“El miedo está pasando, las galerías venden”

Entrevista a Carlos Urroz, director de ARCOmadrid 2014

¿Cuál es el balance de la última edición de ARCO en cuanto a número de visitantes, participación y venta?

El balance de ARCOmadrid 2014 es positivo. Según la valoración generalizada de las galerías, se han registrado mejores resultados que en los últimos años. El número de visitantes ha sido de 100.000 personas, con un crecimiento en el número de entradas vendidas los días de público. En relación a las ventas, es un dato que las galerías no facilitan, de manera que no puedo dar cifras concretas.

Las galerías valencianas volvieron satisfechas con las ventas, pero discrepaban en la valoración. Para unas, ha sido un ARCO más tradicional, más sólido, mientras para otras, han faltado propuestas arriesgadas. ¿Cuál es su valoración a este respecto?

Posiblemente en épocas de crisis las galerías tienden a arriesgar menos y se apuesta sobre seguro. En cualquier caso creo que lo verdaderamente importante e interesante es ofrecer piezas de calidad.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA

¿Ha ayudado la bajada del IVA al repunte del sector del arte o, como han dicho algunos galeristas, la supuesta bajada ha creado más confusión que beneficio real?

La bajada al 10% del IVA ha favorecido. Fue una noticia antes de la feria muy positiva. Dicho esto, lo ideal sería que las galerías se considerasen no sólo como revendedores, sino como lugares de cultura, y tuvieran un IVA reducido igual que los artistas.

Los cantos de sirena de la crisis, ¿son ciertos? ¿Se ha empezado a notar en ARCO cierto despegue de la economía?

Sí. Desde luego en ARCO se ha desarrollado una importante actividad profesional  y comercial dentro de un escenario de  optimismo y recuperación. El miedo que existía se está pasando y las galerías han empezado a vender.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

¿Hay un arquetipo de comprador en ARCO? ¿Se puede hablar de una cierta procedencia?

Como ya saben, desde ARCOmadrid invitamos a 250 coleccionistas de todo el mundo, pero hay que destacar igualmente que los coleccionistas españoles se están también reactivando.

Usted ha llegado a decir que ARCO es un lugar donde coleccionistas, comisarios y directores de museos pueden descubrir artistas. ¿Ha habido algún descubrimiento este año?

ARCOmadrid es una feria de descubrimiento donde los coleccionistas, comisarios y directores de museos que van a muchas ferias vienen aquí a descubrir algo nuevo. La idea de los solo shows y los duos ha hecho muy visible a los artistas y estoy seguro de que habrán profundizado en la obra de determinados artistas expuestos.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

Hay quien ha criticado el gasto excesivo de ARCO a la hora de traer coleccionistas. Se hablaba de un millón. ¿Es correcta la cifra? ¿Le parece un pilar fundamental de ARCO la atracción del coleccionismo?

Sin duda. De hecho es la acción mejor valorada por los galeristas.

Opening, Solo Project, Solo/Duo, ¿Qué tal han funcionado?

Muy bien. Cada programa tiene su identidad y creo que los comisarios de Opening y Solo Projects han hecho una buena selección de galerías y proyectos. En la próxima edición mantendremos los programas.

¿Ha despertado la expectación que esperaban las propuestas del país invitado, Finlandia? ¿Cuál ha sido en este sentido la mayor sorpresa?

#FocusFinland ha sido uno de los atractivos de la feria. Creo que su participación ha dejado patente la rica escena artística del país y su dinamismo.

Hay quienes como Eduardo Arroyo la tienen tomada con ARCO, de la que ha dicho que es una feria cursi. ¿Es una impostura u obedece a cuestiones más profundas? 

Cada uno debe hacer la observación que considere. En cualquier caso, en la misma entrevista el artista reconoce la utilidad y el interés de las ferias.

¿Se puede avanzar algo de ARCO 2015, ya sea en la programación o en la línea a seguir?

En 2015 tendremos a Colombia como País Invitado, noticia que comunicamos recientemente con una fantástica acogida por parte del sector y del público. Es un país en un momento artístico muy bueno y que está despertando un enorme interés. Su participación será uno de los atractivos de ARCOmadrid. Además, mantendremos el resto de programas: Opening, Solo Projects y Programa General en el que está incluida la opción de SOLO/DUO.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid. Imagen cortesía de Santi Burgos IFEMA.

