritor Josep Ballester y Noelia Ibarra, junto con el Aula Literària de la Universidad de Alicante, la Universitat Jaume I, con la colaboración de la Associació d’Escriptors en Llengua Catalana (AELC) han programado la actividad Veus literàries.

El objetivo de este evento es promover la literatura catalana contemporánea mediante escritores valencianos en esta primera edición. El ciclo incluirá seis conferencias en las tres universidades para promover el acercamiento a la obra y trayectoria de seis reconocidas voces a la comunidad universitaria y de acceso libre a todo el público. Se inauguró el pasado mes de febrero en la Facultat de Magisteri con la conferencia de Mercé Viana y finaliza, también en el mismo espacio, con la participación de Silvestre Vilaplana el  9 de abril.

Detalle de portada de libro.

Detalle de portada de libro de Xavi Sarriá, Totes les cançons parlen de tu.

Bel Carrasco

Hablar del tiempo, para empezar a hablar

XIII Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo
Museo de la Universidad de Alicante
C/ Colonia Santa Isabel, s/n. Sant Vicent del Raspeig (Alicante)
Hasta el 23 de diciembre de 2013

Es habitual, en esos momentos en los que no se sabe qué decir, hablar del tiempo. Lo hacemos subidos en ascensores, con vecinos o esperando para usar un cajero electrónico. Es una manera de llenar el vacío que se ha instalado en las relaciones humanas de proximidad, pero también es una forma de no entrar en conversaciones de mayor calado que podrían incomodar a nuestro fugaz interlocutor o podrían incomodarnos a nosotros mismos. ¿Quién no se ha bajado de un taxi arrepentido de haber abierto la boca o lamentando que el conductor no la hubiera mantenido cerrada? Por aquello de ser prudentes, tratamos de evitarnos a la larga la molestia de salir a la calle con chaleco antibalas… pero a fuerza de hablar del tiempo, se constata que algo está pasando: año tras año vemos como el verano se prolonga casi hasta diciembre, mientras que después el invierno se resiste a dejar paso a la primavera. Agudamente muchos persisten en aseverar que se trata del cambio climático, que a base de anunciar su advenimiento por fin a llegado, se ha hecho real y podemos constatar sus efectos. Durante un tiempo muchos lo creímos así. Es evidente que el modelo económico que se implantó a partir de las revoluciones industriales ha ido progresivamente incrementando su presión sobre los recursos naturales, a la vez que la generación de residuos ha crecido de un modo exponencial. El deseo de un lucro incesante, la ambición desbocada, ha logrado extender ese sistema económico prácticamente a todo el mundo y sus consecuencias se ponen de manifiesto de múltiples maneras, también causando efectos en el clima.

Tras años de preocupación por los asuntos medioambientales, parece que por fin hemos logrado entender lo que está sucediendo: no se trata de un proceso de cambio climático, es en realidad un cambio de régimen político! Todos los indicadores lo constatan, prácticamente no hay margen de error, hemos pasado de un sistema democrático a una República Bananera y, claro, ahora nos corresponde un clima tropical.

Octavio Paz describía una situación en la que puede que debamos mirarnos: “(…) Durante más de un siglo América Latina ha vivido entre el desorden y la tiranía, la violencia anárquica y el despotismo. Se ha querido explicar la persistencia de estos males por la ausencia de las clases sociales y de las estructuras económicas que hicieron posible la democracia en Europa y en los Estados Unidos. Es cierto: hemos carecido de burguesías realmente modernas, la clase media ha sido débil y poco numerosa, el proletariado es reciente. Pero la democracia no es simplemente el resultado de las condiciones sociales y económicas inherentes al capitalismo y a la revolución industrial. Castoriadis ha demostrado que la democracia es una verdadera creación política, es decir, un conjunto de ideas, instituciones y prácticas que constituyen una invención colectiva. La democracia ha sido inventada dos veces, una en Grecia y otra en Occidente. En ambos casos ha nacido de la conjunción entre las teorías e ideas de varias generaciones y las acciones de distintos grupos y clases, como la burguesía, el proletariado y otros segmentos sociales. La democracia no es una superestructura: es una creación popular. Además, es la condición, el fundamento de la civilización moderna. De ahí que, entre las causas sociales y económicas que se citan para explicar los fracasos de las democracias latinoamericanas, sea necesario añadir la falta de una corriente intelectual crítica y moderna (…)” [1]

La desaparición progresiva de la amplia clase media española es uno de los indicadores que advierte de las transformaciones sociales y políticas que pueden tener lugar a medio y largo plazo, son tan semejantes a las causas indicadas tiempo atrás por Octavio Paz para describir la situación de otro continente, que debería servirnos al menos como señal de alarma. Las formas de componer y descomponer son las que son, y los “arquitectos” del orden global tienen nombres y apellidos; poco queda a la improvisación.

