Pep Vidal y los límites del control

Pep Vidal: Los límites del control
L21 Madrid. Doctor Fourquet 1
Hasta el 17 de enero de 2015

 

El pasado 15 de Noviembre tuvo lugar la inauguración en la galería L21 de Madrid la exposición Los límites del control, la primera muestra individual del artista Pep Vidal.

Pep Vidal es licenciado en matemáticas en la UAB (2008) y se está doctorando de física en la UAB y sincrotón ALBA.

Durante el 2014 ha expuesto en diferentes galerías, como Galería Camara Oscura de Madrid (Islands, 2014) o Esther Montoriol Gallery de Barcelona (L’ocell que vola, 2014).

Con esta exposición en solitario vuelve a Louis 21 Gallery de Madrid, tras su anterior instalación en el espacio THE WINDOW, en el cual el paseante veía desde la calle una ventana tapada con pintura negra, y acercándose se observaba un agujero por el cual se podía ver el interior: un microcosmos marino, donde diferentes elementos naturales y artificiales interaccionaban durante el tiempo de exposición.

Vidal trabaja con los cambios innitesimales -cambios infinitamente pequeños- que se producen constantemente en todas partes. La cadena es caótica y (casi) infinita.

Imagen cortesía Galería L21

Imagen cortesía Galería L21

En el centro de la sala nos encontramos con Artist Proof, la primera copia no definitiva, y ahora encapsulada en una caja de metacrilato, de la tesis doctoral en física de Pep Vidal. Al conservarse dentro de un sistema que la aísla, permite preservar un momento simbólico y emotivamente personal que cierra un ciclo vital y abre otra etapa en la que profundiza cómo se establece un conocimiento existencial básico: la relación entre el ser y la realidad que habita.

Imagen cortesía Galería L21

Imagen cortesía Galería L21

Para finalizar su tesis, el artista se refugió en una cabaña de madera durante medio año.

En su página web lo cuenta así:

Quiero terminar mi doctorado en Física. Es por esta razón por la que he construido una cabaña-cubo de madera de 2.3 metros de longitud. Un espacio para estar solo, vivir y trabajar durante unos meses para, finalmente, terminar mi tesis. Un lugar pequeño y aislado donde vivir y trabajar. Se encuentra en un sitio vacío, cerca de mi taller en Hangar, Poblenou, Barcelona.

La tesis doctoral ha sido galardonada con el Premio Miquel Casablancas 2014 en la modalidad de publicación y es el origen de su práctica artística: los cambios infinitesimales, cambios extremadamente pequeños que no se pueden ver, y que precisamente por este motivo, son enormemente poderosos.

Imagen cortesía Galería L21

Imagen cortesía Galería L21

 

Soul music in Valencia

 

On the occasion of Fly Me to the Roof concert season, Espai La Rambleta gave us the chance to see two new talents of soul & funk live. A golden opportunity.

Hannah Williams’ powerful voice came from London (aka deep soul’s funkiest new diva), along with The Tastemakers. The group comprises James Graham (piano), Adam Holgate (guitar), Flash Wildcard (bass), Baby Jaisus (drums), Sabrina De Mitri (saxophone) and Rolling Changeworthy (trumpet).

Hannah Williams & The Tastemakers have earned a solid reputation in clubs all throughout the UK, as well as in their countless tours in France, Italy, Spain, Germany and Greece. They have even shared the stage with renowned stars like Sharon Jones & Charles Bradley and Afrika Bambaataa & The Sugar Hill Gang.

They recorded their first LP, A Hill of Feathers, for the prestigious Italian label Record Kicks, which is available on iTunes and Spotify. On the 13th, they will also be presenting new songs from their upcoming album.

For artists as acknowledged as Sharon Jones, Hannah Williams “is blessed”. Dubbe.blogspot states that Etta James and James Brown would be proud. This was, without a doubt, an unprecedented opportunity to see them, since this was the first time they bring their music to Valencia. We hope it won’t be the last.

Hannah Williams

Hannah Williams

These Londoner artists weren’t alone on the stage. They were joined by one of the hottest bands of the Valencian music scene: The Kojaks. Funk runs through the veins of these musicians, whose personal style is clearly noticeable. Their first LP, First Morsel, was released the 27th of September this year under the label of Rock CD, and they haven’t stopped one minute since then.

Their tracks are seasoned with high doses of groove, and they are available at several digital platforms such as Spotify, iTunes, Google Music or Deezer.

The Kojaks have performed in numerous occasions. Since 2013 they’ve collaborated every Tuesday in M80’s nightly show La noche es para mí, presented by Miguel Coll.

The Kojaks consists of Amparo Ballester’s voice, Alberto Lorenzo (bass), Mateo Albelda (drums), Juan Salvador (guitar), Pablo Pérez (saxophone), Pablo González (keyboards, piano) and Juanjo de la Cuesta (percussion).

Amazed by their songs’ catchiness, we met them to talk about last Thursday’s performance. “Despite our short career, we have already shared the stage with black music groups know at national level. But as soon as someone from abroad comes to perform, we seize the opportunity of learning from people with more experience. Having the chance to be the support band for artists like Hannah Williams and the Tastemakers is tremendously exciting”, said Juan Salvador, the Kojaks’ guitarist.

“We are a little nervous because we are about to play before a great band, before an impressive singer. It’s shocking. But I wish we’ll be able to share the stage with many national and international groups in the future”, commented Kojaks’ singer Amparo Ballester.

As the conversation drew on, we asked them about the style of Hannah Williams & The Tastemakers regarding their own: “Their style is purer, more “roots”. We mix ours with jauntier influences, like rock or funk.”

The Kojaks. Photographer: Miguel Valls of Avant Producciones.

The Kojaks. Photographer: Miguel Valls of Avant Producciones.

Since their first LP is fresh from the oven, we asked them how they’ve lived the experience. Juan answered: “It’s been challenging work. This has been the first time we do this, so our inexperience has led to some tense moments. But most of the time we were focused on the project of recording an album of our own, which is so exciting. It has allowed us to grow as a band.”

Moreover, they are elated for having their tracks on digital platforms, right next to the artists they have always admired. “It’s something really new. Having people listen to the record and congratulating us is absolutely wonderful. Some people have even told us what their favourite song is when going for a jog. Sharing music this way is a pleasure. It’s been a very gratifying process”, Amparo added.

The following question was clear: What are your goals? “Our goal: Wembley (chuckles). And to run out of tickets, that is The Kojaks’ objective. We might end up trying for 25 years, there is no doubt, but we need to dream high and have big goals. We are down-to-earth and we won’t stop working”, said Juan. “Devoting ourselves to the audience and feeling their warmth is where we filled fulfilled.”

The Kojaks are not only musicians, Amparo told us, “but also all the people who offer us their talent to build up a strong image, good videos and excellent pictures; all that can help our band go forward. The music world is like an ants nest that requires building little by little.”

The Kojaks. Photographer:: Miguel Valls of Avant Producciones.

The Kojaks. Photographer:: Miguel Valls of Avant Producciones.

The Valencian musical scene makes progress hinders progression, especially for soul music. This is how Juan argued the point: “Despite there being really talented groups here in Comunidad Valenciana, trying to provide cultural alternatives is very hard. It has to go through precarious conditions and even lack of respect for the musicians.”

“We’ve met all our small targets due to our work and perseverance, not because there was any sort of help in our cultural and musical environment”, Amparo claimed.

The Kojaks are just one of the voices that can be heard in the Valencian musical scene. Self-management is their work method. They also count on the luck they might have and the support from those interested in knowing these emerging artists. They know this for sure: “We’ll keep on fighting in the arena.”

The Kojaks. Photographer: Miguel Valls of Avant Producciones.

The Kojaks. Photographer: Miguel Valls of Avant Producciones.

Patricia García Carbonell

Traducción: Alexandra Fernández Mañas

Líneas Inesperadas. Gestar Cultura

El primer dossier de esta aventura inesperada se ha desarrollado en el Cabanyal. Sin duda, el inicio es un anclaje al que siempre volver.

Llevaba tiempo pensando la ciudad. La he sobrevolado, la he colocado en escala, la he observado como una maqueta pero lo que más he hecho ha sido vivirla y caminarla. A la vez, las redes sociales hablan y cuentan su propia historia. Una historia llena de iniciativas. De repente, aparecieron muchas mujeres y sabía que de su mano recorrería sus calles.

“La vida moderna de las mujeres de hoy es muy complicada. Trabajar en colectivo desde la multiplicidad de necesidades, de hijos pequeños, medianos, no hijos y diferentes trabajos. Es super complicado. Hay que tener muchas ganas”.

