«El dinero no viene de los premios»

Posted on 7 febrero, 2019 por Neus Flores

Entrevista al cineasta Isaki Lacuesta, director de ‘Entre dos aguas’

Concluida la temporada invernal de los principales premios cinematográficos del cine español, MAKMA entrevista a Isaki Lacuesta, director de ‘Entre dos aguas’, película galardonada con siete Premios Gaudí –incluyendo mejor película en lengua no catalana y mejor director–, además del premio especial Feroz y su más recientes nominaciones en los Premios Goya 2019.

‘Entre dos aguas’ llega doce años después del documental ‘La leyenda del tiempo’ (2006), su primera película sobre Camarón, con Isra como protagonista de la cinta, quien vuelve a la isla de San Fernando para intentar recuperar a su mujer y a sus hijas.

¿Cómo surge la necesidad de hacer esta película?

Surge de cuando hice un viaje a la isla de San Fernando en el año 2000. Fuimos de vacaciones y nos enamoramos del lugar y sus gentes. Rodar allí era un proyecto muy íntimo, ya que los protagonistas pasaban de niños a adolescentes.

Podría decirse que me inspiró la trilogía de Truffaut con Apu. Y cuando apareció ‘Boyhood’ (Richard Linklater, 2014) en los cines, aún nos ayudó a contar un poco mejor nuestra historia.

¿Cuál ha sido la parte más difícil del rodaje de ‘Entre dos aguas’?

Lo más difícil fue buscar cangrejos y coquinas con Isra en el barro, y nos dimos cuenta de lo barato que resulta comer marisco, por la dificultad que tiene el recogerlo. El barro nos cubría hasta las rodillas, y nos chupaba las zapatillas. Llevábamos las cámaras hundidas en el barro hasta la cintura; fue realmente complicado.

Y ellos lo hacen para poder subsistir con su familia y deben usar la economía sumergida para poder seguir adelante con sus vidas.

¿Cómo es tu relación con los actores y, en particular, con Israel Gómez Romero, con el que ya habías rodado antes?

Amistad, cariño, respeto, y admiración. No tengo mejores palabras para definirlo. He visto crecer a Isra desde los 12 años y he podido compartir su experiencia de enamorarse. Pasamos mucho tiempo conviviendo mientras rodamos y el amor es un elemento muy importante. Creo que he tenido mucha suerte con los actores y actrices con los que trabajo, porque nos llevamos muy bien, y estoy encantado de trabajar con ellos y de repetir, a veces.

Tu película anterior, que ya fue premiada con el Gaudí, ‘La próxima piel’ (2016), tuvo a Àlex Monner como protagonista junto a Emma Suarez, que fue premiada con el Goya. ¿Cómo fue trabajar con ellos y, en general, con los actores que has dirigido?

Esta ha sido mi quinta nominación a los Premios Gaudí, y estoy encantado. Hay actores con los que me une una relación especial y con ellos podría hacer muchas otras películas; entre ellos están Emma y Álex, además de Sergi Lopez, y también Bárbara Lennie –con quien ya estamos preparando nuevo proyecto-.

Un instante de la película ‘Entre dos aguas’, de Isaki Lacuesta. Fotografía cortesía de La Termita Films.

¿Se han cumplido tus expectativas, tras los diversos premios y nominaciones cosechados durante las últimas semanas?

A cualquier premio hay que ir sin esperar nada. Hay que tomarlos y valorarlos en su justa medida. Salir ganador no significa que no vayas a trabajar después, si no que muchas veces trabajas aún más, y en realidad es el trabajo lo que hay que valorar.

Y no ganar, no significa que tu peli no guste, sino que esto es solo una competición: unas veces se gana, y otras se pierde. Depende de muchos factores: del jurado, de la audiencia, de lo buenas que sean las otras películas, etc.

Lo que sí que ofrece ganar un premio es una atención mediática que, a veces, hace que el público descubra obras que igual no hubiese ido a ver de otra forma. Pero que yo sepa, solo los premios Forqué tienen dotación económica, así que el dinero no viene de los premios, al menos, no directamente.

Ya ganaste una Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por ‘Pasos dobles’, en 2011. ¿Qué ha significado para ti volver a conseguirla por ‘Entre dos aguas’?

Ganar la Concha en 2011 me hizo mucha ilusión, porque el jurado que me eligió eran gente que yo idolatraba. ¡Les admiraba, y pude hablar con ellos! Fue un sueño cumplido. En los Gaudí, así como en los Goya, es un espacio más relajado, donde nos encontramos y nos valoramos entre compañeros.

¿Te gustaría conseguir un Óscar y llegar a lo más alto? ¿O de lo contrario, no eres tan ambicioso y ya eres feliz con tu trabajo?

Pues sí, me gustaría mucho. Es algo que no había pensado hasta este año, pero creo que sí que me gustaría mucho ganarlo. Ahora ya casi se ha convertido en un reto, y he empezado un nuevo proyecto con ese objetivo en mente. Espero ganar el Óscar, sí. ¡Ojalá! (sonríe).

Aparte de cine, también has hecho videoinstalaciones, guiones, colaboraciones en libros colectivos… ¿hay alguna faceta artística que te gustaría desarrollar y que no hayas hecho aún?

Colaboro con músicos y arquitectos, pero no lo soy, aunque me gusta jugar a serlo, y con ellos puedo hacerlo. Para mí es un aprendizaje más de mi faceta de director. Me gusta mucho hacer colaboraciones, y haré todas las que pueda.

