El paisaje como reflejo del despilfarro

‘Terrenos baldíos. Comunicado urgente contra el despilfarro’, de Javier Almalé y Jesús Bondía
Comisariada por Chus Tudelilla
Programa ‘Ens declarem en estat d’emergència climática!’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Museu 2, València
Hasta el 14 de febrero de 2021
Lunes 23 de noviembre de 2020

En el marco del programa ‘Ens declarem en estat d’emergència climática!’, del Centro del Carme Cultura Contemporània (CCCC), encontramos la exposición ‘Terrenos baldíos. Comunicado urgente contra el despilfarro’, en la que los artistas Javier Almalé y Jesús Bondía presentan dos proyectos iniciados en 2017: ‘Residuos’ e ‘Historias de un lugar’.

La exposición, comisariada por la historiadora del arte Chus Tudelilla e inaugurada el pasado viernes, supone una reflexión sobre el excesivo consumo que conduce al despilfarro y toma prestado, por ello, el título del manifiesto de la Comuna Antinacionalista Zamorana escrito por Agustín García Calvo en 1972. No es una denuncia contra el consumo, sino contra el abuso de este.

Vista de la exposición ‘Terrenos baldíos. Comunicado urgente contra el despilfarro’, de Javier Almalé y Jesús Bondía. Fotografía cortesía del CCCC.

Almalé y Bondía exploran los mecanismos de percepción que construyen el paisaje, tomándolo como hilo conductor para dar visibilidad a este despilfarro. Los terrenos baldíos son lugares residuales e improductivos en los que se acumula la basura, consecuencia directa del consumo desmedido al que nos aboca la sociedad capitalista. Espacios escondidos y anónimos que tan solo se convierten en paisaje ante la mirada humana, en un proceso en el que los artistas cobran especial importancia, ya que nos enseñan a mirarlo desde un punto de vista crítico.

La estética de las presentes obras, que ha permitido elevar estos montones de escombros a la categoría de arte, atrae la atención del espectador, que se encuentra ante fotografías de esculturas creadas a partir de metales, tuberías o electrodomésticos; bodegones al estilo barroco con grandes reminiscencias tenebristas a partir de residuos plásticos; elementos provenientes del abandono de construcciones debido a la crisis de la burbuja inmobiliaria, presentados como si fueran restos de civilizaciones antiguas; o, incluso, una escultura de varios metros de altura formada por tuberías de polietileno que nos remite a las obras más destacadas de la corriente artística del land art.

Sin embargo, no debemos dejar de lado el verdadero objetivo de las obras: los artistas, lejos de romantizar el despilfarro protagonista de la exposición, ofrecen una segunda vida a estos desechos para concienciar al espectador de las graves consecuencias que conlleva un acto tan sencillo como cambiar de móvil cuando todavía funciona el que tenemos.

Esta apelación directa al individuo se aprecia especialmente en la serie ‘Objetos-mundo’, compuesta por las fotografías de los bodegones mencionados. La combinación del fondo negro y el metacrilato permite que el espectador se vea reflejado en la obra como si de un espejo se tratara, de modo que tenga presente que puede contribuir a frenar esta situación. Asimismo, también está patente en la videoinstalación ‘Paisajes ocultos’, en la que vemos caer una maleta que se rompe como los sueños que una vez representó, mostrando así los desechos como reflejo de nuestras propias vidas.

La comisaria Chus Tudelilla junto a una de las imágenes que integran la exposición. Fotografía cortesía del CCCC.

Por otro lado, los artistas rescatan estos paisajes del anonimato, devolviéndoles su identidad, como se puede ver en las cartelas de la serie ‘Residuos’, que muestran las coordenadas de la ubicación de las escombreras retratadas. Esta serie se inicia con una fotografía que muestra un conjunto de ramas agolpadas por el viento. Dicha fotografía contrasta con el resto de las obras de la serie –y, dicho sea de paso, de la exposición–, pues es la única que representa la naturaleza sin que en ella haya intervenido ningún elemento artificial. Los artistas denuncian, de esta manera, que estos paisajes baldíos se han convertido en víctimas de la acción humana.

Pero, ¿qué vemos si miramos hacia adelante? En ese danzar que nos exigen las obras de arte, como explica Chus Tudelilla, vamos descubriendo diferentes detalles según nos acercamos o nos alejamos de ellas. Es este baile el que nos permite apreciar el horizonte en la videoinstalación ‘Biografía de un paisaje’. Un horizonte visto a través de la construcción abandonada en 2008 de la urbanización El Saboyal, en el que, en palabras de la comisaria, “parece que no pasa nada, y no pasa nada más ni nada menos que el tiempo”, un tiempo que apreciamos gracias al suave movimiento que la brisa ejerce sobre la escasa naturaleza salvaje.

Este horizonte, que se podría interpretar como una metáfora del futuro, es inescrutable, hecho que enlaza con la conferencia de Cristina Monge, ‘Sociedades temerosas. Sociedades AC/DC (Antes de la Covid/Después de la Covid)’, también celebrada el 20 de noviembre.

En la presente exposición, vemos cómo el arte logra actuar como –en palabras del filósofo francés Alain Roger– “un mediador entre el país y el paisaje”. En consecuencia, acerca a los espectadores a una de las grandes problemáticas de la sociedad actual –la emergencia climática–, haciéndolos partícipes y fomentando la reflexión en torno a su papel.