La Colectiva Invisible

¿Cómo empezáis el colectivo?

Encontramos una convocatoria y fue una excusa. Lo vivimos como una llamada a juntarnos, presentarnos y si cuajaba pues seguíamos. Si no, ¡nos reíamos un rato! Finalmente.,¡Cuajó!

Ha pasado casi un año desde que tuvimos aquella primera reunión en noviembre de 2013. Todas teníamos ganas de trabajar con otras. Queríamos incorporar diferentes puntos de vista y disciplinas en torno al tema de la mujer, la maternidad subversiva, las cuestiones de género, etc. Y, lo que fuera surgiendo.

Al inicio hubo algunas personas más aunque nos hemos quedado nosotras. Cayeron un par de teóricas porque lo más complicado, al principio, fue conciliar los diferentes perfiles. De un lado, las mujeres con formación teórica; una con base en sociología, la otra filósofa-comisaria, historiadora del arte y con una gran formación en colectivos de mujeres. Esto sumado a las dificultades que nos encontramos para sincronizar relojes hizo que no encontráramos cómo articular los procesos de producción plástica y visual.

Fue un reto: ¿Cómo presentamos un proyecto con una base teórica que van a hacer las teóricas? Era una mitad de personas muy teóricas y otra mitad de personas que venían de una práctica muy directa. No lo conseguimos cuadrar bien.

¿Eso no lo conseguisteis?

Bueno, al final somos todas un poco teóricas ¿No?  (Risas)

Realmente, no lo conseguimos pero tampoco tuvimos el tiempo de enfocarnos bien en ello. Fue bastante improvisada la forma en que nos fuimos juntando y las reuniones que fuimos teniendo. De un modo casual fuimos quedando nosotras.

La convocatoria os marcaba un inicio pero ¿después pudisteis recuperar esa parte? O ¿se quedó por el camino?

Sí, quedamos alguna vez todas las que nos habíamos presentado. Pero somos personas que solemos estar en muchas cosas a la vez y la gente se va descolgando por prioridades.

Individualmente, cada una de vosotras tenéis un trabajo bien desarrollado en ámbitos de arte contemporáneo, intervenciones urbanas, ilustración, derecho y movimientos sociales, etc. Todas vosotras sois como “motores” culturales.

Las seis pisamos fuerte.

La Colectiva Invisible. Foto: Patricia García Carbonell

La Colectiva Invisible. Foto: Patricia García Carbonell

Juntas lleváis un año pero, ¿Cómo os ponéis a trabajar en este proyecto Prenyades de revolució que vemos ahora en Valencia?

Este proyecto viene de otra propuesta que era para un festival de Bélgica, en Lieja, el Festival Contre/Bandes. Tenía mucho que ver con una perspectiva de género. Lo ha montado una amiga también muy activa, Émilie. Le propusimos colaborar.

Al principio contaba con financiación pero luego ha pasado un poco “una cosa española”. Es decir, la estructura artística contaba con proyectos europeos que la amparaba. Uno de los que la lleva fue acusado de corrupción o de malversar fondos. Así que se ha cortado toda la financiación.

Cuando vimos Intramurs pensamos que podíamos lanzarlo ahí. Habíamos hablado de lo que queríamos hacer, del trabajo con una embarazada, de la imagen.

En un principio, estábamos interesadas en una línea más en sintonía con el tema de la obra anterior. Es decir, vincularla con Guy Debord, los situacionistas, Tiqqun... En suma, una línea más revolucionaria. Y, la frase era el título de un libro de Tiqqun: L’insurrection qui vient.

Como es sabido, hubo en torno a este librito mucho debate. Teníamos fotos con esa frase para Bélgica y, por si acaso, hicimos fotos en español y en valenciano. Estábamos en plan: “Bueno, ¡vamos a aprovechar la barriga!”. Entonces cuando salió Intramurs dijimos: “Este material ¡nos quema en las manos!”.

Teníamos muchas ganas de hacer cosas. Y, en el contexto sociopolítico actual poner esa imagen es un acto significativo.

Es cierto, el espacio donde lo habéis presentado no es neutro ¿no? Porque lo habéis hecho en el Torno del Hospital. ¿Habéis tenido en cuenta su historia?

No conocemos la historia de la calle Torno del Hospital, no. Cuéntanosla. ¡Que la incorporamos!

Bueno, el Torno del Hospital era donde dejaban las mujeres precarias a sus hijos…

Claro, el torno era lo que giraba… Estas coincidencias son las más lindas. El torno era como una gatera y era donde metían al niño…

Sí, los niños entraban así pero también era el lugar donde mujeres del interior iban a completar la economía familiar haciendo de madres de leche. Entonces, no había leche industrial y ellas los alimentaban y criaban hasta los tres años de edad. Se les pagaba por esos servicios y luego ellas devolvían a los niños ya crecidos.

Pues, ¡menuda coincidencia! La verdad es que habíamos tenido en cuenta que es un solar, un espacio cerca del barrio chino, donde hay condones, colchones, etc. Habíamos tenido en cuenta el contexto actual pero no su historia y este relato aún redondea más la intervención, sin duda. Una amiga nos contó que en ese solar estaba la prostitución más a la vista, la más dura y brutal, que se ejercía ahí. Así que pensamos que ese espacio era muy potente. De hecho, estuvimos localizando los solares y cuando hicimos la selección final, quedó éste por ser el más accesible pero también por su ubicación.

La verdad es que pensé que lo habíais tenido en cuenta por las redes de maternidades otras que podían existir.

No. Habíamos tenido en cuenta toda la otra parte de ciudad, la de un barrio como Velluters. Además, nos tocó limpiar todo aquello para que se viera bien, ya que la imagen iba a ras de suelo. Es una mujer que sale de la tierra, que es aún más poderosa. Queríamos evidenciar un uso alternativo del espacio. De hecho, había un par de colchones que ahora mismo ya no están. Hemos profanado el espacio.

Bueno, la frase “Prenyades de revolució” ¿Cómo sale?

Nos pareció muy interesante por el momento político. Es una metáfora muy evidente de las ganas de cambio. Pero de un cambio real, desde el interior. Esa fue una de las lecturas que más nos interesó de las que fueron surgiendo.

Durante una reunión en Navidad nos planteamos trabajar sobre cosas concretas y reales que estaban sucediendo y nos preocupaban como el tema del aborto. Empezamos a darle vueltas hasta que lo vinculamos con la frase de L’insurrection qui vient. Nos gustó mucho. Por un lado, tiene una dimensión social: Emprenyades es el título de una obra que en castellano significa Cabreadas, -y, es cierto, estamos muy cabreadas-. Por otro, por llevar la revolución dentro pero también por estar pariendo revolución. Es decir, por ser revolucionarias y además parir revolución.

En aquel momento, sí que hablamos de hacer imágenes fáciles a favor del aborto. Pero nos pasamos justo al otro extremo.

Así fue el proceso en aquella reunión. La verdad es que fue bastante errático. Teníamos cosas que decir, aunque entonces no estuvieran completamente definidas. Teníamos las ganas. Queríamos unir maneras diferentes de vivir la maternidad con el concepto de maternidades subversivas. Teníamos intereses sociales que todas nosotras en diferentes ámbitos hemos mostrado: unos intereses de transformación a un nivel más “político”. Y ya sabemos “lo personal es político”.

Siguiendo con la idea de las maternidades subversivas, en los últimos años aparece con fuerza la idea que las mayores transformaciones son las de la esfera de los cuidados, ¿no? Las habéis tenido, imagino, en cuenta en vuestra vida personal y en una mirada social más amplia, ¿o no?

Sí, pero la acción en sí tampoco va tan relacionada con el tema de la maternidad. La hemos tratado desde un nivel más metafórico. Sí, coincide que aquí la mitad somos madres, pero sobre todo, que estaba la ley de Gallardón como un fantasma. Aunque  tampoco queríamos hacer una acción en concreto contra la ley del aborto, eran cosas que nos afectaban. Buscamos una imagen más metafórica de algo que teníamos en común. Era una energía en la que sí conectamos como mujeres y queríamos sacarla.

Estas circunstancias de repente se concretan en una imagen. Somos muy conscientes, las que somos madres ahora y las otras también, de situaciones como que de repente una de nosotras no podía venir porque tenía que cuidar a alguien, ¡el tema de los cuidados está ahí! De hecho, hacemos las reuniones con los hijos. Vamos con guardería detrás. Elegimos bien los lugares en que podemos hacerlas.