¿Cuál es el nuevo proyecto en el que estás trabajando? ¿Puedes contarnos algo?

Pues sí, estoy haciendo nuevas cosas, y tengo un proyecto interesante a medio plazo, que de momento es secreto (y del que no puedo hablar ahora mismo), pero ya os enteraréis a su debido tiempo.

¿Qué le dirías a un estudiante de cine que quiera convertirse en director? ¿Algún consejo?

Que haga lo que más le guste y con intensidad total. Con mucha pasión y, sobre todo, con mucha determinación. No hay que hacer cine como forma de inversión, porque hay buen cine que no retorna demasiado a nivel económico.

Yo creo que hay que hacer realidad los sueños propios, no los de otras personas. Porque cualquier proyecto tiende a tener sus problemas y, si tú eres quien debe solucionarlos, es mejor que sean tus propios problemas lo que estén en juego.

Isaki Lacuesta posa con la Concha de Oro a la mejor película, por ‘Entre dos aguas’. Fotografía: Jorge Fuembuena, cortesía del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Neus Flores

Un Óscar para Sorogoyen

Posted on 5 febrero, 2019 por Jose Ramón Alarcón

‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen
Apache Films, Caballo Films y Malvalanda (2017)
18 minutos
Filmin

La plataforma de vídeo bajo demanda Filmin ha nutrido su ubérrimo catálogo con los ya egregios dieciocho minutos que conforman ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen, erigidos en el presente anhelo de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE) de cara a la nonagésimo primera edición de los Premios Óscar, tras su nominación en la categoría de mejor cortometraje de ficción, en la que el próximo domingo 24 de febrero (madrugada del lunes 25 en España) competirá junto a las producciones canadienses ‘Fauve’ (Jeremy Comte) y ‘Marguerite’, (Marianne Farley), la irlandesa ‘Detainment’ (Vincent Lambe) y la estadounidense ‘Skin’ (Guy Nattiv).

El director madrileño afronta la última escudilla de un opulento invierno ahíto de ágapes y distinciones, tras la feraz cosecha de galardones obtenidos por ‘El reino’ a su paso por los Premios Forqué, los Feroz, las medallas del CEC y los recentísimos Goya, cuya cita sevillana formalizó una diarquía entre las procelosas y hediondas aguas mediterráneas del poder y las inclusivas, diversas y visibles bondades de la hilarante, didáctica e irregular (cinematográficamente) ‘Campeones’.

‘Madre’, que ya hubo obtenido el galardón al mejor cortometraje de ficción en los Premios Goya 2018 –entre otros y numerosos laureles en festivales nacionales y foráneos– desarrolla, a través de un portentoso e inquietante plano secuencia doméstico, la repentina y desesperada conversación telefónica entre un niño de seis años –incógnitamente abandonado por su padre en la vastedad de una playa vascofrancesa– y su madre, quien trata de averiguar, con el secundario auxilio de la abuela del menor, el improbable paradero de su hijo, mediante algún elemento o señal distintiva que este pueda reportarle a través de un teléfono móvil a punto de consumir su batería.

Desenlaces aparte, Sorogoyen sustenta el opresivo hilo conductor en manos de una límpida puesta en escena, nutrida de referencias inciales a la existencia de la figura Iván (voz del infante a cargo del jovencísimo Álvaro Balas), y las veraces y plausibles interpretaciones de Blanca Apilánez (abuela) y, muy especialmente, Marta Nieto (madre), quienes alimentan los rasgos cualitativos y confieren fidedigna incertidumbre a este angustioso relato cinematográfico, entre cuyas virtudes técnicas debe destacarse el sobresaliente manejo de la luz natural, supeditado a la deriva emocional de sus protagonistas.

Sin duda, tanto su corpus formal como narrativo (epílogo singularmente incluido), justifican, amén de la estocástica bienvenida del premio de la Academia –que hubieron olfateado, entre otros, Borja Cobeaga, Javier Fesser, Nacho Vigalondo y Juan Carlos Fresnadillo–, la realización de un largometraje homónimo –ya en fase de edición– que prosigue su diégesis meses después del enigmático colofón de ‘Madre’. Un camino –del corto al largo a partir de un mismo título y argumento– por el que, curiosamente, ya ha transitado su compañera de nominación ‘Skin’, del director israelí Guy Nattiv.

La actriz Marta Nieto durante un instante de ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen. Fotografía cortesía de Filmin.

Jose Ramón Alarcón

‘Distintos’, camino a los Óscar

Posted on 13 agosto, 2018 por Bel Carrasco

‘Distintos’, de Josevi García Herrero
Entrevista con el director del cortometraje

El verano de 2018 es un tiempo de buena cosecha para el guionista y cineasta valenciano Josevi García Herrero por la buena acogida que ha tenido su último proyecto, el cortometraje ‘Distintos’, que lleva más de cincuenta selecciones en festivales de cine de todo el mundo. Ha recibido catorce premios, además de conseguir la preselección a los Goya 2019 y la selección en el Festival Indy Shorts de EEUU, calificador de los Óscar de la Academia de Hollywood, que podría ser la antesala para lograr esa meta el año próximo.

