El año convulso en que nació el IVAM

1989. El fin del siglo XX
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 15 de junio de 2019

“Buscamos en portadas de periódicos lo que sucedió ese año”. Así fue como Sandra Moros y Sergio Rubira empezaron a trabajar en la exposición 1989. El fin del siglo XX, que pretende contextualizar el nacimiento del IVAM en su 30 aniversario. A partir de acontecimientos tan relevantes como la caída del muro del Berlín, la Revolución de Terciopelo acaecida en la antigua Checoslovaquia, el final del régimen del apartheid en Sudáfrica, la fetua del ayatolá Jomeini contra el escritor Salman Rushdie, la matanza de Tiananmén, la apertura del bloque soviético o la crisis del sida, se muestran cerca de 200 obras de 80 artistas realizadas en 1989 a modo de evocación artística de cuanto sucedía en aquel convulso año.

“Hay artistas como Sophie Calle o Juan Muñoz que pensamos que tenían que estar, y otros que no han podido venir porque sus obras estaban comprometidas o eran muy frágiles para traerlas”. Y Rubira cita los casos de Rober Gober (Tate Modern) y Rachel Whiteread (Museo Gulbenkian), el primero porque la pieza de cera que pretendían era “demasiado frágil” y la segunda, “porque la obra pesaba mucho y no se podía trasladar”. Son excepciones que apenas alteran el brillante recorrido expositivo que viene a dar fe del nacimiento igualmente glorioso del IVAM, el museo valenciano que abrió el melón de la posterior cascada museística.

Obra de Tracey Moffat. Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Tracey Moffat. Imagen cortesía del IVAM.

Las obras mostradas reflejan el carácter convulso de un año marcado sobre todo por la caída del muro de Berlín. Tres décadas después, otros muros vuelven a levantarse. “Sí, parece que hay un carácter cíclico de la sociedad”, apunta Sandra Moros, mientras atiende asuntos relacionados con el montaje de la exposición que hoy se inaugura. “Se habló del fracaso de las revoluciones, al tiempo que el capitalismo feroz se declaraba triunfante. Eso es algo que estamos viendo ahora. Aparecen nuevas formas de disenso”, subraya Sergio Rubira, para apostillar: “Parece que no hemos aprendido”. “Siempre existe la necesidad de renovación o de poner en cuestión ciertos valores”, añade Moros.

Las portadas de los periódicos de las que se han nutrido los comisarios de 1989. El fin del siglo XX, para contextualizar los 30 años del IVAM, se traducen finalmente en la selección de un conjunto de obras “todas ellas fechadas en el 89” y que han sido dispuestas por “diversos motivos que permiten establecer conexiones”. “No está estructura por temas”, remarca Moros, quien destaca la presencia de la muerte como una de las constantes de la exposición. La crisis del sida, enfermedad que por entonces causaba estragos, contribuye a ello. El fotógrafo Robert Mapplethorpe, presente en la muestra, fue uno de los artistas precisamente fallecidos ese año a causa del sida.

Libido Uprising, de Joe Spence. Imagen cortesía del IVAM.

Libido Uprising, de Joe Spence. Imagen cortesía del IVAM.

“Al cronificarse la enfermedad se ha olvidado. Los jóvenes no entienden qué es, porque ahora ya no es igual a muerte”, argumenta Rubira, a modo de explicación de esa cierta vuelta a lo mismo. “La idea de vanitas está muy presente, con ese tiempo detenido. También la idea del doble”, refiriéndose en este caso a la obra de Perejaume. Igualmente aparece la réplica, pero con matices, por “aquello que cambia en tanto no puede ser exacto”, con Pep Agut como ejemplo. Ese carácter de réplica obliga, pese a las similitudes, a establecer ciertas diferencias entre aquel año crispado y el no menos agitado presente.