Recaen sobre nosotras, las mujeres, los cuidados, lo que tiene repercusiones fundamentales a nivel económico y político. Si no se parte de una reconsideración general del papel de los cuidados en la sociedad ¡no hay ninguna revolución posible!

Durante el I Encuentro de “Arte y nuevas formas de participación ciudadana” que hicimos hace poco en la Facultad de Bellas Artes, hablando con Javier Toret salió el tema: en las reuniones de Podemos o en las de Guanyem ¡hay tres tías! ¿Por qué? Porque nosotras no podemos liberarnos.

El propio nombre La Invisible es un indicio. La Mujer Invisible es una superhéroe de los años sesenta cuyo superpoder era ser invisible. Y es que las mujeres en la sociedad norteamericana de los años sesenta eran invisibles. Un poquito como ahora, aquí. Puede significar muchas cosas cuando ves el panorama político televisivo con sus debates testosterónicos. Por ejemplo, en Podemos, el programa de género que han hecho conecta sólo con una parte del sector porque deja totalmente de lado la labor de los cuidados. Hay un género mujer que se carga con los cuidados que no está reconocido ni respetado, ni a nivel de conciliación familiar, ni legislado, nada. De valoración económica ni qué decir, porque tú estás produciendo. Por el contrario, en Francia por hijo a cargo, por hijo criado recibes dos años de seguridad social automáticamente. Si es la mujer la que cría al niño se le computan dos años pero si ha sido el hombre, también. ¿Por qué en España el cuidado queda fuera de cualquier tipo de retribución laboral? El Estado de derecho ha dejado a los cuidados y la maternidad al margen.

El otro día, Raimundo Viejo, comentaba que ya estaba harto. Hubo una jornada de Podemos en la Petxina y en el debate salió un barbudo del antiguo PC hablando de todo lo que ellos habían hecho, de todas sus medallas, etc. Raimundo le contestó que estaba harto de machos alfa que se reunían en el partido mientras las mujeres estaban en su casa haciéndoles la cena, cuidando de los hijos, etc. Raimundo comentó que cuando las mujeres vayan a asambleas se habrán terminado todas esas viejas historias.

Pero las mujeres siguen sin poder ir. Por mucho que sea otra generación. Mucha maternidad subversiva y mucho tal pero… (Risas)

Bueno, volviendo al tema de la pieza. Al principio no era sólo un cuerpo embarazado sino muchos cuerpos embarazados. Pensamos poner fotos con muchos cuerpos y todos con distintas frases y mensajes. Lo que pasa es que luego derivó en hacer una muy grande. Era más impactante.

Imagen cortesía La Colectiva Invisible.

Imagen cortesía La Colectiva Invisible

Y ¿trabajar en la calle? No habéis ido a una galería de arte…

Eso vino solo. Todas nosotras, cada una desde su disciplina, trabajamos en la calle y el espacio urbano como un espacio de diálogo, un espacio para interactuar con el contexto.

De hecho, una vez, intentamos presentarnos a una convocatoria para una sala y no funcionó. Vimos que no nos apetecía. Nos vimos colgando en una sala, esto, y es que no… No lo hicimos.

En cuanto a las intervenciones que hemos hecho ni lo pensamos. Todas habíamos asumido, de una forma natural, que íbamos a trabajar en la calle. Durante las primeras reuniones lo comentamos pero como no hubo ningún disenso, estaba clarísimo que queríamos trabajar en el espacio público. Y, ocupar un espacio tradicionalmente masculino, porque la calle lo es. Está muy bien el que ni nos tengamos que plantear el por qué lo hacemos, ¿no?

Además, lo que también nos interesa de trabajar en los espacios públicos es que llegas a otro tipo de gente del que llegarías en lugares cerrados. Eso es lo interesante de nuestro discurso. Es un discurso más cotidiano y más popular. A lo que queremos llegar, sobre lo que queremos trabajar es justamente lo que pasa en el día a día. De eso nos alimentamos. Eso es lo que nos motiva. A todas como madres, como mujeres…

Además lo desligáis totalmente de la institución arte.

Nos hemos relacionado así. Esto nació de una convocatoria-excusa pero luego en las reuniones que tenemos todo es muy natural, muy fácil y muy poco atado a algo que tiene que ser productivo para ya y generar objetos, piezas.

No es siempre fácil porque cada una tenemos nuestras agendas y nuestro orden de prioridades pero sí que la relación se ha construido de una forma muy vivencial. A partir de ahí es muy fácil producir en ese sentido. De forma natural, sobre algo que forma parte de nuestro cotidiano y en el que todas podemos encontrarnos porque nos vamos construyendo como grupo conociéndonos personalmente.

El primer año nos costó hasta que nos encontramos todas y realmente hubo una conexión. Algo que nos unió mucho es que en cada reunión lo pasábamos muy bien. El placer es un gran denominador. Era juntarnos, estar trabajando y divertirnos, reír. No hay nada más lindo que trabajar y pasarlo bien.

Habéis hecho esto pero no ha sido la primera cosa que habéis presentado. ¿Concretar y presentar cosas os hace avanzar?

Sí, claro, nos hace avanzar, seguro. Hacer una intervención juntas y que se haga pública nos afirma en lo que somos. Lo necesitábamos. Ha sido, a la vez, muy guay ver las reacciones directas ya sea de gente del circuito -a través de comentarios de Intramurs-, ya sea luego de gente a pie de calle, o de los vecinos de enfrente, o de la gente que pasa…Funciona con los dos públicos. Cada uno se lo guisa y se lo cuenta con su propia historia y funciona. Eso motiva.

Pero una intervención así, a nivel de práctica artística, no tiene nada que ver con los trabajos que cada una de nosotras hacemos por separado.

La Envidia. Imagen cortesía La Colectiva Invisible

La Envidia. Imagen cortesía La Colectiva Invisible

Bueno, hay técnicas que algunas utilizáis. Cada una ha aportado lo suyo pero, ¿Cómo lo habéis hecho para unir de esa manera?

Creemos que no se puede reconocer la línea de ninguna en el trabajo colectivo. Es un conjunto de todas. Es difícil distinguir lo que es de cada una. Es muy diferente a las prácticas que tenemos individualmente. Nos gusta ver que desde una práctica diferente a la de cada una de repente piensas: esto no es lo que yo hago, esto es lo que hemos hecho.

No nos reconocemos y ninguna sabemos si eso va a funcionar. De repente, piensas qué guay es tener una segunda práctica que no es mía, que es nuestra y que funciona también de forma autónoma. En este sentido también funciona porque es un mensaje muy positivo. Es un nombre que empodera. Vas por la calle y la gente lee esa frase: Prenyades de revolució. Y la gente piensa: “Claro ¡Pues sí! ¿Porqué no? ¡Yo también!”.

De hecho, los vecinos el día que estábamos encolando salieron todos al balcón. Estaban emocionados porque les estábamos poniendo bonito el barrio. Ya cuando hablamos con la presidenta de la comunidad de vecinos propietaria de la medianera estaba tan ilusionada que no paró hasta que convenció a todos los vecinos. Estaba orgullosa y encantada de que se lo pusiéramos en su medianera. Si no hubiera sido así ya no quedaría nada de ella pero, al revés, la gente la respeta.

Todo esto es porque venimos un poco heridas de la primera intervención que hicimos. Duró unas pocas horas. Era una obra en un parque y unos chavalillos adolescentes la arrancaron toda. Era un encolado de una frase alrededor del parque. La volvimos a encolar toda y nos la volvieron a arrancar. Los riesgos de trabajar en la calle pero aprendimos que habíamos invadido su espacio de juego. Fue una lección. Aunque luego nos ayudaron a pegarlas.

Imagen cortesía La Colectiva Invisible

Imagen cortesía La Colectiva Invisible

Y, en adelante… ¿Seguís pensando otros proyectos?

Nos vamos reuniendo, cohesionándonos. Vamos viendo a cada una qué le interesa. En este año hemos encontrado un espacio común. Un espacio que compartimos y nos interesa. Sentirnos bien es muy importante. Lo siguiente suponemos que surgirá como una deriva. Las convocatorias son buenas para pensar en un contexto y en un formato y a partir de ahí pues ver si encaja algo. Vamos trabajando así como si nos fueran llegando estímulos o sugerencias para estar en un contexto. Intramurs es un contexto que representa a todo un grupo artístico que está aquí. El futuro es incierto. Pero hay ganas. La última acción nos puso las pilas.