La fuerza implícita y explícita que arremete contra la educación, la cultura, los docentes, los creadores y sus gentes responde a la voluntad de filtrar en la consciencia colectiva ideas de desconfianza y demérito hacia estos ámbitos. Una sociedad poco formada es más manipulable, pues dispone de menos recursos para constituir juicios críticos acerca de los acontecimientos e inevitablemente su oposición a las imposiciones del poder será menor.

El arte contemporáneo lleva implícita en muchas ocasiones la enunciación de las distorsiones sociales y políticas de su tiempo, aunque no siempre gusta el reflejo que nos devuelve ese espejo. Un recorrido por los trabajos seleccionados para esta edición de Encuentros de Arte Contemporáneo (EAC) es un modo útil de navegar entre diferentes lenguajes y sensibilidades artísticas que a veces son miradas íntimas, formas de belleza subjetiva o realidades estéticas, mientras otras son ejercicios de prospección, signos sociales del presente o pulsos con la realidad. Para 2013 el jurado convocado ha designado a veinticuatro seleccionados, entre los que se encuentran significativos nombres del nuevo panorama artístico junto a otros de prometedora trayectoria. Procedemos a realizar un rápido recorrido a través de sus trabajos.

Vista general de la exposición en el MUA

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Elssie Ansareo (México D.F., 1979) realiza mediante la práctica del archivo su proyecto “El observatorio”, una revisión del concepto de histeria utilizado en demérito de la mujer en el siglo XIX. En sus imágenes, voluntariamente teatralizadas, son figuras masculinas las que muestran todo un catálogo de cuerpos en tensión, que reproducen el conocido arco de la histeria como síntoma de esta patología que se ve simbólicamente trasladada de género, queriendo inquietar al espectador.

Rosana Antolí (Alcoy, 1981) viene desarrollando a través del dibujo y el vídeo una definida línea de trabajo que recurre a los instintos, a la animalidad del ser humano, como resorte para conectar con nuestros orígenes y volver a un “yo” primitivo que la sociedad ha ido progresivamente constriñendo. “My animal dance” pone en contacto las formas de ser más instintivas, entre las que se encuentran la atracción física y el impulso sexual, en una búsqueda de nosotros mismos alejados de los hábitos civilizados y los buenos modales como síntoma de ruptura con lo establecido.

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Imagen cortesía del MUA

Rosana Antolí. Zorrismos en rojo, 2011. Imagen cortesía del MUA

Fernando Bayona (Linares, 1980) construye cuidadosamente imágenes que podrían ser el fotograma de un film. Sus fotografías van cargadas de referencias literarias que el espectador puede desentrañar o construir un relato propio a partir de las mismas. Su carga estética es sólo una máscara que reserva un alto contenido crítico. “What never was” es una de las tres series que componen el proyecto Hidden cycle, que se nutre de “La divina comedia” de Dante para hacer una libre interpretación de los sistemas autoritarios ocultos tras la idea de estado del bienestar y los resortes opresores del poder.

Los trabajos de Pablo Bellot (Alicante, 1976) son la sucesión coherente de una práctica artística que ha dirigido el foco hacia un aspecto de la realidad que, encontrándose en el epicentro de la civilización occidental, nos remite a los extrarradios de la condición humana. Su proyecto “Caminante” abunda en la idea de precariedad forzada como estado vital que convierte a toda una generación –mas bien a varias- en muertos vivientes, en seres excedentarios sin futuro ni posibilidad de presente (aquí y ahora).

Vista

XIII Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Hélène Duboc (Rouen, 1984) parte del caucho sintético para crear piezas de marcado carácter industrial, tanto por el material empleado como por las referencias a las que alude en su base teórica. Los cambios en la localización mundial de los puntos de producción han generado en nuestro entorno la proliferación de espacios fabriles abandonados, convertidos en templos para la memoria laboral de una época que se ha desvanecido como parte del mismo espejismo que los creó. Su representación y su archivo por parte de la artista contribuye a reforzar la idea de espacios en suspensión.