Está claro lo que vemos: montones de basura acumulados en espacios inútiles. Sin embargo, tal y como afirma Chus Tudelilla, esa no es la pregunta que debemos hacernos. La pregunta es: ¿qué no vemos? Y la respuesta, el despilfarro del modo de vida de la modernidad tardía en la que, como apunta Zygmunt Bauman, “solo existen consumidores de mercancías de obsolescencia programada”.

Así, la exposición, presentada por el director del CCCC, José Luis Pérez Pont, por la comisaria Chus Tudelilla y por los artistas Javier Almalé y Jesús Bondía, acompañados por la directora general del Cambio Climático de la Generalitat Valenciana, Celsa Monrós, supone un manifiesto o, como su propio título indica, un comunicado urgente contra esta grave situación.

Milagros Pellicer

El renacer de Humboldt, por Nuria Rodríguez

‘Sistema Humboldt. Pensar/Pintar. Nuria Rodríguez
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Carrer de la Universitat, 2, 46003 València, Valencia
Hasta el 10 de mayo 2020

El proyecto expositivo titulado Sistema Humboldt. Pensar/Pintar, fue inaugurado hace unas semanas por Nuria Rodríguez, cuya labor se basa en la práctica de la pintura, que entiende como «un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza, que se reconstruyen en escenarios y situaciones ficticias, en las que cada fragmento importado “actúa” como ingrediente escénico, contribuyendo en su interacción con insólitas fusiones y significados».

La artista valenciana ha realizado varias exposiciones individuales “Cronologías del azar” (2017),“Historia Natural, la colección infinita” (2016), “Historia Natural [tomo XXIII]”, (2015),“El desorden de las cosas. [Pensar, mirar, pintar],” (2014), “Álbum, Atlas, cuadernos de notas,” (2010). Esta vez rescata la figura del ilustrado y explorador Alexander von Humboldt (1769- 1859).

Vitrina con objetos de todo tipo situadas en una mesa de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

La exposición se presentó en La Nau con las intervenciones del vicerrector de Cultura y Deporte, Antonio Ariño, quien señaló que “Humboldt es el científico por antonomasia en el ámbito de la naturaleza, el inventor del concepto de naturaleza tal y como lo entendemos en la actualidad, una idea científica y poética al mismo tiempo”.

Así pues, la muestra se organizó, según destacó Ariño, «aprovechando que es el año del 400 aniversario de la invención del método científico definido por Francis Bacon y que permite descubrir al “posiblemente primer explorador no colonizador de la historia”, cuyo legado está, en la actualidad, ante retos como la emergencia energética o la crisis climática».

Vitrina y pared de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

En la figura de este naturalista prusiano se agruparon todos los saberes científicos desde una mirada que fusionaba ciencia y arte. Geógrafo, cartógrafo, geólogo, vulcanólogo, sociólogo y botánico, inicia los primeros pasos de lo que hoy conocemos como climatología, estadística y economía política. Recientemente también se le atribuyen reflexiones y alarmas sobre el cambio climático y la biodiversidad.

Vitrina con un libro de Humboldt de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

Bajo esta premisa, la artista Nuria Rodríguez propone un diálogo entre su obra y las colecciones patrimoniales. Las inquietudes e incógnitas de la producción actual de la artista han encontrado en la infinita aptitud de búsqueda de Humboldt un referente histórico fundamental. 

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Principalmente me ha interesado mucho indagar sobra la figura de Alexander von Humboldt por algunos motivos como es el de la figura del explorador/naturalista/científico que sale al encuentro de las cosas para comprenderlas, para obtener una respuesta a las incógnitas que la propia experiencia le plantea».

En segundo lugar, Nuria Rodríguez dejó patente que ese «deseo para ir hacia» se larva en la infancia y juventud a partir de las lecturas que realizó y la formación que recibió de sus preceptores, ya que uno de ellos hizo una versión para niños y jóvenes sobre el libro de Robinson Crusoe de Defoe. Otra anécdota interesante que recalcó sobre Humboldt fue su visita al jardín botánico de Berlín cuando vio las palmeras y que, a partir de ese instante, quisiera ser botánico.

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Pero lo más sorprendente y el motivo de mi elección como compañero de expediciones para que mis reflexiones acaben en pintura, fue conocer que estuvo en Valencia y visitó lugares como el Convento Santa Tecla y la Catedral de Valencia, donde realizó mediciones barométricas que le ayudaron a realizar un estudio comparado de la geografía de la península. También visitó el Grao de Valencia, el Teatro Romano de Sagunto y pernoctó en una fonda situada en la calle de la Paz, muy cerca de la Nau, institución que acoge la exposición’’.

“Por otro lado, he conseguido encontrar fuentes bibliográficas que certifican que su hermano Wilheim, quien funda en Alemania la universidad moderna, también estuvo en La Nau y se reunió con el rector Vicente Blasco, además de estar en la antigua biblioteca de la universidad. Asimismo, me interesó mucho el hecho de que Alexander von Humboldt hiciese un recorrido a pie por el Mediterráneo y que estas impresiones las dejase registradas en su diario, junto algunas cartas que envió desde Madrid a sus corresponsales’’.

Pared de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Todo esto que te cuento me ha servido para poder pintar, toda esta expedición personal que he realizado es mi manera para acceder a la pintura, a los objetos que colecciono y archivo, es mi manera de acercarme al mundo para interrogarlo, y toda esa tarea para comprenderlo se trasforma en una geografía de los hallazgos, de los encuentros casuales que ayudan a reflexionar sobre las claves del momento actual: el paso de lo analógico a lo digital’’.

