El pánico al padre

Trayectos (des)esperanzados: de ‘París-Tombuctú’ (Luis García Berlanga) a ‘Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar)
Cátedra Luis García Belanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 8 y martes 9 de diciembre de 2019

Trayectos (des)esperanzados. Ese es el título que la Cátedra Berlanga, creada hace cinco años para promocionar la investigación y divulgación de la obra de Luis García Berlanga, propone en sus jornadas de cine que tendrán lugar en el Palacio de Colomina los próximos días 9 y 10. El diálogo entre la última película del cineasta valenciano, París-Tombuctú, y la de Pedro Almodóvar, Todo sobre mi madre, cuando ambas cumplen 20 años, permite abordar esos trayectos. Trayectos narrativos planteados de forma bien distinta, pero que giran en torno a un mismo problema: el pánico al padre.

Pánico que en París-Tombuctú adquiere tonos burlescos, mientras en Todo sobre mi madre adopta la tonalidad del más intenso melodrama. Y, en ambos casos, como consecuencia de la pregunta que se hacen los personajes, en determinados instantes, acerca del origen paterno. Se sabe, valga la redundancia, todo sobre las madres, poniendo en cuestión la paternidad, ya sea por ciertas dudas acerca de su ADN o simplemente por habérsela ocultado durante mucho tiempo a un hijo.

Toni Cantó (izda) y Cecilia Roth, en un fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

Para tratar de todo ello, siempre en torno a lo que puedan dar de sí esa y otras cuestiones implícitas en ambas películas, la Cátedra Berlanga cuenta con una serie de ponentes. Profesores y profesionales del cine que serán los encargados de ilustrar con sus intervenciones lo que universos fílmicos tan ricos como los de Berlanga y Almodóvar suscitan. Entre ellos, destaca la presencia del actor Toni Cantó, que encarnó al transexual Lola en Todo sobre mi madre, y que desvelará en las jornadas cómo trabajó aquel papel y cuál fue su experiencia durante el rodaje de un filme que logró el Óscar a la Mejor Película extranjera en 1999. 

Julián Núñez, ayudante de dirección con Berlanga en París-Tombuctú y con Almodóvar en Mujeres al borde de un ataque de nervios, añadirá su punto de vista con respecto al modo de crear que tenían ambos cineastas. Rafael Maluenda, que también tuvo oportunidad de trabajar con Luis García Berlanga en la película objeto del debate, se centrará en un aspecto llamativo, como son los “silencios en el bullicio berlanguiano”, tal es el elocuente título de su ponencia.

Michel Piccoli en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga vinculada a la Universidad CEU Cardenal Herrera, que cuenta con el patrocinio del Institut Valencià de Cultura (IVC), Fundación Aisge y Fundación Cañada Blanch, en colaboración con Á Punt Media, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista de artes visuales y cultura contemporánea Makma, será la encargada de mostrar las similitudes y diferencias entre ambas películas, pero girando de nuevo en torno a la cuestión del padre.

“Si hay algo que atraviesa los dos filmes es la necesidad que tienen los tres hijos Puchades [Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga], en París Tombuctú, y Esteban [Eloy Azorín], el hijo de Manuela [Cecilia Roth], en Todo sobre mi madre, de saber quienes son sus respectivos padres. Los primeros fantasean con la posibilidad de que sea el famoso matador Manolete, despreciando que sea el enano Ramonet su legítimo padre, mientras el segundo solo quiere conocer a quien su madre le ha ocultado desde que naciera”, explica Siles. “Pienso que el padre, ya sea mediante la farsa burlesca o a través del drama, es la figura anhelada que sin duda falla en ambos relatos. De ahí los trayectos desesperanzados a los que aluden las jornadas, motivados por una búsqueda de la paternidad, tan pronto vilipendiada como fútilmente deseada”, añade.

Amparo Soler Leal, Michel Piccoli y Concha Velasco en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Javier Rioyo, director del Instituto Cervantes de Tánger y gran conocedor de la obra de Berlanga, se centrará en la mala españolidad del autor de El verdugo, por cuya película fue censurado en el franquismo. De ese hilo tirará Rioyo, valiéndose precisamente de lo que Franco dijera de él tras el visionado de aquella película en su sala del Pardo, y una vez escuchados los reproches de los censores, tachándolo de rojo y anarquista: “Es algo peor: es un mal español”.

En este mismo sentido, Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid, se referirá a París-Tombuctú como una película que trata “la idea de España como problema filosófico”. “No habla ni de París ni de Tombuctú, sino de lo que está en medio que es España. Y en el personaje de Concha Velasco, que para mí es el principal porque Michel [Michel Piccoli] no deja de ser un mero viajero francés marginal, se da un problema de identidad, al no saber quién es su padre. Un problema totalmente delirante, porque ella cree que su padre es nada más y nada menos que Manolete, que tiene que ver con la identidad española, taurina, la fiesta de moros y cristianos, en fin, lo de siempre en el cine de Berlanga. Concha Velasco y España tienen un problema de identidad, que es lo que aborda la película”.

Fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

París-Tombuctú es la última película de Berlanga y termina con un cartel en el que se pueden leer las palabras: “Tengo miedo, L.” “Termina su filmografía con una comedia que ya no lo es, por ese final de tengo miedo. Si algo no tiene que producir la comedia es miedo. Y qué es lo que le da miedo a Berlanga: pues está claro, la destrucción de España, con ese toro de Osborne finalmente derruido. La destrucción de la idea de España, ojo, no de su unidad, aunque haya también alusión a ello con esa pancarta en la que se lee “Todo por las patrias”. De manera que el problema de España no es tanto su unidad como su identidad”, puntualiza Martín Arias.

