Las decadencias visuales de Kolo en Hygiene

‘EXPO KOLO’, de Kolo
Hygiene Centro de Operaciones Artísticas
Pintor Domingo 18 bajo, Valencia
Del 12 al 31 de mayo de 2018
Inaguración: sábado 12 de mayo a las 19:00

Una vez más, Kolo nos sorprende con una colección de creaciones que aúnan su maestría en el trazo, sencillo y contundente, con esa vida interior propia, rica en vivencias, anécdotas y emociones.

Se trata de un conjunto de obras realizadas entre 2017 y 2018 con distintas técnicas, donde el juego del color adquiere protagonismo para reflejar ambientes urbanos en apariencia vistosos, pero que dejan en el observador un regusto amargo de decadencia. Aquí reside la maestría del autor, capaz de aunar ambas percepciones con abrumadora eficacia.

Imagen de una de las obras que forman parte de 'EXPO KOLO', del artista Kolo. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de una de las obras que forman parte de ‘EXPO KOLO’, del artista Kolo. Fotografía cortesía del autor.

Los personajes de esta colección muestran rostros heridos, de miradas perdidas hacia dentro, rostros que invitan a pensar, a ahondar en la causa del dolor, y uno podría permanecer horas frente a ellos, adentrándose en estos mundos recubiertos por una capa de superficialidad que dulcifica sus particulares tragedias.

Y lo que trasluce en todos ellos es su soledad en el gran collage de la sociedad. Amores artificiales, corazones rotos, tristes caperucitas que se preguntan por dónde andará su lobo, mujeres quedas, detenidas en la ausencia de esperanza, y el terrible miedo al folio en blanco, a la vida en blanco, a la inexistencia antes y después de la muerte.

Resulta difícil permanecer impasible ante el zarpazo de realidad al que nos somete Kolo, con aparente inocencia. El visitante no saldrá indemne; pero ahí reside el arte y este es el mérito del artista, su capacidad de agitar lo que estaba dormido o en coma.

Una deliciosa e inolvidable experiencia.

Imagen de una de las obras que forman parte de 'EXPO KOLO', del artista Kolo. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de una de las obras que forman parte de ‘EXPO KOLO’, del artista Kolo. Fotografía cortesía del autor.

La exposición se inaugura en Hygiene Centro de Operaciones Artísticas el sábado 12 de mayo, a las 19:00, y basta mirar el programa para adivinar que el acto será una fiesta:

Lectura poética a cargo de Alex Badal, con Monty a la guitarra.
Comedia teatral de Vicente Marco que actuará junto a Dolores García.
Y acompañando ambos microeventos, la ‘PINTURA EN VIVO’ de Kolo.

¿Se puede pedir más?

Sí. Se puede pedir un rosadito fresquito, que en este caso correrá a cargo del GRUPO COVIÑAS, completando un acto al que no puedes faltar.

Imagen de una de las obras que forman parte de 'EXPO KOLO', del artista Kolo. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de una de las obras que forman parte de ‘EXPO KOLO’, del artista Kolo. Fotografía cortesía del autor.

 

 

La voz de las vencidas

Troyanas, de Carme Portaceli
Sagunt a Escena
Teatre Romà de Sagunt (Valencia)
Jueves 3 y viernes 4 de agosto de 2017

Dar voz a las mujeres de los pueblos vencidos a lo largo de las innumerables guerras de la historia. Expresar sus lamentos y también su resistencia ante las pérdidas y el dolor. La plena vigencia de los clásicos se muestra en la pieza ‘Troyanas’, dirigida por la valenciana Carme Portaceli y protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón, Ernesto Alterio, Maggie Civantos, Alba Flores, Gabriela Flores, Miriam Iscla y Pepa López. Tras su estreno en el Grec y Mérida con gran éxito se representa el 3 y 4 de agosto en Sagunt a Escena sobre una versión de Alberto Conejero de la obra de Eurípides.

“En Troyanas damos voz a todas esas mujeres míticas que los ganadores se repartieron después de la guerra de Troya como un botín, decidiendo impunemente sobre su vida y su futuro”, dice Portaceli. “Les pedimos que se expliquen, porque, además de sufrir un trato violento e injusto,  pasaron a la Historia como si ellas hubieran elegido su destino con gusto y placer, o con maldad.  Queremos darles la oportunidad de que nos expliquen qué pasó de verdad, qué sintieron. Y después de haberlas escuchado, tendremos, finalmente, la oportunidad de juzgarlas”.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesia de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesia de Sagunt a Escena.

La obra comienza tras el saqueo de Troya, cuando los vencedores están a punto de partir y las troyanas están siendo sorteadas. Hécuba muestra la desesperación de los vencidos y pregunta por el destino de cada troyana que no puede ser otro que ser malcasada con uno de los vencedores. Casandra, Helena, Andrómaca, Hécuba, Políxena, Clitemnestra, Ifigenia, Hermione, las mujeres del pueblo aterrorizadas ante el destino que les aguarda. Y Taltibio, el pobre mensajero que recibió las órdenes y el dolor que producían.