No hemos comentado que el mural está compuesta por 300 papeles. Es muy importante porque trabajamos con presupuesto cero. Podíamos partir de hacer esta obra enviando la fotografía a un sitio y gastarnos 600 € o hacerlo de una manera muy artesanal. Es un mosaico de DIN A3, con impresiones desiguales.

También es verdad que la misma imagen pero superperfecta te coloca en otro espacio simbólico, ¿no?

Sí, una producción costosa tiene unas implicaciones totalmente distintas. Además, cuando trabajas en la calle siempre está ese margen de error en el que tú interactúas con el soporte y el contexto. Se te ha olvidado algo en el taller y tienes que improvisar.

Yo quiero una camiseta. 

-Y acabamos riéndonos porque tampoco lo habían pensado.-

La Colectiva Invisible. Foto: Patricia García Carbonell

La Colectiva Invisible. Foto: Patricia García Carbonell

Este mes de octubre, tras siete años en silencio, el Comité Invisible ha sacado un nuevo texto titulado À nos amis. Este librillo es un manifiesto para la revolución de hoy que, tras las ocupaciones de las plazas en el mundo, dibuja un horizonte atravesado por el placer de la fraternidad y el encuentro.

¿Otra casualidad? No, es pura armonía, pensamiento y sincronía.

 

Líneas Inesperadas, por Eva Caro.

 

Música soul en Valencia

Actuación Hannah Williams & The Tastemakers + The Kojaks
La Rambleta
Espacio: La Cambra
13 de noviembre a las 21 h.

Con motivo del ciclo Fly Me to the Roof, Espai La Rambleta nos ofrece la oportunidad de ver en directo el nuevo talento del soul & funk. Una ocasión única.

Desde Londres viene la poderosa voz de Hannah Williams, también conocida como «Deep Soul’s Funkiest New Diva», junto a The Tastemakers (James Graham al piano; Adam Holgate a la guitarra; Flash Wildcard al bajo; Baby Jaisus en la batería; Sabrina De Mitri al saxo y Rolling Changeworthy a la trompeta).

Hannah Williams & The Tastemakers se han ganado una sólida reputación en la escena club de toda Inglaterra, con sus interminables giras por Francia, Italia, España, Alemania y Grecia. Compartiendo escenario con estrellas como Sharon Jones & Charles Bradley y Afrika Bambaataa & The Sugar Hill Gang.

Grabaron su primer LP “A Hill Of Feathers» para el prestigioso sello italiano Record Kicks, que podemos escuchar en iTunes o Spotify. También presentarán los nuevos temas que podremos escuchar en el próximo álbum.

Para artistas reconocidos como Sharon Jones, Hannah Williams is blessed.  Dubbe.blogspot sin duda afirma que Etta James y James Brown estarían orgullosos. Sin duda, una oportunidad inédita de escucharles, pues es la primera vez que traen su música a Valencia, y esperamos que no sea la última.

Hannah Williams & The Tastemakers[1]

Hannah Williams. Imagen cortesía Heart of Gold Productions.

Los artistas londinenses no se quedan solos en el escenario. Les acompañan una de las bandas más cañeras del panorama musical valenciano: The Kojaks. Con un estilo muy personal, corre el funk por las venas de estos músicos.

Su primer LP «First Morsel» salió el 27 de septiembre de este mismo año bajo el sello Rock CD, y desde entonces no han parado. Sus temas van acompañados de grandes dosis de buen groove y podemos escucharlos en varias plataformas digitales como Spotify, iTunes, Google Music

The Kojaks ha actuado en numerosas ocasiones. Durante el 2013 y 2014 colaboró todos los martes como banda oficial del programa nocturno de M80 Radio, La noche es para mí, presentado por Miguel Coll.

The Kojaks son: la voz de Amparo Ballester; Alberto Lorenzo al bajo; Mateo Albelda a la batería; Juan Salvador como guitarrista; Pablo Pérez saxofonista; Pablo González al piano y teclados; y Juanjo de la Cuesta percusionista.

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

Fascinados por el buen gancho que tienen sus canciones, nos reunimos con ellos para hablar de la actuación de este jueves. «En nuestra corta trayectoria ya hemos compartido cartel con grupos de música negra reconocidos a nivel nacional,  pero en cuanto viene alguien de fuera es una oportunidad magnífica para poder aprender de gente con más experiencia, y siempre ilusiona mogollón abrir para un grupo grande como son Hannah Williams y los Tastemakers»- nos responde Juan Salvador, guitarrista de The Kojaks.

«Estamos un poco nerviosos, porque vamos a tocar delante de un grupo que es muy grande, delante de una gran voz, e impresiona bastante. Pero ojalá podamos compartir escenario con muchos otros grupos nacionales e internacionales«- cuenta la voz del grupo, Amparo Ballester.

Conforme avanza la conversación, les preguntamos por el estilo de Hannah Williams & The Tastemakers respecto al suyo propio: «Ellos hacen un estilo más puro, más roots, nosotros lo mezclamos con alguna influencia más cañera como puede ser el rock o el funk.»

The Kojaks. Portada "First Morsel".

The Kojaks. Portada «First Morsel».

Con su primer LP recién salido del horno, aprovechamos para preguntarles cómo lo han vivido. Juan nos responde: «Ha sido un curro inmenso y ha sido la primera vez que hacíamos este tipo de trabajo, hemos sido principiantes y ha habido muchos momentos de tensión y de esfuerzo puestos en un proyecto como es el de tener un disco, que hace tanta ilusión. Nos ha hecho crecer como grupo.»

Además, cuentan emocionados la alegría que sienten al ver sus canciones en plataformas digitales junto a los artistas que han escuchado siempre. «Es algo nuevo y produce una felicidad absoluta cuando la gente escucha el disco y te envía mensajes de enhorabuena. Incluso nos han llegado a decir cuál es su canción favorita para ir a correr. Es un placer compartir la música de esta manera y ha sido un proyecto muy satisfactorio» añade Amparo.

La siguiente pregunta fue clara: ¿Cuáles son vuestras metas? «Nuestro objetivo: Wembley (entre risas). Y que se acaben las entradas, ese es el objetivo de los Kojaks. ¿Que podamos tirarnos 25 años intentándolo? No nos cabe la menor duda, pero hay que soñar alto y tener grandes metas. Tenemos los pies en el suelo y no vamos a dejar de currar.» nos dice Juan. «Entregarnos al público y sentir el calor es lo que más nos mueve. En el escenario es donde nosotros nos sentimos llenos.» Y así lo transmitiréis al público el jueves.

Pero The Kojaks no son solo los músicos, nos dice Amparo: «Sino toda la gente que nos presta su talento para hacer una buena imagen, unos buenos vídeos, unas buenas fotos, todo lo que pueda ayudar a nuestro grupo y seguir adelante. El mundo de la música es un trabajo de hormiguitas que se construye poco a poco.»

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

El panorama musical valenciano, en concreto el estilo de música soul, presenta grandes dificultades, así nos lo cuenta el guitarrista de los Kojaks: «A pesar de que haya grupos que son verdaderos talentos musicales, aquí en la Comunidad Valenciana el intentar dar una oferta cultural amplia es a partir de condiciones precarias y muchas veces incluso de falta de respeto a los músicos.»

«Todos los pequeños objetivos que nos hemos ido proponiendo los hemos cumplido pero por nuestra perseverancia y por nuestro trabajo, no porque existan unas facilidades que se nos ofrezcan en nuestro entorno cultural y musical» nos dice Amparo.

The Kojaks es una voz de las muchas que existen en el ámbito de la música valenciana. La autogestión es su forma de trabajo, junto a la suerte que puedan recibir y el apoyo del público interesado en conocer el trabajo de estos artistas emergentes.  Ellos lo tienen claro: «Seguiremos luchando en el ruedo».

 

Patricia García Carbonell

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

The Kojaks. Foto: Miguel Valls de Avant Producciones.

 

Líneas inesperadas. No estem sols

No estem sols
Conversa amb Pere Joan Ventura
Aquesta conversa va tindre lloc a Barcelona a finals del mes de setembre.

 

Estàs, ara mateix, fent una nova pel·lícula titulada: No estem sols. Com comences en aquest projecte?

Jo he treballat molt, en moltes manifestacions des de la època del franquisme. A finals dels anys seixanta teníem un grup militant que fèiem filmacions i les passàvem a televisions estrangeres. Sempre he estat, des d’una perspectiva d’esquerra, treballant bastant sobre la imatge i la informació. A part que professionalment treballava per TVE.