Con respecto a Todo sobre mi madre, Jesús González Requena, de la Universidad Complutense de Madrid, señala que se trata de “una película curiosa, porque se proclama como un homenaje a todas las madres del mundo y, sin embargo, en el centro de la cadena de sufrimientos que afectan a las personajes está ese hijo quiere saber quién es su padre”. También destaca, en este sentido, el monólogo de la transexual Agrado [Antonia San Juan]: “Es un monólogo en el que dice que es muy natural ella y, al mismo tiempo, lo que está proclamando es el artificio completo de su esfuerzo por ser mujer”. Y añade: “Todos son mujeres u hombres que se han convertido en mujeres, en una especie de pánico con respecto a la posición del varón”.

“Toda la película es como una especie de alarido de sufrimiento rodeado de todo tipo de negaciones masivas de la masculinidad. Alarido de sufrimiento de un chico que hace una especie de suicidio loco detrás del deseo de la madre, porque a fin de cuentas Huma [Marisa Paredes] es lo que hubiera querido ser la madre”, remarca González Requena. Trayectos (des)esperanzados pondrá todo eso y más a debate en las jornadas de la Cátedra Berlanga, donde se proyectarán al inicio de cada sesión ambas películas.

Fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Salva Torres

Hijos de Saturno

‘Quien a hierro mata’, de Paco Plaza
Guionistas: Juan Galiñanes y Jorge Gerricaechevarría
Reparto: Luis Tosar, Xan Cejudo, Enric Auquer, Ismael Martínez, María Vázquez
España, 2019

El noveno largometraje de Paco Plaza, ‘Quien a hierro mata’, no se puede, simplemente, categorizar como un thriller sobre narcotráfico enredado en una trama de venganza que desencadena, inevitablemente, una ola de violencia. ¡No! ‘Quien a hierro mata’ es un terrorífico drama sobre los abismos insondables del alma humana. 

“Es una película que habla sobre el rencor como una droga que atrapa la vida y ensombrece el alma”, comentó Paco Plaza en el diálogo-presentación de la película que mantuvo con los alumnos de Comunicación Audiovisual en la Universidad Ceu-Cardenal Herrera el pasado 10 de septiembre.

Paco Plaza durante su charla en la Universidad Ceu-Cardenal Herrera. Imagen cortesía de la universidad.

Dos almas carcomidas por el rencor: la de Mario, el enfermero jefe de un geriátrico, y la de Antonio Padín, capo mafioso y uno de los enfermos residentes del asilo –personajes interpretados magníficamente por Luis Tosar y Xan Cejudo, respectivamente–. 

Un resentimiento vengativo que enraíza a los dos personajes y los empuja hacia un destino funesto y trágico, que arrasa no solo sus propias vidas, sino también, y principalmente, las de sus propios hijos. De ahí que la historia de ‘Quien a hierro mata’ tenga un tono de tragedia shakesperiana: serán los hijos las verdaderas víctimas de las atrocidades de estos dos padres, Mario y Antonio. Hijos sin futuro, serán devorados por el rencor y la venganza de los padres, al igual que los hijos del titán Saturno. 

Xan Cejudo en ‘Quien a hierro mata’, de Paco Plaza.

Una tragedia que se vislumbra, al inicio del filme, con ese primer plano del mejillón aplastado por la ira del hijo pequeño del clan Padín, Kike –interpretado notablemente por Enric Auquer–, y que culmina en ese impactante final: un primer plano del pecho materno que alimenta al recién nacido hijo de Mario, con la sangre de la venganza. Si Bigas Luna en su película ‘La teta y la luna’ (1994) sublimó el  pecho materno y su función de amamantar al imaginario onírico, Paco Plaza ha enarbolado el pecho materno amamantador construyendo una imagen siniestramente mortal. 

“No hay futuro luminoso cuando un pasado sombrío aborda el presente con el rencor. De ahí el título de la película: todas las acciones tienen una consecuencia. Revierten las acciones en ti”, explicó el director Paco Plaza en su didáctica intervención en la universidad.

Ismael Martinez (izda) y Enric Auquer en ‘Quien a hierro mata’, de Paco Plaza.

‘Quien a hierro mata’ es, con todo detalle, impecable de principio a fin tanto en cada elemento de la trama como a nivel expresivo. Las rimas visuales se enlazan en un ritmo simbólico para enfatizar el pathos de los personajes.

“La cámara debe expresar las emociones de los personajes, porque el cine empieza donde acaba la trama”. Idea con la que Paco Plaza reivindica el valor plástico y pictórico del cine, más allá de su tarea de contar una historia. Una idea que unió a las siguientes palabras con las que culminó el acto de presentación: “El cine impregna tu vida de manera vocacional. Y, en estos momentos, siento la responsabilidad de contar historias que permitan reflexionar a la gente”.

Luis Tosar en ‘Quien a hierro mata’, de Paco Plaza.

Begoña Siles

MediArte, del realismo a la psicodelia fantástica

VII MediArte. Muestra Creativa de Estudiantes
Palacio de Colomina
Carrer l’Almodí, 1. Valencia
Inauguración: viernes 12 de julio, a las 19.00 horas
Hasta el 20 septiembre de 2019

El Palacio de Colomina abre sus puertas para acoger algunos de los trabajos que los estudiantes de Comunicación Audiovisual, Publicidad y Periodismo han ido realizando durante el curso 2018-2019 en la Universidad CEU Cardenal Herrera, en la VII Muestra Creativa de Estudiantes ‘MediArte’, que se inaugura el viernes 12 de julio y que permanecerá expuesta hasta septiembre.