‘Distintos’ es una iniciativa de Fundación Asindown, que eligió a un director sensibilizado con temas de trasfondo social, como acreditan sus anteriores cortos, ‘¡Se vende varita mágica!’ y ‘Contando estrellas’. Lo que hace a este filme especial es haber sido protagonizado por dos chicos con síndrome de Down, Pablo Molina y Salva Albert –sin experiencia actoral previa– y la participación altruista de Alejandro Sanz. La historia cuenta el viaje de los chicos para asistir a un concierto de su ídolo musical. En el reparto: Carlos Olalla, Ventura Rodríguez, Llum Barrera, Sandra Cervera, María De Paco y Guillermo Montesinos. La banda sonora es del compositor valenciano Josué Vergara.

“Esta experiencia ha sido un auténtico y enriquecedor aprendizaje para mí”, dice García Herrero. “He tenido la oportunidad de conocer de cerca y en profundidad cómo es la vida con síndrome de Down. Tuve que investigar y explorar para escribir el guión y poder hablar de ello, y entendí mejor las dificultades que podían llegar a tener los chicos, así como sus virtudes y capacidades. Tanto Pablo como Salva me han demostrado que querer es poder, que con sus ganas y su esfuerzo podíamos llegar adonde nos propusiéramos”.

Entre las numerosas anécdotas del rodaje que tuvo lugar en Valencia y Madrid, recuerda el divertido y entrañable encuentro de los chicos con Alejandro Sanz –la primera escena que se rodó– y hasta los doce donuts que tuvo que comer Salva, pues su personaje comía uno en una secuencia, y con las repeticiones de planos y tomas se convirtieron en una docena. También memorable la escena de la lluvia, “era el último día, había nervios, tristeza porque todo llegaba al final y eso de mojarse completamente no resulta muy agradable en octubre”.

Desde su estreno en la Seminci (Valladolid) el pasado octubre, ‘Distintos’ ha emprendido un camino de éxitos. “Lo más difícil es acertar con el tono de la historia, y creo que he dado en el clavo. Es una historia fresca, desenfadada, nada condescendiente, lejos de un tono dramático y empalagoso que hubiera hundido esta película. También he acertado en el modo de contarla, el humor es la otra clave. Decir las cosas sin miedo, con libertad, con verdad y con corazón; y que los protagonistas fueran conscientes de su realidad y los primeros que se identificaran, y que eso no fuera un freno para contarlo y mostrarlo. Tenía que ser un discurso valiente que se alejara del todos somos iguales para decir todos somos distintos. Es la única forma real de conseguir que esta sociedad compuesta de personas distintas, reconociéndonos todos distintos, nos ofrezca el modo de encontrar y entender la igualdad”.

Fiel a su vocación solidaria y social, el cineasta hace un llamamiento a los directores, guionistas y creadores en general: “Tenemos la suerte de poder contar historias para que muchas personas disfruten y se entretengan y, además, podemos y debemos pensar que también pueden ayudar a muchas otras personas invisibles por algún motivo. Hagámoslo. Incluyamos en nuestros guiones esas historias necesarias”.

García Herrero no se duerme en los laureles. Tiene entre manos tres proyectos de series de ficción, mientras revisa el guión de su primer largo. Al mismo tiempo, prepara una campaña de sensibilización con la Asociación Esperanza y Sonrisa, que apoya la investigación del cáncer infantil, y dirige el Ficticia, el festival de ficción online de Aranjuez.

Bel Carrasco

Dirección femenina: coraje de mujer

Posted on 6 febrero, 2018 por Begoña Siles

La librería, de Isabel Coixet (Goyas a Mejor película, dirección y guión adaptado)
Verano 1993, de Carla Simón (Goyas a Mejor dirección novel, actor de reparto y actriz revelación)
Premios Goya
Sábado 3 de febrero de 2018

“Lo que más valoro de un ser humano es la virtud que comparte con dioses y animales: el coraje”. Estas son las palabras del Sr. Brundish, personaje de ‘La librería’, que dirige a su interlocutora la Sra. Green, protagonista de la película, para añadir a continuación: “Y usted Sra. Green posee esa cualidad en abundancia”.

Fotograma de ‘La librería’, de Isabel Coixet.

Y verdaderamente hay que tener mucho coraje no sólo para abrir una librería en un pueblo pequeño de la costa norirlandesa en los años cincuenta, sino también para colocar en el escaparate y recomendar abiertamente la lectura de la polémica obra de Vladimir Nabokov, ‘Lolita’.

Un estado de ánimo que comparte Frida, la niña protagonista de la opera prima, ‘Verano 1993’, de Carla Simón. En ella, relata el valor de la citada Frida, una niña de seis años, para adaptarse a su nueva vida tras la muerte de su madre. ‘Verano 1993’ narra la experiencia de un duelo vivido con llanto silencioso, inocente y valiente.

Fotograma de ‘Verano 1993’, de Carla Simón.

Oda a la creación

‘La librería’ y ‘Verano 1993’ son una oda al coraje para vivir, para creer y crear en la vida. Un coraje que las dos directoras han transmitido a sus personajes femeninos y a sus respectivas historias. Un coraje exhalado de la intensa y personal mirada creadora de ambas realizadoras. Así, la experimentada mirada de Isabel Coixet -16 películas reconocidas y premiadas a nivel nacional e internacional- y la novel de Carla Simón han conseguido conmover al público, a los miembros de la Academia de Cine español y a los miembros de los jurados de diversos festivales.