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

«La figura de Alexander von Humboldt me ha servido de nexo para poder seleccionar las piezas de las colecciones científicas de la universidad, un relato que me ha ayudado para tratar de componer una narrativa comprensible al espectador que con curiosidad quiere acercarse al proyecto».

Vitrina con un libro de Humboldt de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

«La pintura, junto al dibujo, los objetos y los collages audiovisuales instalados como si fuera un gabinete de curiosidades del siglo XXI  es la manera que tengo de plantear como clasificamos, archivamos el mundo y sus derivas en el intento de formalizar un atlas de lo imposible», concluyó la artista.

Irene Valdés

Ana Yturralde: la vida en un rectángulo

“Como si fuera un juego, cogí ese rectángulo y vi la vida a través de él, después empecé a interesarme por la fotografía”. Estos son los primeros pasos de Ana Yturralde, fotógrafa reconocida nacional e internacionalmente, con exposiciones, libros, proyectos y premios a su espalda, que nos muestran muchas de sus motivaciones y su manera de ver el mundo. Desde pequeña ha estado ligada al arte por su padre, pero su primer camino fue la abogacía, dedicándose más tarde a su mayor hobby, sintiendo una debilidad por la cámara analógica, pero teniendo presente la utilidad de la digital.

Viaja con el deseo de aventura, de introducirse en las diferentes culturas y sorprenderse. Con sus fotos intenta tanto informar como remover el interior de las personas, perseguir la verdad como causar una emoción y reacción. Para ella, la fotografía tiene una gran capacidad documental, congela un momento y lo perpetua; el medio y el fotógrafo logran que no se nos escape un “efímero” de nuestras manos, mientras que “el instante decisivo” acuñado por Henry Cartier Bresson y muy presente en Ana Yturralde, consigue crear un momento mágico, donde todos los elementos que componen la imagen logran comunicar lo que está pasando de una forma creativa y organizada; Ana Yturralde es consciente de que la perspectiva que utilice el fotógrafo puede hacer que nosotros recibamos un mensaje u otro, por lo que analiza aquello que ocurre en el paisaje y establece una conexión con los sujetos, evitando así una mirada fría, fotos que podría hacer un turista. Además, casi siempre trabaja en blanco y negro, evitando distracciones.

Fotografía en picado de Ana Yturralde

Todas las obras de Ana Yturralde nos llevan a la fotografía documental humanitaria, pasando la cámara a ser una herramienta de cambio. Fotógrafos tan grandes como Josef Koudelka, Gerda Taro, Dorothea Lange, Kevin Carter… comparten esta concepción; pero las imágenes son peligrosas y, cuando unimos las ganas de cambiar el mundo con las desgracias, tenemos que tener mucho cuidado en cómo representarlas. Un fotógrafo tiene que saber como impactar, asustar, remover… al espectador, tiene que lograr llegar al sentimiento de este, informarle de lo que está pasando y no debería pasar, todo con un gran respeto hacia el retratado o el paisaje.

Fotografía de Ana Yturralde

Sus proyectos intentan ser siempre completos, compuestos por una serie de fotografías que entre ellas tienen un significado. Son muy personales, data a cada fotografía de una narración y elige las que ella considera mejor, tras un proceso de investigación.

A day with an african family, de Ana Yturralde

Si de algo se conoce a Ana Yturralde es de su concienciación con el albinismo. Hace unos años, Ana estaba por ir a Senegal para continuar realizando fotografías que captaban el alma de las personas, para estar con gente que era feliz con lo poco que tenían. Cuando ya estaba preparada para partir, la llamaron para proponerle un nuevo reto: hacer un libro con imágenes que hicieran visible al mundo una enfermedad que muchos no saben exactamente en qué consiste, el albinismo. Esta se caracteriza sobre todo porque quién la padece tiene una visión reducida, pudiendo presentar una evidente falta o ausencia de pigmentación en la piel, en los ojos y en el pelo. A todo esto sumamos el hecho de que, depende de dónde hayas nacido con dicha enfermedad, tendrás menos o más posibilidades de vivir. En el caso de África, las personas con albinismo sufren acoso, persecuciones, secuestros, mutilaciones y asesinatos; muchas de las creencias africanas presuponen que aquellos que tengan partes del cuerpo de un albino tendrán buena fortuna, creándose así un mercado negro de fragmentos humanos. De esta forma, Ana Yturralde se lanzó a esa nueva aventura para comparar el albinismo sufrido en Europa y el sufrido en África. Empezó un proyecto que seguramente le persiga en toda su carrera profesional, entrando desde el primer momento en su corazón, pues a ella también le impresionaron sus propias fotografías y se le instauró en la cabeza la idea de ayudar a partir de su arte. Entre las diferentes imágenes vemos heridas en el cuerpo por el sol, labios en carne viva, arrugas, manchas precancerígenas, deformaciones… Son imágenes duras tratadas con máximo cuidado y elegidas a conciencia. Además, en cada una vemos una historia, una frase, una anécdota del día.