La muestra incluye creaciones fotográficas, audiovisuales, musicales y sonoras que los alumnos han ido creando, bien en alguna materia a lo largo del curso, bien como Trabajo Final de Grado. Trabajos que vienen a demostrar el enorme potencial de los estudiantes.

Una de las obras de la muestra ‘MediArte’. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

En esta VII Muestra Creativa ‘MediArte’ los trabajos han girado en torno a diversas temáticas relacionadas con el cuerpo como medio o materia de expresión, los trastornos en el lenguaje, la vejez, la realidad social y política de la calle, el empoderamiento femenino y las centradas más estrictamente con la propia creación experimental: fotografía de múltiple exposición, creación sonora y producción musical.

Hay fotografías en blanco y negro sobre el lirismo poético del cuerpo, como las de Lorena Selva y las realizadas por Raquel Brisa, Ángela Bosh, Noelia Capapé, Mon Balart y Gemma Antolín. Otras más realistas, descriptivas de un entorno social y político, como sucede en el trabajo de Carlota Vilarrasa sobre las calles de Malasaña (Malasaña, o cómo morir de éxito), en el de José Sanjaime (Ciudades viajeras) y en el de Víctor Salvador (Nacionalismo de balcón).

Una de las obras de la muestra ‘MediArte’. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

Proyectos  que contrastan con las imágenes más  futuristas y psicodélicas realizadas por Tono Bertomeu o Margarita Aguilar, María Fernanda Alvarado y Ana Cervera.  Y otras imágenes que bajo una mirada lúdica nos interrogan sobre la vejez y la diversidad, como las tomadas por el grupo formado por Paula Aguarón, Andrea Fichet, Judith Hemmelmayr y Sonia Almela  (Abuelos) y las de Jonathan Sendra (Dislexia, el valor distinto). Selección de trabajos a los que se suman las fotografías de  Ana Cervera, Ángela Sanz, Luna Rotelle,

La imagen en movimiento abarca diferentes formatos y géneros. Formatos que van desde el  clásico  cortometraje, hasta otros más actuales, acorde con nuestra realidad digital,  como son las webseries y las stopmotion, pasando por el documental. Y géneros en los que destaca principalmente el fantástico. Y bajo las  normas del género fantástico, la webserie titulada Nuevos Dioses, de Victoria Pérez y Antonio García, y la stopmotion, Ambicatus, de Julián Lagullón, nos introducen en el vértigo de lo irracional, en el sentido que la verosimilitud de la trama escapa a la racionalidad científica.

Una de las obras de la muestra ‘MediArte’. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

En cambio, los documentales tratan diferentes temas con la intención  de incluir  cierta  verdad: en Itness, desde el prisma del falso documental, se lleva a cabo una sátira de los nuevos protagonistas digitales como son influencers; en  Nómadas, No limits o Asinarex se da voz a personajes cuyas  experiencias vitales están marcadas por la voluntad, la diferencia y las creencias.

Y, por último, cabe destacar Trashumancia, en el que se muestra este modo de pastoreo siguiendo el recorrido de dichos pastores, y el proyecto transmedia, titulado Visibles, donde se da visibilidad a las deportistas. Proyectos de carácter interdisciplinario, al estar realizados por alumnos de veterinaria, periodismo y comunicación audiovisual.

‘MediArte’ muestra a la ciudadanía valenciana la visión que de la sociedad actual tienen los alumnos mediante su obra creativa, al tiempo que sirve para incentivar su propio desarrollo personal en el transcurso de su aprendizaje educativo.

Una de las obras de la muestra ‘MediArte’. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

Begoña Siles

La verdad de ‘El desentierro’

‘El desentierro’, de Nacho Ruipérez
Ganadora de seis estatuillas en la primera edición de los Premios del
Audiovisual Valenciano
Teatro Principal de Alicante
Viernes 16 de noviembre de 2018

La película ‘El desentierro’ “habla sobre la verdad”. Con estas palabras presentó el director Nacho Ruipérez su ópera prima, tras la proyección en el marco de la actividad ‘Encuentros con profesionales’, organizada por el profesor de Producción Santiago Maestro y director del departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad CEU-Cardenal Herrera. Ahora bien, ¿de qué verdad habla este thriller?

‘El desentierro’ se inicia con el encuentro de dos amigos y, además, primos hermanos, Jordi (Michael Noher) y Diego (Jan Cornet), en el funeral del padre de Diego, conseller de la Generalitat muerto en un accidente de tráfico.

Fotograma de 'El desentierro', de Nacho Ruipérez.

Fotograma de ‘El desentierro’, de Nacho Ruipérez.

Un entierro, el del padre de Diego, que abocará a la trama hacia el desentierro del cuerpo del padre de Jordi. De ahí el título de la película. Un título que describe no sólo un suceso concreto de la trama, sino que expresa el sentido latente del largometraje.

La acción de enterrar y desenterrar al padre muerto llevará a los protagonistas a enfrentarse con la verdad de unos acontecimientos ocurridos hace veinte años. La trama, configurada como un juego de muñecas rusas, irá destapando, desde diversos puntos de vista, la verdad de esos acontecimientos.