Has treballat sempre a TVE o en algun moment tallareu palletes?

No, no, jo no la vaig deixar exceptuant d’una època. Hi he treballat trenta anys. Estava com a reporter. Aleshores veient tot el que estava passant els darrers anys vaig començar a veure com va aparèixer la PAH. Em va cridar ja molt l’atenció…

Després, a mesura que vas profunditzant, i vas coneixent altres moviments veus que hi ha un país que està en ebullició i que d’alguna manera recorda una mica abans de la Transició. En l’època que les associacions de veïns jugaven un paper important.

Varen ser cobertura de sindicats i de partits polítics, no?

Sí. I també, l’aparició del 15M. Sembla que hi torna a haver esperança que les coses puguin canviar. I així va eixir la idea. La pel·lícula vol ser un reflex d’això; de l’activisme. De l’activisme amb alegria, amb sentit de l’honor i l’activisme més creatiu.

No sabia que tenia eixe vessant creatiu. Tu, has mirat diferents ciutats en conflicte?

Jo visc a Madrid i també continuo mantenint residència a Catalunya. Aleshores, estic fonamentalment entre Madrid i Barcelona. Aquesta circumstància em va fer veure que hi ha diferents maneres. Així, la pel·lícula està rodada a Madrid, Barcelona, Sevilla, València; on he rodat al Cabanyal. Després, hem rodat a Gijón amb Les Comadres que van muntar El tren de la Llibertat contra la llei de l’avortament, etc.

I, el Gamonal, el pensares?

No, perquè quan va ser lo del Gamonal estàvem amb altres coses i perquè el Gamonal tenia un altre caràcter. Bé, també és un esclat de la gent però va coincidir amb un moment que no…I també açò és una producció limitada!!

Aleshores, tu acabes tenint una imatge un poquet més global des de diferents ciutats, no?  Quins són els eixos, els vectors d’aquests esclats? Creus que hi han trets generals que podrien estar en comú des d’aquesta experiència?

Sí, hi ha molts punts en comú i és difícil. Es va lligant tot, encara que no ho sembli… El títol ja ho diu: No estem sols. Hi ha elements de la lluita del Cabanyal que te’ls trobes a un barri de Madrid, o que te’ls trobes a Barcelona. I dius: Si tot açò s’ajuntés!

La cosa també bé arran de conèixer l’Institut Cartogràfic de la Revolta. És una iniciativa de la Itziar González Virós[1], arquitecta de Barcelona. Ella va començar, amb altres companys, un estudi de l’activisme a Barcelona. Aleshores, cartografiant el territori, les ciutats i anant marcant l’activisme que podia haver a qualsevol zona. Varen fer un codi de colors amb punts. Així, l’activisme de la PAH era de color verd, l’ensenyament era d’un altre color i anaven per punts col·locats en els mapes.

Aleshores, amb una imatge, te’n fas una idea global. Jo, ho vaig veure en una exposició. Vaig veure una maqueta de Catalunya, amb tots els punts. Visualment, em va deixar impressionat. Per quina raó? Perquè de cop dius: “Però quanta moguda que hi ha!! Però, quanta gent que som!! Quanta gent que s’està preocupant!! Quants activismes amb la cultura, amb l’ensenyament, amb la sanitat!!”

Et quedes fent els teus conters. Jo suposo que des del poder el que s’intenta és fer-nos pensar que estem sols, que tot el camí és la individualitat i la realitat és una altra.

Aleshores, a mi em va interpel·lar perquè en totes les coses que he fet he intentat ser una mena d’altaveu de les coses que es mouen, de la gent que no té accés als mitjans de comunicació, etc. I em va semblar que l’actiu més important era ensenyar aquestes coses però des d’aquesta part imaginativa, com podia ser La Solfónica. La coneixes La Solfónica?

Sí, una molt amiga meua està a La Solfónica. Sí, l’Estrella.

Bé, doncs La Solfónica va ser quan vaig conéixer el fet aquest d’utilitzar la música per fer agitació. Em va semblar molt interessant. Igual que FLO 6×8

Sí, que també els conec… Són Cuerpo contra el Capital.

I bé, coneixia una mica la lluita del Cabanyal i li donava un punt diferent. Era una lluita que venia de lluny i ara són més de setze anys resistint. I, també la forma en què lluiten generava llibres, generava teatre, generava pintura. I em sembla un camí molt viable i molt constructiu.

Quan arribes al Cabanyal, t’interessa més per aquest vessant més cultural, més positiva? O, tal volta pel temps que duien lluitant?

Bé, una mica una suma de tot. I també m’interessa per la constància, els anys de lluitat,… d’avant d’un ajuntament de les característiques de l’ajuntament del PP; que em sembla terrorífic. I veure la tradició, l’existència d’un poble pescador. Una mica tot allò que han anat fent al Cabanyal d’ensenyar les cases. Tot això són elements molt interessants i que van molt més enllà de la lluita particular d’un lloc. Vull dir, la lluita del Cabanyal transcendeix moltes coses. I d’alguna manera es podria dir que s’està a l’avantguarda i que la lluita del Cabanyal és extensible a moltes problemàtiques als barris de les ciutats d’Espanya. És una referència que pot anar molt més enllà de l’estricta geografia del Cabanyal.

Jo pensava que aquesta manera de fer ha creat un laboratori social, cultural, de valors, de formes de vida que ja eren però aquesta reivindicació al llarg dels anys ha acabat fent un laboratori d’innovació. Perquè en llocs com el Gamonal, on hi ha manifestacions puntuals, on es posa el cos, però díhuit anys se sosté si no és per un vincle brutal, per un treball de fons. No?

Sense cap dubte és un laboratori com dius. És per això que anàrem a rodar a València. Perquè hi havia elements com aquesta forta tendència imaginativa. També estiguérem en contacte amb altres iniciatives a València com podien ser aquests recorreguts turístics que es diuen La ruta del despilfarro. Però finalment em vaig decantar pel Cabanyal per una qüestió més estètica.

I cal dir que després de passar uns dies al Cabanyal ja m’hi hagués quedat!

Per quina raó?

Em vaig sentir molt bé i encara es notava aquesta cosa viva de poble, amb el mar aquí al costat. Vaig tenir fins un poc d’enveja de la gent del Cabanyal.

Però cal resistir a tota la degradació en què has de viure perquè s’ha posat tota la maquinària administrativa d’un ajuntament en contra d’un veïnat. Perquè, per exemple, l’Ajuntament va decidir no netejar els carrers i no neteja en una dimissió completa de les seues obligacions i responsabilitats…

A mi em va cridar molt l’atenció els llocs que ja enderrocava l’Ajuntament i que després pintava amb les ratlles aquelles volent marcar terreny. Em va semblar d’un gràfic total!

Ara tu estàs muntant la peli. La veritat és que no sé com treballes. Tens clar per on vols anar?

Jo no ho tinc clar fins al final, quan l’has acabada. I, després, sempre amb una pel·lícula quan treballes sobre la realitat, després arribes a la conclusió que s’ha quedat molt més afora que endins. I dius que és molt més interessant tot el que no has posat que el que has posat. Del que has posat evidentment has fet una selecció. Has fet una opció. Però se’n queden fora. I després hi ha coses que no depenen de tu, que passen! I a vegades tens la capacitat d’agafar-les i altres vegades no. Aquí el guió, per dir-lo d’alguna manera, es confecciona a la sala de muntatge. A vegades fas una escaleta, fas un projecte i després la mateixa realitat ja se te’n cuida de canviar-t’ho i fer-ho d’una altra manera, amb molta més riquesa.

La veritat és que el meu interés és parlar amb gent que està al mig del procés creatiu. No quan ja està acabat tot. És a dir, quan està amb el material i que dius: «Jo tenia una idea, en acabant, he passat per totes les ciutats i ara estic muntant o pensant encara com ho mescle». Perquè de la idea inicial, bé, açò no és una tesi i una antítesi. Pot fluir molt diferent no?

Sí, bé, la diversitat de coses doncs també és un perill. I enfilar-les; saber treure-li el màxim profit, és complicat. I que puguis mantenir la tensió de l’espectador i donar a conèixer quantes més coses, també. És un treball que ara estem barallant.

Quant de temps vos queda per a la presentació?

Abans que acabi aquest any. Esperem, perquè les coses corren molt!