Salva Torres

“Queremos ser un semillero de artistas y proyectos”

Arte Santander. Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Palacio de Exposiciones
Avenida del Racing s/n. Santander
Del 30 de julio al 2 de agosto de 2013

Arte Santander, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, cumple 22 resistentes años. Primero lo hizo bajo una carpa adyacente al Palacio de Festivales, ubicado frente a la bahía santanderina. Luego, en el actual Palacio de Exposiciones de El Sardinero, una vez inaugurado ya en pleno siglo XXI. Al hilo de esa diferente ubicación, dos han sido igualmente sus vidas: una primera, digamos menos arriesgada, y una segunda, más fresca, efervescente, dinámica. Su director Juan González de Riancho, responsable a su vez de la galería Siboney, repasa para MAKMA esa doble vida que, en definitiva, ha servido para que Arte Santander siga, valga la redundancia, más viva que nunca en pleno desierto de lo real, que dirían en Matrix, de la actual crisis económica.

Obra de Xavi Dèu, de Espai Tactel, presente en Arte Santander

Obra de Xavi Dèu, de Espai Tactel, presente en Arte Santander

- Dos largas décadas dan para mucho, sobre todo si tenemos en cuenta que Arte Santander nació cuando todavía la crisis no había cobrado la devastadora forma actual.

- Siendo justos, la feria ha tenido dos vidas, porque al principio no tenía recinto propio y había que hacerla en una carpa levantada al lado del Palacio de Festivales. Después se le dio un giro, al contar con el Palacio de Exposiciones inaugurado en 2002, propiedad del Ayuntamiento. El perfil de las galerías que comenzaron la feria también era distinto al actual, porque entonces giraban en torno a las que trabajaban próximas al barrio de Salamanca en Madrid, con una pintura de naturaleza… (no me gusta la palabra conservadora), digamos menos arriesgada. Luego se ha apostado por una obra más ligada al arte contemporáneo y últimamente, con la fórmula de Solo Project, presentación de un artista, estamos intentando que la feria sea un semillero de nuevas propuestas.

- Este año se presentan trabajos de 42 galerías nacionales e internacionales. ¿Son muchas, pocas, en comparación con otras ediciones?

- Pienso que funciona bien: 30 m2 para cada uno de los 42 stands. Antes, con 80 galerías ocupando todo el espacio, era como un salto al vacío, porque suponía mucho esfuerzo y mucho desembolso. Ahora la feria es potente e interesante, y la cifra de galerías está bien. Además hay algunas con mucho peso, con artistas ya consolidados, lo cual nos viene bien porque cuentas con pesos pesados, junto a galerías y artistas más frescos e incipientes. De hecho, queremos que la gente que venga a la feria, como es el caso de la directora del Espai de Castellón, Lorenza Barboni, vea propuestas que le puedan interesar. Nos interesa ser un semillero de artistas y proyectos.

Obra de Ibán Ramón, de Set Espai d'Art, presente en Arte Santander

Obra de Ibán Ramón, de Set Espai d’Art, presente en Arte Santander

- ¿Cómo se codea Arte Santander con otras ferias?

- En España, el referente siempre es ARCO, pero no te puedes comparar, puesto que hablamos de una ciudad de perfil amable como Santander y donde, como sucede en general, apenas hay negocio. Ahora las instituciones están haciendo un esfuerzo importante y la feria, que se hace con poco dinero y una puesta en escena gratuita, porque las galerías pagan la producción, el montaje y el transporte de la obra, ha ido evolucionando y ahora la gente se queda sorprendida.

- Arte Santander ha retrasado sus fechas para poder coincidir con el curso de coleccionismo y patronazgo que se impartirá en la UIMP. ¿Hábleme de ello?