Es la tercera vez que Portaceli dirige en el Teatro Romano. Muy joven presentó un Shakespeare y el año pasado estuvo con ‘Només són dones’,  ganadora este año de dos Max, a la Mejor Dirección (la segunda vez en 20 años que lo recibe una mujer) y al Mejor Espectáculo.  Entre sus proyectos para la próxima temporada,  ’Frankenstein’ un montaje del Teatre Nacional de Catalunya (TNC), versión de la novela de Mary Shelley de Guillem Morales y ella misma, y una zarzuela estreno mundial, ‘Policías y ladrones’, de Alvaro del Amo con música de Tomás Marco.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Tras más de sesenta montajes a su espalda Portaceli reconoce que “cada obra es un reto especial, como si nunca hubieras hecho otra en la vida, casi como si fuera la primera vez. En este caso era un reto complicado cómo transmitir el texto de forma directa al corazón, transmitiendo la actualidad que tiene hoy, dejando salir únicamente la esencia y, a la vez, crear un escenario lleno de imágenes que representen el mundo en el que vivimos”.

De Sánchez-Gijón, con quien ya ha trabajado en otras ocasiones, destaca que “es una gran actriz, una mujer que ha dedicado su vida entera a esta profesión arriesgándose cada momento, tirándose de cabeza a cualquier lenguaje nuevo, llena de sentido común, de vida y de inteligencia. Me encanta trabajar con ella. Tiene una especie de bicho en el pecho que ves cómo sale y piensas: ahí está.

La escenografía de Paco Azorín se inspira en imágenes de ciudades sirias como Alepo o Hula asoladas por la guerra, ¿Qué es lo que no ha cambiado desde tiempos de Troya? “El trato a las mujeres como botín de guerra, como esclavas sexuales, las violaciones masivas, etcétera, son cosas que, desgraciadamente, siguen existiendo”. responde Portaceli. “Hoy se sabe aunque no se hace mucho eco de ello. Pero ya hay muchas voces que se levantan contra esto y muchas mujeres que hablan de la injusticia y la ilegalidad de este comportamiento indeseable. Hoy hablamos de los refugiados, pero nadie nombra siquiera que las mujeres sirias están sufriendo violaciones y violencia en este éxodo vergonzoso que vemos cada día, como si ese fuera un problema menor ante el hambre de los niños, la injusticia hacia un pueblo desgraciado que tiene que huir de su país. ¡Las mujeres y las niñas no pueden ni ir al baño por la noche en los campos de refugiados! Hay mujeres a las que queman vivas por no querer tener sexo con los yihadistas y no se dice en las noticias”.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Troyanas, de Carme Portaceli. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Del cúmulo de discriminaciones y vejaciones que todavía sufre la mujer los que más le irritan  son los que tienen que ver con los abusos sexuales, “esas actitudes en las que, después de sufrir la violencia, siempre queda en el aire la pregunta de si ella quería, si le apetecía. También me irrita lo enfadados que están algunos señores porque salgamos a los espacios públicos, que nos digan qué tenemos que hacer, por qué tenemos que luchar, de qué manera,  para poder acercarnos a la ‘verdad’”.

Que las mujeres también vayan a la guerra como soldados y pilotos le  parece “una película de ciencia a ficción”. “Todo el mundo puede hacerlo todo pero hay cosas que no valen la pena para nadie, ni hombres ni mujeres. De todas maneras, creo que la presencia de mujeres en el mundo de los hombres siempre es buena porque, por una cuestión de educación, podemos ayudar a humanizar las cosas, a ponernos en el lugar del otro, a mirar un poco más a largo plazo, a imprimir otra escala de valores que creo que harían más feliz a los seres humanos. Y eso también limará el exceso de testosterona, que como ya hemos visto no tiene consecuencias muy positivas”, concluye la directora valenciana.

Carme Portaceli

Carme Portaceli. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Más ‘Bodas de Sangre’ en Flumen

Bodas de sangre, de Jose Saiz
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Del 22 de octubre al 20 de noviembre de 2016

El Teatro Flumen se viste de gala con los nuevos estrenos. Tras el éxito de ‘Bodas de Sangre’ la pasada temporada, repone este espectáculo producido por Teatro Flumen bajo la dirección de Jose Saiz. El reestreno oficial fue el jueves 27 de octubre y se mantendrá en cartel hasta el 20de noviembre. Por otro lado, el viernes 28 de octubre inauguró un nuevo espectáculo de Saga Producciones bajo la dirección igualmente de Jose Saiz, ‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’, que estará en el Flumen hasta el 19 de noviembre.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

‘Bodas de Sangre’ nos cuenta la tragedia poética de Lorca al compás del flamenco más puro. Esto es lo que dice la sinopsis: “Un pueblo andaluz. Una boda. Dos familias enfrentadas. La novia sigue enamorada de su antiguo novio Leonardo. Una vez celebrada la ceremonia, se entrega a él y huyen juntos apasionadamente. El esposo abandonado los persigue y, cuando encuentra al amante de su mujer, lo desafía a un duelo de navajas”.