Fotografía hecha para el proyecto de Casa África y la Fundación por los Derechos Humanos

Las fotografías de Ana Yturralde son pura poesía, cada una tiene una mirada, una esencia, una historia que la hace única. Las imágenes que más impresionan son las del albinismo, con esos rostros que parecen más mayores, llenos de heridas y manchas por el sol al no poseer cremas; pero su trabajo llega más allá que los proyectos relacionados con esta enfermedad: conecta diferentes culturas con niños que juegan o pintan, nos enseña las sonrisas más sinceras en un blanco y negro espectacular y consigue captar el esplendor del mundo cuando le deja espacio a los demás colores; retiene las notas de los músicos, los gritos en medio de un concierto, así como las pausas y los silencios. Ana Yturralde vive cada una de las fotografías que realiza, consiguiendo que nosotros también seamos partícipes de ellas.

Fotografía de una cantante por Ana Yturralde

‘Itineracción’ en el ámbito rural

Itineracciones’, de Zas Kultur
‘Itineracción’, programa de intervención y experimentación artística en diferentes puntos de Araba/Álava
Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz
Agosto de 2018

El proyecto ‘Itineracciones’, presentado por el dispositivo de mediación artística independiente Zas Kultur, ha resultado ganador del concurso ‘Itineracción’, para la realización de varias intervenciones artísticas en el territorio de Araba, convocado por el Museo Artium y el Departamento de Euskera, Cultura y Deporte de la Diputación Foral de Araba.

La propuesta de comisariado de Zas Kultur integra las intervenciones de tres artistas contemporáneos alaveses, Txaro Arrázola, Iñaki Larrimbe y Nerea Lekuona. Enmarcado en el Plan Estratégico de la Cultura, ‘Itineracción’ persigue, entre otros objetivos, desarrollar la práctica artística en ámbitos no habituales, apoyar a la creación local y acercar la creación y el pensamiento contemporáneo al conjunto de la sociedad alavesa, en especial al ámbito rural. Las intervenciones artísticas se llevarán a cabo en las próximas semanas en el Balneario de Kuartango, la iglesia de San Esteban en Garaio, el túnel del Vasco-Navarro en Atauri y el parque lineal del Nervión entre Llodio y Amurrio.

El comité de valoración de ‘Itineracción’, integrado por Ane Rodríguez, directora de Tabakalera, Fernando Pérez, director de Azkuna Zentroa, Araceli de la Horra, directora del Centro Cultural Montehermoso, Enrique Martínez Goikoetxea, conservador de Artium, y Enrique Uriarte, jefe de servicio de Acción Cultural de la Diputación alavesa, ha seleccionado finalmente «una propuesta curatorial sólida y muy bien engarzada con las intervenciones de los artistas”. Asimismo, ha tenido en cuenta que «se trata de una iniciativa planteada desde la autoría y el desarrollo de su obra personal, a la vez que se adapta a los propósitos de la convocatoria y se propone de manera acertada un diálogo con los contextos en los que se plantean dichas intervenciones”.

Simulación de una de las propuestas que forman parte del proyecto ganador, 'Itineracciones', de Zas Kultur. Fotografía cortesía de Artium.

Simulación de una de las propuestas que forman parte del proyecto ganador, ‘Itineracciones’, de Zas Kultur. Fotografía cortesía de Artium.

Zas Kultur afirma en la presentación que su proyecto curatorial «quiere crear, por lo tanto, entramado, andamiaje, y cultivar la relación directa con las personas que habitan esos cuatro espacios», por lo que uno de sus objetivos es «fomentar y habilitar espacios de encuentro fundamentados en la creación colectiva y el trabajo en  red que sirvan para estimular la participación social y el crecimiento de las comunidades rurales». Zas Kultur defiende además que «en el medio rural se pueden encontrar instrumentos para desarrollar procesos creativos que nos sirvan para reflexionar sobre la esencia misma de la producción artística».

Para ello, Zas Kultur propone sendas intervenciones artísticas de los artistas Txaro Arrázola, Iñaki Larrimbe y Nerea Lekuona. En concreto, Txaro Arrázola desarrollará el proyecto ‘Weeble-Tentetieso (Sobre el equilibrio)’, en el Balneario de Kuartango. La propuesta arrancará con la realización de un tentetieso de grandes dimensiones que a su vez permitirá la realización de diversas performances.

Pinturas, dibujos, vídeos e instalaciones completarán el trabajo in situ de Arrázola, que propiciará el diálogo con las personas que se acerquen al Balneario. Toda esta producción servirá como metáfora para reflexionar, mediante la obra y en los contactos personales, sobre temas diversos como el equilibrio, la maternidad, el ritmo de vida y la división sexual del trabajo en el contexto de Kuartango.

Por su parte, Iñaki Larrimbe llevará a cabo un proyecto denominado ‘Unofficial Tourism, Araba’, una reflexión crítica sobre el desarrollo acelerado y en cierto modo novedoso que en los últimos años ha conocido el fenómeno del turismo rural. Esta propuesta, que forma parte de una serie que ya ha sido desarrollada en Madrid, Lisboa, Cáceres y Palma, se desplegará tanto en el túnel del Vasco-Navarro en Atauri como en el mirador del parque lineal del Nervión entre Llodio y Amurrio.

Larrimbe contará con seis «cómplices» pertenecientes al contexto rural, con quienes elaborará sendos itinerarios turísticos distintos, «extraños, curiosos, personales». El material generado –folletos, planos y guías– se distribuirán preferentemente en los dos lugares seleccionados, aunque estarán disponibles en otros focos de turismo rural del territorio. El artista dispondrá además de un triciclo con remolque acondicionado como punto de información turística.

Boceto de una de las propuestas que forman parte del proyecto ganador, 'Itineracciones', de Zas Kultur. Fotografía cortesía de Artium.