“Somos más conscientes de lo que está pasando. Entonces, todo sucedió muy rápido y éramos incapaces de asumir lo que pasaba. Ahora nos hemos acostumbrado a esa aceleración y tomamos cierta distancia crítica”, explica Rubira. Sale el caso de las Guerrilla Girls, grupo de artistas feministas nacido en Nueva York en 1985 e igualmente presente en la exposición. Suya es la famosa interrogación: ¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en los museos? O su igualmente incendiaria declaración sobre la industria del arte, rechazando su trozo de pastel de una industria que pretenden dinamitar.

Obra de Vittorio Scarpati. Andy Keate por cortesía de Bill Stelling cedida por el IVAM.

Obra de Vittorio Scarpati. Andy Keate por cortesía de Bill Stelling cedida por el IVAM.

Sobre esa velocidad de los acontecimientos pasados, ahora ralentizados mediante la exposición que los evoca para situar el punto de partida del IVAM, habla Walter Benjamin en una cita recogida en el catálogo de la muestra: “La verdadera imagen del pasado se desliza veloz. Pues cualquier imagen del pasado que el presente no identifique entre sus preocupaciones se arriesga a desaparecer sin remedio”. El final del siglo XX, que Sandra Moros y Sergio Rubiela rememoran, carece de esa velocidad y fugacidad, puesto que han quedado firmemente arraigadas en el imaginario social.

Quizás menos sólidas en la memoria, pero igualmente importante para los comisarios, es recordar las exposiciones que por aquel entonces sobresalieron: Magiciens de la Terre, en París, The Other Story, en Londres, o la tercera bienal de La Habana, todas ellas abriendo el paso a nuevos artistas y “donde se rompe con la idea del arte según occidente”, precisa Rubira. Entre las cerca de 200 obras exhibidas, pertenecientes a colecciones privadas, fondos de galerías y algunas de la propia colección del IVAM (Pepe Espaliú y Javier Baldeón), figuran artistas como Antoni Abad, Félix González-Torres, Jeff Koons, Jo Spence, Keith Haring, Marlene Dumas, Nan Goldin, Zoe Leonard, Tracey Moffat, David Wojnarowicz, Harun Farocki o Mona Hatoum.

Something More, de Tracey Moffatt. Imagen cortesía del IVAM.

Something More, de Tracey Moffatt. Imagen cortesía del IVAM.

En paralelo a la exposición que contextualiza el nacimiento del museo, se inaugura El Caso de Estudio dedicado al propio IVAM, con piezas adquiridas al comienzo de su andadura. Ahí están los Julio González, Saura, Tàpies, Miralles, Sempere, Equipo Crónica, Carmen Calvo o Roberta González. “El mismo año de apertura ya se abre el IVAM a la contemporaneidad”, resalta Rubira. Un panel con casi 300 fotografías, de las 1900 reveladas, viene a recordar algunas de las inauguraciones de las 650 exposiciones contabilizadas hasta la fecha, y escenas de sucesivos montajes, a las que se suman, en otro apartado, carteles de la época.

Como señalan los comisarios de 1989. El final del siglo XX, esa percepción del tiempo que transcurría veloz favoreció en el arte la aparición de ciertas estrategias: “Tácticas barrocas que actualizaban la figura retórica de la alegoría”, poniendo “al día las naturalezas muertas y las vanidades, otros bodegones difíciles a veces de reconocer como tales”. Y en medio de todos ellos, el IVAM, contenedor de una exposición que viene a ilustrar su alumbramiento hace 30 años.

Obra de Tseng Kwong Chi. Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Tseng Kwong Chi. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

Relectura del franquismo por las vanguardias

España. Vanguardia Artística y Realidad Social, 1936-1976
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Desde el 13 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019

El director del Institut Valencià d’Art Modern, José Miguel G. Cortés, y el comisario de la muestra, Sergio Rubira, han presentado la exposición Caso de estudio ‘España. Vanguardia Artística y Realidad Social, 1936-1976′, que lleva el mismo título que la célebre exposición que se presentó en la Bienal de Venecia de 1976.