El sentido trágico de la vida, la muerte y la violencia que acompaña a los hombres durante toda su vida, se va manifestando a través de los presagios y el dolor de la madre en la reposición de ‘Bodas de sangre’.

‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’ permitirá revivir los grandes éxitos de Los Rodríguez, en este homenaje teatralizado como nunca antes se había visto. El espectáculo cuenta de manera extra oficial la vida y obra de este grupo mítico.

Madrid 1990. Julián Infante y Ariel Rot deciden volver a unirse tras ‘Tequila’. Para ello cuentan con Germán Vilella a la batería y traen desde Argentina a Andrés Calamaro. ¡Qué mejor forma de empezar nuestra historia!

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

Contra el olvido y el silencio

Donde germinan los silencios. Abel Azcona, Alejandro Mañas, Art al Quadrat, Marie-Pierre Guiennot, Pepe Bea
Sala de Exposiciones del Centro Social de Teruel
C / Yagüe de Salas, 16. Teruel
Hasta el 27 de mayo de 2016

El arte es una herramienta de sensibilización frente a cualquier abuso. Un lenguaje que otorga palabra al silencio y presencia a lo extinguido, además de un instrumento de sensibilización en torno a la defensa de los derechos humanos de mujeres y hombres.          Desde 1936 hasta la actualidad, una parte de la historia de España ha sido en primer lugar perseguida, para ser posteriormente silenciada y borrada de nuestra memoria. La vida de los muertos y de las muertas habita en nuestro pensamiento, sin embargo, hasta el franquismo quiso matar esa memoria. Acabar con la memoria de un pueblo con la estrategia sibilina del paso del tiempo, ha sido la manera más burda de mostrar desprecio por los ciudadanos y ciudadanas, víctimas de la represión franquista.

En la actualidad, España es el segundo país del mundo con mayor número de fosas tras la Camboya de Pol Pot. Todavía muchas personas siguen sin saber qué sucedió con sus familiares desaparecidos, mientras que los responsables de aquellos hechos, considerados crímenes de lesa humanidad(1), siguen impunes. El juez Baltasar Garzón considera que hay más de 150.000 personas que permanecen enterradas en fosas comunes repartidas por toda la geografía española. Los olvidados y las olvidadas por el franquismo, no olvidan, por lo que sus tragedias, no pueden ser borradas de nuestra memoria, a pesar de que la historia oficial ha considerado que el pasado no debe ser removido. Su escudo protector ha sido la ley de Amnistía del 15 de octubre de 1977, a través de la cual se exoneraban todos los crímenes cometidos en España desde el 15 de diciembre de 1936 hasta el 15 de junio de 1977, lo que supuso el gran triunfo del franquismo, hasta el momento, evitando que fueran juzgados por crímenes contra la humanidad(2).

Cartel de la exposición.

Cartel de la exposición.

La Transición se ha construido sobre el olvido de los desaparecidos y de las desaparecidas. Los familiares fueron condenados al silencio durante el franquismo, mientras que durante la Transición, han sido abandonados y abandonadas por la mayoría de los políticos al ser dadas por buenas las condenas dictadas por los consejos de guerra franquistas(3). Dichas muertes han sido borradas de nuestra memoria al ser consideradas unas muertes pasadas que no afectan nuestro presente(4) porque no entran dentro del marco dominante de lo humano. En 2013, Naciones Unidas instó a España a investigar las desapariciones durante la Guerra Civil y el franquismo, además de neutralizar la ley de Amnistía de 1977. Mientras, la ley de Memoria Histórica aprobada en diciembre de 2007, la cual contribuía a cerrar las heridas y a eliminar cualquier elemento de división entre los ciudadanos y las ciudadanas, ha sido “paralizada” por el Partido Popular.

“Donde germinan los silencios” es una exposición relacionada con la vida y la tierra, la misma que cubrió los cuerpos y que redime a quienes los cubrieron. Por otra parte nos habla de sanación, reparación y construcción de la memoria que pretendemos contribuya a cerrar heridas, a abrir políticas del perdón, a mantener viva la memoria y sobre todo a recordar. Aragón y el País Valenciano de donde proviene la asociación Pozos de Caudé y el lugar de nacimiento de la galería Coll Blanc, respectivamente, nos ofrecen la posibilidad con esta exposición, de restar protagonismo a la frontera de ambos territorios, la misma línea divisoria que tanto protagonismo tuvo durante la Guerra Civil, sinónimo del Frente de Aragón y de la Ofensiva de Levante, que culminó con la división de la zona republicana en dos partes y finalmente con la caída de Valencia.