Boceto de una de las propuestas que forman parte del proyecto ganador, ‘Itineracciones’, de Zas Kultur. Fotografía cortesía de Artium.

Por último, la artista Nerea Lekuona llevará a cabo una intervención en dos partes en los restos de la iglesia de San Esteban, junto al centro de información del Parque de Garaio, con la intención de poner en valor «la memoria de las personas que sufrieron las inundaciones de sus casas y sus medios de producción para darnos la oportunidad de progreso». Lekuona creará en primer lugar un gran tanque circular de agua en el interior del templo en cuyo fondo se reproducirán imágenes de los núcleos que fueron inundados con la construcción del embalse de Ulibarri-Ganboa, con el fin de «crear un imaginario de los pueblos que se encuentran sumergidos».

Por otro lado, la artista creará un icono que represente a todos esos pueblos, figura que se plasmará en una bandera de grandes dimensiones, de color azul como la que luce la playa de Garaio. La bandera se izará el segundo fin de semana de septiembre, fecha en la que tradicionalmente se reúnen antiguos habitantes y descendientes de Garaio para celebrar una misa y una comida y recordar el antiguo pueblo y las vivencias de su infancia y juventud en ese lugar.

‘Itineracción’ es un programa de intervención y experimentación artística en diferentes puntos de Araba cuyo objetivo principal es promover espacios de interacción entre el arte contemporáneo y el territorio, poniendo especial atención al diálogo con el medio rural, el espacio natural y el contexto social. La convocatoria abierta recibió ocho proyectos diferentes, entre los que se ha seleccionado el presentado por Zas Kultur.

Los proyectos presentados debían entre otros requisitos, estar vinculados a la creación contemporánea, contar con la participación mínima de tres artistas, proponer acciones de encuentro y mediación con el contexto sociocultural de las ubicaciones elegidas, y respetar la integridad medioambiental, arquitectónica y patrimonial de los espacios a intervenir y sus inmediaciones. Las propuestas deben también atender a los principios y políticas de igualdad y visibilización de las mujeres en el ámbito de las artes.

Imagen de una de las localizaciones que forman parte de 'Itineracción'. Fotografía cortesía de Artium.

Imagen de una de las localizaciones que forman parte de ‘Itineracción’. Fotografía cortesía de Artium.

 

Curso de Animación en ESAT

Master de Animación
Creado por Keytoon Animation Studio
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia
A partir de octubre. Curso 2016 / 2017

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia ofrece un curso creado por Keytoon Animation Studio, que comenzará el mes de octubre. En este posgrado se unen un estudio con 12 años de experiencia en el sector de la animación profesional y una entidad educativa con más de 20 años de experiencia en la enseñanza de nuevas tecnologías, por lo que los alumnos aprenderán de profesionales de primer nivel de ambos sectores.

Máster de Animación. Imagen cortesía de ESAT.

Máster de Animación Keytoon ESAT. Imagen cortesía de ESAT.

El curso está dirigido a toda persona que tenga inquietudes por el mundo de la Animación 3D y  orientado tanto a personas que ya tengan experiencia en el sector y quieran mejorar, como a todos aquellos que empiezan esta nueva aventura desde cero.

El Máster tiene una duración de dos años. En el primer año el alumno aprenderá todo lo necesario para empezar a convertirse en un profesional de la animación y, durante el segundo, se realizará por parte del alumnado un cortometraje de animación siguiendo los mismos estándares y estructura de trabajo que en grandes productoras de cine tales como Disney, Pixar, Dreamworks, etc. Terminará su formación siendo un profesional completo y de pleno derecho con un proyecto que lo respalda.

Master de Animación de Keytoon Studio / ESAT.

Master de Animación de Keytoon Animation Studio / ESAT.

Lo barroco y lo simbólico: «Gods, Animals and Death”

Josep Tornero. “Gods, animals and Death”. Processi 143.
Real Academia de España en Roma
Hasta el 30 de septiembre de 2016

Una propuesta interesante que invita a la reflexión podemos encontrarla en el proyecto «Gods, animals and Death» que forma parte de la exposición «Processi 143” en la que Josep Tornero ha participado apostando por una visión introspectiva y personal que busca hacer florecer en cada espectador aquello que lleva dentro, sombras y múltiples formas que surgen de un mismo objeto representado.

La exposición ha sido realizada por diversos artistas dotados de la beca de pintura de la Real Academia de España en Roma. “Gods, animals and Death” profundiza en lo barroco y lo dionisíaco, buscando aspectos como la metamorfosis y la memoria a través de un juego de apariencias donde la imagen adquiere un dinamismo espectral. Estas imágenes evocan ideas que llevan al espectador a reconocer la materia original a través de una imagen distinta, fruto de la «desfiguración de la figura» que realiza el artista, la alteración de unas imágenes que parecen moverse y transformarse.

Las obras presentadas en formatos y dimensiones variadas, son tratadas con técnicas de claroscuros y la predominancia de ausencia de color en pos de una gama de grises que refuerzan la simbología de los elementos tratados, conformando un lenguaje subjetivo y estimulante para el imaginario del espectador. En ocasiones se añaden tonos aislados en trazados vaporosos que refuerzan el carácter enigmático de las mismas. Un juego de formas que investiga en las posibilidades de la desfiguración de la materia para lograr una interpretación desde lo real en algunos casos, o desde lo imaginario. Este proyecto de investigación resulta interesante para aquellos que deseen descubrir aquellas experiencias que el artista es capaz de despertar en cada uno de nosotros.