Un impetuoso valor creativo que supera cualquier impedimento que la industria cinematográfica pueda imponer a las mujeres, demostrando que cuando la creación está adherida a las entrañas angustiosas del creador, ésta consigue derribar todas las barreras hasta ofrecer la obra al mundo.

Ahora bien, se deberían impulsar ciertas políticas sociales, económicas y educacionales para que ese tránsito sea menos abrupto y el camino de la creación fuese menos intrincado y más llano en su andadura. De ese modo, probablemente, más mujeres se animarían a adentrarse por esa senda de la creación y, con ello, quién sabe, tal vez habría más mujeres nominadas y galardonadas en los festivales.

Fotograma de ‘La librería’, de Isabel Coixet.

Begoña Siles

Historias de soledad a los Goya

Posted on 2 diciembre, 2016 por Salva Torres

Graffiti, de Lluís Quilez, y ‘Oa’, de Jaime Maestro
Cortometrajes preseleccionados a los Premios Goya
Presentados en la Filmoteca de Valencia
Martes 29 de noviembre de 2016

“Yo he visto similitudes entre ambos cortos”, señaló Carlos Escutia, productor de ‘Oa’, la película de animación dirigida por Jaime Maestro, presentada en La Filmoteca de Valencia junto a ‘Graffiti’, de Lluís Quilez. Y las había. “A nivel narrativo”, precisó Escutia. Se trata de dos películas preseleccionadas a los Goya en los apartados de animación y de ciencia ficción, respectivamente, que muestran universos apocalípticos. En el caso de ‘Graffiti’, abiertamente apocalíptico, más atenuado en el de ‘Oa’, pero igualmente escorado hacia la desolación del mundo.

Casualidad o no, lo cierto es que la tendencia a mostrar la vida de nuestra especie amenazada por fuerzas extrañas constituye un rasgo temático a tener en cuenta. Que es lo que hacen Maestro y Quilez, centrando su atención en historias de soledad que buscan un hueco en los próximos Premios Goya de la Academia del Cine Español. Para ello, ya han superado una primera criba, que les otorga el honor de estar entre las 15 películas de ficción y las 10 de animación preseleccionadas, de entre más de 500 trabajos presentados.

Fotograma de ‘Graffiti’, de Lluís Quilez, preseleccionado a los Premios Goya.

‘Graffiti’, cuyo productor Cristian Guijarro reveló un coste cercano a los 100.000 euros, parte de los cuales corresponde a las ayudas a la producción de CulturArts, se rodó en Pripyat, la ciudad fantasma cercana a Chernobyl. “Estaba enamorado de ese lugar”, explicó Quilez, que pudo desplazar un pequeño equipo hasta allí una vez superados los problemas de radicación que impedían su ocupación. “Quería mostrar cierto universo pos apocalíptico para contar una historia de amor entre dos personajes, pero que sólo apareciera uno”.

Edgar (Oriol Pla) deambula entre pabellones industriales vacíos y nevados “siete años después del incidente”, así arranca la película. Un incidente que le ha dejado solo en medio de la nada, hasta que cierta misteriosa mujer se comunica con él por medio de graffitis. “Me apetecía contar una historia de amor contemporánea, a base de esos mensajes cortos tan propios de las redes sociales en busca de pareja”, apuntó Quilez, quien abundó en la idea de “soledad” e “imaginación” para explicar ese amor en medio de un universo apocalíptico. Algunos interiores fueron rodados en localizaciones de Alzira y Sagunto, de ahí la importancia del equipo artístico a la hora de ligar todas las escenas.

Fotograma de ‘Oa’, de Jaime Maestro, preseleccionado a los Premios Goya.

‘Oa’, aunque muestra igualmente un paisaje desolado y frío, se va escorando hacia otro lugar. “Más allá de la desolación, habla de los sacrificios para lograr lo que uno desea”, señaló Maestro. Realizado “sin ánimo de lucro” por alumnos de la escuela Primer Frame y, en este sentido, de coste cero, se presenta a los Goya con la intención de seguir abriéndose camino. “Si el cine español es el patito feo del cine, el cortometraje lo es más todavía y el de animación es el patito feo del patito feo”, exclamó Maestro.

Ambientada en Mongolia (“hubo que hacer un importante trabajo de investigación”), la historia de ‘Oa’ es “un viaje iniciático hacia la madurez”, subrayó su director, quien alabó el “esfuerzo casi titánico” de los alumnos por sacar adelante su propuesta. Una estrella fugaz servirá de guía a los dos aislados protagonistas de la trama. “Es el momento memorable a partir del cual se desarrolla el resto de la historia”, comentó Maestro.

José Luis Moreno, director adjunto del IVAC, resaltó que otras 15 producciones valencianas compiten por alcanzar las nominaciones a los Goya, cuyos académicos votarán en las próximas semanas los finalmente candidatos a los premios. El Institut Valencià de Cultura ha enviado a todos los académicos los trabajos valencianos, facilitando así su visionado. Es lo que corresponde a una institución pública que busca un retorno a su inversión. “Hacemos lo que podemos”, concluyó Guijarro, en relación con su camino a los Goya, haciéndose eco del sentir general.

Fotograma de ‘Graffiti’, de Lluís Quilez.