Al mismo tiempo, los y las artistas, con sus respectivas obras van a proponernos a través de diferentes trabajos y lenguajes contemporáneos, un encuentro traumático a la vez que real, con la memoria invisibilizada y con el silencio, impuesto por la fuerza de las armas. La exposición dará inicio este viernes día 6 de mayo de 2016 a las doce del mediodía con la macroperformance Desafectos de Abel Azcona (Pamplona, 1988) a partir de la cual, el artista pretende llamar la atención sobre la ceguera de una sociedad que ha permanecido adormecida demasiado tiempo. Tanto durante la Guerra Civil española como en la época franquista, se asesinó a una cantidad brutal de personas, la mayoría de las cuales yacen en fosas comunes todavía sin identificar. Sus cuerpos fueron olvidados literal y metafóricamente porque al privarles de identidad, de liturgia, de duelo, se les condenó al olvido. Exiliados, fusilados, calumniados, deshonrados, mutilados, maltratados, heridos, muertos, enterrados.

Aquellos seres humanos sobreviven en el recuerdo pleno de su humanidad a través de parientes descendientes que el artista, en su labor de investigador, sirviéndose de las redes sociales y los recursos de internet, localiza y convoca para esta ceremonia performativa en que consiste Desafectos, la mayor macroperformance que se haya realizado hasta ahora de estas características y con este valor activista, que bien podría parecer de inspiración accionista de los años 70, pero no. Marie Pierre Guiennot (Dijon – Francia, 1970) interpreta, de una manera abstracta, el dolor y el sufrimiento inspirados en los testimonios de los habitantes de la zona de Teruel en sus dos obras Sólo habremos muerto si vosotros nos olvidáis, frase que está en la actualidad junto al monumento levantado en Pozos de Caudé donde fueron fusilados y fusiladas según diversas estimaciones, casi mil personas, y en El estruendo del silencio, trece piezas a través de las cuales homenajea a las trece mujeres fusiladas en Villarquemado y enterradas en los Pozos de Caudé, así como a las trece jóvenes fusiladas en Cella, una de ellas embarazada, enterradas en el cementerio de Albarracín. Alejandro Mañas (Castellón, 1985) recoge en sus dos trabajos el sufrimiento de los represaliados y de las represaliadas.

En Mi última noche, el artista rescata testimonios epistolares de despedidas llenas de sufrimiento ante el inminente fusilamiento, mientras que en Sonidos a la libertad recoge palabras de recuerdo, angustia e impotencia, las cuales surgen del recuerdo de las personas entrevistadas en la población de Cella. El colectivo Art al Quadrat formado por las hermanas Mónica y Gema del Rey Jordà (Sagunt, 1982), relatan la historia de seis mujeres reales en el video Jota de las olvidadas, mujeres que por otra parte sufrieron la represión franquista en carne propia y en cuyos lugares donde dicha violencia aconteció, es cantada, sacándolas del olvido y del silencio. Pepe Beas (Córdoba – Argentina, 1955) en la instalación De hijas y madres nos muestra el dolor de los vivos y el dolor de los muertos. El dolor de los padres, muertos en vida, ante el fusilamiento de los hijos e hijas.

Sus obras pretenden recuperar la memoria de los desaparecidos y de las desaparecidas, contando la historia no escrita y visibilizando la historia perseguida. La obra de todos estos artistas nos habla de resistencia. Sus obras no nos dejan indiferentes ante una realidad aterradora borrada por la dictadura, cuya historia fue reescrita con la intención de que se adecuase a la cosmogonía franquista. En ellas cobran protagonismo las mujeres republicanas, las grandes olvidadas por la represión franquista, víctimas de violaciones tumultuarias y de escarnios públicos en los que fueron rapadas y obligadas a beber aceite de ricino(5), lo cual les provocaba diarreas constantes, porque encarnaban la mujer no sumisa. Las violaciones en base al género fueron constantes durante la Guerra Civil y la posterior represión franquista, siempre al amparo de la misoginia establecida por Antonio Vallejo-Nájera, psiquiatra del régimen quien ha pasado a la historia por ser uno de los impulsores de la segregación entre las madres rojas y sus hijos e hijas, con el objetivo de evitar que se “contagiaran” de su ideología.

Centro Social Teruel.

Donde germinan los silencios. Centro Social de Teruel.