El tratamiento de elementos cotidianos a través del desenfoque y la presentación de puntos de vista subjetivos que destacan elementos concretos del objeto representado, hace de estas obras unas que nos muestran parte de la mirada de Tornero pero a su vez conceden plena libertad interpretativa al impactar en nuestra consciencia individual y emociones más íntimas. Esta mirada del artista se nos muestra a través de la selección de las escenas representadas y su forma de trabajarlas que dotan de importancia a aspectos que pueden pasar desapercibidos pero que cobran fuerza y protagonismo, articulando un interesante diálogo que conforman nuevas imágenes y nuevas experiencias.

Fotografía de una de las obras de Josep Tornero en "Gods, Animals and Death".

Fotografía de una de las obras de Josep Tornero en «Gods, Animals and Death».

Tornero extrae de escenas y objetos cotidianos un lenguaje simbólico a través de un abandono de la imagen sujeto a un azar formal, creando como él denomina espectros “nuevos pero a la vez familiares». Según el propio artista apunta, su trabajo “desemboca en el interés por el tránsito de la imagen, su movimiento implícito y su metamorfosis, capaz de retornar desde diferentes contextos ante la preocupación del elemento matérico de la pintura como síntoma, emitido a veces desde lo real, o como movimiento centrífugo y dispar, emitido desde lo imaginario”.

Josep Tornero (Valencia, 1973) estudió en la Escola Superior de Ceràmica de Manises y posteriormente en la Facultad de Bellas Artes Sant Carles de Valencia, (2004). En Murcia realizó el Máster de Producción y Gestión Artística (2010) en la facultad de Bellas Artes de esa ciudad y en febrero de 2016 finalizó su tesis doctoral. La amplia trayectoria académica y el trabajo artístico de Josep durante estos años, avalan los diferentes procesos creativos que emprende, es evidente.

La exposición estará vigente hasta el 30 de septiembre del 2016 por todos aquellos que visiten Roma y deseen conocer el talento que artistas españoles trasladan a otros países.

Citas extraídas del ‘statment’ del proyecto “Gods, animals and Death”.

Obra de Josep Tornero.

Obra de Josep Tornero en ‘Gods, animals and death’.

Raquel Andrade

Nada de gluten y mucha música

Sweet Violas en la III edición Cultura Sin Gluten
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
C / Quevedo, 10. Valencia
Martes 21 de junio, 2016, a las 19.30h

En el marco de la III edición de Cultura Sin Gluten y coincidiendo con el Día Internacional de la Música, se celebra en el valenciano museo MuVIM un concierto innovador de la mano de Sweet Violas, grupo conformado por los y las violas de la Orquesta de Valencia.

Para todos es evidente que Bach, Mozart y Beethoven eran virtuosos del teclado, pero solo unos pocos saben que también fueron buenos violas. Desconocida e imprescindible, nacida en el XVI, la viola es el único instrumento de la familia de la cuerda que no cesa de evolucionar día tras día en forma, tamaño y sonido. Es por eso que, Sweet Violas, te propone un concierto para conocer mejor este instrumento. Interpretarán piezas de diferentes épocas y estilos con el objetivo de promocionar un tipo de música con la que no solemos toparnos. Una oportunidad única en Valencia que desde luego ningún melómano puede perderse.

El proyecto Cultura Sin Gluten, organizador principal del evento, es una asociación con un doble objetivo: por una parte, darle visibilidad a la enfermedad digestiva de la celiaquía que a más personas afecta en el territorio estatal; y por otra, acercar a un segmento de la población a la cultura y sus diferentes expresiones artísticas. La primera edición se tituló ‘La semana del celíaco’ se llevó a cabo en 2015, también el MuVIM y tuvieron lugar charlas, conferencias, talleres, visitas y, por supuesto, conciertos. La II edición tuvo lugar en Santiago de Compostela también con concierto y degustación de cervezas sin gluten. El concierto, con entrada gratuita, contará con el patrocinio de Apcel, y la colaboración de ACECOVA.

Según sus organizadores, “también queremos, junto con las asociaciones de celíacos del territorio español, realizar una llamada de atención a la clase política para que podamos contar con una ayuda a la hora de realizar la compra y la rebaja del 21% en el IVA (impuesto valor añadido) de los productos sin gluten. Una estadística del 2015 dice que únicamente en la lista de la compra, alguien que sufre la celiaquía en el estado español gasta 1.500€ más al año.”

Más información en: culturasingluten.com

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

El regreso del colectivo Trashformaciones

‘Huesopiel’
Colectivo Trashformaciones
Centre Municipal de Cultura La Mercé, Burriana, Castellón
Inauguración: Jueves 12 de mayo, a las 19.30h
Hasta el 12 de junio de 2016

El colectivo Trashformaciones presenta el jueves 12 de mayo su proyecto ‘Huesopiel’ en la sala de exposiciones del Centre Municipal de Cultura La Mercé y en distintas calles del centro de Burriana. ‘Huesopiel’, cuyos preparativos empezaron el pasado fin de semana, es un conjunto de instalaciones de gran formato que reúne el trabajo elaborado por los artistas castellonenses durante los últimos años con la chatarra como materia prima, en los que han profundizado en el tratamiento de los ciclos de la materia y su vinculación con la crisis de valores de la sociedad actual. El proyecto ha sido organizado y cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Burriana.