Salva Torres

Graffiti y Oa, preseleccionados a los Goya

Posted on 31 octubre, 2016 por MAKMA

Graffiti, de Lluis Quilez, y Oa, de Jaime Maestro
Preseleccionados para las nominaciones a los Premios Goya 2017
Categoría de cortometrajes

Los cortometrajes valencianos ‘Graffiti’ de Lluis Quilez y ‘Oa’ de Jaime Maestro han sido preseleccionados por la Academia de Cine para participar en las nominaciones de las categorías de cortometraje de los Premios Goya de 2017.

Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Dentro de la categoría de ficción ha sido preseleccionado ‘Graffiti’, dirigido por Luis Quilez y producido por la productora valenciana Ainur Films. Se trata de un cortometraje de ciencia ficción, ambientado en un mundo apocalíptico, que está interpretado por Oriol Pla. En su recorrido por festivales, ‘Graffiti’ ha ganado el Premio al Mejor Cortometraje Europeo y el Mélies de Plata en el Festival de Sitges, el Premio al mejor Corto en los festivales de Santa Bárbara y de Ciencia Ficción de Boston, entre otros. ‘Grafitti’ forma parte del catálogo de promoción del cortometraje valenciano ‘Curts 2016’ y ha contado con las ayudas a la producción del Institut Valencià de Cultura, que se convocan anualmente a través del IVAC.

Oa, de Jaime Maestro. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Dentro de la categoría de animación, ha sido preseleccionado ‘Oa’, dirigido por Jaime Maestro y producido por Primer Frame. Escuela de Animación. ‘Oa’ es un cortometraje sin diálogos sobre el viaje que emprenden dos niños tras la caída de una estrella fugaz en la estepa de Mongolia.

La Academia de Cine ha seleccionado 26 cortometrajes para competir en la 31 edición de los Premios Goya en las categorías de animación, documental y ficción. Una Comisión formada por miembros de la Junta Directiva de la institución han seleccionado ocho títulos por animación, cuatro en el apartado de documental y catorce en la categoría de ficción. Estos cortometrajes podrán ser votados en las próximas semanas por todos los académicos para decidir los que, finalmente, optarán a los Premios Goya.

Cartel de Graffiti, de Lluis Quilez. Imagen cortesía de IVAC La Filmoteca.

Cuaderno de bitácora en Donostia Zinemaldia

Posted on 20 septiembre, 2016 por Neus Flores

64 Festival de Cine de San Sebastián – Donostia Zinemaldia 2016
Hasta el 24 de septiembre de 2016

El primer fin de semana del Festival de San Sebastián ha presentado su mejor elenco en esta 64 edición, con la calidad que merece un festival de categoría A como el de Cannes o Venecia. Por él han pasado las estrellas nacionales e internacionales más rutilantes, presentando sus películas para la nueva temporada.

En un ejercicio de agradecimiento infinito a la gente que dedica su vida a la cultura, os describiré a modo de diario las experiencias que se han vivido en este enclave, desde el punto de vista de una periodista entusiasta.

Viernes 16 de Septiembre

Empieza el día temprano: el vuelo sale a las 7.50h desde el Prat (Barcelona) con destino Fuenterrabia (Donostia). Hay que ducharse rápido, terminar la maleta, repasar que no se olvide el DNI y la tarjeta de embarque, y liarse la cámara al cuello para llegar una hora antes al aeropuerto.

Este es un día especial porque empieza el Festival de Cine de San Sebastián, donde veremos las películas que se estrenarán en los cines próximamente. Hay que prepararse para duras jornadas de visionados de películas, ruedas de prensa, redacciones, entrevistas, networking, prisas, y alguna que otra desorganización. Pero también es un día especial porque habrá luna llena con eclipse parcial -lo que puede significar algún estrés añadido involuntario (o no, ya se verá lo que destina el cosmos).

El vuelo llega puntual a destino, pero llueve. Y la previsión es que llueva aún más. Así que taxi hasta el hotel y bus directo al Kursaal (sede central del festival). Hay que llegar antes de las 10h a sacarse la acreditación porque a esa hora empieza la película inaugural, ‘La fille de Brest’. También hay que cerrar aún algunas entrevistas, no confirmadas aún, y pasarse por la sala de redacción a ver el tablón del día con los horarios de las proyecciones. En algún momento hay que hacer parada obligatoria para un café en el club de periodistas y desayunar un algo rápido para despejarse.

A las 13h empieza puntualmente ‘Orpheline’ (la huérfana), la película francesa de la que todo el mundo habla, en el cine Trueba 2. ¡Hay que correr con el paraguas, porque llueve a cántaros! Esperar, hacer cola, entrar agolpados, sentarse y concentrarse otra vez.

Instantes previos a una de las primeras proyecciones del Festival. Fotografía: Neus Flores.

Esta peli es cruda, visceral, incluye un amplio muestrario de reality bites (cruda realidad) no apta para quienes desean ser padres/madres algún día, pero aconsejable, sin duda, para quienes nunca hayan pasado por una experiencia vital semejante.

La tarde se presenta diluviando. Hay que resetear la planificación, porque no se puede andar por las calles de Donostia sin empaparse… Así que hay que cobijarse, volver al Kursaal a reservar las entradas de las películas del sábado, comer unos pintxos con sidra en la calle mayor, y esperar a que empiece el visionado de ‘Neruda’, a las 22h en el Teatro Principal. Paciencia.