Lamentablemente, todavía en la actualidad no hay ningún registro oficial documental sobre la represión franquista a las mujeres torturadas en base al género, pues fueron violadas, sometidas a abortos forzados, a descargas eléctricas en sus genitales y a los robos de sus bebés hasta bien entrados los años ochenta. Ellas han sido doblemente invisibilizadas: por ser mujeres y por ser rojas o compañeras de rojos, esposas de rojos o hijas de rojos. Y todavía, son las grandes olvidadas de la memoria histórica. Por otra parte esta exposición pretende recuperar la figura de los desaparecidos y desaparecidas, quienes se ha considerado, como dijo Videla, el dictador argentino, no tienen entidad: ni están muertos o muertas, ni están vivos o vivas(6).

España es la única democracia que no ha abierto ninguna comisión para esclarecer los horrores del franquismo. Nuestro país, en su momento, optó por el olvido. En la actualidad, es en Argentina donde se lleva a cabo la única querella contra el franquismo en base a la jurisdicción internacional y la única querella por la represión sufrida por las mujeres en base al género, desde marzo de este mismo año. Los represaliados y las represaliadas buscan justicia frente a la impunidad otorgada por la propia ley de Amnistía que otorgó perdón a los asesinos(7). Después de cuarenta años de la muerte del dictador Franco, es necesario visibilizar la memoria, la verdad y la justicia.

 

1 Este tipo de delitos según la legislación internacional siempre son perseguibles, independientemente del tiempo transcurrido. Lizundia, Fernando I.: El exterminio de la memoria. Una comisión de la verdad contra el olvido de las víctimas del franquismo, Editorial Catarata, Madrid, 2015, p. 99

2 Basterra, Mauricio: “Ley de Amnistía: cómo apuntalar los pilares de una dictadura”, Diagonal Saberes, 16 de octubre de 2012

https://www.diagonalperiodico.net/saberes/ley-amnistia-como-apuntalar-pilares-dictadura.html 24-4-2016

3 Lizundia, Fernando I: Op. cit, p. 105

4 Butler, Judith: Marcos de guerra. Vidas lloradas, Ediciones Paidós, Madrid, 2009, p. 79

5 González Duro, Enrique: Las rapadas. El franquismo contra la mujer, Siglo XXI Editores, Madrid, 2012

6 Carlos, Carmen de: <La Pantera Rosa” Videla: “No están vivos ni muertos, estás desaparecidos”>, ABC Internacional, 18 de mayo de 2013

http://www.abc.es/internacional/20130518/abci-videla-vivos-muertos-desaparecidos-201305181314.html 24-4-2016

7 Martínez, Isabel: “Anna Mesutti: con las víctimas del franquismo no sirve borrón y cuenta nueva”, La Vanguardia, 29 de enero de 2015

http://www.lavanguardia.com/vida/20150129/54424032617/ana-messuti-victimas-franquismo.html 25-4-2016

Irene Ballester Buigues

Comisaria de la exposición

 

Canciones en pijama

Un cerebro repleto de recuerdos inútiles, de Manos de Topo
LN3 Espai Mutant de Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Viernes 22 de abril, 2016, a las 21.30h

LN3 Espai Mutant de Las Naves recibe este viernes (21.30h), al grupo Manos de Topo en un espectáculo que supone un repaso íntimo a sus diez años de carrera. ‘Un cerebro repleto de recuerdos inútiles’ es un ejercicio nostálgico en el que mezclan música y diapositivas para descubrir los secretos de sus canciones.

Miguel Ángel Blanca, cantante y letrista de la formación, explica que “en estos diez años repletos de anécdotas e historias, nos dimos cuenta de que nuestra historia personal había ido paralela a la discografía del grupo”. De este modo, “decidimos crear este espectáculo como un regalo a todos esos fans que nos han preguntado siempre de dónde salen nuestras canciones, o por qué nos llamamos Manos de Topo”.

Para ello, se servirán de música y diapositivas porque “el show está planteado como si estuviéramos en el salón de nuestra casa e invitáramos a los amigos a repasar nuestra vida mediante imágenes antiguas y, obviamente, nuestra música”. De hecho, los integrantes de Manos de Topo “actúan” en pijama, bata y ropa interior, como si los espectadores se colaran en su espacio más íntimo.

El líder del grupo ha sido comparado con Robert Smith, de The Cure, por su forma lastimera y angustiada de modular la voz, algo que también les han preguntado en muchas veces y que, lejos de ser algo premeditado, “surgió de improviso, es como cuando te pones a cantar en tu casa con un tono entre tragedia y comedia”.

El universo lírico de Manos de Topo está compuesto, tal y como señala Miguel Angel Blanca, en letras trabajadas “desde lo cotidiano, desde situaciones con las que cualquiera puede empatizar. Y que, al mismo tiempo, se encuentran en un lugar común, que es el surrealismo”. Se trata de parodiar lo trágico de la vida, reírse de historias que hablan, sobre todo, “de las relaciones de pareja y lo sentimental”.

Manos de Topo. Las Naves.