La muestra ha sido expresamente concebida por Trashformaciones para los distintos espacios de Burriana, ofreciendo al visitante un recorrido por el casco antiguo de la ciudad, desde la sala del CMC La Mercé, pasando por la plaza Mayor, El Pla y hasta la calle Sant Vicent. La inauguración tiene lugar el jueves 12 de mayo a las 19:30 en la plaza Mayor y permanecerá abierta al público hasta el domingo 12 de junio.

Integrado por los hermanos Pablo y Blas Montoya junto a un equipo de colaboradores, Trashformaciones es un colectivo especializado en el arte del desecho con una trayectoria reconocida a nivel nacional, incluidas algunas incursiones internacionales, desde 2003. Como consecuencia del gran éxito que consiguieron con el Showroom Huesopiel presentado en su propio taller en 2011, los artistas castellonenses han sido incluidos en importantes muestras y bienales: La colectiva “Sustratos” del IVAM (2013), Bienal Incubarte de Valencia (2015), festival Intramurs de Valencia (2014 y 2015), Paranimf de la Universitat Jaume I (2013), TEST de Vila-real (2015), Feria Marte de Castellón (2014), Feria Cersaie en el pabellón de Peronda (2013)…

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Huesopiel es el resultado de esos 13 años de experimentación y reflexión en torno a los ciclos de la materia surgida en el negocio familiar, una chatarrería que los hermanos Montoya utilizan como inspiración y base de operaciones para sus creaciones artísticas. La instalación está dividida en varias zonas independientes, aunque conectadas por un juego de contrarios alrededor de los conceptos “hueso” y “piel”.

El hueso, el sustento, está representado por grandes muros de hierro compuestos por vigas de construcción cortadas y moduladas a modo de ladrillos, generando espacios, paredes, celosías, lienzos cerrados y figuras geométricas. La piel la conforman una serie de coches y motos aplastados hasta convertirse en una representación gráfica de ellos mismos. Las pieles implican superficie, dermis; expuestas a la intemperie, a la degradación, a la decadencia. Una inquietante ligereza que gana significación y potencia estética al contrastar con la imponente solidez de los muros y columnas de hierro.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Principales exposiciones individuales y colectivas de Trashformaciones:

  • –  INCUBARTE 7. Festival de Arte Contemponareno. Junio 2015, Valencia.
  • –  TEST. Mayo-junio 2015, El Convent de Vila-real.
  • –  MARTE. Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón,septiembre 2014, Palau de la Festa de Castellón.
  • –  IVAM. Colectiva “Sustratos”. Octubre 2013-febrero 2014, Valencia.
  • –  CERSAIE 13. Pabellón Museum Peronda. Septiembre 2013, Bologna, Italia.
  • –  Paranimf de la Universitat Jaume I. Exposición Huesopiel 3.0. Enero 2013,Castellón.
  • –  La Mutante. Colectiva. Noviembre 2012, Valencia.
  • –  Inaguración PLAS. Colectiva. Septiembre 2012, Madrid.
  • –  Hat Gallery. Exposición Huesopiel 2.0. Mayo 2012, Valencia.
  • –  Cierre Diplomado Dada 2011-12. Universidad de Arquitectura Zalua,Venezuela.
  • –  Showroom Huesopiel 2011. Presentación en taller propio.
  • –  Cinark 2010. Arquitectura de reelaboración y tectónica sostenible. Escuelade Arquitectura de la Academia Danesa de Bellas Artes. Copenhague.
  • –  Hat Gallery. Exposición Silla Libre. Feria Hábitat Valencia 2010.
  • –  Propostes Creatives 2010. Casa Polo de Vila-real.
  • –  Galería ImagenArte. Nit de l’Art 2009 de Castellón.
  • –  Galería Castalia Iuris. Castellón 2007.
  • –  Espai d’Art La Llotgeta de la CAM. Valencia 2006.
  • –  Basurama 05. La Casa Encendida de Madrid.
  • –  Drap-Art’05. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).
  • –  Fib-Art’04. Festival Internacional de Benicàssim (FIB).
  • –  Festival Este 04. Valencia.
  • –  Contemporàni@ 2003. Espai d’Art Contemporani de Castelló.
  • –  Salón NUDE. Feria Internacional del Mueble de Valencia 2003.
  • –  III Biennal Art del Rebuig. Parque Ribalta de Castellón 2003.Para más información:www.trashformaciones.com

Michelangelo con rúbrica de Zanolari en Kir Royal

‘SZ Chapel’, de Saul Zanolari
Kir Royal Gallery
Reina Doña Germana 24, Valencia
Inauguración: viernes 13 de mayo de 2016, a las 22h
Hasta el 26 de junio de 2016

Con motivo de la primera exposición individual de Saul Zanolari en España, Kir Royal Gallery presenta algunas de las obras que retratan a personajes ilustres y modelos famosos, al igual que una selección del proyecto que lo ha mantenido ocupado desde 2012 hasta el 2015: el remake de la Capilla Sixtina de Michelangelo.

Zanolari, a través de la técnica del fresco digital, recrea en escala original, pero con su estilo único, las escenas y los personajes de la obra maestra de Michelangelo. Por lo tanto, podemos observar algunas de las Historias centrales como la Creación de Adán, en la que aparece la famosa unión de los dedos entre Adán y Dios, símbolo de la transmisión del aliento de la vida; la Creación de Eva, donde, sin embargo, las figuras de Adán y Eva se invierten en comparación con el original; el Pecado Original, con un Adán negro que solamente lleva un tanga de oro; o el Diluvio Universal, sustituido por una moderna sirena.