Sí, la velocitat que està agarrant açò fa que la informació es pot quedar vella. Tot el perfum que conté, que és molt potent, si te’n passes d’una setmana, a vegades, ja està acabada. Perquè cada vegada més hi ha un nivell d’informació involucrada que està més fortament imbricada amb la realitat. I si la realitat canvia prompte; o la informació és una percussió en el moment, o es converteix en document històric…

Sí, sí. A més això té variants perquè a vegades la realitat i la ficció tenen una frontera molt suau. A vegades això es pot traspassar; per via del temps. No sé. És el cas de Robert Capa quan li va fer la foto al milicià que mataren. Hi ha una pel·lícula dels anys vint que és “La malcasada”. És una barreja de ficció i realitat. En ella surten els personatges reals i hi ha tota una escenificació de la Guerra d’Àfrica feta amb soldats reals. No era una batalla de veritat però eren soldats reals que estaven en allà i seguia havent-hi un conflicte. I aleshores dius: “Però açò era realitat o no ho és?”. Se superposen i a vegades la frontera entre elles no és clara. Jo dic que l’intent meu és ficcionar la realitat. És intentar donar sentit cinematogràfic a coses reals però que per l’espectador sigui com si estigués veient una pel·lícula.

Frame de la pel.lícula Plou i fa sol

Frame de la pel.lícula Plou i fa sol

I ara per exemple pense en una imatge que m’agrada molt. Una imatge molt repetitiva a la teua pel·lícula “Plou i fa sol”. És quan baixes la càmera des d’un camp de coliflors i aquestes és fan molt grans, enormes. A la vegada veus com els avions van per la línia del cel com si foren de joguet. En aquest canvi de mida, per la perspectiva de càmera, em sembla una imatge. Saps quina et dic no?

Clar, és que la quantitat d’avions que passen és tremenda. I l’aeroport, les immobiliàries, les vies, les carreteres, cada vegada se’n van menjant més terreny. Intentava ser una mirada contemplativa. Allà no hi ha unes directrius sinó que poses unes coses i deixes que sigui l’espectador el que traguí les conclusions que vulguis.

Jo quan feia aquests plànols no pensava en això que dius tu. Els vaig posar primer perquè el plànol funcionava i després perquè passen molts avions. Volíem tenir una presència dels avions. Una cosa quasi arcaica, una cosa tradicional com és l’agricultura que s’està fent de la mateixa manera durant centenars d’anys. És evident que hi ha hagut millores. Hi ha màquines, tractors. Però, bé, s’ha de plantar. El temps segueix jugant un paper. Per exemple, una cosa que perseguia era la pluja.

I la tingueres?

Sí. Volia tindre una bona pluja perquè la pluja és determinant per la terra, com el sol. Aleshores, cada vegada que hi havia la possibilitat que plogués doncs anava amb la càmera per veure si la pescava. Perquè a més retratar la pluja és molt complicat!!

No ho sabia. I, per què?

Si ara aquí, per exemple, es posa a ploure i fem una foto la pluja no es veurà. Semblarà que no plou perquè per veure la pluja l’has d’il·luminar. Has de tenir contrallum perquè la càmera vegi la pluja i que surti. Aleshores, per fer una pluja que deu durar trenta o quaranta segons vàrem fer onze o dotze rodatges. Perquè a lo millor plou però resulta que la pluja aquella com que no té cap fons fosc al darrere ni de contrallum no es veu. Però bé hi ha coses que ja no depenen de tu. Hi ha coses que surten en el moment. Que sé jo! Una torre de tensió i després cents d’ocells que es posen en aquella torre. No és que tu l’hagis dirigit i vaguis a posar aquells ocells sinó que s’han posat ells i tu vas i aprofites l’oportunitat. L’atzar en aquestes coses juga un paper important.

I, tu creus que passen en aquesta pel·lícula? O, encara, no les has vistes? O en altres pel·lícules que hages fet?

Sí, han passat. Per exemple, un dia estaven fent una manifestació dels treballadors de Coca-Cola. Van arribar al centre de la ciutat; on estaven concentrats, a la Plaça Callao. Al mateix temps que arriba la Banda de la Policia Municipal de Madrid. Tenien previst fer un concert a la plaça a on els altres tenien previst fer una concentració. Aleshores, els de Coca-Cola van parlar amb els policies. Els hi van dir: “Tranquils, nosaltres serem uns espectadors més del concert”. I així va ser. Un concert que no hi havia quasi gent però estaven els treballadors de Coca-Cola escoltant el concert. Això jo no ho vaig planificar sinó que això va aparèixer. L’atzar és el que va jugar el paper important.

Aleshores, en aquesta nova peli quan vas a llocs amb conflicte. Entenent el conflicte com a problematització, d’anar a buscar allò que està invisibilitzat. Penses que l’atzar està més present? És més freqüent? Penses que l’atzar et dóna una matèria molt millor que allò que anaves a buscar?

Doncs sí, per exemple, un altre atzar que va ser amb els de Panrico i alguns de Coca-Cola que varen anar davant la seu de Comissions Obreres per protestar per l’actitud tèbia que tenien amb un conflicte de Panrico. I els van acompanyar alguns de Coca-Cola. Quan vàrem arribar davant del sindicat hi havia un camió de Coca-Cola que estava descarregant Coca-Cola en el sindicat. Quan des que havia començat la lluita hi havia un boicot a la Coca-Cola! I arribes en allà i et trobes amb això! L’atzar juga un paper important!

Des del punt de vista de la cultura, de la imatge i de la creació d’imatges, els medis de massa tenen molta força per fer imatges destructives d’un espai. Per exemple, la imatge del Cabanyal ha sigut un treball continuat de invisibilització i a la vegada d’imatges molt degradades. Creus que hi ha alguna manera de trencar amb aquestes forces?

Bé, això esclata cada dia! A Internet hi ha la resposta de tot açò. Evidentment, un dels murs que cal vèncer és el mur de la premsa oficial en concret de tots els diaris d’àmbit nacional. Perquè tots els diaris són dels bancs com les televisions. Per a nosaltres, si tu te’n vas a una mani, hi ha des del que està amb el seu mòbil, l’altra que va en una càmera. Fins i tot, dels que connecten directament i veus una noïa que ho està gravant i que ho està retransmetent en directe. Després hi ha aquestes emissores tant de ràdio com de televisió que són populars, com Vallecas o de diferents llocs. És tota una via alternativa que és la referència que hi ha ara. Vull dir que l’altra ja està perduda. Almenys fins que les coses no canvien.

En altra entrevista parlava en Guillem Martínez i comentava el mateix. Deia, el mateix que la premsa oficial no té paraules, no té llenguatge. Que funcionen amb les velles paraules. Les formes d’apropar-se a la realitat han canviat. Creus que en l’àmbit de les imatges és el mateix?

Evidentment, perquè no és el mateix ara que quan jo vaig començar. Adés anàvem en càmera de cine, tenies unes limitacions i era car. Ara hi ha una gran facilitat tecnològica. La facilitat de produir i de fer imatges. Amb un mòbil de res pots ja fer. Ja hi ha hagut coses que han servit i han ensorrat vells sistemes i mètodes.

Ara bé, el que està més difícil ara és la distribució. Ara tu pots fer un material. No sé, per exemple, quan vaig fer El efecto Iguazú[2]. És una pel·lícula que no s’ha passat en les televisions. Per què? Per Telefónica. Es va passar a Canal Sur. Es va fer un pase i cap televisió més l’ha passada i és una pel·lícula que està premiada pel Festival de Valladolid, que té un Goya, etc.

I és una pel·lícula que s’ha oblidat. Aquestes coses sí que passen. Vull dir que un pot fer un treball interessant i després se l’ha de menjar.

O, ara tens la via d’Internet i ja està!! De moment, El efecto Iguazú, està a Internet i això ho veuen uns quants, cada vegada més. Això té una transcendència importantíssima. No?

Has pensat en el copyleft?

Bé, la pel·lícula, una vegada estigui feta que cadascú agafi el que cregui que l’interessa i vulgui. Encara que la nostra intenció és estrenar-la en cine. Que s’òbriguen totes les vies possibles. Sempre hi ha hagut una possibilitat de distribució paral·lela amb més o menys incidència. Nosaltres aquí a Catalunya en l’any vàrem fer unes grans manifestacions que varen desbordar la policia l’1 de febrer de 1976. La gent dels barris va aparèixer a la ciutat. Nosaltres això o vàrem gravar i no més amb dos o tres mesos es varen fer cents de pases, a les universitats, a les associacions de veïns i a discoteques. Vàrem tenir una demanda tremenda. Ara les possibilitats són encara moltes més. Ara pots a casa teva, pots entrar a internet i ho veus. És tota una altra dimensió.