La investigación policial, propia de un thriller, llevará a los dos primos a ir desvelando una trama de corrupción urbanística y prostitución, en la cual sus respectivos padres estuvieron involucrados. Los protagonistas, por tanto, se verán confrontados a toda una recopilación de pruebas y testimonios que dejará al descubierto una  verdad objetiva sobre el pasado de sus ascendientes.

Fotograma de 'El desentierro', de Nacho Ruipérez.

Fotograma de ‘El desentierro’, de Nacho Ruipérez.

Una verdad desgarradora no por objetiva, sino por dejar patente la otra verdad, la subjetiva, aquella que moviliza los deseos y las ilusiones de cada sujeto, de cada protagonista, y que poco tiene que ver con la otra verdad.

En ‘El desentierro’ comparece esa verdad subjetiva que apesadumbra a los protagonistas por estar arraigada al espacio familiar.  Una verdad que ha revelado los deseos y las ilusiones más nobles o innobles de cada personaje.

Desenterrar el cadáver del padre y, con él, la verdad, supone enterrar, paradójicamente, al padre. Implica desprenderse de los fantasmas tormentosos del pasado familiar para iniciar un camino hacia el futuro. Y ‘El desentierro’ habla de esa verdad: aquella que emerge cuando el pasado familiar se desentierra.

Fotograma de 'El desentierro', de Nacho Ruipérez.

Fotograma de ‘El desentierro’, de Nacho Ruipérez.

Begoña Siles

¿Por qué hay amores que son letales?

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

Al sociólogo Edgar Morin lo que más le sorprendió de Mayo del 68, del que ahora se celebra su 50 aniversario, era la paradoja de sentir una gran insatisfacción en la opulenta sociedad del bienestar. Hijos de burgueses acomodados manifestando un profundo malestar, cuya ira desbordaba los amables cauces democráticos en los que vivían. En las acolchadas paredes de los hogares parisinos, tenía lugar una insurrección contra ese orden burgués que reunía en sí la contradicción antes señalada: el confort propiciando la irrupción de cierta violencia.

Medio siglo después, la paradoja continúa. Y, con ella, la dificultad de comprender el malestar que nos aqueja cuando, asegurada la más estricta supervivencia, sentimos insuficiente ese bienestar. Lo mismo sucede en el marco privado de las relaciones personales. Alcanzadas ciertas cotas de igualdad, descubrimos de pronto una diferencia insalvable entre hombres y mujeres, e incluso entre sujetos de idéntica condición sexual. Para abordar todo ello, la Cátedra Berlanga pone en diálogo dos películas de 1967, Peppermint Frappé, de Carlos Saura, y La boutique, de Luis García Berlanga, sintomáticas de esa crispación hoy todavía no resuelta, cuando no agravada.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Si la obsesión de un hombre reprimido por el franquismo es a lo que se reduce la trama de Peppermint Frappé, entonces la obra de arte queda suprimida en aras del debate ideológico y del contexto en que fue creada”, asegura Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid que participa en las jornadas  Amores Letales: La Boutique y Peppermint Frappé, que acoge el Palacio Colomina de Valencia durante los próximos días 3 y 4 de diciembre. Organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo, reúne a una serie de expertos y profesionales del audiovisual que analizarán ambos textos para desentrañar lo que en ellos sucede.

“Si una película no es simple debate ideológico, sino que plantea el debate eterno de la naturaleza humana, más allá del contexto, será una obra de arte que nos interroga pasado el tiempo”, añade Martín Arias. De lo contrario, dice, quedará como texto para su valoración histórica. De manera que si la obsesión de Julián (José Luis López Vázquez) por Elena (Geraldine Chaplin) en la película de Saura, merece la pena estudiarse, es por ese carácter transversal que lo sitúa en la actualidad como perfil asociado a cierto deseo masculino.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Otro tanto cabe decir de La boutique, película que analizará Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, en su ponencia Máquinas crueles. “Maquinitas egoístas”, matiza, dado que a su juicio, en la película de Berlanga, “todos los personajes son malas personas”. Y dentro de ese mundo de “maquinitas malvadas”, los hombres “son igual de malos que las mujeres, pero infinitamente más torpes”, asegura. Le sorprende esa deriva de Berlanga cada vez que realiza sus películas fuera de España: como pasa en La boutique, rodada en Argentina, o Tamaño natural, en Francia. “Cuando sale de España todo resulta más desabrido; desaparece el lado humano que ves en sus otras películas”.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, pone el acento en algo que vincula a una y otra película: la aparición de ciertas obras de Antonio Saura, hermano del cineasta, en ambos textos. En concreto, obras de la serie Brigitte Bardot, icono sexual de los años 60 y 70, que el pintor realiza quebrando su imagen seductora para que aparezca cierto desgarro de su figura. “Por utilizar la frase del poeta Rilke, cuando dice que lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar, diríase que en ambas películas aparece el fantasma femenino ligado con la muerte”.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Todo deseo remite al fantasma del otro”, apunta Siles. Fantasma que “desemboca en la destrucción” cuando el sujeto “es incapaz de alcanzar al sujeto que hay detrás de ese imaginario”. Precisamente de Antonio Saura, cuya obra viene a coincidir en ambas narraciones, se ocupa Maite Ibáñez, doctora en Historia del Arte, que hablará de la “pintura rebelde” del artista aragonés, del que se cumplen ahora 20 años de su fallecimiento. Pintura rebelde que vuelve a rimar con ese carácter insurgente de Mayo del 68, que alcanza a nuestros días.