SAUL ZALONARI. MAKMA

La estructura de las composiciones se mantiene igual, así como otras características de la obra de Michelangelo: los cuerpos musculosos de las figuras femeninas debido al hecho de que todos los modelos fueron hombres, o la decisión de presentar los cuerpos desnudos como en la versión original, aún no censurada. Obviamente, sin embargo, el artista crea su propia versión no tanto blasfema, sino más bien irónica y maliciosa. Saul nos hace sonreír y buscar paralelismos o variaciones.

Así, los Ignudi, situados por Michelangelo en torno a las principales escenas como si las sujetasen y contemplasen, son representados por Zanolari vendados con máscaras negras como en un juego erótico. Sibilas y Profetas son los otros personajes de la composición dotados de una fuerte carga voluptuosa y sensual. Además de estos, el artista añade una mitología personal, su propio Olympo, en el que reinan el Dios Nuclear, con el símbolo del átomo en guantes y slip; el Dios Magnetismo, lanzando sus rayos en el cielo; y el Dios Gravedad, azul y con seis brazos como el dios hindú Shiva, pero con los planetas en las manos y una manzana, la manzana de Newton o, quizás, de Eva. Y, por último, en el centro de la composición, como un Dios supremo, el artista se retrata a sí mismo, Creador del Mundo y de toda su obra. Un autorretrato en el que señala con el dedo al espectador, como si cada uno de nosotros fuésemos sometidos a su juicio y no al revés, cuando el espectador juzga la obra.

Imagen promocional de la muestra, formalizada con una de las obras que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Imagen promocional de la muestra, formalizada con una de las obras que integran la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Un juego de miradas y perspectivas, como las de los sujetos retratados, resultados de la imaginación del artista, que construye cada pequeño detalle, de forma hiperrealista, incluyendo su imagen reflejada en cada ojo.

Saul Zanolari nace en 1977 en Mendrisio, Suiza. Desde niño se interesa en el arte y sus formas de expresión, y especialmente en la pintura. Siempre se ha sentido atraído por la estética y la forma de las cosas. En 2005 su interés se traslada de la pintura tradicional a la pintura digital. Comienza a exponer en numerosas galerías internacionales con obras donde reinventa celebridades y estrellas del pop, ahondando y exagerando algunos de sus rasgos específicos.

Instantánea de una de las obras pertenecientes a la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Instantánea de una de las obras pertenecientes a la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

 

Música, arts i tallers per a retornar la plaça

Plaça Reservada
Plaça de Rojas Clemente, Valencia
De 11 a 15 h, 23 d’abril

‘Plaça reservada’ es una acció comunitaria que tindra lloc el pròxim 23 d’abril. Es proposa repensar l’espai de la Plaça de Rojas Clemente. L’acció se situa en el context del festival urbà Distrito 008 aquesta plaça del barri del Botànic reclama deixar de ser un pàrquing.

El matí del 23 d’abril se celebrarà una jornada festiva i combativa a la plaça de Rojas Clemente batejada com ‘Plaça Reservada’. De les 11h a les 15h aquesta plaça on es troba el  mercat amb el mateix nom, Rojas Clemente, deixarà d’estar ocupada pels cotxes que cada dia omplen la zona blava d’aparcament que la caracteritzen amb la voluntat d’omplir-se de persones que gaudeixen i repensen els espais de la ciutat.

A partir de l’organització del festival Distrito 008 en la seua 6a edició, ‘Buscando los orígenes’, que pretén la dinamització del barri d’Extramurs de la ciutat de València, la celebració de ‘Plaça Reservada’ serà una de les seues activitats més reivindicatives , ja que pretén iniciar un procés de mobilització a llarg termini  perquè aquesta no-plaça del barri del Botànic torne a ser un espai on les persones puguen interactuar, viure i compartir.

A partir de les 11h es realitzarà el taller obert a tot el públic de mapeig de la Plaça i posterior debat amb col·lectius com Fuera Túnel Pérez Galdós i el Col·lectiu veïnal Barri Botànic, organitzat per l’estudi Qrarq. A més, hi haurà tallers per a xiquets i xiquetes des de les 11h i fins les 15 de circ, fotografia i bodypaint dirigits per professors de l’escola TotArt; tallers amb llepolies de mà del Gnomo Azul i altres tallers esportius que proporcionarà el gimnàs Ronin Esport, tots ells col.laboradors implicats i veins també del districte d’Extramurs.13000200_861011204024455_4258453547922632204_n

A les 11’30h es podrà gaudir de l’espectacle de ball flamenc que oferirà el Centre Professional de Dansa València i a les 12.30h l’escola de cine i teatre Off representarà la micro obra de teatre «Una bala para Morindán». Durant tot el matí es farà una recollida de firmes per a la defensa de la plaça com a espai per a persones i el Mercat Rojas Clemente oferirà una oferta especial de cerveses i vins artesanals.

Per a aquest esdeveniment, a banda de Distrito 008, s’hi han involucrat directament altres organitzacions, com és l’estudi d’arquitectura, disseny i idees QRARQ; les gestores culturals de PUNXA, el Mercat de Rojas Clemente i la falla que resideix a la plaça, Rojas Clemente «LA CORDÀ».

Plaça reservada, el 23 d’abril, serà la primera de moltes accions en defensa de l’espai públic al voltant d’aquesta plaça.