En menos de dos horas, la película sobre Neruda nos envuelve, nos atrapa en un mundo poético y a la vez mundano, con un desenlace paradójico y un sentimiento de ternura hacia el personaje que no desaparece incluso después de terminar la sesión.

Una vez en la calle ya no llueve, pero las nubes permanecen. La luna se esconde entre un algodón gris con aires timburtonianos. Está claro que ésta noche no se dejarán ver, ni ella, ni el eclipse.

Tras un día muy completo, hay que recogerse en la habitación, cargar el móvil, y descansar… o no, según lo que surja este viernes donostiarra. ¿Habrá suerte en la gala de inaugración?

Sábado 17 de Septiembre

Empieza otro día extenuante: el bus de prensa sale puntual a las 7.45h hacia el Kursaal porque se presenta ‘Los siete magníficos’ en la sala 1, y ¡está repleta hasta reventar!

Son dos horas de remake, con la clase indiscutible de Denzel Washington como protagonista y el saber hacer de Ethan Hawke (quien además será uno de los premios principales del Festival por su carrera profesional de más de 30 años (aunque él sólo tiene 46).

Tras la película y los aplausos entusiastas, Ethan Hawke hace una de las mejores ruedas de prensa a las que he asistido hasta la fecha. Se muestra agradecido, amable, simpático, guapo, elegante y muy inteligente en sus respuestas a los periodistas etéreos y a las periodistas diáfanas.

Destaca claramente su amor por el arte del cine, su enfoque de vida profesional, su interés por conocer otras culturas y su admiración por Denzel Washington (su compañero de reparto en esta película). Desea volver a Donostia habiendo dirigido una película propia y demostrando que su amor por este arte no tiene límites.

Si ya era una fan incondicional del actor desde que hiciera ‘El club de los poetas muertos’ en los 80′, ahora, además, le aprecio profundamente como persona. Es magnífico, sin duda.

El actor Eduard Fernández, protagonista de la cinta ‘El hombre de las mil caras’, durante su presencia en el Festival. Fotografía: (c) Fotos i Films.

Rápidamente, hay que volver a tomar café para seguir a las 12h en punto con ‘El hombre de las mil caras’. El cine nacional gana muchos enteros con este trabajo impecable de Alberto Rodríguez (director de ‘La isla mínima’), dirigiendo con maestría a Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura y Emilio Gutiérrez Caba.

A quien no le suenen los nombres de Francisco Paesa o Luís Roldán debe verla obligatoriamente. Y a quien le suenen, también. No hay excusa para lo contrario. Nuestra historia se repite una y mil veces y esta película da fe de ello.

En el Festival también hay tiempo para la buena comida y apetece una tortilla de patatas con ensalada de kumatos en el Reina María Cristina. Anónimamente, me apoltrono en la butaca y permito que me sirvan con distinción y glamour de estrella -como a Gina Lolobrigida en su momento-.

Por los salones principescos del María Cristina andan sueltos, como por arte de magia, actores, directores, productores, gente guapa y hordas de fans incondicionales capaces de esperar eternamente bajo la lluvia a sus ídolos de póster adolescente.

Son casi las 16h y en la sala 2 del Kursaal hay rueda de prensa de la película de ayer, que aún me da vueltas en la cabeza: ‘Neruda’. Por suerte, el tiempo nos da una tregua y ya no llueve (de momento). Boli de lujo en mano, me oxigeno para volver a tomar notas y desgranar fotogramas festivaleros.

Gael Garcia presenta ‘Neruda’ en la rueda de prensa, donde, además, se le pregunta sobre el Premio al Cine Latino que le concede el Festival. Humildemente, nos muestra su lado más mundano, más cercano y más personal de sí mismo.

Y con el sábado casi completado, no puedo perderme una visita a la playa de la Concha y al monte Higueldo al atardecer, ahora que ya no llueve. Subo por el teleférico y Donostia me regala una de las visiones más inolvidables y conmovedoras de todo el fin de semana. El cielo añil y la luna aún tímida tras las nubes me ponen la piel de gallina.

Vuelvo a la ciudad obligada por los horarios de los maquinistas, pero embelesada por los aires norteños del ocaso, a la víspera de un sábado noche que se presenta algo ambivalente (Guinness en mano) en la Taberna Picachilla, mientras suenan hits ochenteros desgastados.

Domingo 18 de Septiembre

Que el domingo es día de descanso es algo que no se estila en el Festival.

En el cine Príncipe se sigue la programación establecida y a mediodía se presentan en exclusiva para prensa los primeros diez minutos de ‘198. Los útlimos de Filipinas’, dirigida por Salvador Calvo, que deja impresionados a los asistentes en la sala. En un alarde de alta tecnología, la película nos muestra imágenes rodadas con drones y helicópteros de paisajes tropicales de las islas que, más allá de la trama del guión, son de un valor incalculable.

Entre el elenco se encuentran actores de la talla de Luis Tosar, Emilio Palacios, Álvaro Cervantes, Javier Gutiérrez, etc., y también Ricardo Gómez (el conocido Carlitos de la serie ‘Cuéntame’) y Miguel Herrán (premio Goya al mejor actor revelación por ‘A cambio de nada’), a los que tuve el placer de entrevistar personalmente.

El actor Sergi López, durante su paso por el Festival para presentar ‘Orpheline’. Fotografía: (c) Fotos i Films.