El crítico de cine Jorge Castillejo abordará La boutique desde la óptica de la guerra de sexos. Como se recoge en el Berlanga Film Museum, creado por Rafael Maluenda bajo la coordinación del propio Castillejo, la película narra la estrategia perversa de una madre (Ana María Campoy) que hace creer a su yerno (Rodolfo Beban) que su mujer Carmen (Sonia Bruno) padece una enfermedad terminal, con el fin de que el joven playboy deje sus amoríos y se centre en su esposa.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

El director de cine Óscar Aibar (Platillos volantes, El Gran Vázquez o El bosque) incidirá en el humor de la dupla Berlanga Azcona y su influencia en los directores actuales, de los que él mismo se considera un buen ejemplo. “Invierte el humor de directores como Mario Monicelli, maestro de la comedia a la italiana, para adaptarlo a la psicología española”, señala quien se halla en estos momentos dirigiendo uno de los capítulos de la serie televisiva Cuéntame.

Paco Belda, por su parte, en tanto director de fotografía que ha trabajo con Carlos Saura (“me gusta más hablar de Cinematographer o Dirección Fotografía que de director”), rastreará la luz que emplea en sus películas el autor de Peppermint Frappé, La caza, Cría cuervos o Bodas de sangre. Para ello, se servirá de imágenes creadas por José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de la fotografía de la película analizada en las jornadas de la Cátedra Berlanga. Dos días de ponencias, charlas, coloquios y proyecciones, en torno a esas diferencias entre lo masculino y lo femenino, entre lo clásico y lo moderno, tan difíciles de articular en la sociedad posmoderna.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Salva Torres

La diferencia sexual en La boutique y Peppermint Frappé

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018
Inscripción: besileso@uchceu.es / salvatm@telefonica.net

“Allí donde reinaba el bienestar, también había una insatisfacción profunda”. Lo apuntó el sociólogo Edgar Morin para describir el contexto de Mayo del 68, sorprendido por esa paradoja. Allí donde la prosperidad económica había eliminado las penurias por la más estricta supervivencia, tenía lugar la aparición de cierta infelicidad producida por un hastío desconocido: el que provocaba la seguridad y el ambiente confortable de los hogares burgueses. Y, con él, la irrupción de una violencia que amenazaba con destruirlo todo.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

Llevamos 50 años tomando nota de ese hastío, en el contexto apacible de la sociedad del bienestar. Un hastío que evitamos, del que pretendemos desprendernos, por distintos medios vinculados al consumo trufado de emociones fuertes que nos hagan vivir experiencias únicas. Experiencias que en el ámbito privado de las relaciones humanas conllevan, también, esa búsqueda de placer que, con el tiempo, deviene confortable, en rima con lo aburrido. “Tanto hablar del sexo, el sexo, y al final el sexo qué es, un aburrimiento”, señala Ricardo, el protagonista de La boutique.

Precisamente tomando como referencia esta película de Luis García Berlanga, en diálogo con Peppermint Frappé, de Carlos Saura, ambas de 1967, la Cátedra Berlanga aborda esa paradoja del bienestar ligado al hastío y la violencia. Películas enmarcadas en ese periodo de rebeldía juvenil, hoy de nuevo celebrado, con las que se pretende someter a debate la tensión que se percibe entre lo masculino y lo femenino, el orden apacible y la necesidad de violentarlo.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Las XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico de la Cátedra Berlanga reúne a diversos expertos y profesionales del audiovisual en el Palacio de Colomina de Valencia, durante los días 3 y 4 de diciembre, con el fin de arrojar algo de luz sobre tan espinoso asunto. Las jornadas están organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo.

El catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, Jesús González Requena, abrirá el encuentro con la ponencia ‘Máquinas crueles’, en torno a la película ‘La boutique’, plagada de personajes cuyas intenciones malévolas darán pie a toda una serie de maquiavélicos desencuentros. Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid, planteará su análisis de ‘Peppermint Frappé’ como un diálogo entre lo clásico y lo moderno, «lo viejuno y lo cool» asociado a la propia bebida como metáfora de las propias relaciones personales que se establecen en la película de Saura.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

El crítico de cine Jorge Castillejo se centrará en la guerra de sexos que en su opinión subyace en el film de Berlanga, mientras que el director de cine Óscar Aibar pondrá el acento en la influencia que la dupla Azcona-Berlanga ha ejercido en los directores españoles actuales, entre los cuales se incluye a él mismo, seguidor de ese humor «ácido, inteligente y que ha elevado el costumbrismo español a obra de arte», según sus propias palabras.

Paco Belda, director de fotografía en ‘Jota de Saura’, dibujará el perfil de la luz que caracteriza el universo del autor de ‘La Caza’, rastreando la huella de quienes han contribuido con su trabajo a subrayar ese aspecto de sus películas, como José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de esa fotografía en ‘Peppermint Frappé’. La doctora en Historia del Arte, Maite Ibáñez, destacará la obra de Antonio Saura, hermano del cineasta, que aparece en ambas películas de las jornadas, para mostrar el carácter rebelde de su pintura, en rima con el propio espíritu de Mayo del 68 que actúa como trasfondo.