Ana Esteve (Agres, 1986) recurre al presente y a sus referencias personales más directas para enunciar mediante sus trabajos en vídeo algunas de sus preocupaciones, que son realmente las preocupaciones compartidas por una gran mayoría. “Bad romance”, “Futuro inmediato” y “Olimpiadas” sirven al espectador como toma de contacto con la realidad de un modo directo: el futuro, la incertidumbre, las catástrofes y los conflictos de identidad son los hilos con los que se tejen unas narraciones que no ofrecen la solución pero indican algunas de las encrucijadas del momento.

Cristina Fernández (Alicante, 1974) aborda con su proyecto “Paso de gigantes” la tarea de realizar una cartografía visual de lugares de la geografía española en los que la falta de recursos, o la mala gestión de los mismos, ha conducido al abandono de obras públicas iniciadas. Estructuras de hormigón que han pasado a formar parte del paisaje a partir de su invasión, desbordando el equilibrio previo. Puede que la inconsecuencia y la escasa repercusión de responsabilidades políticas sobre la gestión pública se encuentre en el trasfondo de situaciones como las aquí documentadas.

Chus García-Fraile (Madrid, 1961) con “A matter of faith” toma como punto de partida el cuestionamiento de las ideologías políticas y su paralelismo con las doctrinas religiosas. Para ello interviene lampadarios, introduciendo velas que componen los colores de las banderas de los países del G20. Según indica la artista, una de las concepciones de Feuerbach sobre la religión señala que el hombre crea un Dios ante el cual se subordina. Una relación que es asimilable al capitalismo: el hombre crea el capital y este lo domina.

Cayetano García Navarro (Alicante, 1973) parte de la premisa de no pretender realizar un análisis teórico del paisaje mediante su trabajo fotográfico, sino acercar al espectador a sus propias vivencias y experiencias a través de sus imágenes. “Walking around the nature” muestra espacios naturales idílicos en los que la imagen se ve sometida a una vibración que la desdibuja, a la vez que la acerca a una idea emocional del entorno, alzando ese instante a la categoría de recuerdo palpitante.

Cayetano García

Cayetano García. Walking Around The Nature. 2013. Imagen cortesía del MUA

Carlos García (Elche, 1978) presenta, tras sus trabajos de graffiti técnico, un proyecto en el que la pintura definitivamente se libera del bastidor y salta del muro. “50.000 gr.” da título a un conjunto de piezas tridimensionales como resultado de la superposición de capas de material en un proceso en el que el tiempo juega su papel. La idea de instantaneidad, de inmediatez, se pone en crisis al enfrentarnos a estas obras, convertidas en alegatos de la consistencia informe que define tantos ejercicios de construcción social y personal urgidos por la fugacidad del tiempo.

Carlos García Peláez. 7 kilos de acrílico. 78 x 52 x 50 cm. Imagen cortesía del MUA

Carlos García Peláez. 7 kilos de acrílico. 78 x 52 x 50 cm. Imagen cortesía del MUA

Cuando el Senado de la antigua Roma decretaba la Damnatio Memoriae se procedía a eliminar cualquier elemento o inscripción que recordara a él. Olalla Gómez (Madrid, 1982) se apropia de esta referencia y la trae al actual contexto sociopolítico, borrando simbólicamente las imágenes representadas en las monedas de uno y dos euros. En el centro de las mismas introduce frases y pronunciamientos ciudadanos con los que el cuerpo social reclama un lugar central en la economía con una presencia no mediada.

Damnatio Memoriae. Olalla Gómez. 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae (fragmento). 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez. Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Olalla Gómez.Damnatio Memoriae, 2013. Imagen cortesía del MUA

Raúl Hevia (Santander, 1965) ha realizado un particular ejercicio de extroversión, escribiendo día a día un diario personal sobre muros y espacios públicos. “Lost year’s words” convierte el paisaje y el territorio en el soporte sobre el que el autor comparte reflexiones y sentimientos, haciendo que se produzca una relación singular entre ambos que deriva en una relectura del paisaje. El resultado son dípticos de imágenes que se componen de la escritura y el paisaje, como resumen vital de todo un año.

Marla Jacarilla (Alcoy, 1980) mantiene en sus trabajos una especial relación con la creación literaria. “Apropiación de principios” es una pieza en la que a partir de una reflexión del escritor Enrique Vila-Matas acerca de la importancia de las primeras frases de una novela, la artista recopila los 38 libros de ficción que posee para extraer 38 posibles maneras de comenzar una novela. “Aplicar estrategias ajedrecísticas en el campo del arte y esperar a ver qué pasa” es un trabajo en vídeo que plantea algunas cuestiones acerca de la difícil profesionalización del artista emergente.