Después de un encuentro fugaz en el GU (el barco amarrado al final del Boulevard) con Sergi López, actor catalán a quien admiro desde hace tiempo y que aparece en la película ‘Orpheline’, (mencionada con anterioridad), hacía llegada finalmente al Festival el archiconocido actor inglés Hugh Grant, tras haber sufrido un retraso en su vuelo a Donostia. No sin evitar a los fans, ni a la subsiguiente rueda de prensa, ¡por supuesto!

Sin duda, una vertiente interesante reside en determinadas secciones, al margen de la oficial, donde se muestran películas de gastronomía, deporte, nuev@s director@s, perlas, etc. Un auténtico lujo. Igualmente, cabe destacar aquellas actividades desarrolladas en la ciudad, pararelas al Festival, como la exposición fotográfica de la visita de Hitchcock a Donosti en 1948, y la larga lista de personalidades y actores, actrices, directores que quedan aún por llegar a lo largo de la semana -como Sigourney Weaver, Richard Gere y Oliver Stone-.

Y tras todo lo que os he explicado ¿a qué esperáis para ir al Festival? Tenéis tiempo hasta el 24 de septiembre, cuando se hará la gala de clausura y la entrega de premios.

Agur eta eskerrik asko.

Panorámica del Kursaal, sede oficial del Festival de Cine de San Sebastián. Fotografía: Neus Flores.

Neus Flores

‘El sueño de Andrómina’ ahora en Teruel

Posted on 11 agosto, 2016 por MAKMA

El sueño de Andrómina, de Jose Haro
Museo de Teruel
Plaza Fray Anselmo Polanco, 3. Teruel
Hasta el 25 de septiembre de 2016

El Museo de Teruel ha inaugurado su propuesta cultural para los dos próximos meses: se trata de la muestra fotográfica del artista Jose Haro ‘El sueño de Andrómina’, una producción del Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM) que se pudo disfrutar en Valencia de marzo a junio de 2015 y actualmente es itinerante.

‘El sueño de Andrómina’ es una exposición de fotografía que viaja por los universos de diferentes cineastas realizado a fuego lento a lo largo de más de diez años, donde realidad y ficción se entrelazan constantemente como mundos reales e imaginados que conviven y engendran el sueño mágico del cine.

Fotografía de Jose Haro. Imagen cortesía del Museo de Teruel.

Vista de la exposición de Jose Haro. Imagen cortesía del Museo de Teruel.

En el MuVIM esta exposición formó parte de una propuesta mucho más completa llamada ‘De cine. Universos cinematográficos’ y que comprendía tres grandes muestras: la de Jose Haro; ‘Imagen de un sueño’ (con instantáneas de los Premios Goya); y ‘Paseantes de Donostia’, que celebraba los 60 años del Festival de San Sebastián.

La exposición ‘El sueño de Andrómina’ estará abierta al público desde el 29 de julio hasta el 25 de septiembre en la sala de exposiciones temporales del Museo de Teruel, coincidiendo con la celebración del Festival Internacional de Fotografía Teruel Punto Photo.

Juan Carlos Gracia Suso, diputado delegado de Bibliotecas y Museos, destacó la “brillantez” con la que Jose Haro “explica a través de sus imágenes y de la experiencia personal que recogen de su amplia trayectoria, la clara vinculación existente entre el mundo del cine y también el de la fotografía”.

Luis Tosar (izda) y Eduard Fernández. Fotografía de Jose Haro, cortesía del Museo de Teruel.

Guillermo Polo destaca en el Oeste

Posted on 24 julio, 2015 por MAKMA

On the border, de Guillermo Polo
Cortometraje seleccionado en varios festivales de USA, España, Colombia

El cortometraje On the border, del valenciano Guillermo Polo, ha sido seleccionado en los festivales Joshua Tree International Film Festival (USA), Daroca&Prision (España) y FICMA (Colombia). Se trata de un western en el que un vaquero herido y perseguido se encuentra a una chica con las manos cubiertas en sangre que no habla inglés en medio del desierto. Al poco tiempo, un extraño amenazante aparece de la nada y reclama llevarse a la chica. El vaquero se ve forzado a tomar una difícil decisión.

Guillermo Polo, director de ‘On the border’. Cortesía del autor.

El actor principal de On the border, Ray Trickitt, tuvo papeles pequeños en The lord of the Rings (tercera parte) y Children of Men. El equipo de Grips, tanto el jefe como sus ayudantes, son los Grips de Madmen (Grips son los que trabajan, montan y mueven grúas, travellings y los encargados de la iluminación que no está conectada a corriente, rebotar luz natural, etc). Además, la diseñadora de vestuario es la ayudante de vestuario del diseñador de las películas de Paul Thomas Anderson, con quien trabajó en su último film, Inherent Vice.

On the border fue igualmente seleccionado para Los Angeles Cinefest y el IFS Beverly Hills Film Festival(USA). A este festival fueron seleccionados e invitados los directores David Cronenberg y Paul Thomas Anderson, así como las actrices Julian Moore y Andie MacDowell.

Fotograma de ‘On the border’, de Guillermo Polo. Cortesía del autor.

Guillermo Polo ha sido también director de foto de la segunda unidad y operador de cámara de la película Appetites que se estrenó a principios de 2015. La película está producida por Daniel Frisch, co-productor de Grindhouse y The Hostel. Fue operador de cámara en el cortometraje Aquél no era yo, nominado a los Óscar 2014 y ganador del Goya 2013, aparte de más de 50 festivales entre nacionales e internacionales.