Para todos aquellos interesados en participar en las jornadas de la Cátedra Berlanga, deberán inscribirse en las siguientes direcciones de correo: besileso@uchceu.es o salvatm@telefonica.net. Las plazas se adjudicarán por riguroso orden de inscripción, la cual es gratuita y con derecho a certificado de asistencia.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

‘Error fatal’ o la implacable justicia feminista

Error fatal, de Alberto Adsuara
Palacio Colomina
C / Almodí, 1. Junto a la Plaza de la Virgen (Valencia)
Viernes 18 de mayo de 2018, a las 19.00h

La cátedra de investigación Luis García Berlanga, del departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad CEU-Cardenal Herrera, en colaboración con el Institut Valencià de Cultura, la Fundación Aisge y la Asociación Cultural Trama y Fondo, presenta la película ‘Error Fatal (Variaciones en torno a un debate)’ del director Alberto Adsuara. La proyección y el coloquio será el viernes 18 en el Palacio Colomina de Valencia.

Fotograma de 'Error fatal', de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Fotograma de ‘Error fatal’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

La historia de ‘Error fatal (Variaciones en torno a un debate)’ trata de unas  hermanas siamesas que dirigen una organización delictiva desde la clandestinidad de un “no lugar” (un zulo ubicado en un granero de la Albufera rodeado de arrozales). Delictiva aún cuando su principal cometido sea, tal y como ellas mismas dicen, «hacer justicia».

Su objetivo es, precisamente, tomarse la justicia por su mano en aquellos casos donde ellas estiman que la verdadera justicia ha fallado. Su forma de actuación es siempre la misma: secuestrar a los maltratadores (“seres erróneos”, al decir de ellas), practicarles unos cortes en los tendones del empeine, que no les dejarán andar con normalidad nunca, y abandonarlos en un descampado con un papel en el bolsillo en donde se lee “tipo corregido“.

Fotograma de 'Error fatal', de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Fotograma de ‘Error fatal’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

El problema surge cuando las siamesas descubren que una de sus soldados puede haberse equivocado con el último de esos “seres erróneos”; cuando descubren que el último “tipo corregido” no era, posiblemente, el ser erróneo que ellas esperaban. Así, y mientras vemos la desgraciada vida que le toca vivir al último “corregido” (víctima posiblemente inocente), las siamesas se ven envueltas en una serie de conversaciones morales que no les llevan a ninguna parte.

Una historia contada desde la mirada plástica que caracteriza la obra del director y fotógrafo Alberto Adsuara. Una mirada plástica  que absorbe al espectador hasta eclipsar la esencia de la historia.

Fotograma de Error fatal

Fotograma de Error fatal

Alberto Adsuara

Sobre muñecas y monstruos

Amores imposibles: de ‘La novia de Frankenstein’ a ‘Tamaño natural’
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 4 y martes 5 de diciembre de 2017

Tamaño natural refleja una realidad psíquica”. Luis Martín Arias, profesor de la Cátedra de Cine de Valladolid, se refiere a la “fantasía subyacente” al hecho de que una persona busque en otra aquello que mejor se acopla a su deseo imaginario. Podría pensarse que ahora, en plena era de Internet y de las tecnologías propiciadoras de mundos virtuales, es más fácil que nunca. Y, sin embargo, esa fantasía viene de muy lejos. Rastrearla, al menos desde el Romanticismo a la actualidad, es lo que pretende la Cátedra Berlanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera, que en sus jornadas de cine tratará este año tan espinoso asunto.

Amores imposibles: De La novia de Frankenstein a Tamaño natural es el título de las jornadas que, en colaboración con la Fundación Aisge, el Institut Valencià de Cultura, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista Makma, la Cátedra Berlanga organiza para poner sobre la mesa temas de actualidad tomando como referencia el universo fílmico de Luis García Berlanga. En esta ocasión, centrando su atención en esas relaciones de pareja imposibles por causas que los diferentes ponentes tratarán de averiguar.

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Todos en Tamaño natural participan del juego con la muñeca, hasta la mujer del protagonista que se coloca literalmente en la posición de esa muñeca” (Luis Martín Arias)

De esta manera, el Palacio de Colomina de Valencia reunirá los próximos días 4 y 5 de diciembre a diversos expertos cinematográficos para, a través del análisis de las películas Tamaño natural (1973), de Luis García Berlanga, y La novia de Frankenstein (1935), de James Whale, arrojar algo de luz a las siempre conflictivas relaciones de pareja. El propio Martín Arias lo hará enfocándolo desde el lugar que viene a documentar esa realidad psíquica. Por eso ha titulado su ponencia Tamaño natural: una película documental, porque para él “todo documental tiene mucho de ficción y toda ficción es a su vez documental”.

A su juicio, esa realidad psíquica “intersubjetiva” queda documentada a través de cuantos participan en ella (desde el director, al guionista o los actores),  y de todos los personajes que la hacen posible: “Porque todos colaboran. De hecho, hasta la mujer del protagonista se coloca literalmente en la posición de la muñeca”, subraya Martín Arias. Tamaño natural narra la historia de Michel, un hombre maduro que se compra una muñeca (teniendo ya una atractiva mujer y una joven amante), con la que mantendrá una relación similar a la que pudiera llevar con una mujer real.

Fotograma de 'La novia de Frankenstein', de James Whale.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

Frankenstein es una pesadilla contemporánea asociada al cuerpo y a la sexualidad, al cuerpo como algo monstruoso e inmanejable” (Jesús González Requena)

Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, se referirá a la pesadilla contemporánea que anida en La novia de Frankenstein. Pesadilla asociada “al cuerpo y a la sexualidad, que está tanto en la película de James Whale como en la novela de Mary Shelley”. Y pesadilla del cuerpo “como algo monstruoso e inmanejable”, por cuanto “ninguna mediación simbólica hace posible el encuentro con lo real del sexo”. Señala paralelismos entre Frankenstein y La metamorfosis de Kafka, allí donde el cuerpo (ya sea propio o ajeno) se vive como extraño y (auto)destructivo.