Manos de Topo. Imagen cortesía de Las Naves.

La memoria y el horror: tan lejos, tan cerca

Básicos de la Filmoteca
Nuit et brouillard y Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais, y Le sang des bêtes, de Georges Franju
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Jueves 3 de marzo de 2016, a las 19.00h

La Filmoteca de CulturArts proyecta el jueves 3 de marzo, en la sala Berlanga, tres cortometrajes documentales franceses de los años cincuenta que abordan el tema de la memoria y el horror desde perspectivas muy distintas. La sesión se enmarca dentro del ciclo semanal Básicos Filmoteca, que en esta edición se centra en la historia del cine documental. La presentación de la película y del posterior coloquio corre a cargo de Daniel Gascó, crítico cinematográfico de la Cartelera Turia y de la revista Caimán Cuadernos de Cine.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

La sesión incluye Nuit et brouillard (1955), una de las películas más destacadas de la primera etapa de Alain Resnais, antes de dedicarse al cine de ficción, y uno de los documentales fundamentales sobre el horror del Holocausto y los campos de concentración. El documental ofrece una visita al ya abandonado y desierto campo de Auschwitz en la que se alternan lentos travellings en color con imágenes de archivo que reconstruyen la tragedia que sufrieron los prisioneros. El documental mostró por primera vez el material cinematográfico y fotográfico que el ejército nazi acumuló sobre el exterminio organizado.

Fotograma de Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

El tema de la memoria también está presente pero desde una óptica distinta en otro documental de Alain Resnais Toute la mémoire du monde (1956), que es una aproximación a la Biblioteca Nacional de Francia y a sus libros. La sesión se completa con Le sang des bêtes (1948), la primera película de Georges Franju, uno de los grandes nombres del cine francés.

Fotograma de Le sang des betes, de Georges Franju. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Le sang des betes, de Georges Franju. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

El documental ofrece una visión brutal e hiperrealista de los mataderos de París, en la que se refleja el sufrimiento de los animales que van a ser sacrificados y el embrutecimiento de aquellos que tienen que realizar este trabajo. Sobre la sesión dedicada a estos documentales, Daniel Gascó ha señalado que “es curioso que Alain Resnais y Georges Franju, dos cineastas sensibles a la fantasía, se muestren feroces en su vertiente documental. Pero más que retratar la realidad sórdida, se instalan en una sublime poesía que les aproxima a la verdad. El horror está presente, pero la belleza también”.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Básicos de la Filmoteca.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Básicos de la Filmoteca.

 

La indecisión de Fando y Lis

Fando y Lis, de Fernando Arrabal, por la compañía La Jartá
Teatro Círculo
C Prudenci Alcón i Mateu, 3. Benimaclet (Valencia)
Viernes 12, sábado 13 y domingo 14 de febrero, 2016, a las 20.30h

Fando y Lis es la historia de una búsqueda. La búsqueda del amor verdadero, la felicidad, el sentido de la vida, el encuentro de uno mismo en el espacio que le rodea o, por qué no, de la propia muerte.

La necesidad de avanzar de Lis, mientras busca  el equilibrio entre sus tres “yo” -el que quiere huir, el que duda y el que acepta su fatalidad presente-, en contraposición con el deseo de Fando de perpetuar el juego infantil anclado en su entorno presente, marca el pulso de nuestros personajes en un universo imaginario donde el sin sentido proporciona placer y dolor, juego y castigo, felicidad y tragedia, vida y muerte. Un universo exento de luz, donde “punto de partida” y “destino” significan lo mismo.

Fando y Lis, de La Jartá Teatro. Imagen cortesía de Teatro Círculo.

Fando y Lis, de La Jartá Teatro. Imagen cortesía de Teatro Círculo.

La Jartá Teatro, con su propuesta escénica de esta pieza de Fernando Arrabal, enmarcada dentro del “teatro del absurdo” español, reflexiona sobre la mayor de las misiones que alguien debe afrontar en la vida: tomar una decisión.

Más allá de las cadenas que nos atan y del bienestar que podamos creer encontrar en ellas. Cómo nuestras dudas se convierten en personajes que nos aniquilan, que nos quitan todo poder para redirigir el rumbo de nuestra existencia y seguir nuestro camino hacia “Tar”. ¿Está en nuestra mano vencer la imposibilidad radical de progresar?

Fando y Lis, de La Jartá Teatro. Imagen cortesía de Teatro Círculo.

Fando y Lis, de La Jartá Teatro. Imagen cortesía de Teatro Círculo.

 

La piedra oscura hace memoria en Las Naves

La piedra oscura, texto de Alberto Conejero, dirigida por Pablo Messiez
Espai Mutat de Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Sábado 24 y domingo 25 de octubre, 2015

La piedra oscura, la obra revelación de la temporada teatral, texto de Alberto Conejero, dirigida por Pablo Messiez e interpretada por Daniel Grao y Nacho Sánchez, llega al Espai Mutant de Las Naves el 24 y 25 de octubre. Una coproducción del Centro Dramático Nacional y La Zona.