Líneas Inesperadas

Eva Caro


[1] Itziar González Virós, va acceptar en 2007 ser regidora del barri Ciutat Vella de Barcelona com a independent i a proposta de la llista del PSC encapçalada per Jordi Hereu. Va dimitir com a edil a l’abril de 2010 després de ser amenaçada i per múltiples desacords amb el govern socialista. L’última gota va ser la llicència hotelera del solar annex al Palau. Per ampliar informació pot consultar-se l’entrevista en http://www.elperiodico.com/es/noticias/dominical/itziar-gonzalez-3117332

[2] El efecto Iguazú és un documental realitzat amb la col·laboració de tots els treballadors de Sintel en el Campamento de la Esperanza. Aquest campament va ser aixecat en l’avinguda de la Castellana, en ple centre econòmic de Madrid, com a protesta davant l’acomiadament d’1.800 treballadors després de la venda de l’empresa, la falta d’interlocutors, i la nul·la resposta del govern. La películ.la va aconseguir  el Premi a la millor pel·lícula documental en la XVII edició dels Premis Goya.

Ver visiones: El presente reinterpretado

VER VISIONES. Reinterpretando el presente
Centro del Carmen
C/Museu, 2. Valencia
Inauguración: 16 de mayo a las 20:00 h.
Hasta el 13 de julio de 2014

VER VISIONES. Reinterpretando el presente es un proyecto comisariado por Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont.

Ángel Masip ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Ángel Masip («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

La exposición que acoge el Centro del Carmen de Valencia hasta el 13 de julio y que se inaugura en el marco del Día Internacional de los Museos, es una nueva colaboración entre LaVac y Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana.

Ángel Masip ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Ángel Masip («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Tras la selección de 21 artistas, representados por las galerías integrantes de LaVac, y la invi¬tación a 10 críticos de arte de la Comunitat Valenciana, se realiza un recorrido que rein¬terpreta el presente a través de un diálogo simbólico entre las obras de los artistas y algunos ítems destacados del último barómetro de opinión del CIS.

Carmen Calvo ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Carmen Calvo («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Según los comisarios, Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont: “La intención de Ver visiones es generar un recorrido que, por sí mismo, construya un relato dentro del espacio del Centre del Carme, de importantes connotaciones históricas y gran presencia arquitectónica. Los artistas se han agrupado en nueve parejas, ocupando la Sala Goerlich y los ocho espacios a ambos lados de la Sala Ferreres, y en un grupo de tres a lo largo del pasillo de esta última. A su vez, cada uno de estos emparejamientos se ha vinculado con uno o varios de los asuntos estudiados en la encuesta más reciente del CIS, generando una doble relación: la de los artistas entre sí, cuyas vinculaciones responden a criterios tanto de cercanía como de disparidad, y la de éstos con el tema seleccionado de la encuesta sociológica. El círculo se cierra con los textos realizados por diez críticos que vin¬culan, desde su posición subjetiva, cada uno de los grupos de artistas y sus temas asociados.

Darío Villalba ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Darío Villalba («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Darío Villalba ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Darío Villalba («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Por todos estos motivos, la narración resultante de esta selección de obras –y así pues su recorrido– no responde a los criterios pre-establecidos de planteamiento, nudo y desen¬lace, por continuar con la metáfora literaria, sino que más bien su discurso se construye con pequeños relatos independientes (o incluso composiciones poéticas) que, puestos en común y en escena, conviven y generan, a su vez, nuevas relaciones espaciales e inespera¬das convivencias narrativas. Desde su genealogía, el proyecto ha propuesto como princi¬pal argumento la pretensión de generar “visiones”, en el sentido de facilitar la imaginación de nuevos escenarios posibles entre el arte, la sociedad y la política. Una posible versión de estas visiones se ofrece aquí, propiciando un encuentro con el público y deseando que sean ellos quienes las concluyan.”

Javier Palacios ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Javier Palacios («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Javier Palacios ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Javier Palacios («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Artistas:
Art al Quadrat (Collblanc)
Pilar Beltrán (Cànem)
Bimotor (Aural)
Carmen Calvo (Benlliure)
Jorge Carla (Cuatro)
Equipo Realidad (Punto)
Bartolomé Ferrando (Galería del Palau)
Josep Ginestar (Isabel Bilbao)
Damià Jordà (Misterpink)
Lucebert (Rosalía Sender)
Oswaldo Maciá (Espaivisor)
Hugo Martínez Tormo (Kessler Battaglia)
Ángel Masip (Parking Gallery)
Miaz Brothers (Paz y Comedias)
Roberto Mollá (Trentatrés Gallery)
Javier Palacios (Espai Tactel)
El Roto (Alba Cabrera)
Amparo Tormo (Galería Thema)
Lukas Ulmi (Set espai d’Art)
Darío Villalba (Luís Adelantado)
Enrique Zabala (Rosa Santos)

Críticos:
David Arlandis, Alba Braza, Johanna Caplliure, Maite Ibáñez, José luis Giner, José Luis Martínez Meseguer, Ricard Silvestre, Pilar Tébar, Salva Torres, Rosa Ulpiano.

Equipo Realidad ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Equipo Realidad («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Galerías asociadas a LaVac:
Luis Adelantado, Aural, Benlliure, Isabel Bilbao, Alba Cabrera, Cànem, Collblanc, Cuatro, Kessler Battaglia, Mister Pink, Del Palau, Parking Gallery, Paz y Comedias, Punto, Rosa¬lía Sender, Rosa Santos, Set Espai d’art, Espai Tactel, Thema, Trentatrés, Espai Visor.

Equipo Realidad ("Ver visiones. Reinterpretando el presente"). Imagen cortesía de La VAC.

Equipo Realidad («Ver visiones. Reinterpretando el presente»). Imagen cortesía de La VAC.

Lee el texto de los comisarios. Pincha aquí.

Hell’O Monsters: Cover History

Hell’O Monsters: Cover History
Espai Tactel
C/ Dénia, 25-B. Valencia
Inauguración: 2 de mayo a las 20 h.
Hasta el 13 de junio de 2014

En las nuevas obras del colectivo belga Hell’O Monsters, personajes zoomorfos han evolucionado de los ejemplos tomados de El jardín de las delicias de El Bosco, la anterior y primera exposición en Espai Tactel, a seres donde esta presencia híbrida se antoja una mascarada y una actitud continuada. La necesidad de ser otros es un argumento que todos hemos hecho propio. La cuestión sería desvelar si esa necesidad no es, en definitiva, el único modo de ser nosotros mismos. En unas palabras que el filósofo Miguel Morey tomó prestadas de Michel Foucault indicaba: “(…) mostrar las determinaciones históricas de lo que somos es mostrar lo que hay que hacer. Porque somos más libres de lo que creemos, y no porque estemos menos determinados, sino porque hay muchas cosas con las que aún podemos romper –para hacer de la libertad un problema estratégico, para crear libertad. Para librarnos de nosotros mismos.” (Miguel Morey, “La cuestión del método”, Introducción al conjunto de textos titulado Tecnologías del yo, Michel Foucault, Barcelona, Paidós, 1990, p. 44.)

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

El colectivo, formado por Jérôme Meynen, François Dieltiens y Antoine Detaille, profundiza en sus intereses formales y conceptuales vinculados a la relación entre arte y artesanía, por un lado, y a la innegable dependencia del ser humano y cualquier ser vivo con el medio natural transformado y construido. La naturaleza y la construcción de un relato que la domestique y, posteriormente, la transforme. La capacidad de “librarnos de nosotros mismos”, como indicaba el profesor Morey, es una auténtica liberación de sí, es un poder no ser uno/a mismo/a y, de esta forma, ser otros. La composición de Hell’O Monsters en tanto que colectivo, dispone en bandeja la disolución del yo artista en tanto que figura unívoca e individual, la posibilidad de ser más de uno y de que el resultado obtenido no corresponda exactamente a ninguno de ellos, sino más bien a la suma de sus partes diferenciadas que adquiere, al mismo tiempo, una coherencia estilística inusitada.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