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Es algo que siempre me ha interesado: el por qué los hombres canalizan su deseo a través de muñecas, de mujeres inexistentes” (Áurea Ortiz)

La profesora de la Universitat de València, Áurea Ortiz, rastreará ese deseo masculino focalizado en las muñecas. “Es algo que siempre me ha interesado: el por qué los hombres canalizan su deseo a través de muñecas, de mujeres inexistentes”. Para ello, confrontará Tamaño natural con otras películas de  temática similar como No es bueno que el hombre esté solo (1973), de Pedro Olea, Her (2014), de Spike Jonze, o Lars y una chica de verdad (2007), de Craig Gillespie.

“La idea de juego es lo que pretendo abordar. De cómo el juego se asocia al espacio infantil y a la idea de ficción, de imitación de la vida real”, apunta Rafael Maluenda, director y creador del Berlanga Film Museum. Un juego en el que la relación con esas muñecas ofrece la oportunidad de plantearse el misterio de tan extraña conducta. “[Francisco] Umbral, en el prólogo del guión de la película, señala que asistimos a una imitación que no es símbolo, sino metáfora de la mujer”.

Fotograma de 'La novia de Frankenstein', de James Whale.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

“Me interesa la idea de juego, de cómo éste se asocia al espacio infantil y a la idea de ficción, de imitación de la vida real de los sujetos” (Rafael Maluenda)

Maluenda pondrá diversos ejemplos de esa lúdica al tiempo que confusa relación, evocando películas como Vértigo (1958) o Psicosis (1960), de Alfred Hitchcock, y Ensayo de un crimen (1955), de Luis Buñuel, todas ellas aludiendo a la problemática del deseo masculino con respecto a una mujer siempre esquiva y, en última instancia, desencadenante de hondos problemas para ese hombre cuya masculinidad queda en entredicho.

El actor valenciano Joaquín Climent, que ha participado con Berlanga en París Tombuctú o Todos a la cárcel, hablará de su relación con el cineasta, que le consideraba su actor talismán, al tiempo que planteará la importancia del plano secuencia tan del gusto de Berlanga y para el cual hacía falta una serie de aptitudes por parte del actor. “Virtuosismo del plano secuencia que exigía a su vez virtuosismo por parte del actor”, señala Maluenda. Climent ha intervenido en series de televisión como El comisario, Física o Química y Amar en tiempos revueltos, además de actuar en otras películas de directores tan emblemáticos como Pedro Almodóvar (Mujeres al borde de un ataque de nervios) o Álex de la Iglesia (El bar).

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Habría que plantearse la diferencia entre lo masculino y lo femenino más allá de la ideología sexista, porque es la única manera de comprender su dialéctica en el juego de la seducción” (Begoña Siles)

José Luis García Berlanga, director y productor audiovisual, repasará el papel de la mujer en el cine de su padre. Una mujer a la que el propio cineasta dotaba de gran vitalidad en sus películas, hasta el punto de aplastar en muchas ocasiones al hombre. Como afirmó la directora Josefina Molina (Función de noche), cuya presencia estaba prevista en las jornadas pero problemas de agenda lo han impedido, Berlanga era “misógino y feminista”. “A las mujeres las tenía un poco de miedo, porque las consideraba unas supervivientes, indestructibles y superiores”, refirió Molina en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, precisamente dedicado a las mujeres de Berlanga.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, destaca el hecho de que incluso una mujer, como es el caso de la propia Mary Shelley, autora de Frankenstein o el moderno Prometeo, novela de la que se celebra justamente ahora su 200 aniversario, indague en el deseo masculino desde esa vertiente imaginaria próxima al delirio. “Habría que plantearse la diferencia entre lo masculino y lo femenino más allá de la ideología sexista, porque es la única manera de comprender su dialéctica en el juego de la seducción”.

Las jornadas, que cumplen su XVII edición como encuentros de historia y análisis cinematográfico organizados por la Asociación Cultural Trama y Fondo, celebran su cuarto año consecutivo impulsadas por la Cátedra Berlanga, tras haberse adentrado en las turbulencias de la pasión, en la impotencia del sujeto atrapado en la red social, así como en las utopías y distopías, en tanto dos caras de un mismo fenómeno. “Lo que pretendemos con las jornadas, siempre con Berlanga como trasfondo, es potenciar a través de su cine al director valenciano más internacional, poniéndolo en relación con el cine español y estableciendo igualmente conexiones con el resto de cinematografías”, subraya Siles.

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Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

Salva Torres

La Cátedra Berlanga indaga en los amores imposibles

Amores imposibles: de ‘La novia de Frankenstein’ a ‘Tamaño natural’
Cátedra Berlanga
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 4 y martes 5 de diciembre de 2017
Correo de inscripción: besileso@uchceu.es

La Cátedra Berlanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera de Valencia organiza por cuarto año consecutivo, en colaboración con la Fundación Aisge, el Institut Valencià de Cultura, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista MAKMA, unas jornadas de cine en el Palacio de Colomina que, en esta ocasión, llevan por título Amores imposibles: de ‘La novia de Frankenstein’ a ‘Tamaño natural’. Las plazas serán cubiertas por orden de inscripción en el correo: besileso@uchceu.es.