La obra está inspirada en el personaje real de Rafael Rodríguez Rapún, “el más hondo amor de Lorca” que quedó fuera del “retrato de la historia”, según expresión de Alberto Conejero (Jaén, 1978). El texto, un mosaico de ficción y realidad, narra el encuentro en una noche trágica entre Rafael, un teniente republicano, y Sebastián, un joven soldado inexperto del bando nacional. “Una obra teatral que está demostrando que al público sí le interesa la memoria histórica. La Piedra oscura pone este interés sobre el escenario de manera clara y emotiva”, apunta Guillermo Arazo, responsable de programación de Las Naves.

Escena de 'La piedra oscura'. Imagen cortesía de Las Naves.

Escena de ‘La piedra oscura’. Imagen cortesía de Las Naves.

“Yo creo en la memoria colectiva. Creo que tenemos que llegar a un mínimo acuerdo sobre nuestro pasado, y que con la memoria histórica se desmoronan los egos y compartimos culpas”, afirma Conejero, que consiguió el premio Ceres de Teatro al mejor autor. “Nunca lo hubiera conseguido sin Pablo Messiez, los actores, Daniel Grao y Nacho Sánchez, y el equipo”, subraya el autor.

La obra transcurre en una habitación de un hospital militar cerca de Santander. Allí se produce el encuentro entre Rafael, que vive sus últimas horas antes de ser fusilado, y un joven soldado llamado Sebastián, que le custodia. Es, cuenta Coenejero, un encuentro ficticio, que le ha servido para recuperar la memoria de Rodríguez Rapún. “Habla sobre el encuentro con el otro y esa ‘otredad’ que va convirtiéndose en una intimidad. La obra habla de cómo dos seres humanos son capaces de encontrarse y entenderse, pese a la guerra”, destaca el dramaturgo.

Federico García Lorca es, de algún modo, el origen de La piedra oscura. “Tengo un gran amor por Lorca y soy en muchas maneras deudor suyo. Pero no he pretendido hablar de él, ni siquiera rendirle un homenaje. El texto habla de las ausencias, y la primera es la de Lorca. No hablo de él pero esta obra no podría existir sin él”. La piedra oscura es, precisamente, el título de un proyecto de Lorca del que apenas existe el ‘Dramatis personae’. Alberto Conejero lo ha elegido como título por los significados, desde lápida a paredón, y porque oscuro es el amor que no puede decirse.

La piedra oscura no es revanchista sino que habla sobre la necesidad de encuentro, pero tiene un ruego: este país no puede estar ribeteado de muertos en sus cunetas y que los familiares tengan que financiarse ellos mismos las exhumaciones a través de asociaciones.

Escena de 'La piedra oscura'. Espai Mutant de Las Naves.

Escena de ‘La piedra oscura’. Espai Mutant de Las Naves.

Bodas de sangre flamencas en Flumen

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Sáiz
Saga Producciones
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Estreno: jueves 15 de octubre, a las 21.00h
Hasta el 29 de noviembre de 2015

La terrible historia que en su día escribiera Lorca, tras quedar impresionado al leer la noticia en un periódico, del cruento suceso acaecido en El Cortijo del Fraile de Nijar (Almería), el 22 de Julio de 1928, representada en el Teatro Flumen de Valencia.

Bodas de Sangre, dirigida por José Saiz, reproduce los versos de Lorca al compás del flamenco más puro, donde el amor y la traición, la tradición y el instinto, el honor y la muerte se conjugan en una noche sin luna. Con esta obra Lorca consigue hacer uno de sus mejores trabajos con la tragedia como base, ya que todos los protagonistas mueren o viven sin motivo, guardando sus penas en su interior. En Bodas de Sangre se viven sentimientos tan fuertes como el amor, el deseo y los celos, capaces de cegar la razón y hacer añicos la cordura.

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección de José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Es la mañana de una boda. Leonardo es el primero en llegar a la casa de la novia y habla con ella, recordándole el pasado. Leonardo ha amado a la hermosa novia y ha sido correspondido; pero rechazado por el padre debido a la dudosa moralidad de su familia, se ha casado con otra mujer, prima de ella; sin embargo, en ambos ha quedado latente la primera pasión y él sigue asediándola con su deseo. La novia, llena de orgullo y despecho, ha aceptado un matrimonio que le significa liberación, pero no siente amor por el que será su esposo.

El recuerdo del pasado se hace tan apremiante entre ambos que, celebrada la ceremonia nupcial, la recién casada huye con su antiguo pretendiente. El novio persigue a la pareja fugitiva. Cae la noche. La luna, desde arriba, contempla la huida y la persecución. Se producen el encuentro y el duelo entre los dos hombres, en el que ambos mueren. La novia sobrevivió de milagro a las manos de mujer que la intentaron estrangular.