Claudia Martínez (Catamarca, 1966) lleva a cabo con “Desborde” un ejercicio metafórico de la fragilidad de lo cotidiano. La composición múltiple de las cosas y la levedad del equilibrio que sustenta el orden natural y orgánico son aspectos en los que incide esta maleable instalación que, partiendo de pequeños fragmentos de material alambrado, se expande adaptándose al espacio como un organismo vivo y autónomo. El proceso de trabajo colaborativo de una veintena de personas, para hacer posible su materialización, sirve para resignificar algunos valores comunitarios.

Vista de la exposición

Claudia Martínez. Desborde (fragmento). 2013. Imagen cortesía del MUA.

Cuando pensamos en arte recurrimos habitualmente a la imagen de la exposición, pero generalmente se pasa por alto los procesos de investigación y documentación que el artista debe realizar antes de la formalización de la obra. Esa carencia queda igualmente patente en la distribución de recursos económicos, casi siempre destinados a la exhibición, obviando la necesidad de apoyo en las fases previas. Ángel Masip (Alicante, 1977), con su proyecto, genera un contexto propio que introduce la investigación plástica en el espacio expositivo, mostrando un fragmento del desarrollo de la propia práctica investigadora.

Rosell Meseguer (Orihuela, 1976) aborda la temática del espionaje, recuperada del período de la Guerra Fria, que adquiere actualidad a partir del envenenamiento y muerte del espía Litvinenko en Londres o el caso Snowden. “OVNI Archive” es una recopilación realizada por la artista a partir de imágenes, recortes de prensa, documentos, libros y otros materiales que ponen en relación aspectos de la Guerra Fría con características de la actual crisis socioeconómica. Una especie de cinta sin fin en la que el movimiento es una ficción que garantiza que todo cambia para que nada cambie.

Diego Opazo (Santiago de Chile, 1966) engloba bajo el título de “Movimiento natural de los hechos” una serie en desarrollo de vídeos, entre los que se encuentran “Tíber” y “7:59”. Son trabajos que ponen el acento en hechos cotidianos con los que convivimos y que, a fuerza de repetición, nos pasan inadvertidos. Para reforzar formalmente la idea de eterno retorno nos muestra planos fijos en los que el movimiento viene determinado por los agentes naturales y humanos o por la interacción de ambos.

Diego Opazo Cousiño. Imagen cortesía del MUA

Diego Opazo Cousiño. Imagen cortesía del MUA

Juanma Pérez (Priego de Córdoba, 1970) apuesta por la arteficción con su “Geografía e historia de un lugar”. Si bien la geografía y la historia se ocupan de definir física y temporalmente la realidad de un lugar, el artista se ha propuesto la creación de un atlas emocional probablemente empujado por la imposibilidad sobrevenida de habitar este espacio y este tiempo. El ser humano dispone de la capacidad de imaginar, de proyectar para hacer posible lo inimaginable y lograr así objetivos con los que otros ni tan siquiera soñaron.

MP & MP Rosado (San Fernando, 1971) parten de una poesía de Walt Whitman para desarrollar su proyecto “Contengo multitudes”. A la vez que nos asemejamos a los otros, que nos disolvemos entre la masa, podemos llegar a entrar en contradicción con nosotros mismos –tal es nuestra naturaleza-, pues en ocasiones somos capaces a abrazar una idea mientras llevamos a la práctica la contraria. Los hermanos Rosado llevan a cabo una exploración del cuerpo y el espacio público desde una experiencia de fragmentación.

Julio Sarramián (Logroño, 1981) busca una nueva visión de la naturaleza a partir de su proyecto “Naturaleza hiper-transfronteriza”. Tomando como base la sencillez con la que el individuo puede acceder a la información y a la tecnología, el artista plantea una reflexión acerca de la forma paradigmática de entender el paisaje y el territorio de un modo transfronterizo. La experiencia virtual que nos garantizan herramientas como Google Earth han modificado nuestra configuración mental del espacio y la distancia.

Julio Sarramián. Naturaleza hiper-transfronteriza. 2013. Imagen cortesía del MUA

Julio Sarramián. Naturaleza hiper-transfronteriza. 2013. Imagen cortesía del MUA

Las “vídeo-acciones” de Saúl Sellés (Alcoy, 1986) surgen de la investigación alrededor de los estímulos que relacionan el deporte y la competición con los ideales estéticos y el culto al cuerpo, así como el papel entre narcisista y voyeur que cumple el espectador como parte de ese entramado. El propio artista, convertido en ejecutor, desarrolla lo que él denomina un espectáculo de seducción que se acompaña de “partituras de performance”, conformadas por dibujos vectoriales.