Fotograma de 'La novia de Frankenstein', de James Whale.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

Las jornadas se celebran los días 4 y 5 de diciembre y en ellas participan diversos expertos cinematográficos que, mediante el análisis de las películas aludidas en el título de las mismas, tratarán de arrojar luz al hecho, cada vez más notorio, de las dificultades para sostener relaciones de pareja. Entre los ponentes figuran José Luis García Berlanga, director y productor audiovisual, hijo del propio Berlanga, que se encargará de analizar el papel de las mujeres en su cine, y el actor Joaquín Climent, uno de los intérpretes talismán del director de ‘París Tombuctú’.

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

La directora Josefina Molina, autora entre otras de ‘Función de noche’ y que por problemas de agenda no estará finalmente en las jornadas, calificó a Berlanga, del que habló en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, como un «misógino y feminista». José Luis García Berlanga tratará, entre otros asuntos, de aclarar esta supuesta contradicción.

Fotograma de 'La novia de Frankenstein', de James Whale.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

Joaquín Climent es conocido por su participación televisiva en series como ‘El comisario’, ‘Física o química’ y ‘Amar en tiempos revueltos’, además de intervenir en películas de directores tan emblemáticos como Pedro Almodóvar, con quien trabajó en ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, o Álex de la Iglesia, en ‘El bar’. El actor charlará sobre sus relaciones con Berlanga y la dificultad que suponía adaptarse al famoso plano secuencia del director valenciano.

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

También participarán en las jornadas la profesora de la Universitat de València, Áurea Ortiz, que se interrogará por esa atracción de los hombres hacia las muñecas; el creador del Berlanga Film Museum, Rafael Maluenda, que disertará sobre el juego como imitación de la vida real; el catedrático de la Complutense de Madrid, Jesús González Requena, que abordará la pesadilla contemporánea subyacente a la sexualidad vivida como algo inmanejable, y el profesor de la Cátedra de Cine de Valladolid, Luis Martín Arias, que se centrará en la forma en que todos los personajes de ‘Tamaño natural’ participan de ese juego con la muñeca que, en su momento, ya le costó a Berlanga más de un millón de pesetas de la época.

Begoña Siles, profesora de la Universidad CEU Cardenal Herrera y directora de la Cátedra Berlanga, señala que el objetivo de las jornadas y de las actividades que genera a lo largo del año la Cátedra «es reinterpretar el cine de Berlanga, el director valenciano más internacional, poniéndolo en relación con el cine español y estableciendo igualmente conexiones con el resto de cinematografías”.

Enlace del programa: Díptico Jornadas

Fotograma de 'Tamaño natural', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

De Vértigo a Fascinación

Vértigo, de Alfred Hitchcock
Básicos de la Filmoteca
IVAC La Filmoteca
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Jueves 9 de marzo, 2017, a las 19.00h

La Filmoteca proyecta el jueves 9 de marzo, a las 19 horas, ‘Vértigo’ (1958) de Alfred Hitchcock, dentro del ciclo ‘Básicos Filmoteca’. La profesora del CEU Universidad Cardenal Herrera y estudiosa cinematográfica Begoña Siles será la responsable de presentar la película al público de la sala Berlanga y de explicar sus relaciones de filiación con ‘Fascinación’ (1976) de Brian De Palma. ‘Fascinación’ podrá verse el viernes 10, a las 20.15 horas, y el sábado 11, a las 18 horas. La segunda proyección de ‘Vértigo’ es el domingo 12, a las 20 horas.

Fotograma de Vértigo. Básicos Filmoteca.

Fotograma de Vértigo, de Alfred Hitchcock. Básicos Filmoteca.

‘Básicos Filmoteca: Diálogos y filiaciones’ plantea una mirada a la historia del cine a través del emparejamiento de clásicos del cine de diversos periodos históricos y de diferentes geografías cinematográficas que mantienen relaciones de parentesco y afinidades. En su cuarta sesión, el ciclo emparenta ‘Vértigo’ un clásico de la historia del cine y una de las películas fundamentales en la filmografía de Alfred Hitchcock, con ‘Fascinación’, una  de las películas de terror psicológico más notables de los años setenta que Brian rodó entre su musical rock ‘El fantasma del Paraíso’ (1974) y su exitoso film de terror ‘Carrie’ (1976).

Fotograma de Fascinación, de Brian de Palma. Básicos Filmoteca.

Fotograma de Fascinación, de Brian de Palma. Básicos Filmoteca.

Considerada en la encuesta de la revista británica ‘Sight and Sound’ como la mejor película de todos los tiempos, ‘Vértigo’ es la historia de una obsesión psicótica y de la singular relación amorosa que mantienen James Stewart y Kim Novak. También las obsesiones enfermizas y los desdoblamientos de identidad están presentes en el argumento de ‘Fascinación’.Tanto De Palma como el guionista Paul Schrader reconocieron que la película estaba basada en ‘Vértigo’, fundamentalmente en la segunda parte de la trama.

Las sesiones de ciclo semanal ‘Básicos Filmoteca’ se celebran los jueves a partir de las 19 horas, están centradas en la revisión de la historia del cine, son de un marcado carácter educativo, puesto que se edita una guía didáctica para cada sesión y cuentan con una presentación y un coloquio a cargo de un especialista cinematográfico. Al igual que en las anteriores ediciones, algunas de las películas serán presentadas por críticos de la revista Caimán Cuadernos de Cine, colaboradora del proyecto. La entrada de todas las sesiones de ‘Básicos Filmoteca’ es gratuita con la presentación del carnet de estudiante.

Kim Novak en 'Vértigo'. Básicos de la Filmoteca.

Kim Novak en ‘Vértigo’. Básicos de la Filmoteca.