Es también una historia de viejas rencillas familiares, la familia del joven novio había sido víctima de la pérdida del padre y el hijo mayor en manos de la familia del joven Leonardo, lo cual engendra en la madre un rencor-odio hacia todo lo relacionado con dicha familia, y un temor-odio hacia cualquier arma que atente contra la vida del hombre.

La novia, que siente que ya no tiene motivo por el que vivir, visita a la madre, no para pedirle perdón sino para que le quite la vida a ella también. La madre, por su parte, no es capaz ni de tocarla, aunque le gustaría hacerlo hasta acabar con ella, no tiene fuerzas para hacer nada, ya que acaba de perder a lo único que le quedaba; su hijo.

Con esta obra, Lorca consigue hacer uno de sus mejores trabajos a base de la tragedia, ya que todos los protagonistas mueren o viven sin motivo, guardando sus penas en su interior. El amor, el deseo, los terribles celos que nacen de las mismas entrañas y abrasan el corazón, cegando la razón que hace añicos la quebradiza cordura. Este es el auténtico catalizador que libera la furia aletargada en el interior de las pasionales personas.

Imagen promocional de Bodas de sangre, de Federico García Lorca, dirigida por José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Imagen promocional de Bodas de sangre, de Federico García Lorca, dirigida por José Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

El Rey Lear, en una residencia de ancianos

Olvidando a Lear, de Mariola Ponce
Festival de Talleres de Teatro Clásico
Sala Russafa
Sábado 20 y domingo 21 de junio de 2015, a las 20.00h

El Festival de Talleres de Teatro Clásico de Sala Russafa, que del 5 al 28 de junio programa nuevos acercamientos a obras y personajes clave en la historia de la literatura, acoge esta semana Olvidando a Lear (20 y 21 de junio) una interesante propuesta escrita y dirigida por Mariola Ponce que parte de El rey Lear y que es fruto del trabajo realizado con alumnos del Centro de Artes Visuales del Puerto de Sagunto.

“Cuando estábamos buscando ideas para el espectáculo, nos encontrábamos con noticias de personas que con su comportamiento y sus decisiones habían hecho mucho daño y nos preguntábamos qué sería de ellos cuando se hicieran mayores”, recuerda Ponce, “nos interesaba plantearnos cómo reacciona alguien que ha sido malvado y que, con la edad, empieza a necesitar de los demás”.

Cartel de la obra 'Olvidando a Lear, de Mariola Ponce. Cortesía de Sala Russafa.

Cartel de la obra ‘Olvidando a Lear, de Mariola Ponce. Cortesía de Sala Russafa.

Con este punto de partida, Ponce traslada a Lear, el famoso villano creado por Shakespeare, a una residencia de ancianos, a mediados del siglo XX, donde el alzhéimer le hace olvidar por momentos su crueldad, el daño que ha hecho, lo injusto que ha sido en el reparto de sus bienes… Y con el olvido, con su olvido, ¿ha de llegarle el perdón?

Cordelia aparece como una enfermera y el Conde de Kent se convierte en Dr. Kent, mientras que el protagonista se presenta como un hombre hecho a sí mismo, un déspota empresario que alterna episodios de lucidez y demencia, carcomida su memoria por la enfermedad y la vejez. Una versión que demuestra cómo los personajes creados por el maestro inglés pueden existir en cualquier época y contexto.

Tres alumnos que durante meses han profundizado en las técnicas interpretativas dan vida a este acercamiento al clásico de Shakespeare, absolutamente novedoso, que plantea un dilema en torno al valor de la palabra, el recuerdo y la condescendencia.

Futuras grandes estrellas

La programación del festival se completa esta semana con la demostración del Taller de Teatro para Niños que imparte la actriz y docente Amparo Vayà en Sala Russafa. Sus pequeños intérpretes suben a las tablas del centro cultural para contar la historia de ‘Una casa monstruosa’, una pieza terroríficamente divertida, escrita y dirigida por la propia Vayà.

Las futuras estrellas dan vida a seres espeluznantes, pero muy familiares, que viven situaciones hilarantes y sufren continuos enredos domésticos. Una propuesta para disfrutar con los monstruos de la casa de la que se realizará una única función el 21 de junio a las 12h, con un precio de 3€. Para el resto de la programación del festival se ofrece la posibilidad de disfrutar de los espectáculos con entradas simples (6€) o mediante un abono para cuatro representaciones a 18€.

Imagen de 'Olvidando a Lear', de Mariola Ponce. Cortesía de Sala Russafa.

Imagen de ‘Olvidando a Lear’, de Mariola Ponce. Cortesía de Sala Russafa.