La dicotomía arte/artesanía no pretende revivir las ascuas de una rivalidad entre idea, actitud y técnica, como si aún pudiera defenderse lo uno sin lo otro o influyera en su lectura final hacerlo, sino que de lo que se trata aquí es de la utilización del saber hacer como herramienta principal de la obra artística. Ésta funciona de manera concisa y transparente precisamente por su ejecución técnica y deriva de la práctica del graffiti del propio grupo de artistas. Las obras se entremezclan en el espacio con elementos dibujados y pintados en los muros de las salas donde exponen, como una lectura amplificada del espacio y de su obra. Por un lado, las paredes se plantean como soporte donde incidir con dibujos, objetos, pinturas que repercuten en los propios dibujos enmarcados, en las pinturas realizadas sobre soportes exentos. Y las obras, a su vez, se integran en los muros con la normalidad con que vemos, por ejemplo, la coexistencia de arquitectura y graffiti en el espacio público. Esta combinación de factores, donde quedan desdibujados los límites, así como las funciones primigenias de las obras y su soporte mural, es lo que hace consistente el trabajo de los belgas y el motivo por el que sea interpretado como algo más que ilustración de unas ideas previas.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Cover History plantea algunas ideas al respecto de las apariencias y lo que subyace por debajo. En la exposición de hace ahora dos años, Two sticks and a cross are easily confused (Es fácil confundir dos palos con una cruz) el título remitía directamente a la importancia de la simbología en la pintura integrada dentro de la historia del arte, pero también al hecho fortuito y casual que se genera por el imaginario colectivo, en relación directa con la ideología y la religión. También el juego de palabras y el intercambio de símbolos construía la ironía. En este caso, la polisemia del título Cover History puede dirigirse al hecho mismo de encubrir alguna cosa, la Historia, al igual que refiere la mascarada que supone emplear una u otra máscara para determinadas situaciones personales, sociales o políticas. Elementos todos ellos similares entre sí, pero claramente diferenciados.

Álvaro de los Ángeles

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Paco y Manolo: Guest List

Guest List de Paco y Manolo
Galería Espai Tactel
C/ Denia, 25 B. Valencia
Hasta el 26 de abril de 2014

“En junio de 2006 se editó por primera vez Kink. 64 páginas llenas de fotografías de amigos que habían recopilado a lo largo de los años, casi todas en blanco y negro. Unos meses después, cuando estaban a punto de editar el segundo número de la revista, conocieron a Bruce Labruce. Llevaban un ejemplar del primer Kink para él. Nada mas dárselo les dijo que quería que publicasen algunas fotos suyas. Ese mismo día fueron al Festival de Cine Erótico de Barcelona, donde Bruce Labruce tenía una exposición. Allí conocieron a Luis Garcia Berlanga y a Rocco Sifreddi. Unas horas más tarde, Juan Redón les invitó a todos a cenar. Quedaron que les enviarían las fotos. Cuando salió el tercer Kink, con su trabajo publicado, otros artistas empezaron a enviarles material. Recuerdan la emoción de recibir los mails de Slava Mogutin, de la fundación de Bob Mizer, de Thomas Dozol, de Gary Lee Boas…”

Slava Mogutin. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Slava Mogutin. Imagen cortesía de Espai Tactel.

En la muestra expositiva Guest List se recopilan trabajos en Polaroid de algunos de los fotógrafos partícipes en Kink, reunidos en Cuaderno un nuevo proyecto de Kink. Un proyecto que contará con la colaboración de artistas que utilizan la fotografía, la pintura, escultura, entre ellos hay ilustradores y escritores. Artistas como Benjamin Fredrickson, Brandon Herman, Daniel Trese, Dean Sameshima, Itai Doron, Josh McNey, Paco y Manolo, Richard Sawdon-Smith, Ryan Pfluger, Slava Mogutin y Sito Mújica.

Portada de "Cuaderno". Imagen cortesía de Espai Tactel.

Portada de «Cuaderno». Imagen cortesía de Espai Tactel.

Dean Sameshima. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Dean Sameshima. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Itai Doron. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Itai Doron. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Richard Sawdon-Smith. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Richard Sawdon-Smith. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Paco y Manolo (Francisco Moyano, 1967 y Manuel Rodríguez, 1968) son los comisarios de esta exposición, ambos nacieron, viven y trabajan en Barcelona. Son licenciados en imagen por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Sus primeras fotografías se centraron principalmente en el retrato. Muestra de ello son sus trabajos para diferentes revistas y periódicos como aB, La Luna de El Mundo, Neo2, Rock de Lux, Marie Claire, Metal, Tentaciones… En el año 2004 presentan “Common People” en Iguapop Gallery, una serie de desnudos de gente anónima. A partir de ese momento, y progresivamente, dejan de lado su trabajo para publicaciones y se centran en proyectos más personales, como “Memento Mori” o “Forgotten Dreams”. Desde entonces su trabajo tiene el desnudo como base, y gira sobre temas como el paso del tiempo, la pérdida o las relaciones del hombre con su entorno. Desde el año 2006 crean Kink Ediciones, una editorial dónde publican Kink, la revista dedicada al desnudo masculino que, además de en nuestro país, se distribuye en lugares como Alemania, Francia, Inglaterra, Australia o EEUU.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Interior de Kink. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Imagen portada de Kink #20. Cortesía de Espai Tactel.

Imagen portada de Kink #20. Cortesía de Espai Tactel.

Anna Moreno: The Barnum Effect

Anna Moreno: The Barnum Effect
Fundación Chirivella Soriano
Sala d’arcs
C/ Valeriola, 13. Valencia
Inauguración: 4 de abril a las 20:00 h.
Hasta el 7 de Septiembre de 2014

El proyecto The Barnum Effect parte del libro titulado The Art of Money Getting o Golden Rules for Making Money, publicado por el economista y showbusiness Phineas Taylor Barnum en 1880 en el que revelaba las veinte reglas de oro para hacerse rico. Una especie de guía que el ciudadano debe de seguir si desea alcanzar éxito económico.

El “efecto Barnum” consiste en un fenómeno sociológico, una especie de test de personalidad, en el que los receptores aceptan y hacen suyo el mensaje gracias al poder imperativo del texto. Los individuos consideran como fidedignas las descripciones de su personalidad que, supuestamente, han sido construidas para ellos. Aunque en realidad son frases generales e imprecisas que podrían aplicarse a una amplia variedad de personas.

Anna Moreno, detalle de la pieza "Don’t Get Above Your Business" (Póster y caja de luz). Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Anna Moreno, detalle de la pieza «Don’t Get Above Your Business» (Póster y caja de luz). Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.

Anna Moreno traslada esas frases de Barnum al contexto artístico, provocando una sensación de desconcierto en el público. Sobre todo porque se produce un cambio de contexto del económico a uno artístico, cuestionando el rol del artista en la sociedad, su actividades inmaterial y su incursión en la cadena socioeconómica.

La artista quiere poner a prueba al público y ver qué predisposición tiene frente a lo que allí se dice y cómo se dice.

Para la muestra se han seleccionado dos piezas que forman parte del proyecto “The Barnum Effect” Don’t above your business y Let Hope Predonimante But Be Not Too Visionary, basadas respectivamente en dos capítulos del libro antes citado.

El proyecto está comisariado por José Luis Giner Borrull.

Anna Moreno (Sant Feliu del Llobregat, Barcelona 1984) es licenciada en Bellas Artes y MA en Producciones Artísticas e Investigación en la Universitat de Barcelona. Actualmente trabaja entre Barcelona y la Haya. Entre sus exposiciones individuales destaca: The Barnun Effect en a NauEstruch de Sabadell o Learn Something Useful en bb15 Raum für Gegenwarstkunstz de Linz. Como performer destaca su participación en BINK36 o Stroom den Haag ambos en La Haya, El Graner en Barcelona o NauEstruch en Sabadell. Cabe destacar su proyecto Radical Colofon con el que ha intervenido en el Simposio “Visual Activism” del SFMOMA de San Francisco (EEUU). Su obra ha formado parte en diferentes exposiciones colectivas como Lo que ha de venir ya ha llegado en el CAAC de Sevilla, ¿Qué hay de nuevo, viejo? en el Centre Can Felipa de Barcelona, The Inner Perimeter en el Instituto Francés de Barcelona o Ouverture IV en la Sala d’Art Jove de Barcelona, entre otras. Ha sido seleccionada como artista residente en Seoul ArtSpaceGeumcheon de Seúl (Coreo del Sur), en Altelierhaus Salzamt de Linz (Austria), en la Cittadellarte Fundazione Pistolleto de Biella (Italia) con una beca de Hangar o en la fábrica de creación Fabra&Coats de Barcelona. Recientemente ha recibido el Premio Generaciones 2014 por la Fundación Caja Madrid.

Anna Moreno, detalle de la pieza

Anna Moreno, detalle de la pieza «Let Hope Predominate, But Be Not Too Visionary»
(Instalación: fotografía y pancarta). Imagen cortesía de la Fundación Chirivella Soriano.