“La Bienal de Venecia de 1976 fue un acontecimiento histórico muy importante en el mundo del arte ya que por primera vez se planteó para el Pabellón Español un proyecto alejado de la oficialidad”, explicó el director del IVAM sobre la muestra que reúne 33 obras de la Colección del museo de artistas como Pablo Picasso, Joan Miró, Julio González, Josep Renau, Eusebio Sempere, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Monjalés, Jordi Teixidor, Equipo Crónica, Eduardo Arroyo y Alberto Corazón, que formaron parte de aquella exposición histórica.

La intención principal de la exposición que se organizó en la Bienal de 1976 era corregir la imagen que el régimen franquista había dado del arte español de vanguardia en el contexto internacional y evidenciar cómo ese vanguardismo había sido moldeado por el proceso de una lucha ideológica. “En este nuevo curso en el que el IVAM celebrará su aniversario en 2019 nos planteamos conocer el pasado para construir el futuro”, comentó Cortés sobre la importancia de este nuevo Caso de Estudio del IVAM, la línea de exposiciones que investiga los fondos de la Colección.

Crucifixión, de Antonio Saura. Imagen cortesía del IVAM.

Crucifixión, de Antonio Saura. Imagen cortesía del IVAM.

El comisario de la exposición, Sergio Rubira, destacó que “nunca hasta 1976 se había hecho una exposición que contextualizara las condiciones políticas y sociales de la producción de las obras”. De ahí la importancia de aquélla muestra para entender “el relato de la historia del arte durante la dictadura”, resumió.

Considerando el papel que desempeñaron los críticos y artistas valencianos como Tomás Llorens, que ejerció de co-comisario, Manuel García, que actuó como secretario de la ‘Comisión de los Diez’ que organizó la exposición, junto con artistas como Jordi Teixidor, Equipo Crónica, Equipo Realidad o Monjalés, no es extraño que la Colección del IVAM conserve más de 40 obras que formaron parte de la muestra de 1976. “Algunas de las ideas de aquella muestra tomaron forma posteriormente en la creación de la Colección del IVAM. Es el caso, por ejemplo, de Julio González”, apostilló Rubira.

El recorrido de la exposición en la galería 3 del IVAM mantiene el orden que se le dio en la muestra del 76 y que “comenzaba mostrando las raíces de la vanguardia con imágenes de la Guerra Civil y el Pabellón de la República de la Exposición de París de 1939″, manifestó el comisario.

A partir de ese momento, la exposición sigue un recorrido circular con la escultura Cabeza de Monserrat girando, (1942) de Julio González para culminar con otra imagen de mujer, el retrato Sama de Langreo (1970) de Eduardo Arroyo, que muestran la heterogeneidad de lenguajes artísticos, sin olvidar los artistas forzados al exilio.

Vista de la exposición 'España. Vanguardias artísticas y realidad social. 1936-1976'- Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘España. Vanguardias artísticas y realidad social. 1936-1976′- Imagen cortesía del IVAM.

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Refrescante convocatoria de pintura Mardel

III CONVOCATORIA DE PINTURA Mardel
Plazo de presentación hasta el 3 de septiembre de 2015
Premio: 4.000 euros

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas, como signo de un compromiso con la creación contemporánea desde la iniciativa privada. Conscientes de las dificultades que actualmente se presentan para trazar nuevas trayectorias artísticas, con esta convocatoria se pretende brindar apoyo estimulando oportunidades para jóvenes creadores. En particular, esta convocatoria va dirigida a artistas que desarrollen su práctica artística a través de la pintura, entendida ésta en un sentido amplio que incluye las formas de experimentación.

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*PARTICIPANTES
Artistas plásticos españoles o residentes en España con edades comprendidas entre 18 y 40 años a 1 de enero de 2015.