Saúl Sellés. Imagen cortesía del MUA

Saúl Sellés. Imagen cortesía del MUA

Ion Sobera Ochoa de Ocariz (Bilbao, 1977) presenta su serie fotográfica “Viaje a ninguna parte”. Se trata de un trabajo con el que el artista pone en cuestión la constante tutela que, durante tanto tiempo, hemos recibido como individuos pertenecientes a una sociedad y a un determinado modelo social. La irrupción de la crisis en nuestras vidas ha significado la necesidad de revisar esas señales, de ponerlas en cuestión y abordar la necesidad de trazar nuevos caminos desde una lógica de los acontecimientos y las necesidades.

Mirimari Väyrynen (Helsinki, 1976) profundiza en los temas medioambientales para presentar al espectador una problemática global, con causas locales pero efectos que se desplazan sin atender límites ni fronteras. Pinta paisajes de bosque a base de capas que laboriosamente va superponiendo, hasta lograr unas imágenes vibrantes que interpreta como autorretratos. Para sus instalaciones emplea árboles naturales, madera quemada y ceniza, entre otros elementos para activar la conciencia del espectador.

Mirimari Väyrynen. Imagen cortesía del MUA

Mirimari Väyrynen. Imagen cortesía del MUA

“Estado de conservación” representa la apuesta de Salvi Vivancos (Alicante, 1977) por formatos y técnicas fotográficas y cinematográficas que renuncian al digital para dirigir la atención a los medios para fijar la imagen empleados por los pioneros de los siglos XIX y XX. El resultado son trabajos contemporáneos filmados mediante formas y en soportes desactualizados con los que pretende visibilizar la necesidad de conservar la memoria fílmica. En este caso simula el proceso de deterioro físico de la película.

“(…) El tiempo, ese gran saqueador, nos roba continuamente; pero una cosa es que nos desvalijen a lo grande y envejecer con la conciencia de haber tenido una vida plena, y otra que nos quiten todos los días pellizquitos miserables de cosas que ni siquiera hemos vivido. El infierno de nuestros contemporáneos se llama insipidez. El paraíso que buscan, plenitud. Los hay que viven y los hay que duran” [2]

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

Vista general del XIII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo en el MUA

José Luis Pérez Pont

[1] Paz, Octavio. Tiempo nublado. Seix Barral, Barcelona, 1983.

[2] Bruckner, Pascal. La euforia perpetua. Sobre el deber de ser feliz. Tusquets, Barcelona, 2001.

Psicopatía y melancolía en MACA

Museo de Arte Contemporáneo de Alicante

Cine en Versión Original

Alicante

Plaza Santa María, 13

Del 7 de marzo al 30 de mayo

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) vuelve a la carga por primavera con su Cine en Versión Original. En esta ocasión, con tres directores cuyas temáticas pivotan en torno a la psicopatía y la melancolía, ya sea producto del desencanto o cierta pérdida de memoria. Roman Polanski, David Fincher y Paul Greengrass son los autores elegidos para ilustrar con 10 películas tamañas problemáticas. De Polanski se proyectarán Chinatown, con la que se abre el ciclo el 7 de marzo, y El escritor (14 de marzo). De Fincher, Seven (21 de abril), El club de la lucha (18/4), Zodiac (25/4) y El curioso caso de Benjamin Button (2 de mayo). De Greengrass, El mito Bourne (9/5), United 93 (16/5), El ultimátum Bourne (23/5) y Green one: distrito protegido (30/5).

La Universidad de Alicante colabora con el MACA en la organización de un ciclo que cuenta con dos créditos de libre configuración y asistencia libre para todos aquellos que no necesiten certificado alguno. Mediante esas 10 películas, el público podrá asistir a la puesta en escena de dos de los males que aquejan a nuestras sociedades contemporáneas. Polanski, tanto en Chinatown como en El escritor, coloca a sus protagonistas en tramas que esconden falsas apariencias de las que serán víctimas. A David Fincher le atraen los psicópatas que tanto en Seven como en Zodiac triunfarán para desesperación de los detectives que llevan los respectivos casos. La ley policial sucumbiendo a la pulsión asesina. El Club de la lucha, sin duda la mejor de las películas proyectadas, se halla atravesada por la psicosis del desdoblado protagonista. Completa el ciclo Paul Greengrass, famoso por su serie en torno a Bourne, un desmemoriado Matt Damon.