Ahora mismo, Guillermo Polo se halla inmerso en el guión de su primer largometraje que tiene pensado mover entre finales de año y principios del siguiente para conseguir financiación y rodarlo en 2016, con producción (todavía por confirmar) de Daniel Frisch.

En noviembre le han ofrecido hacer la dirección de fotografía de una película llamada Underneath que se rodará en EEUU por el director Joel Novoa, director de Esclavo de Dios y recientemente ha rodado ID2: Shadwell Army película sobre hooligans en Inglaterra y producida por Patrick Cassavetti (productor de Miedo y asco en Las Vegas y Brazil) y Sally Hibbin (productora de las películas de Ken Loach).

Fotograma de ‘On the border’, de Guillermo Polo. Cortesía del autor.

“Ahora quien no paga es la entidad pública”

Posted on 27 febrero, 2015 por Salva Torres

Jornada ‘Nuevas fórmulas de financiación para el sector audiovisual’
Sala Berlanga
Filmoteca de Valencia
Celebrada el jueves 26 de febrero, 2015

Quien debiera dar ejemplo de cumplir con sus obligaciones, resulta que no lo hace. De manera que el sufrido ciudadano pagador de impuestos, ve cómo es ahora la institución pública quien se encarga de dar largas a sus compromisos de pago. Largas que en muchos casos se hacen eternas. “Jamás pensamos que el gran problema fuera la entidad pública”, reconoció Rafael Lambea, director general audiovisual de SGR (Sociedad de Garantía Recíproca). Lo hizo en el marco de la jornada ‘Nuevas fórmulas de financiación para el sector audiovisual’ celebrada en la Sala Berlanga de la Filmoteca.

Barbara Lennie en un fotograma de ‘Magical girl’, de Carlos Vermut.

Ximo Pérez, presidente de Productors Audiovisuals Valencians (PAV), organizadora del encuentro, abrió la jornada subrayando que la financiación de la cultura en España estaba “en mínimos históricos”. Y que la cultura siempre necesitará de la ayuda pública: “Si, por poner un ejemplo, el Teatro Real de Madrid cobrara por butaca lo que vale la ópera, se multiplicaría por veinte su precio”. De manera que la autofinanciación y la subvención pública son las dos vías que deben converger para sacar adelante el sector audiovisual.

De ahí la perplejidad de Rafael Lambea, en torno a esa garantía nula de cobro por parte de la entidad pública. “La subvención del ICAA (Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales) es cero, ninguna garantía”. Jesús Prieto, abogado de Egeda, puso el acento en la “mala definición jurídica de la política de subvenciones”, lo que tenía como consecuencia la “incertidumbre acerca de lo que te van a conceder”.

Fotograma de ‘El niño’, de Daniel Monzón.

Pero como la jornada estaba pensada para debatir acerca de las nuevas fórmulas de financiación, dejando a un lado la paralizante queja y el pesimismo, José Luis Moreno, director general de CulturArts, ofreció una cifra esperanzadora, los “cinco millones destinados a todas las líneas de ayudas al audiovisual valenciano”, que remachó con un “como nunca”. Y para seguir levantando el ánimo, María Coronado, coordinadora del sector cultural de Triodos Bank, explicó la labor de su banco a la hora de dar liquidez a proyectos teniendo principalmente en cuenta sus “aspectos cualitativos”.

Ximo Pérez afirmó que no se debían patrocinar las artes, “sino el disfrute de las artes”, aludiendo al fomento de “políticas culturales de incentivos sociales”. Incentivos, por ejemplo, para consumir cultura, que pasaba por la rebaja del IVA cultural. El “mal llamado IVA cultural”, según Prieto, cuya “fiebre” espera “que pase”.

Fotograma de ‘Magical Girl’, de Carlos Vermut.

Hasta entonces, bienvenidos sean los éxitos de SGR, que cumple diez años avalando más de 1.000 proyectos audiovisuales y 220 millones en producciones, con apenas el “0,98% de morosidad”, destacó Lambea. “Lo hemos conseguido porque cuando lo intentamos al principio no sabíamos que era imposible”, ironizó, tras recordar “la risa y el desprecio” de algunas entidades cuando contaron su proyecto avalista. “Todas las películas de los Goya han sido producidas con aval de SGR”, puntualizó orgulloso Lambea.

Entre ellas, Magical Girl: “Nos ha sorprendido porque es un producto pequeño que ha funcionado muy bien”. Como lo han hecho ‘Ocho apellidos vascos’, ‘La isla mínima’ o ‘El niño’. “Es más importante el guión que el activo circulante”, dice Lambea, quien subraya igualmente que “limitar la liquidez de un proyecto es un error”. Y agrega: “En el cine de guerrilla [cine de bajo presupuesto -200.00€] bulle el talento de este país”.

De las AIEs (Agrupación de Interés Económico) habló Luis Sevillano, de JJL Abogados, de la tasa catalana para prestadores de servicios de comunicación electrónica, el productor Joan Antón González, y de Iberoamerican Film Bonds, Fernando Labrada. De la Ley de Mecenazgo también se habló para darla por perdida: “¡Es un bluff!”.

Fotograma de ‘La isla mínima’, de Alberto Rodríguez.

Salva Torres