- Optamos por retrasar la feria, porque nos parecía patético que por diez días de diferencia no pudiera coincidir con el curso de coleccionismo y, sobre todo, lo del mecenazgo, al que acudirá el secretario de Estado de Cultura José María Lassalle y que, según la rumorología, algo nos va a contar esos días con respecto a esa ley del mecenazgo que era la estrella de la legislatura. Mi especulación es que alguien que además es cántabro y que, prácticamente pulida la legislatura, no ha hecho nada el pobre, tengo la sensación que va anunciar algo en un marco tan atractivo como el de la feria.

Obra de Zoe T. Vizcaino, de PazYComedia, presente en Arte Santander

Obra de Zoe T. Vizcaino, de PazYComedia, presente en Arte Santander

- Valencia contarán en Arte Santander con tres galerías: Espai Tactel, PazYComedias y Set Espai d’Art, más Cánem, de Castellón. ¿Cómo se ve desde allí el panorama artístico valenciano que, supuestamente, debería liderar el IVAM?

- Soy un psicópata de todo lo que tiene que ver con el arte y, por tanto, sigo muy de cerca todo lo que sucede en una ciudad como Valencia. En los años buenos de Vicente Todolí, yo iba mucho por allí, pero desde que lo dirige una mujer que pienso no tiene preparación, ya no voy. Además, con tanta ingerencia política, creo que se están cargando la buena imagen que tenía el IVAM. Y otra cosa muy importante. La Fundación Botín no sería nada sin el tejido cultural que propician las galerías, y en Valencia están desapareciendo muchas y, con ello, la pérdida del tejido tan necesario para el propio IVAM, que ha ido perdiendo credibilidad.

Fotografía de Juan González de Riancho. Imagen cortesía del propio autor

Fotografía de Juan González de Riancho. Imagen cortesía del propio autor

 Salva Torres

Angel Masip. Solo project en JustMad4

Galería Paula Alonso. Madrid

Ángel Masip (Alicante, 1977) ha creado esta obra ad hoc para la Feria de JustMad, esta instalación forma parte de un proyecto más amplio titulado “La filología para más tarde”. El artista en esta intervención pone de manifiesto su preocupación por la distorsión de la percepción y el cuestionamiento de nuestros referentes proyectados en el medio.

Presentada en el stand de la Galería Paula Alonso, es uno de los trabajos más destacados en esta edición de JustMad.

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La filología para más tarde_ Ángel Masip (Solo Project)

La estructura bajo la que se edifica el entramado artístico a menudo obliga a tener un discurso bien labrado y aprendido, sin fisuras, permeable a la vez que sólido y defendible. Circunstancias que responden a las más altas exigencias del mercado en el que se asientan los circuitos artísticos.

En la vida real, en nuestra experiencia como individuos ‐indiscernible de la experiencia artística toman partido infinidad de condicionantes que derivan a esta hacia un lugar u otro, en ocasiones emplazamientos poco apropiados dada su naturaleza (experiencia virtual).

La filología para más tarde continúa con el desarrollo discursivo que hasta ahora he mantenido pero sin dar demasiada importancia a aquellos contenidos que suponen un resorte especulativo, liberando de carga existencial a la reflexión con el fin de hacerla más etérea, más ligera. Procurando dejar a un lado todo aquello que el establishment refleja como necesario y que a menudo refuerza los márgenes de la creatividad, convirtiendo la reflexión en estereotipo frágil y perecedero.

Como digo, todos esos agentes que condicionan nuestras prácticas también lo hacen en origen con nuestra percepción y el conocimiento que de la realidad tenemos. El trabajo que se presenta en la feria JustMad 2013, tan sólo es la primera fase de una investigación que plantea este cuestionamiento proyectado en el medio y en la distorsión que sufren nuestros referentes ‐en términos simbólicos‐, y que a menudo debilitan nuestro conocimiento del mundo.

En este caso, sin prescindir del maquillaje que toda puesta en escena requiere, se recurre a elementos que banalizan esos estándares y evidencian ‐a través de una estética de escaparatismo‐ la emergencia bajo la que se nutre la experiencia; todos los elementos que entran en escena cumplen las reglas que dicta el juego pero no de una forma armónica o consensuada, sino bajo la inherente estructura del propio discurso, bajo los dictados que marca el desarrollo del mismo.

Ángel Masip. Wildfire. Imagen por cortesía de la Galería Paula Alonso