*MODALIDAD
Se establece una única modalidad: Pintura

*CARACTERISTICAS
Cada participante podrá presentar una sola obra a concurso de la que sea autor y propietario, y que no haya sido premiada o seleccionada en otras convocatorias, así como un breve texto explicativo de la obra (máximo 200 palabras).

*DOTACION
Un primer premio de CUATRO MIL euros. El premio conlleva la cesión de la obra a la entidad convocante. Se concederán además tres accésits.

*RECEPCION

Primera Fase:
En una primera fase, hasta el 3 de septiembre de 2015 (inclusive), se enviará una fotografía en formato digital de un máximo de 2 Mb y 300 p.p.p. de la obra a concursar, para la preselección de las obras. Las fotografías se enviarán en formato .jpg a través del Boletin de suscripción que aparece en la página de mardel http://www.mardel.es/convocatorias/, junto con un dosier fotográfico en formato PDF de otras obras (entre 3 y 5) de su propia producción.

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Segunda Fase:
En septiembre de 2015 se comunicará los artistas seleccionados, los cuales enviarán su obra del 9 al 15 de septiembre inclusive en las condiciones y al lugar que se indica. Se realizará una exposición en Las Cigarreras que será inaugurada el 18 de septiembre de 2015.

Las obras se presentarán bajo los siguientes condicionantes:
1. La obra deberá entregarse debidamente embalada y protegida con material resistente, reutilizable para su devolución. En el embalaje deberán figurar además los datos del remitente.

2. En el dorso de la obra deberá figurar el título y año de realización así como el nombre y apellidos del artista y fotocopia del D.N.I.

3. Cada artista podrá concurrir con un máximo de una obra, corriendo a su cargo los gastos de envío y retorno de las mismas. Las obras estarán aseguradas durante el período de exposición.

*DIRECCION DE ENVIO

La dirección de envío y recogida es:
Las Cigarreras
Calle San Carlos, 78, 03013 Alicante

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Se recibirán obras entre el 9 y el 15 de septiembre de 2015 inclusive en horario de 10 a 14 horas. Posteriormente, las obras (excepto la ganadora) deberán retirarse entre el 19 y el 30 de octubre de 2015. Las no retiradas dentro del plazo fijado quedarán en propiedad de la organización convocante.

*JURADO

El jurado está compuesto por:

-Javier Díaz Guardiola, coordinador de las secciones de arte, arquitectura y diseño de ABC Cultural y comisario de exposiciones.

-José Luis Pérez Pont, codirector de MAKMA Revista de artes visuales y cultura contemporánea y comisario de exposiciones.

-Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural

-Sergio Rubira, editor adjunto de EXIT, colaborador de El Cultural de El Mundo y comisario de exposiciones.

El fallo del jurado, inapelable, podrá ser declarado desierto y se dará a conocer en la apertura de la exposición.

El hecho de participar en el concurso conlleva la aceptación total de las bases de esta convocatoria. La organización se reserva el derecho de interpretación de las bases, así como la resolución de cualquier incidencia que pudiera surgir.

La organización se reserva los derechos de publicación y reproducción de los materiales gráficos que se deriven de la exposición. Asimismo, se reserva el derecho de publicar aquellos datos de la solicitud aportados por los participantes para difundir la actividad y promocionar a los artistas.

Los datos personales suministrados en el proceso de inscripción se incorporarán al fichero “Participantes 2015”. Los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición al tratamiento se podrán ejercer ante mardel (Avda. de Ifach, 14 –Ed. Central- 1º A, 03710 Calpe, Alicante), mediante solicitud por escrito a través de: http://www.mardel.es/contacto/

Cuadro plegable, de Juan Sánchez. Premio Mardel 2014. Imagen cortesía de Mardel.

Cuadro plegable, de Juan Sánchez. Premio Mardel 2014. Imagen cortesía de Mardel.